Dopo la disabilità fisica, raccontata nel delicato e romantico The Session, Ben Lewin racconta la disabilità mentale, l’autismo, in Please Stand By, che però declina con un linguaggio più leggero e rassicurante, rivolgendosi a un pubblico più giovane.

Grandissima fan di Star Trek, Wendy è autistica, vive in base a schemi rigidi e rituali quotidiani che vengono interrotti soltanto dalla sua passione per la scrittura. Un giorno le si presenta un’occasione magnifica: avere la possibilità di partecipare a un concorso proponendo una sceneggiatura a tema Star Trek. Il premio in denaro le permetterà, secondo lei, di tornare a vivere con la sorella maggiore. Quello che Wendy non sa è che dovrà superare tutti i suoi limiti e le sue difficoltà per poter portare a destinazione il plico con la sua preziosa storia.

Dakota Fanning ha interpretato da piccolissima la figlia di un uomo con un ritardo mentale, in Mi chiamo Sam. Adesso passa dall’altra parte, per così dire, e dà corpo a questa giovane donna, autosufficiente ma imprigionata in schemi che permettono al suo mondo di stare fermo e di non agitarla. Dimostrando una certa maturità di interprete, la Fanning riesce a dare corpo a un’interpretazione misurata e pulita, senza strafare e cadenzando i momenti più forti con equilibrio.

Please Stand By – l’autismo attraverso un occhio rassicurante

L’approccio del regista Lewin è però molto edulcorato, sia nella scelta di un’ambientazione sicura, per quanto estranea e in alcuni casi avversa alla protagonista, sia per il modo in cui si affronta l’anomalia della stessa, che comunque trova pian piano il coraggio di affrontare le situazioni che lei sola percepisce come un ostacolo.

Illuminata dallo spirito guida di Spok, il personaggio di Star Trek metà umano e metà vulcaniano, Wendy riesce a trovare il suo modo per entrare in contatto con i sentimenti altri, riuscendo in qualche modo a esprimersi a sua volta. Un parallelo esibito, nel finale, tra la protagonista e il personaggio: due figure che trovano il loro modo per condividere i sentimenti, nonostante gli ostacoli.

Tra le tante, tutte parziali, rappresentazioni cinematografiche dell’autismo, Please Stand By si colloca in un territorio neutro, scegliendo una rappresentazione rassicurante e mettendo in scena più che la malattia la forza di volontà nel superare i propri limiti.

All’indomani dell’uscita della seconda stagione di Stranger Things, in un mondo che fa culto della tv e dei suoi prodotti, Kyle Mooney, stella di Saturday Night Live, insieme a Kevin Costello, scrive e interpreta Brigsby Bear, diretto da Dave McCary, altra stella del SNL.

James è un ragazzo di 30 anni che vive in un mondo in cui l’aria è irrespirabile, per questo è sempre chiuso in una casa bunker con i genitori. La sua unica finestra sul mondo è una tv a tubo catodico e un show per bambini, Brigsby Bear, che parla di un orso spaziale. Quando la polizia arriva in casa e porta via James, scopriamo la verità. Il ragazzo è stato rapito 25 anni prima dai suoi finti genitori, che gli hanno costruito intorno un’esistenza finta e nascosta, escludendolo dal mondo, a un livello tale di follia, che persino Brigsby era tutta una loro invenzione, un loro prodotto. L’uomo, con la mente e l’esperienza di un ragazzino, si ritroverà quindi ricongiunto con la sua famiglia, con una sorella adolescente che non ha mai incontrato e alle prese con un mondo che non conosce. L’unica ancora di salvezza per sopravvivere e riuscire ad adattarsi sembra quella di riportare in vita Brigsby.

