Project Almanac (anche noto come Benvenuti a ieri) del 2015 è un film di fantascienza diretto da Dean Israelite e interpretato da Jonny Weston, Virginia Gardner, Sofia Black-D’Ellia, Sam Lerner e Allen Evangelista. Il film è prodotto da Michael Bay e appartiene al genere found footage, molto popolare all’inizio degli anni 2000. Arriva quindi in ritardo rispetto al genere, dando l’impressione di essere un film ormai superato. Tuttavia, potrebbe comunque essere considerato un film piuttosto intrigante, per via di come i protagonisti affrontano determinate dinamiche e delle conseguenze che ne derivano.

La trama va dunque in tutte le direzioni, con il risultato però che alcune delle motivazioni, sebbene comprensibili, finiscono per diventare piuttosto confuse, soprattutto quando la struttura dello spazio e del tempo potrebbe essere distrutta da un momento all’altro. Alla luce di ciò, in questo articolo andiamo ad approfondire la conclusione di Project Almanac, andando a chiarire alcuni risvolti del finale e come concludono la vicenda narrata.

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Cos’è Project Almanac?

Project Almanac appartiene al genere dei viaggi nel tempo, un sottogenere della fantascienza che si concentra sulla scienza speculativa dei viaggi nel tempo e sulle loro conseguenze per il mondo. Tra i membri più classici di questo sottogenere, possiamo trovare film come “Ritorno al futuro”, “Terminator” e anche film molto complessi come “Primer” o “Looper”. Il genere ha utilizzato l’elemento del viaggio nel tempo per mettere i personaggi di fronte a dilemmi morali seri e ambigui. Project Almanac segue questa tendenza e, come c’era da aspettarsi, le cose non andranno bene.

Il film inizia con la presentazione del nostro protagonista, un giovane scienziato di nome David. Lo vediamo lavorare a un progetto scientifico che presenterà per l’ammissione al MIT. La famiglia e gli amici lo hanno sostenuto e lui è stato ammesso alla prestigiosa scuola di scienze. Tuttavia, non ha i fondi necessari per frequentarla come studente. Sua madre ha intenzione di vendere la loro casa e trasferirsi in un posto più piccolo per avere abbastanza soldi da permettergli di frequentare il MIT. Dice che il padre di David avrebbe fatto lo stesso. Si scopre così che il padre di David è morto in un incidente d’auto molti anni fa.

David, sua sorella Christina e i suoi amici Adam e Quinn iniziano a cercare nel seminterrato qualcosa che possa dare loro abbastanza soldi. Ben, il padre di David, era un inventore, quindi probabilmente lì c’è qualcosa di valore. Trovano davvero qualcosa, una strana macchina che apparentemente è una macchina per viaggiare nel tempo. Sembra tutto molto inverosimile, ma viene alla luce che Ben stava lavorando a questa macchina per il governo prima di morire, il tutto nell’ambito di un progetto chiamato Almanac. David e i suoi amici fanno una scoperta ancora più spaventosa.

Trovano una videocassetta di molti anni fa. In essa vedono David che festeggia il suo compleanno. A quel punto sono tutti bambini e Ben è ancora vivo. Tuttavia, sullo sfondo, scoprono che c’è anche Ben adulto. Come? Sembra impossibile, tranne che per una spiegazione: la macchina funziona e, per qualche motivo, David torna indietro nel tempo fino a quel momento. David e il resto dei suoi amici decidono di completare la macchina e vedere se riescono a usarla. Questo li renderebbe sicuramente famosi e probabilmente anche molto ricchi.

Come è apparso David nel video del compleanno?

Così David e i suoi amici armeggiano con la macchina fino a quando non iniziano a sperimentare con i giocattoli. Riescono persino a trasportare indietro nel tempo una macchinina, ottenendo un enorme successo. Tuttavia, il processo non è del tutto pianificato e lungo il percorso si verificano alcuni errori. Durante uno di questi esperimenti, causano un blackout in tutto il quartiere. A questo punto, la ragazza di cui David è innamorato, Jessie, viene coinvolta nel progetto e suggerisce che forse dovrebbero provare a usare la macchina sugli esseri umani.

È pericoloso, ma David vuole farlo da solo, sapendo che alla fine viaggerà. Tuttavia, l’intero team si offre di accompagnarlo. Viaggiano nel tempo ed entrano nella casa di Quinn. Quinn segna il collo del suo sé addormentato con un pennarello, che appare anche sul suo collo. Tuttavia, quando Quinn si sveglia, succede qualcosa ed entrambi vengono quasi cancellati dall’esistenza. Sembra che due persone non possano conoscere l’esistenza l’una dell’altra sulla stessa linea temporale. Tornano indietro e David scopre che i loro esperimenti hanno causato dei disastri. Comincia a viaggiare indietro nel tempo da solo per sistemare queste cose.

Quinn diventa popolare grazie agli esperimenti, mentre Adam e Christina si baciano e iniziano a frequentarsi. Anche i sentimenti di David diventano una parte pericolosa dell’esperimento. Vuole tornare indietro nel tempo per salvare suo padre dall’incidente e vuole anche tornare al momento in cui avrebbe potuto baciare Jessie, ma non l’ha fatto. Tuttavia, questo diventa un altro problema perché Jessie scopre che lui ha viaggiato indietro nel tempo da solo. Lui ammette di aver viaggiato indietro nel tempo affinché lei potesse innamorarsi di lui. A questo punto, Jessie rivela di essersi innamorata di lui a prima vista. Durante uno di questi viaggi, Jessie incontra il suo sé passato e viene cancellata.

La polizia inizia a perseguire David, vedendolo come un possibile sospettato della scomparsa di Jessie. David conclude che l’unica cosa che può fare è tornare indietro nel tempo e impedire la creazione della macchina. Lo fa, e questo è il momento in cui torna al suo compleanno nel passato. Affronta suo padre, che capisce che completerà la macchina, ma dopo aver scoperto cosa succede, lo distrugge e distrugge se stesso, sapendo che ne creerà un’altra. La linea temporale viene resettata e tutto va bene. Conoscendo la linea temporale passata, David trova finalmente il coraggio di avvicinarsi di nuovo a Jessie, e si capisce che questa volta staranno insieme fin dall’inizio.

