Il film A Beautiful Mind racconta la storia vera del matematico John Nash, premio Nobel per l’economia, noto per i suoi contributi pionieristici alla teoria dei giochi. Diretto da Ron Howard e interpretato da Russell Crowe nel ruolo di Nash, il film si concentra sul suo periodo come studente dotato a Princeton e su come sia caduto in una spirale da incubo dopo aver lavorato come crittografo per la CIA. Approfondisce anche il rapporto difficile che Nash aveva con sua moglie Alicia, interpretata da Jennifer Connelly. Scritta da Akiva Goldsman, la sceneggiatura del film è stata adattata dall’acclamata biografia omonima di Sylvia Nasar del 1998.

Il film biografico è stato nominato per otto Oscar e ne ha vinti quattro, tra cui quello per il miglior film. Howard è stato nominato miglior regista, la Connelly ha vinto il premio come miglior attrice non protagonista e Goldsman ha portato a casa l’Oscar per la migliore sceneggiatura non originale. Con la sceneggiatura che esplora le difficoltà di Nash con la salute mentale, A Beautiful Mind si è facilmente guadagnato un posto tra i migliori film sui geni tormentati. Per motivi di libertà creativa, tuttavia, la personalità asociale di Nash e la diagnosi di schizofrenia sono piene di inesattezze fattuali, e il film è stato criticato per tutto ciò che cambia e omette dalla storia vera.

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John Nash non vedeva persone immaginarie

Dopo aver saputo di essere affetto da schizofrenia, si scopre che John Nash parlava con persone che esistevano solo nella sua immaginazione. Tra queste c’erano il suo compagno di stanza a Princeton, Charles, la nipote di Charles, Marcee, e il minaccioso funzionario del Dipartimento della Difesa William Parcher. Tuttavia, questo elemento allucinatorio è eccessivamente drammatizzato in A Beautiful Mind. “Il modo in cui il film descrive il dottor Nash che vede e conversa con ‘persone’ realistiche non corrisponde all’esperienza della maggior parte delle persone affette da schizofrenia”, ha dichiarato il professore di psichiatria Steve Lamberti alla ABC News. Il dottor Tim Johnson ha aggiunto che gli schizofrenici con allucinazioni visive tendono a vedere figure distorte o “caricaturali”, al contrario della rappresentazione realistica mostrata in A Beautiful Mind.

La cerimonia delle penne a Princeton non è mai avvenuta

Ciò che rende A Beautiful Mind uno dei migliori film con Russell Crowe è l’empatia e la sfumatura con cui l’attore interpreta Nash. Ad esempio, nella scena in cui i professori di matematica dell’Università di Princeton presentano ritualmente le loro penne a un Nash anziano, le espressioni cariche di emozione di Crowe sono degne di lode. Ma un evento del genere non ha mai avuto luogo. Il sito web ufficiale della Biblioteca dell’Università di Princeton afferma che “non esiste alcuna usanza del genere” e che la scena è stata “completamente inventata a Hollywood”. Tuttavia, il sito web riconosce l’importanza della scena in quanto simboleggia l’accettazione e il riconoscimento di Nash da parte dei suoi colleghi matematici per i suoi successi.

John Nash non ha assunto farmaci dal 1970 in poi

In A Beautiful Mind, John Nash rifiuta di assumere farmaci per la sua schizofrenia dopo alcune esperienze da incubo. Ma in una scena ambientata nel 1994, dice: “Prendo i farmaci più recenti”. Questa è un’altra differenza tra il film e la storia vera, poiché la biografia di Sylvia Nasar sostiene che Nash abbia smesso di assumere farmaci nel 1970. Sebbene Ron Howard abbia realizzato film storicamente accurati, come Apollo 13, A Beautiful Mind vacilla a causa di tali inesattezze. Nel commento al DVD del film, Howard giustifica la libertà creativa presa con i farmaci come una decisione volta a garantire che il film non venga interpretato erroneamente come se suggerisse che le persone affette da schizofrenia non abbiano mai bisogno di farmaci.

Il discorso di accettazione del Premio Nobel non è mai avvenuto

John Nash e i suoi colleghi teorici dei giochi John Harsanyi e Reinhard Selten hanno ricevuto collettivamente il Premio Nobel per l’Economia nel 1994. In una delle scene più drammatiche di A Beautiful Mind, Nash tiene un discorso commovente in cui dedica il suo Nobel alla moglie. Questo momento è stato persino parodiato e ha ispirato una delle teorie sul film Sto pensando di finirla qui. Tuttavia, contrariamente a quanto mostrato in A Beautiful Mind, il vero John Nash non ha mai tenuto un discorso dopo aver ricevuto il premio. Il filmato originale conservato dal New York Times mostra Nash mentre riceve il premio a Stoccolma e si inchina davanti al pubblico che lo applaude.

Il Wheeler Laboratory del MIT è fittizio

Dopo aver conseguito il dottorato a Princeton, Nash accetta un posto come docente al MIT. Sebbene questo punto della trama sia in linea con la vera storia dietro A Beautiful Mind, la sua facoltà al MIT è una creazione fittizia. La versione cinematografica di Nash viene assegnata al prestigioso Wheeler Laboratory del MIT, dove può dedicarsi alla ricerca matematica. Tuttavia, come ha dichiarato il professor Isadore M. Singer al MIT News, “Non esiste e non è mai esistito alcun laboratorio Wheeler al MIT”. In realtà, il vero John Nash fu invitato all’università come docente C.L.E Moore, un titolo professionale offerto dal dipartimento di matematica del MIT ai dottori di ricerca con potenziale nella ricerca matematica.

