Dopo una quarta stagione molto
drammatica ambientata principalmente a Roma (qui
la recensione), il finale della quinta stagione di Emily
in Paris – disponibile dal 18 dicembre su Netflix – vede finalmente Emily
Cooper, interpretata da Lily Collins, e i suoi amici tornare nella
capitale francese (anche se forse non per molto). All’approssimarsi
dell’episodio finale, avevamo molte domande: chi si fidanzerà? Chi
si lascerà? Cosa succede tra Alfie e Mindy? Emily e Gabriel
torneranno mai insieme? Qual è il futuro dell’Agence Grateau? Il
finale, ricco di colpi di scena, ha dato una risposta a tutte
queste domande. Analizziamo allora tutto ciò che abbiamo
scoperto.
Cosa accade nel finale di Emily in Paris –
Stagione 5
L’episodio 10 inizia a Venezia, in
Italia, con Mindy, Nico, Emily e Marcello che controllano la
location della nuova sfilata di moda Muratori, solo per scoprire
che c’è un grosso problema (perché ovviamente c’è): le famigerate
maree aqua alta della città hanno allagato la location. Ma, come
sempre, Emily si adatta alla situazione e decidono di andare avanti
facendo indossare agli ospiti e alle modelle stivali da pioggia e
poncho. La madre e la sorella di Marcello sorprendono tutti
presentandosi inaspettatamente, ma invece di rovinare la sfilata,
alla fine si alza in modo molto teatrale e dà a suo figlio il bravo
che lui stava cercando.
Accetta di ritirare la causa contro
di lui e, rendendosi finalmente conto che suo figlio è “un vero
stilista” come suo padre, gli chiede di rilevare Muratori da lei
come capo del marchio. Marcello vuole che Emily si occupi del
marketing e sgancia la bomba (che Emily avrebbe dovuto prevedere)
che questa notizia significa che dovrà tornare a Solitano per
sempre. Vuole che Emily si trasferisca nella casa di sua madre con
lui, che sta anche ereditando. Emily è sopraffatta dalla notizia,
ma decidono di non prendere alcuna decisione per il momento.
Passiamo a Sylvie, che riattacca il
telefono e informa Luc e Julien che, a seguito del suo divorzio da
Laurent, che è profondamente indebitato, il tribunale fallimentare
sta per sequestrare tutti i suoi beni, compresi quelli di lei, il
che significa che l’Agence Grateau è in guai seri. Con affetto,
dice loro che dovrebbero cercare altri lavori e non affondare con
lei. Quando le chiedono di Emily, lei risponde di non preoccuparsi:
Emily starà bene perché ora ha Muratori. Sylvie va a congratularsi
con Emily e le dice di cogliere al volo l’opportunità con
Marcello.
In quella che è sicuramente la
migliore interazione tra Sylvie ed Emily vista finora nella serie,
Sylvie dice poi a Emily che sarebbero fortunati ad averla e inizia
a piangere quando le dice che lo sa perché lei stessa è stata
fortunata ad averla. Dal punto di vista personale, Emily trascorre
gran parte dell’episodio pensando che Marcello le chiederà di
sposarlo. Questo perché, quando Emily non riesce a trovare il suo
passaporto, va a frugare tra le cose di Marcello e trova un anello
di diamanti.
Si incontra con Mindy per sfogarsi
ed esprime alcune riserve sulla rapidità con cui stanno andando le
cose, ma assicura a Mindy che quando immagina il suo futuro vede
Marcello. Qualche tempo dopo, Marcello ed Emily escono per un
pranzo romantico dove lei pensa che lui le chiederà di sposarlo con
un anello nascosto in fondo a un tiramisù (ragazza, cosa?), ma è un
falso allarme (grazie a Dio). Più tardi, Mindy riceve una
telefonata da Alfie, che le chiede di vederla quando tornerà a
Parigi e le dice che tra loro c’era davvero qualcosa di speciale
quando si sono frequentati all’inizio della stagione.
Lei accetta provvisoriamente di
rivederlo quando tornerà a Parigi. Durante un giro in gondola,
però, Marcello inizia a dire cose dolci a Emily, poi lascia che
Nico dica a Mindy quanto lei sia fantastica. Poi, Marcello tira
fuori la scatola con l’anello ed Emily esclama immediatamente:
“Cosa? No. Ti amo, ma non posso sposarti. È solo che… non posso
lasciare tutto a Parigi per trasferirmi a Solitano. Non è la mia
vita”. Marcello, che sembra devastato, la interrompe per
dirle: “Non è nemmeno il tuo anello… Lo tenevo per
Nico”.
Nico procede quindi con quella che
è probabilmente la proposta di matrimonio più imbarazzante di
sempre, grazie alla nostra Emily che rovina il momento, ma Mindy
accetta comunque. In seguito, Marcello ed Emily hanno una
conversazione carica di emozioni in cui Emily si scusa
profusamente, ma lui le dice che sa che ha reagito in quel modo
perché, in quel momento, ha capito cosa prova veramente. Lei gli
racconta quanto abbia lavorato duramente per la sua vita a Parigi,
e lui le dice che il suo posto è in Italia.
Lei dice che vorrebbe poter stare
lì con lui, ma non può. “È un sogno bellissimo, ma non è il
mio”, dice. Si abbracciano così per un’ultima volta. Tornati a
Parigi, Mindy e il suo anello incontrano Alfie, che è
comprensibilmente sconvolto. Lui si rifiuta di congratularsi per il
fidanzamento e le dice che il meglio che può fare è augurarle buona
fortuna e dirle che sta commettendo un grave errore. Emily le
chiede se prova ancora qualcosa per Alfie e Mindy non riesce a
rispondere, il che sembra già una risposta. “Oh mio Dio, cosa
sto facendo?”, chiede Mindy a Emily. Ragazza, ce lo chiediamo
da tutta la stagione.
Cortesia di Netflix
All’Agence Grateau, Emily torna al
lavoro e Sylvie le comunica che l’azienda rischia di fallire. Le
spiega però che tutto è a posto, perché un socio ha investito per
salvarla, ma la avverte che potrebbero esserci dei cambiamenti in
ufficio a causa di questo. Proprio in quel momento, Jane,
interpretata da Minnie Driver, piomba nella stanza e informa Emily
che il marito defunto le ha lasciato il palazzo, per il quale ha
ricevuto un’offerta vantaggiosa dal Four Seasons. “Cazzo, sarà
divertente”, dice al gruppo, mentre Sylvie, Emily, Luc e
Julien non sembrano così sicuri.
La stagione si conclude sullo yacht
dove Gabriel ha lavorato come chef privato per tutta la stagione.
Il suo capo lo informa che ha alcune settimane di ferie in Grecia
tutte per sé e, come per destino, Sylvie fa da cupido e manda un
messaggio a Gabriel per informarlo che Emily e Marcello si sono
lasciati, lasciandogli libertà di decidere cosa fare con questa
informazione. Lo vediamo inviare una cartolina “Dalla Grecia con
amore”, come Emily gli aveva detto di fare all’inizio della
stagione, che recita: “Emily, come promesso… una cartolina con un
francobollo. Sono in mare senza di te. Ci vediamo in Grecia. Tuo,
Gabriel”.
Lo vediamo guardare il mare mentre
scorrono i titoli di coda su questa quinta stagione. Al momento,
Emily in Paris non è stata ancora ufficialmente
confermata per una sesta stagione, ma se lo sarà, il finale prepara
sicuramente qualche altro succoso dramma sul fidanzamento di Mindy,
lo stress dell’Agence Grateau e altre torture sul “lo faranno o non
lo faranno” per Emily e Gabriel. Non resta quindi che attendere
novità!
