Quando si pensa a Frankenstein (o lo si legge) non ci si rende mai pienamente conto di quanto questo romanzo sia capace di far sgorgare sentimenti, riflessioni, l’anima intera dell’autrice. Soprattutto, non viene quasi mai dato il giusto peso all’autrice, sempre poco soppesata e data per scontata in un mondo, a noi contemporaneo, nel quale l’esistenza di scrittrici donna (usare il rafforzativo non fa male) viene data per scontata. E va a finire che su Mary Wollstonecraft-Godwin (conosciuta come Shelley) non ci si soffermi più di tanto. Il lavoro che fa Mary Shelley è dare vita all’autrice del primo romanzo fantascientifico, tra percorso di crescita e la ricerca di una propria voce autoriale.

Haifaa Al Mansour, prima regista donna dell’Arabia Saudita (paese nel quale è stato riaperto il primo cinema lo scorso aprile, dopo ben 35 anni) ha plasmato a figura di questa giovane donna pro-femminismo, anticonvenzionale, che vive nel ricordo della madre eterodossa e combattiva, morta qualche giorno dopo la nascita della figlia.

Ciò che viene raccontato è il genio di una ragazza che, a dispetto dei suoi diciotto anni, seppe indagare a fondo dell’animo umano, narrando sensazioni vissute in prima persona per poi raccontarle al mondo attraverso la voce non del mostro, ma di una creatura alla quale è stata data la vita per poi essere abbandonata. Raccontare il dolore dettato dall’abbandono, dalle incomprensioni e soprattutto dai pregiudizi.

Presentato al Festival di Toronto e allo scorso Torino Film Festival, in uscita nei nostri cinema il 29 di agosto, Mary Shelley gode di un fascino indiscutibile ma raccontato secondo modalità convenzionali. Se la prima parte del film mostra il percorso di crescita di Mary e le sue relazioni personali, con tutti gli aspetti positivi e negativi del caso, e del suo legame con Percy Shelley (Douglas Booth), quasi sprofondando in un teen drama vero e proprio, è la seconda parte che riesce a rendere veramente l’idea di cosa ci sia dietro la realizzazione di Frankestein, o il moderno Prometeo.

Il genio, l’anticonformismo, la lungimiranza e l’universalità. Ma anche e soprattutto la fermezza nel contrastare il bigottismo, lo smarrimento, i preconcetti. Un film che si perde nel didascalismo e che non si assume nessun coraggio indagatorio oltre i confini della convezione narratologica, senza arrischiare di indagare più a fondo il preciso contesto scientifico come il galvanismo, i pensieri e le contraddizioni interiori di una giovane donna, che sono quelli anche di un giovane, suo malgrado, mostro.

Mary Shelley diventa un ulteriore prova di esame per Elle Fanning che si mette nei panni di una ragazza divenuta donna, cercando di fare propria la grinta e la battaglia contro i demoni che le gravitano attorno e che la possiedono, lottando contro il conservatorismo senza, però, riuscire a dare la giusta empatia.

Arriva al cinema il 29 agosto Resta con me, il film con Shailene Woodley e Sam Claflin, diretto da Baltasar Kormákur.

In Resta con me Tami è in viaggio da più di cinque anni e non ha intenzione di fermarsi. Sale su ogni barca che la porti in un posto diverso. Un giorno, a Tahiti incontra Richard e tra i due scocca l’amore. Dopo alcuni giorni idilliaci, i due ricevono un’offerta che garantirebbe loro di viaggiare per oltre un anno: trasportare lo yacht di un ricco imprenditore da Tahiti a San Diego. Nel mezzo della loro traversata, e della loro vita insieme, ci si metterà il terribile uragano Raymond che nel 1983 colpì alcune isole del Pacifico.

Resta con me, il film

L’ultima opera del regista islandese di successo internazionale è stato Everest, un film che narrava la sfortunata escursione sulla vetta dell’Himalaya di un gruppo più o meno esperto di escursionisti. Nel cast, pezzi da novanta del nostro cuore: Jake Gyllenhall, Sam Worthington, Jason Clarke, Josh Brolin tra i più notevoli. Tutti morti o quasi. Un film che esponeva la forza, immobile, muta e perciò  spietata della natura, della montagna, che in effetti sta lì e altro non può fare.