John Nash probabilmente ha avuto esperienze omosessuali

Sebbene John Nash e Sylvia Nasar affermino che egli non fosse gay, il libro A Beautiful Mind fa riferimento ad alcuni incontri omosessuali. Secondo Slate, Nasar ha scritto che Nash ha tentato di “provarci” con un amico maschio arrampicandosi nel suo letto mentre dormiva. Allo stesso modo, Nasar afferma che Nash potrebbe aver provato “qualcosa di molto simile all’amore” per il collega matematico John Milnor. L’articolo di Slate menziona anche che Nash baciò sulla bocca un altro amico di nome Donald Newman, anche se Newman non ricambiò il gesto. Il libro di Nasar menziona un’altra esperienza di “attrazione reciproca” con un uomo. L’adattamento omette i sentimenti complicati di Nash per altri uomini.

A Beautiful Mind tralascia il divorzio di Alicia e John Nash nel 1963

Una delle peggiori inesattezze nei film biografici è l’aggiunta di scenari commoventi al posto delle tristi realtà. Questo accade in A Beautiful Mind con la rappresentazione di Alicia Nash come parte costante della vita di John Nash, ignorando il loro divorzio. La vera Alicia era un’aspirante fisica, ma rinunciò ai suoi obiettivi professionali per sostenere il marito e divenne una sostenitrice della salute mentale. Sposatisi nel 1957, la coppia divorziò nel 1963. Slate riferisce che Nash continuò a vivere con la sua allora ex moglie come “pensionante”. I due si risposarono nel 2001, poco prima dell’uscita del film. Quindi, la presenza di Alicia in scene come la cerimonia del Nobel non sarebbe potuta accadere.

John Nash ha avuto un figlio con un’altra donna

John e Alicia Nash hanno avuto un figlio nel 1959, battezzato John Charles Martin Nash. Tuttavia, alcuni anni prima del matrimonio, il venticinquenne Nash ha avuto un figlio con un’infermiera di Boston di nome Eleanor Stier. Lei ha dato alla luce un figlio di Nash chiamato John David Stier nel 1953, ma Nash si è rifiutato di prendersi cura sia del bambino che della madre. Secondo Slate, John David fu dato in affidamento e la Stier dovette assumere un avvocato nel 1956 per ottenere da Nash il pagamento degli alimenti. Nonostante i 17 anni di separazione, Nash e John David continuarono a comunicare tramite lettere e occasionalmente si incontravano di persona.

John Nash non sventò alcun complotto sovietico

Quando viene assunto dall’immaginario funzionario del Pentagono William Parcher in A Beautiful Mind, John Nash usa le sue abilità matematiche per decifrare i codici sovietici. Con questo lavoro sotto copertura svolto nella sua immaginazione, Nash diventa paranoico pensando che le spie sovietiche lo stiano cercando. Allontanandosi dalle visioni allucinatorie di Nash, la vera storia suggerisce che Nash si dedicò effettivamente a lavori legati alla difesa e alla sicurezza nazionale. Ma, come affermato dal Guardian, non era direttamente legato al Pentagono, bensì lavorava come consulente per la RAND Corporation, un think tank senza scopo di lucro che si occupa di ricerca sulla sicurezza nazionale e riceve finanziamenti dal governo degli Stati Uniti.

A Beautiful Mind non include tutto il lavoro rivoluzionario di John Nash

A Beautiful Mind introduce il pubblico all’equilibrio di Nash, l’aggiunta rivoluzionaria alla teoria dei giochi che ha consacrato Nash come un visionario della matematica. Il premio Nobel ha però ideato anche molti altri concetti matematici che non è stato possibile incorporare nel film. Se i suoi contributi alla teoria dei giochi gli sono valsi il Premio Nobel, ha anche vinto il Premio Abel, un prestigioso riconoscimento matematico, per i suoi contributi nel campo delle equazioni differenziali parziali. L’omissione degli altri lavori di Nash dal film ha però senso, dato che il gergo matematico di queste teorie potrebbe non essere stato facilmente comprensibile per il pubblico, ma impedisce al film di raccontare tutta la vera storia.

Diretto da Frederic Jardin, il thriller di sopravvivenza Survive vede come protagonista Andreas Pietschmann, famoso per il suo ruolo nella serie di successo Dark di Netflix. Il film segue Tom e la sua famiglia in quella che doveva essere una rilassante vacanza in mezzo all’oceano. La famiglia è composta da Tom, sua moglie Julia, la loro figlia adolescente Cassie e il loro giovane figlio Ben, di cui stanno festeggiando il compleanno.

Ma la loro tranquilla vacanza prende una piega scioccante quando l’oceano scompare inspiegabilmente, lasciandoli bloccati in un paesaggio surreale e desolato. Di fronte a questo inimmaginabile disastro naturale, la famiglia deve fare affidamento sulla propria resilienza e ingegnosità per sopravvivere fino a quando il mondo non inizierà a guarire. Come affronteranno questa bizzarra catastrofe? Immergiamoci nella loro lotta per la sopravvivenza, andando alla scoperta del finale del film.