L’unico riferimento e affetto di James è uno show che non esiste, rappresenta tutta la sua vita, ma tornare nel mondo reale lo mette in condizione di rinunciare alla sua ancora e di imparare a vivere. La potenza che uno show, una serie televisiva, può imporre sul mondo, sul mondo di James in questo caso, viene così rappresentata nella sua totalità, nel momento in cui diventa l’unica ragione di vita del protagonista. L’esorcismo, per restituire realtà a Brigsby e libertà a James, diventa quello di raccontare una storia su questo personaggio, che esiste solo nella mente del protagonista. Sull’esempio di Be Kind Rewind, James, con la sorella e gli amici, prova a realizzare un film sull’orso spaziale, con conseguenze disastrose.

La tenerezza e la semplicità con cui viene raccontata la storia diventano il vero cuore di una vicenda che diventa emblema anche della crescita e del passaggio. Brigsby è così un simbolo ma anche uno sfogo.

Brigsby  Bear – il potere e la tenerezza dell’immaginazione

I toni sono appunto da commedia, in una storia che non si prende mai troppo sul serio e che porta addosso i segni di una comicità leggera, volta a raggiungere un livello di intimità superiore rispetto alla sola risata. Le situazioni comiche non mancano, ma sfociano sempre in momenti di infinita tenerezza di cui James è il protagonista assoluto.

Nel cast del film, al fianco di volti più o meno noti, come Claire Danes, Michaela Watkins e Greg Kinnear, brilla Mark Hamill, nei panni del padre rapitore e interprete di tutti i personaggi della serie realizzata per il ragazzo. Il simbolo della cultura pop per eccellenza si dimostra ancora una volta capace di dare vita a caratteri e personaggi con il suolo utilizzo della sua voce.

Il terribile reato che scatena la vicenda non viene “preso sul serio”, perché apparentemente accessorio a tutto il racconto: serviva un’esca per accendere l’argomento principale della storia, ovvero l’immaginazione, con le sue potenzialità e il suo potere di dare vita a personaggi, vite, sentimenti, il potere di liberare e svincolare le persone stesse dai propri limiti e dalle proprie paure.

Con un linguaggio cinematografico elementare e un’anima grandissima, Brigsby Bear restituisce allo spettatore il piacere di immaginare e il piacere di farsi raccontare una storia.

La prossima stagione cinematografica omaggerà la regina del giallo Agatha Christie, con ben due titoli tratti da due grandi romanzi della letteratura noir. Ma se per Assassinio sull’Orient-Express dovremmo aspettare la stagione natalizia, Mistero a Crooked House arriva da noi nel pieno dei festeggiamenti di Halloween, il 31 ottobre. Il film è tratto dal libro “È un problema”, che la Christie dichiarò essere il suo scritto preferito, edito da noi da Mondadori. La storia, ambientata nell’Inghilterra anni ’50, mette insieme tutti gli elementi tipici del genere. Una dimora immersa nella campagna dove avviene un misterioso omicidio. Una numerosa famiglia dove tutti sono sospettati. Uno scaltro investigatore privato che risolverà l’intrigata faccenda.

Mistero a Crooked House, il film

Mistero a Crooked House è un dramma corale, dove più che sull’omicidio in sé, ci si concentra sulle dinamiche distorte (ovvero crooked in inglese, nomen omen) della famiglia Leonides, il cui ricco patriarca è stato ucciso nella speranza, forse, di ottenerne il cospicuo patrimonio. A fare da anfitrione questa volta non troviamo né Hercule Poirot né l’adorabile Miss Marple – i due investigatori-feticcio dei maggiori successi di Agatha Christie – ma un più anonimo Charles Hayward (interpretato, ahinoi, dall’altrettanto anonimo Max Irons). Muovendoci nei meandri della labirintica Crooked House,  facciamo la conoscenza dei suoi strambi abitanti. Tra questi spicca la particolare e divertente interpretazione di Gillian Anderson (la Dana Scully di X-Files), qui alle prese con un ruolo totalmente sopra le righe rispetto ai suoi tradizionali, che senza prendersi troppo sul serio gioca a fare il verso alla Norma Desmond di Viale del Tramonto.