UFO Sweden di
Victor
Danell è un dramma
fantascientifico che segue Denise,
un’adolescente cresciuta in Svezia negli
anni ’90, appassionata di tecnologia e hackeraggio. Dopo la
misteriosa scomparsa di suo padre, Uno, un
cacciatore di UFO, nel 1988, Denise vive in case famiglia e
disprezza tutto ciò che riguarda suo padre, convinta che avesse
sempre inseguito un miraggio. La sua vita cambia quando la Saab
rossa di suo padre appare improvvisamente su un fienile vicino a
casa. Il contadino sostiene che l’auto sia caduta dal cielo, ma
nessuno gli crede. Denise, però, è certa che sia l’auto di suo
padre e vuole capire come sia finita lì.
Cosa accade in UFO
Sweden
Affascinata dal mistero, Denise contatta UFO
Sweden, un club di appassionati di spazio di cui suo padre
faceva parte. Racconta che, secondo suo padre, esiste una
correlazione tra avvistamenti UFO e anomalie meteorologiche: la
notte in cui l’auto appare sul fienile, i giornali annunciano
piogge forti che però non si verificano, accompagnate da
un’interruzione di corrente inspiegabile. Denise trova la cassetta
personale di suo padre sull’auto e conclude che si tratta davvero
della sua vettura.
Il gruppo inizialmente respinge la teoria, sostenendo che la
cassetta potrebbe essere stata comprata da chiunque. Denise mostra
l’equazione di Uno, il padre, che avrebbe predetto i luoghi degli
avvistamenti UFO, ma Lennart, membro veterano, rifiuta l’ipotesi.
Lennart ha un rancore personale verso Uno: in passato, nel
tentativo di aiutarlo fornendo dati riservati, ha perso il lavoro e
considera Uno egoista. Nonostante ciò, i giovani membri del team
vogliono approfondire e votano a favore di ulteriori indagini.
Denise si reca alla stazione meteorologica SMHI per raccogliere
dati sulle anomalie atmosferiche, contravvenendo alle regole.
Kicki, responsabile della ricerca, la scopre, ma Lennart e il
gruppo la aiutano a fuggire. Mentre lasciano il luogo, il cielo si
tinge di rosso e vedono ciò che sembra un UFO. Analizzando i dati,
Denise scopre che Kicki studia le anomalie gravitazionali dal 25
novembre 1988, giorno della scomparsa di Uno, confermando la sua
convinzione che l’SMHI sia collegato al mistero del padre. Gunnar,
membro più anziano, si oppone alle indagini, ma il gruppo vota
ancora una volta a favore di Denise, stavolta con il supporto di
Lennart.
Convinta che l’UFO sia vicino all’ultimo luogo di avvistamento,
Denise tenta di localizzarlo usando l’equipaggiamento disponibile,
ma la tecnologia è insufficiente. Propone di hackerare la rete SMHI
per triangolare il punto dell’impatto, ma Lennart si rifiuta di
permetterlo. La frustrazione di Denise aumenta, fino all’arrivo di
Tomi, un’amica di lunga data che la sostiene fin dall’infanzia.
Tomi sospetta che Denise lavori con UFO Sweden e cerca prove
parlando con Kicki. Alla fine, Denise ottiene l’accesso ai dati e
scopre che l’UFO è sott’acqua. Con l’uso di un potente magnete, il
gruppo individua l’oggetto nel lago.
Durante il recupero, il peso dell’oggetto rende il compito
difficile. Lennart e il gruppo esitano, ma Denise insiste. Scoprono
che si tratta di un aereo affondato, non dell’UFO atteso. Denise
confessa di aver ottenuto i dati hackerando SMHI e Lennart si sente
tradito; rifiuta di continuare a lavorare con lei, deluso dalla sua
mancanza di spirito di squadra. Denise, d’altra parte, ritiene che
solo i metodi professionali possano portarli avanti.
L’insoddisfazione porta il team a separarsi temporaneamente.
Tomi rintraccia Denise mentre osserva l’aereo distrutto e la porta
alla polizia. Denise nota il numero dell’aereo, DK-2342, lo stesso
di uno scomparso nel Mar Baltico, e tenta di fermare Tomi.
Disperata, Denise ha un incidente d’auto ma sopravvive, così come
Tomi. Tornata da UFO Sweden, Denise spiega che l’aereo e l’auto di
suo padre condividono un destino insolito, e che il mistero non è
risolto. Lennart, sorprendendo Denise, decide di aiutarla. Lei si
scusa per i comportamenti passati e ammette di aver bisogno del
loro supporto. Lennart le consegna la spilla del club come segno di
fiducia e i due tornano a lavorare insieme.
Insieme, Denise e Lennart si intrufolano nell’ufficio SMHI e
parlano con Kicki. Mostrano l’equazione di Uno, sperando di
risolverla. Kicki accetta di collaborare, e attraverso l’equazione
scoprono che le anomalie gravitazionali sono localizzate su un
ponte di Einstein-Rosen, un wormhole. Lennart e Kicki spiegano che
l’aereo e l’auto finiscono in luoghi strani per via del wormhole, e
Uno probabilmente non si trova nell’auto perché è sceso per
esplorare con coloro che hanno creato il passaggio temporale.
Denise vuole continuare a seguire le tracce dei wormhole.
Cosa accade nel finale
di UFO Sweden
Gunnar, per vendetta, chiama la polizia locale, denunciando UFO
Sweden, ma il resto del gruppo supporta Lennart e Denise. La
polizia arresta i due, ma gli amici li aiutano, usando la stessa
Saab rossa che Gunnar aveva preso come prova contro Denise. Denise
e Lennart riescono a scappare e finiscono su un parcheggio
multipiano. Capiscono che per testare la teoria del wormhole,
devono rischiare nuovamente le loro vite: lanciano l’auto
dall’edificio. L’auto non si schianta, ma attraversa il wormhole e
appare nel fienile, in un paesaggio nevoso, come se fosse in una
realtà alternativa. Denise sa di dover trovare suo padre prima che
il wormhole si chiuda.
Camminando nella tempesta, Denise vede suo padre in lontananza. Lui
le chiede di seguirlo nell’universo, ma Denise esita. Suo padre le
dice di decidere in fretta, perché “loro” lo stanno aspettando.
Denise sceglie di non andare con lui. Capisce che suo padre non
l’ha mai messa al primo posto, interessato più a esplorare con gli
alieni che a tornare dalla figlia. Denise sente invece il bisogno
di proteggere Lennart, ferito alla gamba.
Alla fine, Denise sceglie Lennart perché lui le è rimasto accanto
quando le cose si complicano. Insieme cercano di raggiungere il
fienile, ma il wormhole inizia a chiudersi rapidamente. Rinunciano
a seguirlo e si abbracciano, vivendo un’esperienza irripetibile. Al
loro risveglio, si trovano nel 1998, due anni nel futuro, sul set
di un film. L’ispettore Karl riceve conferma che Denise e Lennart
sono stati ritrovati.
Sebbene siano passati due anni, Denise e Lennart si riuniscono con
la loro “famiglia ritrovata”. La Saab rossa è distrutta, ma Tomi
sembra aver perdonato Denise dopo aver visto la Saab attraversare
il wormhole. Lennart consegna a Denise la posta trovata nella
cassetta di UFO Sweden; Denise resta riservata, suggerendo che il
loro ritorno nel 1998 potrebbe essere stato aiutato dagli alieni di
cui suo padre faceva parte. È possibile che Denise mantenga un
contatto con il padre o i nuovi amici per approfondire la
conoscenza dell’universo e dei viaggi nel tempo, lasciando aperte
infinite possibilità per il futuro.
Cosa ci lascia il finale
di UFO Sweden
Il finale di UFO
Sweden lascia dunque agli spettatori un messaggio forte
sul valore delle relazioni umane rispetto all’ossessione per il
mistero o l’ignoto. Denise sceglie Lennart, che le resta accanto e
la sostiene, invece di seguire il padre, simbolo di una passione
cieca e autodistruttiva. Il film riflette su fiducia, lealtà e
responsabilità affettiva, suggerendo che la vera scoperta non è
sempre negli eventi straordinari o negli enigmi dell’universo, ma
nelle connessioni umane che ci ancorano. Allo stesso tempo, lascia
aperto il fascino dell’ignoto, un invito a esplorare senza perdere
ciò che conta davvero.