La trama di Survive 

Survive si apre con Tom e la sua famiglia che si godono il tempo insieme in mezzo all’oceano. Julia, che ha voglia di nuotare, decide di avventurarsi in acqua senza avvisare nessuno. Nel frattempo, Tom insegna a Ben a pescare e Cassie, ignara di ciò che la circonda, ascolta musica con le cuffie. Dopo aver galleggiato e remato per un po’, Julia comincia a percepire che qualcosa non va. Che si tratti di un cambiamento di temperatura o di qualcosa che le passa accanto, si rende presto conto di non essere in grado di nuotare.

Julia grida aiuto, ma avendo nuotato lontano dalla barca, la sua voce non viene sentita. Alla fine, Tom sente le sue grida e si rende conto che sta annegando. Manovra rapidamente la barca verso di lei e riesce a salvarla. Quella sera, la famiglia festeggia insieme il compleanno di Ben. Durante una videochiamata con Adam, il fidanzato di Cassie, Cassie nota qualcosa di strano: un forte temporale e nuvole scure che circondano la città. La connessione di rete si interrompe, lasciandoli inquieti. Poco dopo, Ben avvista numerose balene che circondano la barca, uno spettacolo sorprendente che stupisce persino Tom, oceanografo di professione.

Come fanno Tom e la sua famiglia a finire sulla terraferma?

Tom e la sua famiglia si ritrovano così sulla terraferma dopo una serie di disastri sempre più gravi. Tutto inizia quando la loro barca viene colpita da quello che Tom presume essere una balena. Mentre esamina i danni, Tom subisce una profonda ferita alla spalla causata dalle pale della barca. La ferita, unita alla sua inquietante sensazione di avere qualcosa alle spalle, turba il gruppo. Nel frattempo, Julia cerca di chiamare i soccorsi via radio, mentre Tom rassicura tutti dicendo che si trovano su una rotta marittima e che i soccorsi dovrebbero arrivare a breve.

La situazione prende una piega drammatica quando Tom nota quelli che sembrano essere meteoriti che cadono dal cielo. Spinto da un senso di urgenza, cerca di allontanare la barca. Tuttavia, il motore si guasta. Osservando più da vicino, Tom si rende conto che non si tratta di meteore, ma di satelliti che si schiantano sulla Terra, lasciando intendere una potenziale catastrofe globale. Questa rivelazione aggiunge un ulteriore livello di confusione e paura alla loro già difficile situazione. Quella notte, la loro prova si intensifica quando la barca affronta una violenta tempesta.

La mattina seguente, la famiglia assiste a un fenomeno impensabile: la loro barca è inspiegabilmente arenata sulla terraferma. Con loro grande stupore, l’oceano è scomparso completamente, lasciandoli circondati da una terra arida dove un tempo scorreva l’acqua. Il loro arrivo sulla terraferma sembra essere il risultato di un catastrofico cambiamento ambientale, forse innescato dalla caduta dei satelliti. Questi eventi potrebbero significare una calamità più ampia che sconvolge i sistemi naturali. La decisione di Tom di rimanere sulla barca e i suoi tentativi di sfuggire al pericolo li portano inavvertitamente a questo risultato surreale e disorientante.

Cosa succede a Tom?

Tom scopre che i poli magnetici della Terra si sono invertiti, causando lo scorrimento dell’oceano sulla terraferma. Questa scoperta spiega la scomparsa delle acque e il naufragio della loro barca. Usando la radio, Tom entra in contatto con Nao, un subacqueo che conferma la sua teoria e avverte che i poli potrebbero invertirsi nuovamente entro una settimana. Ciò causerebbe probabilmente una turbolenza catastrofica. Rendendosi conto che la loro barca non può resistere a un tale caos, Tom decide di unirsi alla nave da immersione di Nao per motivi di sicurezza.

Tuttavia, la nave può ospitare solo altre due persone. Sacrificandosi, Tom e Julia decidono di mandare i loro figli, Cassie e Ben, con Nao. Mentre la famiglia si prepara a lasciare la barca, si avvicina uno sconosciuto. Scambiandolo per un altro sopravvissuto, Tom gli offre dell’acqua in un gesto di compassione. Lo sconosciuto, tuttavia, tradisce questa gentilezza, uccidendo brutalmente Tom e attaccando la famiglia. Questo scioccante atto di violenza distrugge la loro fragile speranza e costringe Julia a una lotta disperata per la sopravvivenza.

Julia, spinta dall’istinto di proteggere i suoi figli, uccide il cane dello sconosciuto. Nel frattempo, Cassie spara un razzo di segnalazione contro l’aggressore, respingendolo temporaneamente. La famiglia fugge dalla barca, cercando rifugio nel paesaggio desolato. Più tardi quella notte, lo sconosciuto ritorna per attaccare Cassie. Julia, dimostrando straordinaria resilienza e coraggio, lo pugnala ripetutamente, garantendo la sicurezza dei suoi figli.

Come fa Julia a separarsi da Ben e Cassie?