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Deepwater – Inferno sull’oceano (leggi qui la recensione) descrive accuratamente la vera storia di un grave incidente avvenuto il 20 aprile 2010 su una piattaforma petrolifera al largo della costa della Louisiana. Diretto da Peter Berg, il film racconta gli eventi che hanno portato all’esplosione della piattaforma petrolifera offshore, gestita dalla società Transocean per conto della BP. I lavoratori sono spinti al limite dai dirigenti della BP Donald Vidrine e Robert Kaluza (interpretati sullo schermo rispettivamente da John Malkovich e Brad Leland), mettendo tutti in pericolo.

Grazie alla solida interpretazione di Mark Wahlberg nei panni di Mike Williams, il vero capo tecnico elettronico a bordo della piattaforma, Deepwater – Inferno sull’oceano riesce a essere un film emozionante senza mai sminuire la gravità e la serietà della storia. È un film cupo, con momenti di eroismo che alla fine vengono oscurati dai risultati del fallimento di cui il pubblico è fin troppo consapevole. Il film è ammirevole per come si attiene alla storia reale dell’esplosione, come è evidente in questo confronto tra i veri eventi di quel giorno e il modo in cui i realizzatori del film hanno scelto di rappresentare la tragedia.

La vera storia dell’esplosione della Deepwater Horizon

Gli eventi che hanno portato all’esplosione della Deepwater Horizon sono accennati all’inizio dell’omonimo film. La figlia di Mike fa una dimostrazione di ciò che fa suo padre, che lavora nella trivellazione petrolifera. La ragazzina infila una cannuccia sul fondo di una lattina di soda e la riempie rapidamente di miele, che blocca il liquido frizzante solo per un attimo, dopodiché la soda esplode dalla parte superiore, divertendo tutti. È un elegante accenno a ciò che è realmente accaduto nella storia vera. Tuttavia, secondo Chron, quella scena è solo un’approssimazione di base. La vera storia dell’esplosione della Deepwater Horizon è più complessa.

Quel giorno, i perforatori hanno ricircolato in modo improprio una miscela di scarti nel pozzo per usarla come distanziatore tra l’acqua e il fondo dell’oceano. Di per sé non è un problema, ma la miscela ha finito per intasare le linee della trivella e ha falsato i risultati di due test di sicurezza. Quel test errato ha fatto credere ai perforatori che il pozzo fosse sigillato correttamente. Non era così. Proprio come una bicicletta deve essere sottoposta a manutenzione, così deve essere anche una trivella petrolifera. Qualcuno alla BP o alla Transocean è stato negligente. Il film descrive accuratamente questo aspetto: quando gli operai hanno rimosso la trivella e tappato il pozzo, l’esplosione è avvenuta a causa della mancanza di una tenuta adeguata.

Chi era davvero responsabile dell’incidente

Deepwater – Inferno sull’oceano descrive i manager della BP, Donald Vidrine e Robert Kaluza, come i principali antagonisti. Tuttavia, USA Today osserva che la responsabilità dell’esplosione non ricade interamente sulle loro spalle. Il film suggerisce che i due abbiano agito da soli nella decisione di affrettare i lavoratori della Transocean attraverso i controlli di sicurezza, causando l’esplosione, ma la verità è che c’è stata una comunicazione errata tra i perforatori della Transocean e i dirigenti della BP riguardo al pericolo della trivella. Vidrine viene costantemente mostrato mentre cerca di convincere i lavoratori della Transocean che le letture della pressione del pozzo sono false e li esorta a rimuovere un tappo critico dal pozzo.

Nel film, Vidrine spiega che l’effetto “vescica” sta causando letture false. La verità è che è stato in realtà un dipendente della Transocean a suggerire questa spiegazione non scientifica per le letture di alta pressione, e insieme il team ha stabilito che erano false. In realtà, Vidrine era confuso riguardo alle letture sulla piattaforma e ha chiamato i suoi superiori a terra per esprimere le sue preoccupazioni. Avere un avatar per la BP aiuta sicuramente il film a sembrare più centrato. Tuttavia, l’esplosione della Deepwater Horizon è stata il risultato di una cultura di negligenza istituzionale nella BP, nella Transocean e nell’industria petrolifera. Era solo questione di tempo prima che accadesse qualcosa di catastrofico.

Le persone reali della vicenda

Deepwater – Inferno sull’oceano è veritiero nella sua rappresentazione delle persone reali sulla piattaforma petrolifera, molte delle quali sono tragicamente morte nell’esplosione. Anche la caratterizzazione dei personaggi è spesso accurata. Nel film, Mike è al telefono con sua moglie (Kate Hudson in uno dei suoi ruoli migliori) proprio prima che avvenga l’esplosione, e questo è realmente accaduto, anche se in modo meno drammatico, secondo Time. Anche gli altri personaggi sono tutti basati su persone reali della storia vera. Dylan O’Brien interpreta Caleb Holloway, uno dei sopravvissuti, per esempio. E Donald Vidrine e Robert Kaluza sono stati incriminati dopo gli eventi, come mostrato nel film.

Tutti gli uomini che sono morti sulla piattaforma petrolifera sono rappresentati in Deepwater – Inferno sull’oceano. Anche se non tutti hanno ruoli importanti, tutti sono stati scritturati. Aaron Dale Burkeen, Karl Kleppinger Jr., Dewey Revette, Shane Roshto, Donald Clark, Stephen Ray Curtis, Gordon Jones, Roy Wyatt Kemp, Keith Blair Manuel, Adam Weise e Jason Anderson sono i nomi degli 11 deceduti che sono rimasti coinvolti nell’esplosione iniziale o sono morti quando la piattaforma è andata in fiamme.