Prime Video ha svelato oggi il teaser
trailer e annunciato il mese di uscita del suo nuovo film Prime
Original italiano girato inglese Love Me
Love Me, tratto dal primo romanzo fenomeno della serie di
quattro libri “Love Me Love Me” di Stefania S. (oltre 23
milioni di letture sulla piattaforma Wattpad e ora pubblicato da
Sperling & Kupfer). Il young adult romance presenta un cast
internazionale guidato da Mia Jenkins, Pepe Barroso Silva,
e Luca Melucci, affiancati da Andrea Guo, Michelangelo Vizzini,
Madior Fall e Vanessa Donghi.
Love Me Love Me è diretto
da Roger Kumble, scritto da Veronica Galli e Serena Tateo,
co-prodotto da Lotus Production – una società Leone Film Group – e
Amazon MGM Studios, con il supporto di WEBTOON
Productions, e sarà disponibile in esclusiva su Prime Video in
tutto il mondo a febbraio 2026. Love Me Love Me è l’ultima
novità per i clienti Amazon Prime, che in Italia beneficiano di
spedizioni veloci, offerte esclusive e intrattenimento, incluso
Prime Video, con un solo abbonamento al costo di €49,90/anno o
€4,99/mese.
La trama di Love Me Love
Me
June si trasferisce in Italia per
un nuovo inizio dopo la morte del fratello. Nella sua nuova scuola
d’élite, è attratta da James, un ragazzo carismatico e tormentato
coinvolto in incontri clandestini di MMA, ma inizia a frequentare
il suo migliore amico, Will, il perfetto studente modello.
Tuttavia, le apparenze ingannano e June scopre presto che nessuno
nella sua scuola è come sembra, ognuno nasconde un segreto. Mentre
le tensioni aumentano e le verità nascoste vengono alla luce, June
deve decidere a chi appartiene veramente il suo cuore.
Sony ha pubblicato il nuovo trailer del reboot meta-comedy di
Anaconda, offrendo il nuovo sguardo al
ritorno di Ice Cube nella storica saga. Il franchise aveva
debuttato nel 1997 con un cast guidato da Jennifer Lopez, Ice Cube, Jon Voight, Eric
Stoltz, Owen Wilson e Danny
Trejo, trasformandosi negli anni in un cult della
creature-feature.
A
quasi trent’anni di distanza, Anaconda torna al cinema in una veste totalmente nuova:
una commedia meta-cinematografica che arriverà nelle sale americane
a Natale
2025, in Italia l’8 Gennaio.
Il
trailer si apre con il font Papyrus, parodiando Avatar e suggerendo inizialmente un collegamento
al mondo di James Cameron. Ma il tono cambia immediatamente
quando appare Jack
Black, dando il via al caos. La trama ruota infatti
attorno a un gruppo di personaggi interpretati da Jack Black,
Paul
Rudd, Steve Zahn e Thandiwe Newton, impegnati a realizzare un
remake di Anaconda… fino
a quando non si ritrovano faccia a faccia con un vero serpente
nell’Amazzonia.
“Siamo qui per fare
Anaconda. Ora siamo dentro Anaconda,” dichiara Doug
McCallister (Jack Black) quando la troupe comprende di essere
diventata parte del film che voleva semplicemente ricreare. Da quel
momento, il trailer mostra inseguimenti, esplosioni, battute
surreali e momenti da survival comedy, come la fuga in golf cart
che scatena la battuta: “Vai! Più veloce!” – “È un golf cart! Che
vuoi, un Tokyo Drift?”
Il grande momento arriva però nel finale del trailer: un misterioso
uomo incappucciato spara un razzo segnalatore nel cielo prima di
rivelare il volto di Ice
Cube, che consegna una pistola al personaggio di Rudd con
la battuta: “Ti servirà.” Quando l’attore chiede se sia davvero
necessario, Cube risponde: “Certo. Io ne ho un’altra.”
Nel reboot, Ice Cube interpreta sé stesso e non il suo personaggio
originale, Danny Rich. Non è ancora chiaro cosa lo porti nella
giungla amazzonica all’interno della trama, ma l’attore ha
dichiarato di essersi divertito moltissimo e spera che i fan
apprezzino il suo ritorno dopo 28 anni.
Il cast comprende anche Daniela Melchior, Selton Mello, Ione Skye e
Ben Lawson. Il film originale del 1997, pur accolto negativamente
dalla critica (39% su Rotten Tomatoes), è diventato col tempo un
cult, generando sequel come The Hunt for the Blood Orchid (2004), Offspring (2008) e Trail of Blood (2009), oltre al
crossover Lake Placid vs.
Anaconda (2015). Nessuno dei membri del cast originale era mai
tornato… fino ad oggi.
Il nuovo Anaconda dovrà
vedersela con una forte concorrenza al box-office, tra cui
Avatar: Fire and Ash,
The Housemaid e
Song Sung Blue. Ma il
ritorno di Ice Cube e la svolta meta-comedy potrebbero rivelarsi le
carte vincenti per attirare in sala un pubblico che attende da anni
un revival della saga.
Guarda il primo trailer di Pecore
Sotto Copertura, nuova commedia per tutta la famiglia
diretta da Kyle Balda (Minions) e basata sul romanzo “Three Bags Full”
di Leonie Swann. Al centro della storia c’è un enigma che sconvolge
la tranquillità di una fattoria che spinge un gruppo di
improbabili investigatori a seguire indizi e sospetti.
Nel cast Hugh Jackman (The Greatest Showman, Logan – The Wolverine), Nicholas Braun (Succession), Nicholas Galitzine
(Purple
Hearts, Cenerentola), Molly Gordon (Booksmart – La rivincita delle
sfigate, Shiva
Baby), Hong Chau (The
Whale, Downsizing –
Vivere alla grande) ed Emma Thompson (Ragione e sentimento, Love Actually – L’amore davvero la). Pecore Sotto Copertura sarà nelle
sale italiane dal 7 maggio distribuito da Eagle Pictures.
In questa nuova e brillante
rivisitazione del genere mystery, George (Hugh Jackman) è un
pastore che ogni sera legge romanzi gialli alle sue amate pecore,
convinto che non possano comprenderlo. Quando però un misterioso
incidente sconvolge la tranquillità della fattoria, le pecore
decidono di dover diventare loro stesse delle detective. Seguendo
gli indizi e indagando sui sospetti umani, dimostrano che anche le
pecore possono essere brillanti investigatrici.
Netflix ha rivelato le prime immagini
ufficiali di Apex, il nuovo thriller survival con
protagonisti Charlize Theron e Taron Egerton. Diretto da Baltasar
Kormákur e interpretato anche da Eric Bana, il film è descritto come un intenso
gioco del gatto e del topo ambientato nell’asprezza del wilderness
australiano: una donna in lutto, spinta al limite della resistenza,
si ritrova improvvisamente intrappolata in un duello mortale contro
un predatore spietato.
Nel
film, Theron interpreta la
preda, mentre Egerton veste i panni del serial killer che la
bracca senza tregua. Apex debutterà su Netflix il 24 aprile 2026, inserendosi nella crescente
linea di film action-thriller che la piattaforma sta preparando per
il prossimo anno.
L’esperienza sul set è stata particolarmente impegnativa per
Theron, che ha raccontato a PEOPLE l’entità dello sforzo fisico richiesto dal
ruolo:
“Mi stavo preparando per diventare il più forte
possibile, perché nel film ho scalato tutte le montagne reali. Le
ho scalate a piedi nudi, con i miei piedi veri, senza
protezioni.”
Le prime immagini diffuse da Netflix mostrano proprio alcune delle
scene più estreme del film, con Theron impegnata in sequenze
acrobatiche e momenti di forte tensione emotiva.