Julia e i suoi figli affrontano un pericolo incessante mentre fuggono da uno sciame di granchi predatori emersi dopo la scomparsa dell’oceano. In cerca di rifugio, trascorrono la notte in cima a un container mentre i granchi massacrano i sopravvissuti intrappolati sotto. Questa prova rafforza la determinazione di Julia a proteggere i suoi figli a qualsiasi costo. La mattina seguente, Nao le rivela che i granchi sono artropodi provenienti dagli abissi, spinti in superficie e che attaccano gli esseri umani a causa della mancanza di cibo.

Nao segnala la loro vicinanza lanciando un razzo di segnalazione, offrendo un barlume di speranza. Tuttavia, per raggiungerlo, la famiglia deve attraversare una pericolosa fenditura. Il terreno instabile rappresenta un rischio significativo, ma Julia insiste affinché proseguano, sapendo che la nave per immersioni profonde è la loro migliore possibilità di sopravvivenza. Mentre percorrono il sentiero insidioso, una pietra instabile provoca un crollo. Agendo d’istinto, Julia spinge Cassie e Ben in salvo, rimanendo bloccata sul lato opposto della fenditura.

Rendendosi conto che non c’è modo per lei di attraversare e che la barca di Nao può ospitare solo due persone, Julia compie il sacrificio estremo. Esorta Ben e Cassie a raggiungere rapidamente Nao, assicurando loro che troverà un modo per uscire e li raggiungerà più tardi. In realtà, Julia sa che sta dicendo addio. La sua decisione riflette il suo amore incondizionato e il suo istinto materno di dare la priorità alla sopravvivenza dei suoi figli rispetto alla propria.

La spiegazione del finale di Survive: in che modo il legame familiare aiuta la famiglia a sopravvivere alla catastrofe?

Il rifiuto di Cassie di abbandonare sua madre diventa il punto di svolta nella loro sopravvivenza. Lei torna coraggiosamente alla fenditura, rischiando la propria vita per aiutare Julia a fuggire. Julia sta per essere attaccata dagli artropodi quando la determinazione e la prontezza di spirito di Cassie la salvano. Insieme riescono a salire a bordo della barca di Nao, sfuggendo per un soffio allo sciame. Tragicamente, Nao soccombe agli artropodi, ma questa perdita permette alla famiglia di utilizzare la barca per la propria sopravvivenza.

Una volta a bordo, Julia, Cassie e Ben si preparano al caos causato dal nuovo ribaltamento dei poli. Legati saldamente, resistono agli attacchi incessanti degli artropodi fuori dalla barca mentre l’oceano comincia a ritirarsi. La turbolenza è intensa, ma la resilienza e l’unità della famiglia consentono loro di sopravvivere. Dopo quella che sembra una lotta senza fine, si ritrovano al sicuro in mare vicino a una città. La sopravvivenza della famiglia è radicata nel loro legame indissolubile e nei reciproci sacrifici.

La decisione presa in precedenza da Julia di rischiare la vita per i suoi figli è un esempio di coraggio e altruismo. Cassie rispecchia il coraggio della madre salvando Julia, assicurando che la loro famiglia rimanga unita. La loro capacità di rimanere uniti, adattarsi rapidamente e sostenersi a vicenda li aiuta in ultima analisi a superare sia i disastri naturali che gli attacchi incessanti degli artropodi. Alla fine, Julia abbraccia i suoi figli, sollevata e grata per la loro sopravvivenza. Il viaggio della famiglia sottolinea il potere dell’amore, del sacrificio e della perseveranza nel superare anche le difficoltà più insormontabili.

Il diavolo veste Prada è uscito quindici anni fa e, con esso, parole come alta moda, atri di marmo e ceruleo sono entrate rapidamente nel vocabolario degli spettatori. Se un tempo il film veniva considerato una storia di emancipazione, oggi il pubblico moderno ne dà una lettura diversa: Andrea “Andy” Sachs, interpretata da Anne Hathaway, viene catapultata nel mondo spietato della moda solo per essere maltrattata e sfruttata da Miranda Priesley / Meryl Streep.

Il diavolo veste Prada non merita di essere definito un classico moderno perché non supera la prova del tempo. La verità è che il film ha tentato di glorificare la hustle culture e di promuovere standard di bellezza irrealistici che oggi non reggono più a un’analisi critica. E ora Miranda e Andy torneranno presto al cinema in Il Diavolo Veste Prada 2. Mentre aspettiamo di vederle tornare sul grande schermo con lo stesso umorismo tagliente ma con un approccio alla vita e al lavoro adeguato ai tempi, ecco i 10 momenti del film che non sono invecchiati bene.

L’atteggiamento snob di Andy

Andy è un’aspirante giornalista che finisce a fare un colloquio da Runway quasi controvoglia. È evidente che nutre un disprezzo profondo per l’industria della moda e preferirebbe di gran lunga occuparsi di reportage d’inchiesta. Nella fase precedente al colloquio, Emily le dice che “un interesse per la moda è fondamentale” per lavorare a Runway. Andy reagisce con sufficienza, come una critica altezzosa.