Con Resta con me, Kormàkur dà un’altra bella mazzata agli spiriti liberi, spostando tutto al mare. Tratto da una storia vera, la protagonista Tami Oldham  è infatti sopravvissuta per raccontare questa allucinante odissea alla deriva (come nel titolo originale, Adrift) nel nulla dell’Oceano Pacifico. Sebbene l’atmosfera sia prevalentemente cupa e grigia, come spesso accade nei film di gente dispersa in mare,  nel tessuto di questo film si nasconde una vena ottimista: partendo dall’assunto che la protagonista ce l’ha fatta, ogni scena di catastrofe marina, ribaltamento di nave, inabissamento oceanico, è colta con emozione, meraviglia e un po’ di terrore, ma almeno con meno preoccupazione. Ci si lascia quindi trascinare dalla magia degli effetti visivi, e dal lavoro fatto sul suono nel ricreare un terribile oceano in tempesta.

Shailene Woodley porta su di sé l’intero film: incarna perfettamente lo spirito hippy che doveva avere Tami in gioventù, ed è assolutamente credibile come skipper, almeno per chi di barche non sa assolutamente nulla. E’ forse il primo ruolo che la stacca dal solito suo pubblico young-adult, conquistato grazie a Tutta colpa delle stelle e della trilogia Divergent. La storia d’amore con Sam Claflin, sotto utilizzato ma essenziale per il film è forse troppo perfetta, ma si bilancia bene, con i colori in cui è girata, con la devastazione del racconto nella tempesta. Il film esce in sala il prossimo 29 agosto, e tra i produttori, come spesso si vede ultimamente si vede il nome di una produzione cinese, la HBrothers, segno di come l’industria hollywoodiana punti sempre di più al mercato asiatico.

Ritorno al Bosco dei 100 Acri (in originale, semplicemente Christopher Robin) è la prova ennesima del percorso intrapreso con intelligenza dalla Disney per quanto riguarda la serie di adattamenti in live action di celebri film d’animazione e storie appartenute ad un’altra generazione di spettatori. l’intenzione è sempre stata – fin dall’Alice in Wonderland di Tim Burton datato 2010 – individuare un nuovo tipo di pubblico e linguaggi contemporanei ad esso, sfruttando le ultime tecnologie senza danneggiare la magia pura del racconto, la bellezza delle favole e l’universalità dei temi offerti.

Per usare un’espressione tanto in voga in ambito culinario, qui stiamo parlando di un cinema tradizionale che però guarda al futuro re-interpretando il modo in cui il messaggio viene comunicato; da questa idea nasce il revisionismo della Bella Addormentata nel Bosco attuata da Maleficent (non del tutto riuscito, ma coraggioso), la modernizzazione del classico con la Cenerentola di Kenneth Branagh, la lettura dark e più politica de Il Libro della Giungla di Jon Favreau.

Lo scorso anno la 20th Century Fox aveva involontariamente consegnato il capitolo prequel di Ritorno al Bosco dei 100 Acri, sulla creazione dei personaggi di Winnie The Pooh da parte dello scrittore inglese Alan Alexander Milne per suo figlio Christopher Robin (la pellicola vedeva nel cast Domhnall Gleeson e Margot Robbie), mentre ora la Disney – proprio per onorare le correnti di “cambiamento” e novità – capovolge la linea narrativa partendo si dall’infanzia del piccolo Christopher, ma catapultandosi subito nel grigiore della vita adulta e di una Londra mai così uggiosa nell’immaginario storico della casa di Topolino.

Per farlo chiama a rapporto un team di eccellenze creative, il che non è scontato, da Jon Brion alle musiche (di recente ha firmato la colonna sonora di Lady Bird), passando per Tom McCarthy (Oscar per Spotlight) e Alex Ross Perry (geniale esponente del movimento mumblecore americano) alla sceneggiatura, affidando il timone dell’operazione al regista Marc Foster che dirige sulla falsa riga del realismo fantastico di Neverland aiutato dall’ottima fotografia di Matthias Koenigswieser. Completano l’ensemble un perfetto Ewan McGregor, tuttavia presenza ingombrante in un film dove i veri protagonisti potevano essere l’orso golosissimo di miele e i suoi amici, e la sempre meravigliosa Hayley Hatwell.

Lasciata da parte l’iniziale malinconia, che era invece il carattere dominante di Alla ricerca di Christopher Robin, il film impasta il suo dolce percorso trattando temi come la perdita dell’innocenza e il desiderio di tenere aperta una finestra sull’immaginazione, laddove le responsabilità dell’essere adulti e genitori si scontrano con un’epoca di transizione (il post seconda guerra mondiale) e si trasformano nelle difficoltà di dialogo con le prossime generazioni. Senza dimenticare il senso del gioco, di cui Ritorno al Bosco dei 100 acri è l’espressione più pulita, divertente e anche amara, quando vuole.

Ritorno al Bosco dei 100 Acri – trailer