Cosa è successo sulla Deepwater Horizon dopo l’esplosione

Quando il pozzo petrolifero esplode nella Deepwater Horizon, inizia una corsa per fuggire dalla piattaforma prima che venga completamente avvolta dalle fiamme. Per la maggior parte, il film rimane fedele alla storia reale, ma ci sono alcuni dettagli che sono stati modificati per il film. Sullo schermo, Andrea (Gina Rodriguez in uno dei suoi film più apprezzati), l’operatrice di posizionamento dinamico della piattaforma, cerca di inviare una richiesta di soccorso, ma viene zittita dal capitano Curt Kuchta (Dave Maldonado). La storia vera non è così eroica, ma molto più umana e comprensibile. Secondo Time, Andrea aveva l’autorità per attivare gli allarmi di emergenza, ma non lo fece immediatamente.

Quando si verificò l’esplosione, tutte e 10 le luci magenta sul pannello di controllo si accesero contemporaneamente, indicando il massimo livello di emergenza possibile. Lo shock di vedere questo per la prima volta sopraffece Andrea, motivo per cui non premette subito l’allarme. Una volta premuto l’allarme, gli eventi reali e quelli descritti nel film sono più allineati. Le scialuppe di salvataggio sono partite senza gran parte dell’equipaggio e Mike Williams si è lanciato dall’alto di 10 piani nell’oceano per sfuggire alla piattaforma in fiamme. Le ferite riportate e la totale distruzione della piattaforma petrolifera sono state prese direttamente dagli eventi di quel giorno.

Cosa è successo alla BP dopo il disastro

Deepwater – Inferno sull’oceano si conclude con una serie di immagini che mostrano le conseguenze del disastro naturale. Vengono mostrate le testimonianze dei personaggi reali, tra cui Mike Williams, e viene rivelato che Donald Vidrine e Robert Kaluza sono stati gli unici due a essere perseguiti penalmente, con accuse che sono state poi archiviate. Una postilla alla fine del film recita: “L’esplosione è durata 87 giorni, riversando circa 210 milioni di galloni di petrolio nel Golfo del Messico. È stato il peggior disastro petrolifero nella storia degli Stati Uniti”. Tutto questo è vero e non è stato esagerato per ottenere un effetto cinematografico.

C’è però una questione relativa a ciò che i registi hanno tralasciato. Non viene menzionato il fatto che la BP è stata costretta a pagare 20 miliardi di dollari per i danni ambientali e 4 miliardi di dollari in un’indagine penale. I manager della BP, Donald Vidrine e Robert Kaluza, erano i sostituti, ma è importante riconoscere come fosse l’organizzazione nel suo complesso a spingere tutti a completare la trivellazione. Il progetto sulla Deepwater Horizon era in ritardo di un mese, quindi l’azienda ha intenzionalmente accelerato i tempi per portarlo a termine. Erano proprio quelle misure di sicurezza che avrebbero potuto salvare il Golfo da un disastro ecologico e impedire la morte di 11 persone.

La verità su altri dettagli in Deepwater – Inferno sull’oceano

Per quanto riguarda i drammi storici, Deepwater – Inferno sull’oceano fa un ottimo lavoro nel descrivere gli eventi che si sono verificati a bordo della piattaforma e in seguito, ma ci sono alcuni piccoli dettagli che gli esperti hanno notato non corrispondere alla realtà. Ci sono alcuni piccoli punti controversi, come il fatto che i personaggi non utilizzino i corrimano, cosa che Transocean specifica come regola. Alcuni errori sono di portata più ampia, come una scena in cui il gas naturale fuoriesce dal sito di perforazione sott’acqua, cosa che non è avvenuta prima dell’esplosione.

Anche il titolo originale, Deepwater Horizon è improprio, poiché è il nome della piattaforma petrolifera e una descrizione dell’esplosione. La vera storia è che Transocean era proprietaria della piattaforma Deepwater Horizon, mentre BP era proprietaria del pozzo petrolifero, chiamato “Macondo”. Poiché è stato Macondo a esplodere, distruggendo Deepwater Horizon, si potrebbe sostenere che il disastro dovrebbe essere chiamato “Macondo”. Sebbene Transocean sia tutt’altro che innocente, BP ha la maggiore responsabilità e il loro pozzo sarebbe un nome più accurato per il disastro di cui alla fine sono stati responsabili.

Il finale di Operazione Vendetta (qui la nostra recensione del film) può sorprendere chi si aspetta che la conclusione coincida con quella del romanzo originale e del precedente adattamento cinematografico. Il film è il secondo basato sull’omonimo romanzo di Robert Littell. Quando il crittografo della CIA Charlie Heller perde la moglie in quello che sembra un attacco terroristico a Londra, decide di vendicarsi entrando in azione come agente sul campo, rivelandosi sorprendentemente efficace. Diventando un ribelle rispetto alla CIA quando l’agenzia tenta di fermarlo, Charlie oltrepassa sempre più spesso i limiti morali nel suo tentativo di ottenere vendetta.

I personaggi di Operazione Vendetta spaziano da alleati inaspettati a nemici ingannevoli, mentre la ricerca di giustizia di Charlie dopo la morte della moglie lo porta in giro per il mondo e oltre qualsiasi cosa avesse mai immaginato. Questo porta infine a una vittoria sorprendentemente agrodolce per Charlie, che non si allontana mai dal tema centrale del film: il lutto. Ecco cosa succede a Charlie nel finale di Operazione Vendetta e come questo sovverta in modo discreto molti elementi che erano fondamentali nelle versioni precedenti della storia.

Il piano finale di Charlie e come smaschera la CIA

Il piano finale di Charlie in Operazione Vendetta si rivela essere guidato non tanto dal desiderio di vendetta quanto dalla ricerca di giustizia, ribaltando le aspettative. Per gran parte del film, Charlie è stato disposto a usare le risorse della CIA e la propria intelligenza per dare la caccia a Horst Schiller, il leader di un gruppo di mercenari i cui tentativi di fuga dopo una missione fallita hanno portato alla morte della moglie di Charlie.

Dopo aver ucciso tre degli associati di Schiller e aver finalmente raggiunto il criminale, Charlie non lo uccide quando ne ha l’occasione. Invece rivela di averlo solo tenuto occupato.