Anche il regista Baltasar Kormákur ha elogiato la trasformazione
dell’attrice, sottolineando il livello di realismo che hanno scelto
di raggiungere:
“Abbiamo deciso di non prendere scorciatoie e di affrontare
tutto a pieno, e lei lo ha fatto davvero. È stato affascinante
vedere Charlize trasformarsi e affrontare ogni sfida che il ruolo
richiedeva.”
Theron, premio Oscar per Monster (2003), torna così a immergersi in un
personaggio fisico e psicologicamente complesso, richiamando i suoi
ruoli iconici in Mad Max: Fury Road, Tully, Bombshell e Fast X. Nel 2026 sarà anche nel nuovo film
di Christopher Nolan, Odissea, nel ruolo di Circe.
Taron Egerton, celebre per la saga Kingsman, continua invece il suo percorso nell’action
contemporaneo dopo titoli come Carry-On e il recente successo streaming
She Rides Shotgun.
L’attore era in trattative per tornare in un nuovo capitolo di
Kingsman,
The Blue Blood, ma il
progetto risulta attualmente in stallo.
Apex arricchirà la già
imponente lineup cinematografica Netflix per il 2026, che includerà
anche l’adattamento del romanzo People We Meet on Vacation, il film-evento
Peaky Blinders: The Immortal Man e
l’attesissimo reboot The
Chronicles of Narnia diretto da Greta Gerwig.
La piattaforma chiuderà invece il 2025 con il finale
cinematografico di Stranger Things e diverse produzioni di
prestigio – tra cui Frankenstein, Train Dreams, Jay
Kelly e A House of Dynamite – tutte dirette
candidate alla stagione dei premi.
Con un cast di altissimo profilo, un regista esperto nel survival
action e una storia basata sulla tensione pura, Apex ha già tutte le carte in regola
per diventare uno dei titoli più attesi della prossima stagione
Netflix.
Tim Burton ha finalmente svelato il suo
prossimo progetto cinematografico, e arriverà prima del previsto.
Dopo il successo di Beetlejuice Beetlejuice (2024), il
regista prosegue la sua attività creativa con un progetto inedito:
una collaborazione con A$AP Rocky.
Tutto nasce da un nuovo post Instagram del rapper e attore, che ha
rivelato non solo la copertina del suo quarto album Don’t Be Dumb – illustrata proprio da
Burton – ma anche l’esistenza di un film collegato al disco. “SORRY
4 THE WAIT DON’T BE DUMB FINALLY HERE! THANKS TIM
BURTON FOR HELPING ME MAKE THIS MOVIE! COMING SOON,” ha scritto
Rocky, confermando così l’arrivo di un progetto audiovisivo
realizzato con il contributo del celebre autore. Burton ha poi
ricondiviso il post sul suo profilo ufficiale, consolidando
ulteriormente la notizia.
In un secondo post, il rapper ha pubblicato nuove illustrazioni e
la didascalia “NATIONAL NOTHING DAY -DONTBEDUMB,” senza però
svelare ulteriori dettagli sulla natura del film. L’album, che
include anche brani composti dallo storico collaboratore di Burton,
Danny Elfman, uscirà il 16 gennaio.
Al momento non è chiaro quale sia il ruolo esatto di Burton nel
progetto: la formulazione del post di Rocky suggerisce che il
regista non
abbia diretto il film. È possibile che abbia contribuito
principalmente al design visivo e all’artwork, oppure che abbia
assunto un ruolo produttivo, supportando lo sviluppo creativo del
progetto. Resta inoltre da capire se si tratti di un
lungometraggio, uno short film o un’opera sperimentale legata al
concept dell’album.
Qualunque sia la forma definitiva, il nuovo film rappresenta la
prima incursione di Burton sul grande schermo dopo il successo del
sequel di Beetlejuice,
accolto calorosamente da pubblico e critica. Negli ultimi anni, il
regista ha alternato cinema e televisione, mantenendo un forte
legame con la cultura pop: resta infatti produttore esecutivo della
serie NetflixWednesday, che tornerà con la terza stagione.
Per A$AP Rocky, il progetto segna un nuovo passo nel mondo del
cinema dopo le recenti apparizioni in Highest 2 Lowest di Spike Lee insieme a
Denzel Washington e nel film
If I Had Legs I’d Kick
You, già dato tra i possibili contendenti agli Oscar.
Con Don’t Be Dumb in
arrivo a gennaio, ulteriori dettagli sul film – e sul vero
contributo di Tim Burton – potrebbero emergere nelle prossime
settimane, alimentando la curiosità dei fan sia del regista che del
rapper.
Prime Video ha svelato teaser poster, teaser
trailer e data di uscita di Young
Sherlock, la nuova serie con protagonista
Hero Fiennes Tiffin (film della saga
di After) nei panni di Sherlock Holmes. Questa
emozionante serie, realizzata dal visionario regista ed executive
producer Guy
Ritchie, racconta la storia delle origini di Sherlock
Holmes, in un giallo irriverente e ricco di azione che segue le
prime avventure dell’iconico detective. Tutti e 8 gli episodi che
compongono questa nuova serie elettrizzante debutteranno il
4 marzo 2026 in esclusiva su Prime Video in oltre
240 Paesi e territori nel mondo.
Con tutta l’arguzia e il fascino
dei lungometraggi di Sherlock Holmes di Guy
Ritchie, Young Sherlock segue la storia delle
origini dell’amato detective nato dalla penna di Sir Arthur Conan
Doyle, in una rivisitazione esplosiva dei primi anni di vita di
questo iconico personaggio. Sherlock Holmes è un giovane caduto in
disgrazia, istintivo e senza filtri, che si ritrova coinvolto in un
caso di omicidio che minaccia la sua libertà. Il suo primo caso
svelerà una cospirazione internazionale che cambierà la sua vita
per sempre. Ambientata negli anni ‘70 dell’Ottocento ad Oxford, con
incursioni all’estero, la serie rivela le prime prodezze del
giovane ribelle, che deve ancora diventare il più rinomato
residente di Baker Street.
Il cast di Young Sherlock, già
annunciato, include Dónal Finn (La Ruota del
Tempo), Zine Tseng (Il problema
dei 3 corpi), Joseph Fiennes (Il
racconto dell’ancella),
Natascha McElhone (Halo), Max Irons (Condor) e
Colin Firth (Il discorso del re). Guy
Ritchie è regista dei primi due episodi ed executive
producer. La serie è scritta da Matthew Parkhill, che figura
anche come executive producer insieme a Dhana Gilbert,
Marc Resteghini, Simon Maxwell, Ivan Atkinson, Simon Kelton,
Colin Wilson e ai co-executive producer
Harriet Creelman e Steve Thompson. Motive Pictures ha
guidato la produzione fisica di Young Sherlock.
La Walt Disney Pictures sta
portando avanti il suo progetto di trasposizione live-action di
Rapunzel, e ha ristretto la lista
degli attori che daranno vita agli amati personaggi del film.
Lo studio è stato più riservato del
solito riguardo al
processo di casting per Rapunzel. Molti fan non sapevano
nemmeno se il film fosse effettivamente in fase di sviluppo o se le
notizie sugli aggiornamenti fossero solo voci. Tuttavia, The Hollywood Reporter ha confermato ufficialmente che
la Disney ha tenuto audizioni e test di chimica a Londra la scorsa
settimana per i ruoli di Rapunzel e Flynn Rider.
Secondo diverse fonti di The
Hollywood Reporter, diverse attrici erano in lizza per il ruolo
di Rapunzel. Tra queste c’è Freya Skye, che ha recitato in
Disney’sZombies 4: Dawn of the Vampires. Sono
state prese in considerazione anche Sarah Catherine Hook, apparsa
in White Lotus, Teagan Croft, nota soprattutto per il ruolo
di Raven in Titans della DC, e Olivia-Mai Barrett, protagonista di
Invasion di Apple
TV+.
Si vociferava che l’attrice di
The Summer I Turned Pretty Lola Tung avrebbe dovuto
sostenere un provino. Purtroppo ha dovuto rinunciare a causa di
impegni concomitanti. Tuttavia, si tratta solo di voci e non è
stato confermato da nessuno dei soggetti coinvolti al momento della
pubblicazione di questo articolo.