Andy manca chiaramente di rispetto per la moda e per chi si appassiona ai più piccoli dettagli di abiti e accessori. Questo può risultare sconcertante per gli spettatori di oggi, dal momento che i neolaureati si sentirebbero fortunati anche solo a essere presi in considerazione da una pubblicazione prestigiosa senza esperienza. Il modo in cui Andy sminuisce l’importanza dell’industria della moda appare semplicemente ignorante agli occhi del pubblico moderno.

Bassa paga e pretese elevate

Nel corso del film, Andy cresce fino a diventare una persona di cui il suo capo, Miranda Priestly, va fiera. Tuttavia, non abbastanza da ricompensarla con uno stipendio adeguato. Gli orari di lavoro di Andy sono massacranti e la paga pessima. Suo padre arriva persino a prestarle dei soldi perché non vuole che resti indietro con l’affitto.

Uno degli aspetti più inquietanti del film è vedere Andy sgobbare per ore senza alcuna garanzia di una retribuzione dignitosa. L’unico lato positivo è che lavorare per Runway apre molte porte, ma nemmeno questo basta a compensare il suo misero stipendio.

Vivere al di sopra delle proprie possibilità

Le commedie romantiche possono anche cavarsela con cliché irrealistici, ma alla lunga invecchiano male. Il diavolo veste Prada vuole far credere agli spettatori che due persone possano permettersi di convivere in un appartamento a New York quando una è ancora in cerca di lavoro e l’altra è uno chef alle prime armi.

Anche ammettendo che il padre di Andy le paghi l’affitto almeno una volta, resta la domanda: chi paga quello di Nate? E come fa a permettersi di mettere 8 dollari di formaggio Jarlsberg sul pane tostato? Il film è uscito nel 2006, ma già allora Andy e Nate vivevano chiaramente al di sopra delle loro possibilità.

Andy sopporta il sessismo casuale di Nate

Il fidanzato di Andy, Nate, ha un’opinione non richiesta e poco informata sul lavoro di lei. Sminuisce costantemente ciò che fa, rimproverandola per essersi allontanata da amici e famiglia per concentrarsi su “scarpe, camicie, giacche e cinture”. Nate ignora completamente tutto il duro lavoro che il ruolo di Andy comporta, considerandolo frivolo.

Per gli spettatori di oggi, queste reazioni inadeguate alla carriera di Andy risultano disturbanti. Ancora più doloroso è il fatto che Andy non cerchi mai di correggere il suo fidanzato. Nel migliore dei casi ignora queste microaggressioni; nel peggiore, le trova persino divertenti.

Il comportamento condiscendente di Emily

Emily prende in giro Andy dal primo momento in cui la vede, dicendo che le Risorse Umane le hanno fatto uno scherzo fissandole un colloquio a Runway. È un conto pensare che una candidata non abbia il profilo giusto, un altro è sabotare le sue possibilità definendola “un disastro completo e totale” davanti al capo.

Andy diventa spesso bersaglio del disprezzo della collega, cosa che la porta inevitabilmente a sviluppare problemi di autostima. Un comportamento del genere, che dovrebbe essere classificato come bullismo sul lavoro, non ha posto in un ambiente professionale e risulta difficile da guardare.

Tutto quel body shaming

È altrettanto ingiusto che Nigel faccia sentire Andy in colpa per aver mangiato una zuppa di mais a pranzo. I suoi commenti la spingono ad adottare abitudini alimentari dannose, a partire dal negarsi persino un toast al formaggio.

Runway è un luogo pericoloso per l’immagine di sé di Andy — e di chiunque altro, del resto. Le affermazioni di Emily sul non mangiare nulla e sul nutrirsi di un cubetto di formaggio nei momenti di maggiore debolezza vengono presentate come divertenti, quando in realtà descrivono pratiche pericolose che non dovrebbero essere incoraggiate. Con l’inclusività che sta diventando sempre più centrale nell’alta moda, le abitudini alimentari malsane non dovrebbero più essere glamourizzate.

Un reparto HR inefficace

Con un reparto Risorse Umane apparentemente inefficace a Runway, Andy e i suoi colleghi sono costantemente in conflitto. Emily e un’altra collega, Serena, parlano alle spalle di Andy; termini offensivi come “sporche, stanche e pancione” vengono usati per descrivere le modelle ai provini.

Gli alti livelli di conflitto irrisolto e l’abuso di potere che avvengono dietro le porte chiuse di Runway dimostrano quanto un HR efficace sia fondamentale per un ambiente di lavoro sano e sereno.

La frase simbolo

La citazione “un milione di ragazze ucciderebbe per questo lavoro” viene pronunciata per la prima volta da Emily alla fine del suo discorso di due minuti su quanto lavorare per Miranda sia un’enorme opportunità. Andy la sente anche da Irv Ravitz, l’uomo più potente della Elias-Clark.

La verità è che queste parole servivano a giustificare lo sfruttamento diffuso a Runway. Andy era tenuta a seguire alla lettera i diktat di una cultura tossica perché, a quanto pare, c’erano un milione di altre persone in fila pronte a sperimentare lo stesso burnout.