Prima di lasciarsi catturare, Charlie aveva preso il controllo a distanza della barca di Schiller e aveva organizzato che l’imbarcazione uscisse dalle acque internazionali. Questo permette all’Interpol di intervenire rapidamente, arrestando Schiller. Nel processo viene anche smascherata la cospirazione all’interno della CIA guidata dal vice direttore Alex Moore. Il piano finale di Charlie si conclude quindi con la sua sopravvivenza alla missione apparentemente suicida e con l’assicurarsi che i responsabili della morte di sua moglie — e coloro che hanno tratto vantaggio da quelle azioni — vengano portati davanti alla giustizia.

La cospirazione della CIA spiegata

Al centro di Operazione Vendetta c’è una cospirazione che Charlie scopre durante il suo normale lavoro come analista della CIA. Si scopre che Alex Moore opera da anni sotto il radar del direttore della CIA, ordinando operazioni segrete che oltrepassano limiti morali ed etici.

Le ricerche di Charlie rivelano che Moore ha organizzato operazioni “false flag” per proteggere gli interessi americani, facendo passare attacchi accidentali con droni contro civili come attentati suicidi e utilizzando il gruppo di mercenari di Schiller per portare a termine queste missioni.

Quando Charlie dimostra di conoscere la verità, diventa chiaro che Moore non ha scrupoli: arriva persino a uccidere uno dei suoi agenti per nascondere le prove. Accetta di addestrare Charlie solo per guadagnare tempo e permettere ai suoi uomini di trovare le prove raccolte dall’analista, ordinandone l’uccisione appena possibile.

L’aspetto più inquietante della cospirazione è quanto sembri diffusa all’interno della CIA. Sebbene Moore e il suo braccio destro vengano arrestati dopo lo scandalo, molti degli altri agenti sotto il suo comando sembrano non subire alcuna conseguenza.

Perché Henderson cerca di uccidere Charlie

Henderson viene introdotto come il mentore di Charlie durante l’addestramento sul campo. Moore gli ordina di uccidere Charlie non appena ne ha l’occasione. Tuttavia, con sorpresa di Henderson, Charlie si dimostra abbastanza intelligente da restare sempre qualche passo avanti agli agenti della CIA.

Henderson lo insegue in giro per il mondo e finisce per sviluppare un certo rispetto nei confronti del giovane analista. Quando Henderson viene ferito da un altro agente durante l’inseguimento, Charlie esita a lasciarlo e non tenta di ucciderlo.

Questo potrebbe spiegare perché Henderson smette di inseguirlo nel resto del film. Al suo posto, è il collega di Charlie soprannominato “Bear” a cercarlo in Russia per convincerlo ad abbandonare la missione. Henderson sembra sinceramente dispiaciuto per l’ordine di uccidere Charlie e il film si conclude con i due in buoni rapporti. La loro scena finale, dopo il ritorno di Charlie negli Stati Uniti, suggerisce che tra loro si sia sviluppato un rapporto di rispetto reciproco.

La CIA era responsabile della morte di Sarah?

Sebbene il gruppo di mercenari che ha ucciso Sarah abbia lavorato occasionalmente con la CIA, l’organizzazione americana non era coinvolta nella missione che ha portato alla sua morte.

Secondo i rapporti mostrati nel film, i tre mercenari si trovavano nella banca di Londra per un colpo che è andato storto, causando numerose vittime. Nel tentativo di fuggire, hanno preso diversi ostaggi, tra cui Sarah.

Come spiega Schiller a Charlie durante il loro confronto finale, Sarah è stata uccisa solo per dimostrare alla polizia che i criminali erano pronti a uccidere gli altri ostaggi se non fosse stata concessa loro una via di fuga. È stata semplicemente la sfortunata vittima scelta per dimostrarlo.

Gli spettatori potrebbero inizialmente pensare che la cospirazione della CIA sia collegata alla sua morte — cosa che avveniva nel romanzo e nel film del 1981. In quelle versioni, la fidanzata di Charlie veniva uccisa per aiutare a infiltrare una spia doppia nel gruppo terroristico.

Nel film del 2025, invece, la CIA non sembra aver voluto la morte di Sarah, ma era disposta a rallentare le indagini sui suoi assassini a causa dei loro legami con l’agenzia. In questa versione, quindi, la morte di Sarah è più una tragica coincidenza.

Differenze tra il finale del film e quello del libro

Operazione Vendetta termina con Charlie che torna negli Stati Uniti, soddisfatto di aver smascherato la cospirazione nella CIA e di aver affrontato gli uomini che hanno ucciso sua moglie. Viene confermato che riprenderà il suo lavoro nell’agenzia e sviluppa un rapporto di rispetto con Henderson.

Questo finale è molto diverso da quello del romanzo e del film originale. Nelle versioni precedenti, Charlie collaborava con un’ex agente della CIA di nome Elizabeth (nel libro) o Elisabeth (nel film del 1981). In entrambe le storie, questo personaggio aiutava Charlie a vendicarsi e poi iniziava una relazione sentimentale con lui.

Nel film del 2025 questo ruolo è svolto da Inquiline, ma ogni possibile storia d’amore viene appena accennata e diventa irrilevante quando lei muore aiutando Charlie. Inoltre, nelle versioni precedenti Charlie uccideva l’uomo che aveva assassinato la sua compagna; nel nuovo film invece risparmia Schiller, assicurandosi però che venga arrestato.

Anche il destino di Henderson è diverso: nel film originale moriva, mentre qui rimane soltanto ferito.

Il vero significato di Operazione Vendetta

Operazione Vendetta parla in definitiva di due forze opposte che possono spingere una persona a compiere azioni estreme. Il bisogno di giustizia di Charlie per la morte della moglie lo porta a rivelare crimini più grandi all’interno della sua stessa agenzia.

I villain del film sembrano vivere serenamente, senza preoccuparsi delle conseguenze delle loro azioni. Non si nascondono né complottano: semplicemente si godono la vita. Uno dei temi centrali del film è quindi l’importanza della responsabilità, e Charlie diventa inaspettatamente l’incarnazione di questo principio — anche se lui stesso non paga davvero per tutte le sue azioni.