Per il ruolo di Flynn, si dice che
diversi giovani attori famosi abbiano fatto un provino per il
live-action Tangled. Milo Manheim, che ha recitato anche nella
serie Disney’s Zombies, e Charlie Gillespie, che ha recitato in
Splitsville e nella serie musicale di Netflix Julie, sono in lizza per il ruolo. Entrambi
gli attori hanno dimostrato grandi capacità canore e recitative nei
loro progetti passati. Anche l’attore Gilli Jones avrebbe fatto un
provino per la parte.
Alcune fonti hanno anche affermato
che i fan potrebbero non dover aspettare troppo a lungo per
ulteriori aggiornamenti. Le decisioni finali sul casting potrebbero
arrivare prima di quanto il pubblico si aspetti.
Nel film d’animazione Rapunzel, i personaggi sono stati doppiati da
Mandy Moore e Zachary Levi. Il film
originale ha avuto un tale successo che ora è considerato uno dei
classici moderni della Disney e un titolo di spicco nella vasta
collezione di film e serie TV del gigante dell’industria.
Al momento della pubblicazione di
questo articolo non è stata ancora comunicata la data ufficiale di
uscita del live-action Rapunzel. L’originale è
disponibile in streaming su Disney+.
Oggi Apple
TV ha svelato le prime immagini di “Widow’s Bay”, la nuova serie con
protagonista il vincitore dell’Emmy Matthew Rhys,
che è anche produttore esecutivo, ideata da Katie
Dippold e diretta e prodotta dal vincitore dell’Emmy Hiro
Murai attraverso la sua società Chum Films. La serie farà il suo
debutto su Apple TV il 29 aprile con i primi tre episodi dei dieci
totali, seguiti da nuovi episodi settimanali fino al 17 giugno.
Matthew Rhys in “Widow’s Bay,” premiering April 29, 2026 on Apple
TV.
“Widow’s Bay” è una pittoresca
cittadina su un’isola a 40 miglia al largo della costa del New
England. Ma sotto la superficie si nasconde qualcosa. Il sindaco
Tom Loftis (Matthew Rhys) è disperato nel tentativo di risollevare
la sua comunità in difficoltà. Non c’è Wi-Fi, la copertura
cellulare è intermittente e deve fare i conti con abitanti
superstiziosi che credono che la loro isola sia maledetta. Loftis
vuole che queste persone lo rispettino. Non lo fanno. Pensano che
sia debole e codardo. E lo è. Ma Loftis è determinato a costruire
un futuro migliore per suo figlio adolescente e a trasformare
l’isola in una meta turistica. Miracolosamente, ci riesce: i
turisti finalmente arrivano. Purtroppo, però, gli abitanti avevano
ragione. Dopo decenni di calma, le vecchie storie che sembravano
troppo assurde per essere vere cominciano a diventare realtà.
“Widow’s Bay” fonde l’horror autentico con una commedia incentrata
sui personaggi. Accanto a Rhys, il cast corale include Kate
O’Flynn, Stephen Root, Kingston Rumi Southwick, Kevin Carroll e
Dale Dickey.
Prodotta da Apple Studios, “Widow’s
Bay” è creata, guidata come showrunner e prodotta esecutivamente da
Dippold. Murai è produttore esecutivo attraverso Chum Films,
insieme a Carver Karaszewski, Claudia Shin e Rhys. Murai dirige
cinque episodi di questa stagione, affiancato dai registi Ti West,
Sam Donovan e Andrew DeYoung.
Con l’uscita del primo trailer di
Avengers: Doomsday, è facile
capire cosa stia facendo il Marvel Cinematic Universe per
promuovere l’attesissimo film. Dopo molto tempo, i fan della Marvel
ricevono finalmente un aggiornamento importante e le prime immagini
ufficiali del
più grande film MCU del 2026. Avengers: Doomsday riporta
in scena un grande eroe che cambia tutto.
Questo ritorno conferma qualcosa
che già sapevamo, ovvero che il cast rivelato di Avengers:
Doomsday non include tutti gli attori che appariranno nel film.
A parte questo, l’approccio adottato dalla Marvel con il primo
trailer del prossimo film degli Avengers anticipa anche ciò che
dovremmo aspettarci dai restanti tre trailer, e sembra molto
eccitante.
Il primo trailer di Avengers:
Doomsday si concentra su un eroe che ritorna
Invece di un teaser completo di
Avengers: Doomsday, come ci si aspettava, il primo filmato
del prossimo film degli Avengers si concentra su un eroe MCU che
ritorna:
Captain America di Chris Evans. Il trailer inizia con
qualcuno che guida una moto attraverso una zona rurale. Poi vediamo
la casa di Peggy Carter da Avengers: Endgame. L’uomo scende dalla
moto e appende il casco su di essa.
Sale le scale mentre il suo
riflesso appare sulla porta a vetri: è Steve Rogers. Capitan
America prende la sua tuta di Avengers: Endgame, la guarda e la
ripone in una scatola. La telecamera fa una panoramica intorno a
Steve per rivelare che ha un bambino, poi si alza per mostrare il
volto di Chris Evans. Lui sorride.
Appare la scritta “Steve Rogers
tornerà in Avengers: Doomsday”, seguita da un conto alla
rovescia fino alla data di uscita del film. Nessun altro
personaggio degli Avengers, nemmeno Peggy Carter interpretata da
Hayley Atwell, che secondo alcune indiscrezioni
sarebbe apparsa in Avengers: Doomsday insieme al ritorno di
Evans nell’MCU, compare nel breve teaser. Questo dovrebbe
significare una cosa sola.
Il ritorno di Steve Rogers
nell’MCU dovrebbe spiegare la strategia dei 4 trailer di Marvel’s
Avengers: Doomsday
Dopo aver visto il ritorno di Steve
Rogers nell’MCU nel primo trailer di Avengers: Doomsday,
credo che la strategia della Marvel per i trailer sia diventata
chiara. Sembrava sempre troppo presto per un trailer completo, dato
che il prossimo film degli Avengers arriverà nelle sale solo tra
un anno, il 18 dicembre 2026. Pertanto, potrebbe non esserci
affatto un trailer tradizionale con Avatar: Fuoco e Cenere.
Il teaser di Steve Rogers significa
probabilmente che la Marvel Studios utilizzerà i quattro trailer di
Avengers: Doomsday per stuzzicare il pubblico sui personaggi
principali del film MCU. Alcuni dei personaggi che potrebbero
trarne vantaggio sono Thor, Loki, Doctor Doom, Doctor Strange,
Spider-Man e altri. La Marvel potrebbe anche concentrarsi solo sui
ritorni a sorpresa, simili a quello di Evans.
Personaggi come Deadpool di
Ryan Reynolds, Wolverine di Hugh Jackman, Spider-Man di Tobey Maguire e altri personaggi del
multiverso non confermati potrebbero adattarsi al ritorno a
sorpresa di Steve Rogers. Detto questo, potremmo anche avere tre
personaggi in primo piano prima di un teaser completo di
Avengers: Doomsday come quarto trailer. Dopo il ritorno di
Capitan America, il prossimo trailer di Avengers:
Doomsday sarà seguito con attenzione.
Apple
TV ha annunciato l’espansione del
Monsterverse di Legendary con un’entusiasmante
nuova serie prequel ancora senza titolo dedicata a un giovane Lee
Shaw, con Wyatt Russell che riprende il ruolo
del Colonnello Lee Shaw. Il candidato agli Emmy Joby Harold,
sceneggiatore e produttore, è stato scelto come showrunner. In base
a un nuovo accordo globale con Legendary, Harold supervisionerà
inoltre l’intero franchise “Monsterverse” di Legendary per Apple
TV, che includerà nuovi Titan oltre quelli più amati dai fan.