Nate impedisce a Andy di raggiungere il suo potenziale

Il film potrebbe aver fatto sembrare Miranda il diavolo, quando in realtà il vero antagonista era Nate. Per incompetenza e paura di essere abbandonato, Nate ha impedito ad Andy di raggiungere il suo vero potenziale. Le sue insicurezze erano evidenti già la sera prima che Andy iniziasse a lavorare, durante una cena con gli amici. È stato il meno entusiasta quando Andy ha annunciato di aver ottenuto un lavoro a Runway, mascherando la gelosia con la battuta: «Aspetta, hai trovato lavoro in una rivista di moda? Era un colloquio telefonico?»

Da lì in poi, Nate ha reagito in modo passivo-aggressivo a ogni ambizione di Andy, negandole affetto e spingendola a mollare tutto in nome della libertà. Gli spettatori non hanno dimenticato il suo capriccio quando Andy non è potuta andare alla sua festa di compleanno perché coinvolta in un’emergenza lavorativa.

Donne costrette a camminare in punta di piedi attorno agli ego maschili

Analizzando il film a fondo, diventa chiaro che i veri “diavoli” nel mondo di Runway erano gli uomini della Elias-Clark, gli ex mariti di Miranda e il fidanzato poco solidale di Andy. L’atteggiamento duro di Miranda era una maschera, il risultato di una vita passata a dover aggirare gli ego maschili. Sebbene non ci siano scuse per la cultura lavorativa spietata che ha creato, la sua personalità da “tipo A” può essere facilmente attribuita al suo rifiuto di compiacere gli ego maschili.

Sì, Miranda dice cose che superano il limite, ma allo stesso tempo era stanca di essere demonizzata per aver inseguito i propri sogni e ancora più stanca di vedere pochi uomini concentrare il potere nelle loro mani. Miranda potrà anche non essere un personaggio simpatico, ma non merita l’odio che riceve.

Il finale di Ultima notte a Soho (leggi qui la recensione) di Edgar Wright presenta alcuni colpi di scena e rivelazioni sorprendenti che contribuiscono a legare insieme questo thriller psicologico che abbraccia diverse epoche. Incentrato sul personaggio di Eloise “Ellie” Turner, interpretato da Thomasin McKenzie, il film fonde il presente con la Londra degli anni ’60, con visioni oniriche che lasciano il posto a una realtà da incubo. Wright ha lavorato per mantenere Ultima notte a Soho adeguatamente misterioso e segreto attraverso la sua campagna di marketing, ed è facile capire perché.

A parte il dispositivo narrativo centrale del film – Ellie ha visioni di persone morte – ci sono molti colpi di scena man mano che il film fa sprofondare Ellie nel passato e vede quel mondo attraversare il presente. Mentre Ellie è inizialmente affascinata dalla cantante Sandie (Anya Taylor-Joy) e desidera sfuggire alla realtà per seguire le sue avventure, scopre la verità più oscura, con Sandie costretta a prostituirsi e abusata da innumerevoli uomini, ed Ellie che ha visioni della notte in cui è stata apparentemente uccisa nella stessa stanza in cui ora vive.

Questo porta il finale di Ultima notte a Soho a diventare una lotta disperata per ottenere giustizia per Sandie, con Ellie convinta che il suo assassino sia ancora là fuori, sotto le sembianze di un vecchio cliente del bar in cui lavora, interpretato da Terrence Stamp. Ma, ovviamente, non è così semplice. Il film cerca di legare insieme tutti i suoi filoni e le sue linee temporali e di svelare alcuni grandi segreti, che si ricollegano ai suoi temi centrali anche se non del tutto con successo.

Come funzionano le visioni di Ellie in Ultima notte a Soho?

Fin dall’inizio di questo film con Anya Taylor-Joy, viene stabilito che Ellie possiede un’abilità molto particolare: quella di vedere quelle che sembrano essere visioni di persone morte. All’inizio, il film presenta questa situazione come se Ellie avesse solo visioni di sua madre, che si è tolta la vita diversi anni prima degli eventi del film, ma è anche chiaro che si tratta di qualcosa che accade da molto tempo (forse da quando sua madre è morta). Quando Ellie si trasferisce a Londra, però, diventa evidente che questo fenomeno va oltre sua madre, poiché inizia ad avere visioni degli anni ’60 e della cantante Sandie, che poi prendono sempre più il sopravvento sulla sua realtà.

La nonna di Ellie definisce queste visioni un “dono”, suggerendo una sorta di potere soprannaturale. Il colpo di scena finale di Ultima notte a Soho, in particolare, suggerisce il contrario. Viene menzionato più volte che la madre di Ellie soffriva di schizofrenia; a Ellie stessa non è stata diagnosticata alcuna malattia mentale specifica, ma il film suggerisce che stia vivendo una sorta di psicosi, che può includere allucinazioni.

Ultima notte a Soho non approfondisce troppo lo stato mentale di Ellie o il motivo per cui vede certe persone, ma lei ha subito un grave trauma in giovane età che la tormenta ancora oggi. Il fatto che Ellie si trovi nella stanza in cui sono accadute tante cose terribili non fa che aumentare questa sensazione, con un senso di soprannaturale ancora presente: quando viene rivelato che i cadaveri che inseguono Ellie sono uomini uccisi da Sandie, si capisce che stavano cercando di farle vedere cosa era successo.