Il secondo significato del film è più malinconico. Alla radice della rabbia di Charlie c’è un dolore profondo. Immagina spesso Sarah accanto a sé e dice al suo collega Bear che deve portare a termine la missione perché non riesce a sopportare l’idea di tornare a casa senza di lei.

Questo tema emerge ancora di più quando si scopre che anche Inquiline è vedova. I due condividono il loro dolore e riconoscono che avere uno scopo — persino la vendetta — è un modo per riempire il vuoto lasciato dalla perdita dei propri cari.

In definitiva, Operazione Vendetta parla di come si cerca di superare il lutto — e di quanto lontano possa spingere una persona.

Il finale di The Gentlemen del 2020 (qui la nostra recensione) è pieno di colpi di scena e svolte impreviste, e c’è molto da analizzare in uno dei migliori film mai realizzati da Guy Ritchie. Il film rappresenta in gran parte un ritorno alle origini per il regista, come dimostra la ricezione positiva di The Gentlemen, e lo vede tornare a concentrarsi sulla scena criminale britannica. Tuttavia, nel suo stile abituale, Ritchie propone una trama che a volte può essere difficile da seguire, soprattutto quando vengono rivelati nuovi dettagli.

Il cast di personaggi di The Gentlemen contribuisce al caos con diverse linee narrative talvolta complicate da seguire. Mickey Pearson (Matthew McConaughey) vuole vendere il suo vasto impero della marijuana a Matthew Berger (Jeremy Strong), che in segreto collabora con Dry Eye (Henry Golding), membro della triade criminale asiatica, per sabotare l’accordo attaccando le coltivazioni di Mickey. Nel frattempo, l’investigatore privato Fletcher (Hugh Grant) ricatta Raymond (Charlie Hunnam), il braccio destro di Mickey, minacciando di rivelare informazioni sull’operazione criminale di Mickey. Il finale di The Gentlemen costruisce così un epilogo tortuoso che rivela la verità in modo divertente, anche se un po’ confuso, e che richiede un’analisi più approfondita.

Il film di Guy Ritchie include anche musica old-school che si adatta allo stile collettivo dei protagonisti. Ecco tutte le canzoni principali presenti nella colonna sonora.

Come finisce il film The Gentlemen

Al centro di uno dei migliori film di Guy Ritchie c’è il business della marijuana gestito da Mickey. Dopo i problemi avuti dalla sua attività, Mickey e Berger si incontrano di nuovo per concludere l’accordo. Tuttavia, Berger sostiene che il furto abbia compromesso non solo una delle sedi ma tutte e 12, riducendo così la valutazione dell’azienda da 400 milioni di dollari a 130 milioni.

Alla fine Mickey capisce il piano di Berger e decide di non vendere. Lo rinchiude in una cella frigorifera finché non paga comunque Mickey e finché non gli viene tolta letteralmente “una libbra di carne” dal corpo.

Nel frattempo Ray incontra di nuovo Fletcher, che crede di stare per ricevere i 20 milioni di dollari richiesti. Invece scopre di essere stato ingannato da Ray per tutto il tempo. Ray rivela infatti di aver spiato Fletcher mentre lui spiava loro, perché aveva bisogno che Fletcher rivelasse ciò che sapeva sulla collaborazione tra Dry Eye e Berger.

Con la sua vita in pericolo, Fletcher rivela un’altra informazione importante: dei gangster russi stanno arrivando per assassinare Mickey e Ray, dopo un incidente in cui il figlio di un gangster russo è morto cadendo nel vuoto.

La sorpresa arriva quando Coach (Colin Farrell) uccide i due uomini che stavano venendo a prendere Ray, mentre i ragazzi di Coach eliminano quelli che avevano rapito Mickey.

Il gangster russo aveva pagato Fletcher per sapere quando e dove avrebbe potuto vendicarsi di Mickey e Ray. I russi rapiscono Mickey dopo l’incontro con Berger, mentre altri si dirigono verso la casa di Ray. Tuttavia Coach uccide gli uomini diretti da Ray, e i suoi ragazzi eliminano quelli che stavano portando via Mickey — anche se lo fanno per errore, perché volevano uccidere Mickey stesso.

Nel finale di The Gentlemen, Mickey riesce a fuggire, i piani di Berger falliscono e Ray rintraccia Fletcher, che era scappato dal pericolo.

Il piano di Dry Eye e Berger

Un aspetto chiave rivelato nel finale riguarda il piano tra Dry Eye e Berger per far cadere Mickey. In sostanza Berger vuole collaborare con Dry Eye per ridurre il valore dell’impero di Mickey, con l’accordo implicito che Dry Eye diventi il suo secondo in comando. Dry Eye riesce a farlo convincendo i ragazzi di Coach a rubare a Mickey, ma le sue azioni non erano state approvate da Lord George (Tom Wu), il capo del sindacato criminale asiatico.

Se tutto fosse andato secondo i piani, Berger avrebbe comprato l’impero della marijuana a un prezzo molto inferiore al suo valore reale, mentre Dry Eye avrebbe ottenuto il potere che desiderava. Invece Dry Eye cambia il piano dopo aver ucciso Lord George e minaccia Berger affinché si faccia da parte mentre lui prende il controllo. Offre quindi di comprare personalmente l’impero di Mickey, ma Mickey rifiuta.

Questo porta Dry Eye ad aggredire Rosalind (Michelle Dockery), la moglie di Mickey. Mickey lo sorprende sul fatto e lo uccide. Il cadavere di Dry Eye viene poi usato per intimidire Berger e costringerlo a fare ciò che Mickey vuole.

Il piano di Fletcher

Per quanto riguarda Fletcher, il suo obiettivo finale è guadagnare molto denaro dalle informazioni raccolte. Era stato inizialmente assunto da Big Dave (Eddie Marsan), interessato a comprare quelle informazioni, ma Fletcher aveva preparato diversi piani alternativi.

Per esempio, trasforma tutto ciò che sa sull’impero di Mickey e sul mondo criminale britannico in una sceneggiatura cinematografica che spera di vendere. Offre la sceneggiatura, insieme a documenti, foto e prove, a Ray per 20 milioni di dollari, dando loro 72 ore per accettare. Big Dave è un piano di riserva per Fletcher, ma Ray fa rapire Big Dave da Coach e lo ricatta con un video compromettente in cui ha rapporti con un maiale.