Interpretata e prodotta esecutivamente da Wyatt Russell, la serie
spin-off seguirà la storia del Colonnello Lee Shaw, un agente
americano che nel 1984 intraprende una missione segreta oltre le
linee nemiche nel tentativo di fermare i sovietici dal liberare un
nuovo, terrificante Titan, abbastanza grande da distruggere gli
Stati Uniti e cambiare le sorti della Guerra Fredda.
Lo spin-off sul giovane Lee Shaw si aggiunge al catalogo in
continua espansione di serie originali Apple provenienti dal
Monsterverse di Legendary Entertainment, che include la serie di
successo acclamata dalla critica “Monarch:
Legacy of Monsters”, di cui Harold è anche produttore
esecutivo, e che tornerà con la sua attesissima seconda stagione il
27 febbraio 2026.
La nuova serie prequel è prodotta esecutivamente da Harold e Tory
Tunnell per Safehouse Pictures, insieme a Wyatt Russell, Chris
Black, Kyle Bradstreet, Alex Boden, Max Borenstein e Andy Goddard,
ed è prodotta da Kei Banno, Brian Rogers e Kenji Okuhira. Hiro
Matsuoka e Takemasa Arita sono produttori esecutivi per conto di
Toho Co., Ltd., proprietaria del personaggio di Godzilla. Toho ha concesso in licenza i diritti a
Legendary per “Monarch: Legacy of Monsters” come
naturale risultato della loro relazione di lunga data con il
franchise cinematografico.
«Gli spettatori di tutto il mondo non ne hanno mai abbastanza
di “Monarch: Legacy of Monsters” e non vediamo l’ora di
offrire loro le nuove storie elettrizzanti su cui Joby e
l’intero cast e team creativo hanno lavorato», ha dichiarato
Morgan Wandell, responsabile dello sviluppo internazionale di Apple
TV. «Con Joby al timone e insieme ai nostri fantastici partner
di Legendary, questo nuovo spin-off darà il via a un’epica
espansione del Monsterverse che porterà il pubblico ancora più
vicino ai propri Titan preferiti, unendo una grande narrazione
guidata dai personaggi».
«Non potrei sentirmi più privilegiato di far parte della
costruzione di questo universo così iconico», ha dichiarato
Harold. «Apple e Legendary sono stati partner esemplari durante
tutto questo processo e continueremo a portare questi Titan della
storia del cinema al pubblico con il rispetto che
meritano».
«Joby è uno straordinario narratore, con una profonda
comprensione di ciò che rende il Monsterverse così amato dai fan di
tutto il mondo», ha dichiarato Jason Clodfelter, presidente e
amministratore delegato di Legendary Television. «Siamo
entusiasti di avviare con lui e Safehouse Pictures una partnership
più ampia insieme ad Apple, segnando l’inizio di una nuova,
entusiasmante era per il franchise».
Il Monsterverse di Legendary è un vasto universo
narrativo multipiattaforma incentrato sulla lotta dell’umanità per
sopravvivere in un mondo che affronta una nuova, catastrofica
realtà: i mostri dei nostri miti e delle nostre leggende sono
reali. Iniziato con il film Godzilla del 2014 e proseguito con
Kong: Skull Island (2017), Godzilla: King of the Monsters (2019),
Godzilla vs. Kong (2021) e più recentemente con il record-breaking
Godzilla x Kong: The New Empire, l’episodio di maggior incasso del
franchise e il film di Godzilla con il maggiore incasso di sempre,
insieme all’attesissimo sequel Godzilla x Kong: Supernova, previsto
per il 2027. Il Monsterverse ha superato i 2,5 miliardi di dollari
di incassi globali al botteghino e si è espanso nella serie evento
di grande successo “Monarch: Legacy of Monsters” per Apple TV. Con
un mondo interconnesso che comprende videogiochi, graphic novel,
giocattoli ed esperienze dal vivo, il Monsterverse rappresenta un
intrattenimento epico su scala massima.
La prima incursione di Harold nella televisione è stata come
sceneggiatore e produttore esecutivo di Obi-Wan Kenobi, candidata a
cinque Emmy e capace di battere record di ascolti al debutto sulla
piattaforma. Harold vanta inoltre una notevole carriera nella
scrittura e produzione di grandi franchise e blockbuster, tra cui
“Edge of Tomorrow”, la saga di
“John
Wick”, “Transformers – Il risveglio”, “The
Flash” e altri. La prima stagione di “Monarch: Legacy of
Monsters” è disponibile in streaming su Apple TV.
A un anno dall’uscita nelle sale di
Avengers: Doomsday, il film della
Marvel Cinematic Universe ha
sorprendentemente ottenuto un nuovo titolo a livello
internazionale.
La saga Multiverse è a soli due anni dal completamento,
poiché i prossimi film degli Avengers avranno un ruolo fondamentale
per il futuro della MCU.
A seguito delle notizie secondo cui
Avengers: Doomsday è stato rinominato in diversi paesi, in Brasile
ha confermato che il film della
Fase 6 è stato ribattezzato Vingadores: Doutor Destino in
portoghese, che si traduce in Avengers: Doctor Doom.
In Giappone, Avengers:
Doomsday sarebbe stato cambiato in Avengers: Judgement
Day, ma questo deve ancora essere verificato. Il titolo
brasiliano, tuttavia, ha scatenato alcune discussioni online su
come questo cambiamento sia inutile e pigro.
L’uso di Avengers: Doctor
Doom è probabilmente un modo per attirare maggiore attenzione
sul film da parte degli spettatori brasiliani, sfruttando il famoso
titolo di Victor von Doom. Tuttavia, è anche molto azzeccato, dato
che non hanno mai fatto riferimento a Infinity War o
Endgame come Avengers: Thanos.
Doomsday fa anche sembrare
il film un evento, pur sottolineando che il Dottor Destino di
Robert Downey Jr. è l’antagonista centrale,
simile a Avengers: Age of Ultron. Resta da
vedere se questo verrà rettificato dalla Marvel Studios per il
mercato brasiliano.
Questo avviene anche nel bel mezzo
della campagna promozionale dei trailer di Avengers:
Doomsday con Avatar: Fuoco e Cenere nelle sale,
poiché la Marvel Studios proietterà un nuovo teaser nelle sale solo
per le prossime quattro settimane.
Uno degli eroi più potenti della
Terra sta per tornare nel film Avengers: Doomsday della Marvel
Studios, come ex membro del Marvel Cinematic Universe che farà
il suo ritorno nel 2026. Nonostante abbia negato il suo ritorno
nella
linea temporale dell’MCU, la fine della
saga Multiverse vedrà effettivamente uno degli Avengers
originali tornare per il quinto film della serie.
I teaser di Avengers: Doomsday
saranno proiettati prima di Avatar: Fuoco e Cenere per le
prossime quattro settimane. Il primo ha confermato che Steve Rogers, interpretato da Chris Evans, tornerà ufficialmente nel
franchise MCU, dato che era il protagonista del trailer di
debutto.
Il filmato mostra l’eroe MCU di
Evans su una moto prima di arrivare a casa sua con Peggy Carter,
come si vede in Avengers: Endgame del 2019. Mentre appoggia
il casco sulla moto e si avvia verso casa, il filmato passa a Steve
che tiene in mano il costume di Capitan America di Avengers:
Endgame, dando l’impressione che stia pensando di indossarlo ancora
una volta prima di riporlo in una scatola.
Tuttavia, la grande sorpresa è che
Steve e Peggy, interpretata da
Hayley Atwell, hanno avuto un bambino, con l’ex Capitan America
che tiene in braccio suo figlio e gli sorride. Quando il filmato di
Avengers: Doomday finisce, lo schermo diventa nero con le
seguenti parole: “Steve Rogers tornerà in Avengers:
Doomsday”, seguito da un conto alla rovescia per la data di
uscita della Fase 6 nel 2026.
Quando Evans ha parlato con
ScreenRant all’inizio di quest’anno, ha negato
categoricamente il suo coinvolgimento, dicendo: “È triste non
tornare con la banda, ma sono sicuro che stanno facendo qualcosa di
incredibile”. All’epoca, ha sottolineato: “E sono
sicuro che sarà ancora più difficile quando uscirà e ti sentirai
come se non fossi stato invitato alla festa”.