In ogni caso, Ellie ha chiaramente un qualche tipo di connessione con i morti, in particolare se c’è un forte legame con loro, che si tratti dei suoi veri parenti o del senso del suono e del luogo che la lega così fortemente a Sandie e che la rende più suscettibile ad avere queste visioni. Mentre Ellie stessa lotta nel mondo reale e desidera ardentemente liberarsi dalle sue difficoltà all’università, le visioni inizialmente offrono un senso di evasione, il che significa che lei le accoglie con favore e le incoraggia. Tuttavia, quando le cose cambiano, non è più in grado di fermarle.

La svolta di Ultima notte a Soho: la signora Collins è Sandie

Il grande colpo di scena del finale di Ultima notte a Soho arriva con la rivelazione di un’identità importante: la padrona di casa di Ellie, la signora Collins, è in realtà la Sandie che Ellie ha visto nei flashback del 1965. Mentre Ellie credeva che le visioni che aveva erano di Sandie uccisa nella camera da letto in cui ora vive, non era proprio quello che era successo. Come spiega Sandie/la signora Collins, lei morì allora, ma in senso figurato, poiché gli aguzzini a cui sopravvisse le strapparono via la sua identità pezzo per pezzo.

Questo si riferisce al modo in cui lei affrontò la situazione, essenzialmente chiudendosi in se stessa e isolandosi dal dolore, e anche al modo in cui finì per abbandonare Sandie, uccidendo quella personalità e andando avanti con una nuova vita nella speranza di lasciarsi il passato alle spalle. Sebbene Sandie sia morta in senso più metaforico, in quella camera da letto sono stati commessi innumerevoli omicidi: lei ha ucciso e apparentemente seppellito tra le pareti e sotto il pavimento tutti gli uomini che hanno pagato per fare sesso con lei e l’hanno maltrattata.

A tal fine, ciò significava che Sandie ha sempre vissuto con la signora Collins durante tutto il film di Edgar Wright; il suo ritorno alla fine era forse inevitabile, perché non ha mai veramente lasciato il passato alle spalle, ma lo ha solo nascosto. Questo colpo di scena ribalta la trama di Ultima notte a Soho, ridefinendo le visioni e le azioni di Ellie, spiegando perché non ci fossero tracce di un omicidio a quell’indirizzo e complicando la storia di Sandie, trasformandola da vittima a sopravvissuta, ma posizionandola sempre come un’assassina vendicativa.

Perché Sandie cerca di uccidere Ellie (e si lascia morire) nel finale

Il colpo di scena sull’identità di Sandie nel finale di Ultima notte a Soho è combinato con un’altra sorpresa, poiché lei cerca poi di uccidere Ellie per aver riportato a galla il passato e coinvolto la polizia. Questo si adatta in qualche modo alle azioni di Sandie, che ha già dimostrato la volontà di uccidere quando necessario, ma è anche un salto drammatico dato che c’è poco che colleghi la signora Collins a Sandie o agli omicidi (di cui comunque nessuno sembra sapere nulla). Come per Ellie, sembra che il trauma violento di Ultima notte a Soho rimanga per Sandie e che lei non lo abbia ancora superato.

È possibile che la signora Collins cerchi di uccidere Ellie semplicemente perché non vuole andare in prigione, ma data la sua età e l’importanza di un passo del genere, è anche plausibile che sia davvero a causa del rischio che questo comporta per il suo benessere mentale e per il passato da cui ha cercato di fuggire. Ellie alla fine sopravvive, così come John (Michael Ajao), che Sandie pugnala nel suo disperato tentativo di coprire le sue tracce ed evitare che il suo segreto venga scoperto.

In definitiva, Sandie ha convissuto con i fantasmi per troppo tempo perché potesse essere altrimenti; è intrappolata in quel luogo, ed è per questo che il suo istinto – quello di uccidere coloro che considera una minaccia – prende il sopravvento. È anche il motivo per cui cerca di togliersi la vita e poi rimane nell’edificio in fiamme: anche se questo sembra un enigma, il film suggerisce un senso distorto della sua convinzione di meritarselo e di voler pentirsi (come sottolineato dalla sua frase in cui dice che “non ha mai voluto” nulla di tutto questo). Tuttavia, è anche, forse, un’occasione per lei di mettere finalmente a riposo quei fantasmi e trovare la pace.

Tutti gli indizi sul colpo di scena dell’identità di Sandie

Il colpo di scena finale di Ultima notte a Soho è concepito come una grande rivelazione, ma il film offre agli spettatori molti indizi che suggeriscono la vera identità della signora Collins come Sandie. Questi sono evidenti fin dal momento in cui Ellie visita per la prima volta la camera ammobiliata: la signora Collins la informa di una regola che vieta l’ingresso agli uomini, che inizialmente viene vista come un suo tentativo di proteggere Ellie (e lo è), ma col senno di poi c’è una ragione molto più chiara per cui ha stabilito una regola così specifica.

Anche il casting stesso sembra un indizio: la grande Diana Rigg, ormai scomparsa, non solo è una presenza che richiede un ruolo più consistente di quello di semplice padrona di casa, ma è lei stessa un’icona degli anni ’60 e quindi si adatta perfettamente all’idea di chi fosse Sandie (o almeno sperava di essere). Ci sono anche altri legami con gli anni ’60: la signora Collins sottolinea che la musica che Ellie ascolta è quella della sua epoca e fa notare che non ha cambiato la stanza dagli anni ’60.