Senza altri acquirenti, Fletcher rimane costretto a vendere solo a Ray, ma Ray riesce comunque a rubargli tutte le informazioni. In questo modo Fletcher perde la possibilità di fare il “doppio guadagno”, dato che era già stato pagato dai russi per fornire informazioni utili a uccidere Mickey e Ray. Fletcher riesce a fuggire quando arrivano gli assassini a casa di Ray e tenta un ultimo colpo cercando di vendere la sua sceneggiatura a uno studio cinematografico.

La battuta finale su The Man from U.N.C.L.E.

L’ultima gag con Fletcher è un divertente riferimento a The Man from U.N.C.L.E. Fletcher viene mostrato mentre presenta la sua sceneggiatura, intitolata “Bush”, a un dirigente della Miramax, lo studio dietro The Gentlemen. Dietro di lui è ben visibile un poster di The Man from U.N.C.L.E., il film di spionaggio del 2015 diretto da Guy Ritchie con Henry Cavill, Alicia Vikander e Hugh Grant.

Il dirigente mette in dubbio alcuni aspetti della sceneggiatura, tra cui il fatto che non spieghi cosa succede a Mickey. Fletcher risponde dicendo che sta lasciando spazio per un sequel. Ritchie potrebbe aver voluto suggerire che sta lavorando proprio a un seguito di The Man from U.N.C.L.E.

Il sindacato criminale asiatico ha un nuovo leader misterioso

Una delle questioni lasciate aperte dal finale riguarda il destino del sindacato criminale asiatico. Lord George era il capo e controllava una potente rete di distribuzione della droga che includeva anche Dry Eye. Dopo la morte di Lord George, Dry Eye prende il controllo dell’organizzazione, ma il suo dominio dura poco perché Mickey lo uccide verso la fine del film.

Il film non torna più sull’argomento, lasciando gli spettatori senza sapere chi abbia preso il comando dell’organizzazione. Considerando tutti gli eventi collegati a Mickey, la sua tranquillità potrebbe non durare a lungo se il nuovo leader decidesse di vendicarsi. Tuttavia, chiunque sia ora al comando potrebbe preferire lasciarlo in pace.

Chi è ancora vivo alla fine del film

Quando The Gentlemen si conclude, molti dei personaggi principali sono ancora vivi. Mickey e Rosalind sono mostrati insieme, anche se non è chiaro se abbiano davvero abbandonato la loro vita criminale. Ray è ancora in piedi e riesce a rintracciare Fletcher, che è vivo quando scorrono i titoli di coda — anche se forse non per molto.

Coach e i suoi ragazzi sopravvivono e fanno pace con Mickey e Ray. Anche Big Dave probabilmente è ancora vivo. Il finale non conferma invece il destino di Berger, ma sembra abbastanza intelligente da fare ciò che serve per sopravvivere, anche se dopo l’episodio è letteralmente “più leggero di una libbra”.

The Gentlemen è continuato con una serie

Il finale di The Gentlemen lasciava spazio per un seguito. Tuttavia, invece di un altro film, la storia è stata trasformata in una serie televisiva ambientata nello stesso universo.

La serie The Gentlemen non è un vero e proprio sequel, ma racconta una nuova storia nello stesso mondo. Nessuno degli attori del film ritorna o fa cameo, quindi alcuni destini dei personaggi restano sconosciuti. Tuttavia, visto il successo della serie, una seconda stagione potrebbe far incrociare i personaggi del film con quelli della serie.

Dal 9 all’11 marzo Moulin Rouge! torna nelle sale per celebrare il suo 25° anniversario. Uscito nel 2001 e diretto da Baz Luhrmann, il film è diventato nel tempo uno dei titoli più riconoscibili del cinema musicale contemporaneo: un’esplosione visiva e sonora che mescola melodramma, pop e citazioni in un racconto d’amore tragico ambientato nella Parigi bohémien di fine Ottocento.

Con il suo stile iperbolico, il montaggio frenetico e l’uso innovativo di canzoni pop reinterpretate, Moulin Rouge! ha ridefinito il musical per il pubblico del nuovo millennio. Il ritorno sul grande schermo è l’occasione per riscoprire non solo la spettacolarità della messa in scena, ma anche i personaggi che popolano questo universo romantico e disperato: artisti, sognatori e opportunisti che ruotano attorno al celebre cabaret parigino. Ognuno di loro incarna una diversa idea di amore, arte e libertà, contribuendo a costruire la dimensione emotiva e teatrale del film.

Nicole Kidman è Satine

Satine è il cuore luminoso e tragico del Moulin Rouge. Conosciuta come “il diamante scintillante”, è la stella più brillante del cabaret, una performer capace di ipnotizzare il pubblico con la sua presenza scenica e la sua sensualità. Dietro l’immagine scintillante si nasconde però una donna intrappolata in un sistema che la costringe a trasformare il fascino e l’amore in merce di scambio. Satine sogna una vita diversa: vorrebbe diventare una vera attrice e conquistare l’indipendenza, lasciandosi alle spalle il ruolo di cortigiana di lusso. L’incontro con Christian rappresenta per lei la possibilità di credere a un amore autentico, non mediato dal denaro o dal potere.

A interpretarla è Nicole Kidman, che con questo ruolo ha consolidato la propria immagine di diva capace di unire spettacolarità e intensità emotiva. Per il film ha affrontato numeri musicali complessi e un impegnativo lavoro vocale, ottenendo una candidatura all’Oscar come miglior attrice. La sua interpretazione contribuisce in modo decisivo alla dimensione melodrammatica del film.

Ewan McGregor è Christian

Christian è il punto di ingresso dello spettatore nell’universo del Moulin Rouge. Giovane scrittore inglese arrivato a Parigi per vivere la vita bohémien, incarna l’ideale romantico dell’artista che crede nella forza assoluta dell’amore e della creatività. Fin dall’inizio appare ingenuo e appassionato: è convinto che l’arte possa cambiare il mondo e che l’amore sia un valore puro, non contaminato da interessi materiali. Questa visione lo distingue dal cinismo e dalle logiche economiche che governano il cabaret e il mondo dello spettacolo. Quando incontra Satine vede in lei la realizzazione del sogno romantico che aveva sempre immaginato. Il loro amore diventa il motore emotivo della storia ma anche il nucleo drammatico del film.