Il ritorno di Evans in Avengers:
Doomsday è stato rivelato per la prima volta il 10 dicembre
2024, più di un anno fa, quando è stato riferito che sarebbe
tornato per l’attesissimo capitolo. Si diceva che il veterano
dell’MCU fosse “coinvolto in qualche modo”, mentre “la portata e
la natura esatta del suo ruolo sono sconosciute”.
Dato che nelle prossime settimane
saranno proiettati altri tre trailer di Avengers: Doomsday
prima di Avatar: Fuoco e Cenere, ci saranno ulteriori
rivelazioni sul
prossimo film dell’MCU. Avengers: Doomsday uscirà
nelle sale il 18 dicembre 2026.
Prime Video ha diffuso le prime immagini di
Fratelli Demolitori, la nuova action comedy con
protagonista l’irresistibile coppia formata da Dave Bautista e Jason Momoa. Diretto da Ángel Manuel
Soto, il film è stato scritto da Jonathan
Tropper e vede protagonisti anche: Claes Bang,
Temuera Morrison, Jacob Batalon, Frankie Adams, Miyavi, con Stephen
Root e Morena Baccarin. Il film sarà
disponibile su Prime Video dal 28 gennaio.
1 di 5
Jonny (Jason Momoa) e James (Dave Bautista) in FRATELLI
DEMOLITORI - Photo Credit: Courtesy of Prime Video
Jonny (Jason Momoa) e James
(Dave Bautista) in FRATELLI DEMOLITORI - Photo Credit: Courtesy of
Prime Video
James (Dave Bautista) in
FRATELLI DEMOLITORI - Photo Credit: Courtesy of Prime Video
Jonny (Jason Momoa) e James
(Dave Bautista) in FRATELLI DEMOLITORI - Photo Credit: Courtesy of
Prime Video
Jonny (Jason Momoa) e James
(Dave Bautista) in FRATELLI DEMOLITORI - Photo Credit: Courtesy of
Prime Video
La trama di Fratelli Demolitori
In questa action
comedy, due fratellastri che non si parlano da
anni, Jonny (Jason Momoa) e James (Dave Bautista), sono
costretti a riunirsi dopo la misteriosa morte del padre. Mentre
cercano di scoprire la verità, riaffiorano segreti
sepolti e la lealtà viene messa a dura prova, svelando una
cospirazione che potrebbe distruggere la loro famiglia. Insieme,
sono pronti a demolire qualsiasi cosa si metta sulla loro strada.
Ambientato per le strade delle Hawaii, il film è diretto da Angel
Manuel Soto (Blue Beetle) e vede la
partecipazione anche di Claes Bang,
Jacob Batalon, Stephen Root e Morena Baccarin.
Sono disponibili il trailer
ufficiale e la key art della
terza stagione di Tell Me Lies, la
serie originale drama composta da 8 episodi che debutterà il 13
gennaio in esclusiva su Disney+ in Italia e su Hulu negli Stati
Uniti, con due episodi disponibili al lancio, seguiti da nuovi
episodi ogni settimana.
La terza stagione di Tell
Me Lies
segue Lucy Albright (Grace Van Patten) e Stephen DeMarco (Jackson
White) che hanno recuperato la loro burrascosa relazione
in tempo per il semestre primaverile al Baird College.
Nonostante la promessa che le cose andranno diversamente questa
volta, alcuni errori del passato ostacolano i loro migliori
propositi, e Lucy si ritrova coinvolta in una controversia con cui
non vuole avere nulla a che fare. Nel frattempo, le
disastrose ripercussioni dell’anno precedente costringono
anche gli amici di Lucy e Stephen a fare i conti con le proprie
azioni distruttive. Mentre alcuni segreti scandalosi serpeggiano
nel campus, delle conseguenze devastanti minacciano Lucy
e tutte le persone che le stanno vicino.
La serie è interpretata da Grace Van Patten, Jackson White, Cat
Missal, Spencer House, Sonia Mena, Branden Cook, Alicia Crowder e
Costa D’Angelo.
Meaghan Oppenheimer è executive producer e
showrunner. Gli altri executive producer, per la casa di
produzione Belletrist, sono Emma Roberts, la co-founder Karah Preiss e Matt
Matruski, mentre Laura Lewis è l’executive producer per Rebelle
Media. Anche Shannon Gibson, Stephanie Noonan e Sam
Schlaifer sono le executive producer, mentre Tyne Rafaeli ha il
ruolo di executive producer e regista. Carola Lovering,
autrice dell’omonimo romanzo da cui è tratta la serie, è
la consulting producer. La serie è prodotta da 20th
Television.
Un efficace sistema
di parental control assicura che Disney+ rimanga un’esperienza di
visione adatta a tutti i membri della famiglia. Oltre al “Profilo
Bambini” già presente sulla piattaforma, gli abbonati possono
impostare dei limiti di accesso ai contenuti per un pubblico più
adulto e creare profili con accesso tramite PIN, per garantire
massima tranquillità ai genitori.
Arriva dal 22 gennaio al
cinema Sentimental
Value, il nuovo film di Joachim Trier,
entrato ufficialmente nella shortlist degli Oscar come Miglior Film
Internazionale. Sentimental Value,
selezionato dalla Norvegia come candidato ufficiale agli Oscar,
entra nelle shortlist dell’Academy Award per il Miglior Casting,
la Miglior Fotografia e per il Miglior Film Internazionale,
avvicinandosi alla fase finale delle nomination. Un risultato
importante che conferma il percorso straordinario del film e
l’attenzione che sta ricevendo a livello mondiale.
La selezione tra i 15 titoli
internazionali candidati a concorrere per la statuetta più ambita
del cinema arriva dopo un cammino ricco di riconoscimenti, iniziato
con il Gran Prix a Cannes e continuato con
le numerose candidature ai Golden Globe e agli European
Film Awards.
Joachim Trier torna a dirigere
Renate Reinsve, vincitrice a Cannes per la sua interpretazione ne
La Persona Peggiore del Mondo, proseguendo così un rapporto
creativo già premiato dalla critica internazionale. Accanto a lei
Stellan Skarsgård, Elle Fanning e Inga Ibsdotter Lilleaas,
compongono un cast di grande talento che contribuisce a rendere
Sentimental Value uno dei film più attesi della
stagione.
La trama di Sentimental Value
Candidato a 8 Golden Globes e
vincitore del Gran Prix a Cannes – accolto da una delle standing
ovation più lunghe nella storia del festival – Sentimental
Value segna il ritorno del talentuoso regista de La
Persona Peggiore del Mondo, Joachim Trier. Un’opera
attesissima, già tra le principali favorite nella corsa agli
Oscar.
Nora (Renate
Reinsve) e Agnes (Inga Ibsdotter
Lilleaas) sono due sorelle profondamente unite.
L’improvviso rientro nella loro vita del padre Gustav
(Stellan
Skarsgård) – regista carismatico e affascinante ma
genitore cronicamente inaffidabile – riapre ferite mai del tutto
rimarginate. Conoscendo il talento di attrice di Nora, Gustav
vorrebbe che sua figlia interpretasse il ruolo principale nel film
che dovrebbe rilanciare la sua carriera; lei rifiuta e quella parte
finisce a una giovane star di Hollywood, Rachel Kemp
(Elle
Fanning). Il suo arrivo getta scompiglio nelle
delicate dinamiche della famiglia: per le due sorelle sarà il
momento di confrontarsi con il padre e con il loro passato.
Con un cast straordinario –
Renate Reinsve,
Stellan Skarsgård,
Elle Fanning e Inga Ibsdotter
Lilleaas – il nuovo film di Joachim Trier
lo conferma uno dei più grandi narratori contemporanei del cinema
europeo.