Mistero a Crooked House, il film

Altra menzione d’onore va ovviamente alla bravissima Glenn Close, qui nel ruolo di una bizzarra zia armata di fucile da caccia e battute taglienti. Fin qui le note positive di Mistero a Crooked House che però, nel suo complesso, si rivela un’operazione piuttosto fiacca. A nulla è valso aver assunto lo sceneggiatore premio Oscar di Gosford Park, Julian Fellowes, che forse nella speranza di bissarne il successo, cerca di riproporne le atmosfere ma senza riuscirci. Forse anche per colpa dei due attori protagonisti, l’investigatore di Max Irons e la donna da lui amata, nipote ed erede dei Leonides, interpretata da una Stefanie Martini monocorde. Il resto del cast, seppur molto bravo ed azzeccato, non fa che da contorno ai due personaggi troppo giovani e poco credibili.

Nella speranza di riecheggiare le ambientazioni à la Downton Abbey, Mistero a Crooked House latita nel trovare un vero punto di svolta nella storia, che langue dopo una ventina di minuti. E la soluzione dell’enigma finale, palleggiata da un sospettato all’altro, è davvero troppo semplicistica ed inverosimile. Pur se encomiabile quindi il tentativo di riproporre sul grande schermo un genere come quello del giallo/ noir senza violenza ma pieno di colpi di scena, che era sparito da tempo, Mistero a Crooked House è una “operazione nostalgia” alquanto fallita. Aspettiamo dunque con ansia il vero grande capolavoro della Christie, quell’Assassinio sull’Oriente-Express diretto da sir Kenneth Branagh che con un cast stellare si ripromette di essere molto più interessante

Dopo la parentesi supereroistica, tragicamente naufragata, Marc Webb torna ai film più piccoli che sembrano rispecchiare meglio il suo approccio al cinema e alle storie, lo fa in questo caso con Gifted – Il dono del talento, un film a metà tra dramma e commedia che scalda il cuore ma pone anche le basi per importanti riflessioni sulla natura del talento, quello straordinario e “superiore”.

Gifted – Il dono del talento trama

Frank Adler vive con una bambina di otto anni, è sua nipote Mary, lasciatagli “in eredità” dalla sorella, genio matematico che non ha retto il peso della responsabilità di essere così tanto fuori dal comune. Quando la bambina è costretta ad andare a scuola con gli altri suoi coetanei, la realtà viene a galla: Mary è dotata di un’intelligenza rara, una specie di superpotere, lascito probabilmente dell’altrettanto geniale madre. Quando interviene la dispotica madre di Frank, nonna di Mary, per offrire alla bimab un’educazione superiore che non sprechi il suo dono, l’uomo sarà messo di fronte a una scelta importante per sè e per la vita della nipote.

Webb si appoggia alla presenza scenica di Chris Evans, che spogliato del ruolo di Captain America riesce finalmente a offrire una performance convincente, per raccontare una storia sul valore della formazione, sull’importanza di vivere la propria età e sul dovere che si ha nei confronti dei propri talenti.

La piccola Mary, interpretata dall’incredibile McKenna Grace, è una bambina superdotata, ha una mente eccelsa, straordinariamente portata per i calcoli e la matematica, anche più avanzata, eppure resta una bambina che ha voglia di giocare e di coccolare il suo gatto rosso senza un occhio.

Divisa tra le sue due nature: quella del genio, supportata dalla nonna, e quella della semplice bimba, che è invece coltivata dallo zio, Mary si trova a fare i conti con una scelta complicata, attirata dagli studi superiori dalla sua mente frenetica, ma anche desiderosa di avere amici e di giocare, semplicemente.