Allo stesso modo, la signora Collins menziona che molte ragazze sono andate e venute, ha la stessa statua di ballerina di Sandie, avverte Ellie di coprire il cattivo odore e dice persino che avrebbe ucciso John se lo avesse sorpreso dopo la scena in cui credeva che stesse aggredendo Ellie. Presi singolarmente, questi elementi non sono necessariamente degni di nota. Ma nel loro insieme, è chiaro quanto Ultima notte a Soho abbia utilizzato la nostalgia degli anni ’60, tra le altre cose, per guidare gli spettatori verso il colpo di scena finale.

L’altro colpo di scena: il vecchio non è Jack

Naturalmente, la rivelazione su Sandie non è l’unico colpo di scena sul finale di Ultima notte a Soho, poiché c’è anche il vecchio che Ellie continua a incontrare al bar. Ellie è fermamente convinta che lui sia Jack, ma dopo la sua morte si scopre che si tratta di Lindsay, un agente di polizia della buoncostume che conosceva Sandie e l’aveva persino incontrata brevemente negli anni ’60 (appare all’inizio del film, interpretato da Sam Claflin). Anche questo colpo di scena ha un senso: Clafin non era presente nella campagna promozionale del film quindi il fatto che appaia in quello che inizialmente sembra un ruolo minore è un indizio del colpo di scena stesso, e lui assomiglia più a Stamp che a Matt Smith.

Un colpo di scena sull’identità alimenta l’altro: se il vecchio non è Jack come si credeva, ma il ruolo segreto di Claflin invecchiato, allora sorge la domanda su cosa gli sia successo, il che porta alla rivelazione della morte di Jack e al fatto che Sandie sia ancora viva. L’interesse di Lindsay per Ellie è ancora un po’ confuso; lui si presenta come un donnaiolo e le sue azioni sono discutibili, ma forse è anche consapevole dei pericoli che lei sta correndo. La morte di Lindsay nel finale di Last Night In Soho è anche prefigurata: Ellie viene quasi investita da un taxi in due occasioni, e poi lui viene investito e ucciso da uno.

Perché Sandie riappare a Ellie nel finale di Ultima notte a Soho

Anche se la signora Collins muore nel finale di Ultima notte a Soho, non è l’ultima volta che gli spettatori vedono Sandie. Il film salta avanti alla fine del suo primo anno di università, dove presenta il suo progetto finito a una sfilata di moda. Il lavoro di Ellie è ancora molto influenzato dagli anni ’60 e da Sandie, e alla fine del film, Sandie appare a Ellie nello specchio. Questa è la versione idealizzata di Sandie che Ellie credeva di aver aiutato, la cantante con la testa piena di sogni, una stella in ascesa.

In un certo senso, questo può essere visto come un gesto di perdono da parte di Ellie nei confronti di Sandie, che comprende ciò che ha fatto e perché. Ma si ricollega anche all’idea di aggrapparsi al passato o di non riuscire a sfuggirgli, il che è un avvertimento più pericoloso per Ellie; suggerisce che non ha ancora trovato un equilibrio tra passato e presente o che non è in grado di lasciar andare Sandie. La nostalgia rimane una parte fondamentale della sua vita.

Cosa significa davvero il finale di Last Night In Soho

Il ritorno di Sandie nello specchio nel finale di Ultima notte a Soho si adatta a uno dei temi centrali del film, ovvero il pericolo di vivere nel passato o di aggrapparsi ad esso, e che l’ossessione per la nostalgia non è necessariamente una cosa positiva. Il modo in cui il personaggio di Anya Taylor-Joy appare a Ellie è quello di una figura patinata, che è il modo in cui spesso si ricorda il passato: gli aspetti negativi vengono dimenticati o messi in secondo piano, mentre le immagini e l’iconografia evocano un forte senso di nostalgia per un luogo e un tempo perfetti che non sono mai realmente esistiti.

Questo vale per l’arco narrativo di Ellie nell’intero film, dal suo trasferimento a Londra e dalla realtà della vita nella grande città e all’università, fino al lato oscuro del mondo dei sogni degli anni ’60 che lei immagina. Proprio come i film della trilogia Cornetto trattavano dell’adolescenza perpetua, Ultima notte a Soho di Wright parla di come le persone riflettono sul passato senza imparare da esso o allontanarsene, e di quanto questo possa essere pericoloso. C’è anche la sensazione che il film cerchi di affrontare questioni come la mascolinità tossica, il comportamento sessista e l’abuso delle donne (anche nell’industria del sesso), sia nel passato che nel presente.

Ciò è evidente nella presentazione di Jack, un uomo beffardo e lascivo che funge da cattivo di fatto del film, nel vecchio del Toucan (prima della sua rivelazione) e nei commenti inappropriati del tassista nei confronti di Ellie. Dato che gran parte del film è incentrato sulla vita notturna di Soho e sulla cultura del divertimento e dell’alcol, è facile intuire che Edgar Wright e la co-sceneggiatrice Krysty Wilson-Cairns abbiano cercato di esaminare la misoginia intrinseca in questo contesto, oltre a gettare uno sguardo sulla società in generale. Se ciò funzioni o meno, tuttavia, è un altro discorso.