Il personaggio è interpretato da Ewan McGregor, attore scozzese già noto al grande pubblico per film come Trainspotting e la saga di Star Wars. In Moulin Rouge! McGregor mette in mostra anche le proprie capacità vocali, contribuendo con energia e sensibilità alla dimensione musicale del film.

Jim Broadbent è Harold Zidler

Harold Zidler è il carismatico e instancabile impresario del Moulin Rouge, l’uomo che tiene insieme il caos creativo del cabaret e ne dirige lo spettacolo permanente. Energico, teatrale e pragmatico, rappresenta la dimensione imprenditoriale del mondo dello spettacolo. Per lui il Moulin Rouge non è soltanto un luogo di divertimento ma una macchina complessa che deve continuare a funzionare, attirare pubblico e generare profitto. La sua personalità è fatta di entusiasmo, esagerazione e una costante capacità di improvvisazione: canta, organizza, persuade e manipola con la stessa naturalezza. Nonostante questo lato opportunista, Zidler non è semplicemente un cinico. Nutre un affetto autentico per le artiste del locale, in particolare per Satine, che considera quasi una figlia oltre che la sua attrazione principale. Proprio questa ambivalenza lo rende un personaggio interessante, costretto a bilanciare il sogno artistico con le necessità economiche.

A interpretarlo è Jim Broadbent, uno dei più versatili caratteristi britannici. La sua interpretazione combina comicità, energia teatrale e momenti di autentica partecipazione emotiva. Poco dopo l’uscita del film, Broadbent avrebbe vinto l’Oscar come miglior attore non protagonista per Iris, confermando la statura internazionale di un interprete capace di muoversi con naturalezza tra cinema d’autore e produzioni spettacolari.

John Leguizamo è Henri de Toulouse-Lautrec

Nella vita reale, Henri de Toulouse-Lautrec era uno dei membri più eccentrici e brillanti della comunità bohémien che frequenta il Moulin Rouge. Pittore e autore teatrale, rappresenta l’artista che vive ai margini della società borghese e che trova nella notte parigina il proprio habitat creativo. Nel film è il leader informale del gruppo di bohémien che include musicisti, attori e performer impegnati a realizzare uno spettacolo rivoluzionario. Toulouse-Lautrec incarna lo spirito dell’avanguardia artistica: è ironico, provocatorio e profondamente convinto che l’arte debba celebrare la libertà, la verità e soprattutto l’amore. È lui a formulare il motto che guida il gruppo: “Libertà, bellezza, verità e amore”. Nonostante il tono spesso comico e la sua personalità sopra le righe, possiede anche una dimensione malinconica. Consapevole della propria marginalità, osserva il mondo con uno sguardo disincantato ma appassionato. Nel rapporto tra Christian e Satine svolge quasi il ruolo di mentore artistico.

A interpretarlo è John Leguizamo, attore e performer noto per la sua grande versatilità tra teatro, cinema e televisione. Per il ruolo Leguizamo ha affrontato un lavoro fisico e vocale molto specifico, contribuendo a rendere il personaggio uno dei più memorabili dell’universo bohémien immaginato da Luhrmann.

Richard Roxburgh è Il Duca di Monroth

Il Duca di Monroth è l’antagonista principale della storia e rappresenta il potere economico che incombe sul mondo bohémien del Moulin Rouge. Ricco, aristocratico e abituato a ottenere tutto ciò che desidera, vede il cabaret e le persone che lo frequentano come oggetti da possedere. Il suo interesse per Satine nasce inizialmente come una forma di attrazione esclusiva: vuole farne la propria amante e, in cambio, promette di finanziare la trasformazione del Moulin Rouge in un grande teatro. Questo accordo mette immediatamente Satine in una posizione impossibile, costringendola a fingere sentimenti che non prova. Il duca è guidato da un’ossessione per il controllo. A differenza di Christian, che crede nell’amore libero, lui interpreta il sentimento come una forma di proprietà. Questa visione lo rende sempre più geloso e minaccioso quando percepisce la relazione segreta tra Satine e il poeta.

Il personaggio è interpretato da Richard Roxburgh, attore australiano noto per la sua capacità di incarnare figure ambigue e autoritarie. In Moulin Rouge! Roxburgh costruisce un antagonista elegante ma inquietante e a tratti farsesco, contribuendo a definire il tono particolare del film diventato culto.

Dopo il successo internazionale di Past Lives, la regista e sceneggiatrice Celine Song torna a esplorare i temi delle relazioni e delle scelte sentimentali con Material Love (Materialists). Il film, interpretato da Dakota Johnson, Pedro Pascal e Chris Evans, racconta un triangolo amoroso ambientato nel mondo esclusivo dei matchmaker di New York.

Come già accaduto con Past Lives, anche questa nuova opera nasce da un’esperienza personale della regista. Prima di affermarsi nel cinema, infatti, Song lavorò realmente come matchmaker per alcuni mesi a New York. Un’esperienza breve ma intensa che le permise di osservare da vicino le dinamiche delle relazioni contemporanee, soprattutto in un contesto in cui l’amore viene spesso trattato come una questione di compatibilità sociale, economica e persino matematica.

In Materialists questa esperienza reale diventa il punto di partenza per una riflessione più ampia su come l’amore venga influenzato da aspettative sociali, successo professionale e parametri apparentemente oggettivi come l’età, l’altezza o il reddito. Ma soprattutto, il film cerca di rispondere a una domanda molto semplice e allo stesso tempo complessa: è possibile ridurre l’amore a una formula?

Dall’esperienza personale di Celine Song alla nascita del film

Prima di diventare una regista affermata, Celine Song si trasferì a New York per lavorare come drammaturga. Come molti giovani artisti nella città, aveva bisogno di un lavoro per mantenersi mentre cercava di costruire la propria carriera creativa.