Chris Evans nel primo coinvolgente trailer di Gifted – il dono del talento

Si parla spessissimo di assistenza a persone che hanno difficoltà di apprendimento, coloro che hanno bisogno di sostegno, ma poco si dice di quelli che hanno il problema opposto, che parimenti non entrano nelle categorie. Webb sembra sforzarsi in questo senso, giungendo alla scontata conclusione con toni che dalle buffe situazioni, costruite con brio all’inizio, sfociano nei toni drammatici veicolati principalmente dalla giovanissima Grace (che vedremo anche in I, Tonya, nei panni di una piccola Harding), bimbetta prodigio davanti alla macchina da presa.

La scelta di toni caldi e atmosfere di periferia in contrapposizione con il grigiore della città sembra sottolineare l’importanza del rapporto umano anche per chi si trova a suo agio tra calcoli matematici complicatissimi e, dall’inizio del film, suggerisce una risoluzione pacifica.

Gifted – Il dono del talento è rassicurante nella confezione e interessante nei temi, non sorprende per sviluppo ma si ritaglia un posto di tutto rispetto nell’autunno cinematografico di quest’anno. Tuttavia le lacrime e le risate della piccola protagonista ammorbidiranno anche i cuori più duri.

Quando si parla di Formula Uno non si può non parlare della Scuderia Ferrari, un marchio divenuto icona di stile e successo. Alla storia della scuderia del cavallino rampante e al suo papà, Enzo Ferrari, è dedicato il docu-film Ferrari: Un Mito Immortale del regista Daryl Goodrich presentato in anteprima alla Festa del Cinema di Roma.

Il mondo delle corse automobilistiche ha sempre attirato un gran numero di spettatori affascinati dalla velocità e dal glamour che questo sport sembra possedere. Piloti intrappolati in monoposto tanto tecnologiche quanto claustrofobiche, che sfrecciano a gran velocità su circuiti chiusi, sperando di aggiudicarsi il primo posto senza ribaltarsi prima del traguardo.

Ferrari: Un Mito Immortale ripercorre i gloriosi anni cinquanta, importantissimi per la Ferrari e il suo team di piloti entrati a far parte della storia delle gare automobilistiche. A quei tempi correre in pista era il sogno di ogni ragazzo che amasse le macchine, la velocità ma soprattutto il ‘gusto’ dell’adrenalina. Ma affrontare un circuito allora voleva dire anche prendersi un grande rischio, ovvero quello di finire schiacciato tra i rottami di un’auto in fiamme. Eppure, nonostante ciò, decine di piloti ogni domenica salivano sulle proprie automobili rischiando il tutto per tutto per un momento di gloria.

In Ferrari: Un Mito Immortale si parla dunque della scuderia, del grande Enzo ma anche e soprattutto dei cosiddetti piloti gentlemen degli anni cinquanta. Quello immortalato da Daryl Goodrich è un periodo pieno di fascino ma anche segnato da orribili tragedie in pista. La competizione era tanta, le macchine da corsa instabili e i piloti spesso entravano in pista sfidando la sorte. Attraverso alcune immagini e filmati di repertorio, il regista ricostruisce gli eventi di quegli anni dividendo il suo docu-film in capitoli.

Si parla di sport ma anche e soprattutto di persone, del lato umano della Formula Uno e del grande Enzo Ferrari. Il papà del cavallino rampante infatti viene ricordato come un imprenditore senza scrupoli, un vero e proprio talent scout disposto a tutto pur di mantenere vivo il suo sogno di bambino e la sua scuderia.

Era un uomo estremamente complesso, con un passato difficile e una volontà di ferro che scoraggiava qualsiasi tipo di rapporto interpersonale tra piloti. Correre doveva essere il loro unico pensiero e non c’era spazio per inutili sentimentalismi, ma solo per le macchine. Seguendo le storie di piloti come Peter Collins e Mike Hawthorn, ricostruiamo quindi il puzzle del mito di Enzo Ferrari, ritratto come un despota senza cuore.

Pur concentrandosi maggiormente sui personaggi che sullo sport vero e proprio, Ferrari: Un Mito Immortale di Daryl Goodrich ha una struttura fin troppo ripetitiva. Le storie dei singoli personaggi vengono raccontate delle voci fuori campo dei narratori sempre allo stesso modo e rendendo tutto piatto e difficile da seguire. Un documentario quindi meno adatto agli appassionati di corse automobilistiche ma che potrebbe invece incontrare il gusto dei neofiti della Formula Uno.

In The Movie of my Life Nel 1963, in un piccolo paese di campagna nel sud del Brasile, Tony Terranova è un giovane insegnante di lingua francese al liceo. Tony ha la madre brasiliana e il padre francese. E’ un romantico e un sognatore, ama il cinema, la letteratura e la poesia. Soffre per l’abbandono del padre, andato via quando lui è tornato dagli studi e dileguatesi, senza lasciare tracce e spiegazioni. E’ innamorato di una ragazza con la passione della fotografia e cerca di trovare il coraggio di farsi avanti. Non è timido, ma l’insicurezza, i dubbi e soprattutto i continui pensieri sul padre, rendono le sue prime esperienze tutt’altro che facili.

Vive la sua vita come fosse un film e ne parla costruendone la trama, giorno dopo giorno, riempiendola di esperienze e popolandola delle tante persone vicine a lui. Sostiene che molti guardano frettolosamente i film, concentrandosi sull’inizio e sulla fine, ma quello che sta nel mezzo è altrettanto importante, e a volte anche di più.

Selton Mello, giovane regista brasiliano, conosciuto per aver diretto alcune serie tv, è anche un attore, apparso in diversi film tra cui Trash, presentato in una delle precedenti edizioni della Festa del Cinema di Roma. Mello costruisce un film strambo e originale, che segue con gusto e sapienza le regole del melò, dell’iniziazione sentimentale, ma che spiazza totalmente per i suoi continui riferimenti formali, visivi e musicali alla cultura francese. Si ha l’impressione di aver visto un falso d’autore, perché si avverte uno straniamento dovuto al fatto di sapere di trovarsi in Brasile, di sentir parlare brasiliano, ma di vedere poi un paese che sembra uscito direttamente da una sperduta regione della Francia, alla Chocolat di Lasse Hallström,  per capirci. Anche gli attori spiazzano, soprattutto il giovane protagonista Johnny Massaro, bravissimo e perfettamente calato nei turbamenti del suo personaggio, ma che ricorda in maniera impressionante Louis Garrell. Così quando appare sullo schermo il padre di Tony, viene spontaneo pensare che l’attore che lo interpreta sia il sosia di Vincent Cassell, mentre in realtà è proprio lui.

Ma risolto questo piccolo turbamento e abbandonandosi alla storia il film scorre sicuro, cattura, diverte e commuove. Ci si rende conto che prima di tutto è una fiaba romantica sospesa nel tempo, dove il luogo geografico non è fondamentale.

Il cast è indovinato e ben diretto, costruito con meticolosità e ricco di infinite sfumature. Oltre al bravo e già citato protagonista Johnny Massaro, spicca Bruna Linzmeyer, che interpreta Luna, la ragazza della quale è innamorato Tony. Anche i ruoli secondari sono gustosi e funzionali, come l’adolescente che brama insistentemente di essere portato al bordello, o il vecchio ferroviere, che tutti i giorni trasporta la gente verso la civiltà, il progresso, la perdizione.

La fotografia è splendida, dai toni caldi e dai colori ammalianti. Le scelte musicali poi, sottolineano in molti momenti delle belle invenzioni registiche, come la Carmen di Bizet durante una lezione di ginnastica a scuola, che trasforma la normalità in un sogno a occhi aperti, quando Tony si stacca da terra vedendo la ragazza dei suoi sogni danzare.

Una fiaba strampalata d’altri tempi, romantica e struggente. Una confezione bislacca dal sapore francese, ma anche con tanti elementi da cinema western. Tutto questo rende The Movie of my Life, un film spontaneo, tenero e originale, difficilmente classificabile.