Non avendo esperienza nei classici lavori di servizio della città – come barista o commessa – Song finì per scoprire una professione piuttosto insolita. Durante una festa conobbe una matchmaker professionista e rimase affascinata da quel mondo. Quasi per curiosità decise di candidarsi per lo stesso lavoro.

Per circa sei mesi lavorò mettendo in contatto single benestanti alla ricerca del partner ideale. Il suo compito consisteva nel raccogliere informazioni dettagliate sui clienti e trovare la persona più compatibile con loro. In teoria si trattava di una professione molto pragmatica, basata su criteri misurabili come età, altezza, carriera e situazione economica.

Tuttavia, proprio quell’esperienza rivelò alla regista quanto l’amore e le relazioni siano difficili da ridurre a numeri. Song ha raccontato più volte che quei mesi le insegnarono moltissimo sulla natura umana. Osservando i suoi clienti capì quanto spesso le persone costruiscano un’idea astratta del partner perfetto, basata su aspettative sociali o culturali più che su un vero legame emotivo.

Da questa osservazione nasce il cuore narrativo di Materialists.

Il personaggio di Lucy e il mondo dei matchmaker di New York

Nel film, Dakota Johnson interpreta Lucy, una matchmaker di alto livello che lavora per una prestigiosa agenzia di New York. Lucy è estremamente competente nel suo lavoro e ha già aiutato numerosi clienti a trovare il partner ideale, portando a diversi matrimoni di successo.

Il suo metodo è però estremamente razionale. Lucy affronta le relazioni come se fossero un problema da risolvere con dati e statistiche. Quando incontra i clienti, li spinge a ragionare su parametri concreti: reddito, altezza, età, livello di istruzione. In sostanza, la compatibilità sentimentale viene trasformata in una sorta di algoritmo sociale.

Questo approccio riflette una realtà sempre più diffusa nella cultura contemporanea. Le app di incontri e i servizi di matchmaking spesso funzionano proprio così: le persone vengono abbinate in base a criteri che cercano di prevedere la compatibilità tra due individui.

Nel film, però, Lucy si trova presto a mettere in discussione il suo stesso metodo.

Il triangolo amoroso tra sicurezza economica e sentimento autentico

Il conflitto centrale della storia nasce quando Lucy si ritrova coinvolta in un triangolo sentimentale che mette alla prova tutte le sue convinzioni.

Da una parte c’è Harry, interpretato da Pedro Pascal. È un uomo ricco, affascinante e di grande successo. In termini di “mercato degli appuntamenti”, rappresenta praticamente il candidato perfetto: bello, alto, sicuro economicamente e socialmente rispettato.

Dall’altra parte c’è John, interpretato da Chris Evans. È l’ex fidanzato di Lucy, un aspirante attore che lavora come cameriere. Il loro rapporto era sincero e profondo, ma la relazione era finita proprio a causa delle difficoltà economiche e delle differenze di ambizione.

Lucy si trova quindi davanti a una scelta che rappresenta uno dei dilemmi più universali nelle relazioni umane: seguire la logica o seguire il cuore.

Attraverso questo triangolo, Celine Song mette in scena un conflitto molto contemporaneo. In un mondo in cui il successo economico e lo status sociale sembrano avere sempre più peso nelle relazioni, quanto spazio rimane per i sentimenti autentici?

Il tema del “mercato degli appuntamenti” e la pressione sociale

Uno degli aspetti più interessanti di Material Love riguarda la riflessione sul cosiddetto “dating market”, cioè il modo in cui le relazioni romantiche vengono influenzate da logiche di mercato.

Nel film, ad esempio, viene affrontato il tema degli standard fisici e sociali che determinano il valore percepito di una persona nel mondo degli appuntamenti. In una scena particolarmente significativa, Lucy e una collega discutono di un intervento chirurgico che permette agli uomini di aumentare la propria altezza.

Nel corso della storia si scopre che Harry ha effettivamente affrontato questo intervento, aggiungendo diversi centimetri alla sua statura. Dopo l’operazione, racconta, la sua vita sentimentale è cambiata radicalmente: improvvisamente molte più donne hanno iniziato a mostrarsi interessate a lui.

La scena può sembrare ironica o persino comica, ma per Celine Song rappresenta qualcosa di profondamente triste. Mostra infatti quanto le persone possano sentirsi costrette ad adattarsi a standard sociali per essere considerate desiderabili.

Un film che cerca di raccontare anche la vulnerabilità maschile

Un aspetto che la regista ha voluto sottolineare riguarda il modo in cui il sistema degli appuntamenti moderni colpisce anche gli uomini. Spesso le storie romantiche tendono a raccontare il punto di vista femminile, ma Song ha spiegato di voler mostrare come anche gli uomini possano essere schiacciati dalle aspettative sociali.

Nel film, il personaggio di Harry rappresenta proprio questo tipo di pressione. Nonostante il successo economico e la sicurezza apparente, anche lui ha dovuto trasformarsi per adattarsi agli standard richiesti dal mondo delle relazioni.

Secondo Song, questo dimostra che il problema non riguarda solo un genere. L’intero sistema delle relazioni contemporanee può diventare una forma di competizione in cui le persone si valutano reciprocamente come se fossero prodotti.

Il vero messaggio di Materialists: l’amore non è un algoritmo

Alla fine, però, il film non vuole essere un semplice ritratto cinico del mondo degli appuntamenti moderni. Al contrario, Celine Song cerca di ricordare che l’amore autentico non segue logiche razionali.

Nel corso della storia Lucy capisce progressivamente che nessuna formula matematica può prevedere la nascita di un vero legame emotivo. Le caratteristiche materiali che sembrano così importanti nella teoria – ricchezza, successo, aspetto fisico – perdono valore quando entrano in gioco i sentimenti.

Per questo motivo il film torna alla domanda centrale che attraversa tutta la filmografia della regista: quanto controllo abbiamo davvero sull’amore?

Secondo Song, la risposta è sorprendentemente semplice. Nonostante tutte le complicazioni della vita moderna, l’amore resta qualcosa che non può essere programmato o pianificato.

Quando accade davvero, semplicemente succede.