Harrison Ford, l’uomo dietro Han
Solo e Indiana Jones, riceverà il premio
alla carriera del SAG-AFTRA. Considerato il
massimo riconoscimento di categoria, riconosce la leggendaria
carriera di Ford come uno degli attori di maggior successo di
Hollywood. Riceverà il tributo del sindacato in occasione della 32a
edizione degli Actor Awards, che saranno trasmessi in diretta
streaming su Netflix domenica 1° marzo.
“Sono profondamente onorato di
essere stato scelto come vincitore del premio alla carriera del
SAG-AFTRA di quest’anno”, ha dichiarato Ford. “Essere
riconosciuto dai miei colleghi attori significa molto per me. Ho
trascorso gran parte della mia vita sui set cinematografici,
lavorando a fianco di attori e troupe incredibili, e mi sono sempre
sentito grato di far parte di questa comunità”.
Conferito annualmente a un attore
che promuove i “migliori ideali della professione attoriale”, tra i
vincitori delle passate edizioni figurano Mary Tyler Moore,
Sidney Poitier, Betty White, Jane Fonda, Robert De Niro, Elizabeth Taylor e
James Earl Jones.
Il lavoro di Ford include
blockbuster come i franchise di “Star
Wars” e “Indiana Jones“, oltre a
successi come “Air Force One“, “Il
fuggitivo” e “Le verità nascoste“. Quando
non interpretava un eroe d’azione, Ford ha recitato in commedie
romantiche come “Una donna in carriera” e in film
drammatici come “Mosquito Coast“. Altri crediti
includono “Blade Runner” e
“Witness”, che gli è valso una nomination
all’Oscar.
Ford ha precedentemente vinto il
Critic’s Choice Career Achievement Award (2024), il Golden Globe
Cecil B. DeMille Award (2002) e l’AFI Life Achievement Award
(2000). L’anno scorso è stato candidato agli Emmy per
“Shrinking” di Apple
TV.
“Harrison Ford è una presenza unica nella vita
americana; un attore i cui personaggi iconici hanno plasmato la
cultura mondiale”, ha affermato il presidente di SAG-AFTRA,
Sean Astin. “La sua carriera è stata infinitamente
entusiasmante, sempre legata alla sua passione per la recitazione.
Siamo onorati di celebrare una leggenda il cui impatto sulla nostra
arte è indelebile.”
Secondo The Hollywood Reporter, il
progetto è ancora in fase di sviluppo iniziale e non è stato ancora
assegnato uno sceneggiatore. Sony sta però collaborando con il
rivenditore cinese e proprietario del marchio Pop Mart per
l’adattamento. Non è ancora chiaro se il film
Labubu sarà un live-action animato, ma con Paul
King a bordo, potrebbe combinare l’uso di attori dal vivo con
l’animazione per il personaggio principale, come nei film di
Paddington.
La storia dei Labubu
Creato dall’artista Kasing
Lung, nato a Hong Kong e residente in Europa,
Labubu è diventato popolare dopo che il
rivenditore cinese Pop Mart ha iniziato a produrre e distribuire le
figurine nel 2019. Sebbene il marchio abbia acquisito slancio
gradualmente, la popolarità di Labubu è esplosa
negli ultimi anni per due motivi principali. Il primo è il modello
di vendita “blind box” di Pop Mart, in cui gli acquirenti non sanno
quale figurina hanno acquistato fino a quando non la aprono.
Questo approccio alimenta
l’entusiasmo e gli acquisti ripetuti, stimolando al contempo un
intenso mercato secondario in cui i collezionisti spendono ingenti
somme online, in occasione di eventi pop-up e nei negozi fisici. Le
edizioni rare sono state vendute all’asta a prezzi a sei cifre. Il
secondo fattore trainante è stato il sostegno delle celebrità, in
particolare della membro delle Blackpink Lisa, che ha iniziato a
utilizzare le figurine come accessori di moda nel 2024. Labubu è il
personaggio centrale della linea, che comprende anche il leader
Zimomo, il compagno Mokoko e il
fidanzato Tycoco.
Chi è Paul King
Basandosi sull’amato personaggio
creato da Michael Bond, Paul King ha scritto e
diretto Paddington
(2014) e il suo sequel del
2017, entrambi grandi successi al botteghino che hanno ottenuto
un enorme successo per il loro cuore e il loro fascino. King ha
co-sceneggiato e prodotto il terzo film, Paddington
in Peru (2024), diretto invece da Dougal
Wilson.
King ha anche co-sceneggiato e
diretto Wonka(2023),
con Timothée Chalamet, che racconta la storia
delle origini del cioccolatiere protagonista e ha incassato ben
634,5 milioni di dollari al botteghino. Considerando la serie
positiva di film che sta mettendo a segno Paul
King, non dovrebbe avere problemi a trasformare
Labubu in un altro successo al botteghino.
Il
nuovo anno su Paramount+ si apre con un catalogo
particolarmente ricco, costruito su generi diversificati e prodotti
capaci di intercettare pubblici differenti: thriller psicologici,
fantascienza di culto, teen-drama soprannaturali e reality globali.
Gennaio 2026 diventa così un mese strategico, in cui tornano
franchise consolidati e debuttano produzioni originali molto
attese. La piattaforma continua a puntare su storie dal forte
impatto emotivo, sulla valorizzazione di IP iconiche e sul
rafforzamento del proprio universo seriale, proponendo novità che
spaziano dal thriller alla fantascienza, fino all’intrattenimento
non-scripted. Ecco una panoramica approfondita dei titoli più
rilevanti.
GIRL TAKEN – un thriller
psicologico sulla resilienza e le ferite del trauma
Tra le uscite più attese dell’8 gennaio c’è Girl Taken, adattamento in sei episodi del
romanzo di Hollie Overton “La casa in fondo al viale”. La serie
racconta con intensità il dramma delle gemelle Lily e Abby,
travolte dalla violenza del rapimento di Lily da parte del loro
insegnante, Rick Hansen. Il ritorno alla libertà dopo anni di
prigionia non segna la fine dell’incubo, ma l’inizio di un percorso
estremamente complesso: il mondo è cambiato, la famiglia non è più
la stessa e il trauma continua a filtrare ogni gesto quotidiano. Il
racconto scava nelle dinamiche familiari segnate dall’assenza,
nella fatica del reinserimento e nella volontà del rapitore di
manipolare la narrazione dei fatti, trasformando il thriller in un
intenso studio psicologico. Il cast – che include Alfie Allen e
Jill Halfpenny insieme alle sorelle Tallulah e Delphi Evans – dà
vita a personaggi sfaccettati, sostenuti da una produzione solida
firmata Clapperboard Studios.
STAR TREK: STARFLEET
ACADEMY S1 – un ritorno al cuore della Flotta
Stellare
Dal 15 gennaio arriva una delle novità più simboliche dell’anno per
i fan della saga: Star Trek:
Starfleet Academy. Ambientata nel 32° secolo, nello stesso
periodo di Discovery, la
serie celebra i 60 anni del franchise riportando lo spettatore tra
le aule, i corridoi e la nave scuola della storica accademia di San
Francisco. La storia segue la nuova classe di cadetti, la prima
dopo oltre un secolo, impegnata a trovare il proprio posto tra
missioni, rivalità, scelte morali e una minaccia misteriosa che
potrebbe cambiare il destino della Flotta. Holly Hunter, nel ruolo
della cancelliera Nahla Ake, e Paul Giamatti nei panni dell’enigmatico Nus
Braka guidano un cast ricco, capace di coniugare volti iconici come
Robert Picardo con nuovi giovani talenti. La serie promette di
essere un ponte ideale tra la tradizione più pura di Star Trek e
una nuova generazione di spettatori, rinnovando lo spirito di
scoperta e curiosità che ha definito il franchise.
SCHOOL SPIRITS S3 – il
mistero della Split River High si oscura ancora di
più
Il 28 gennaio debutta la terza stagione di School Spirits, che riprende dal cliffhanger
della seconda stagione e porta Maddie a confrontarsi con il lato
più pericoloso e insondabile della Split River High. La serie, che
unisce teen-drama e soprannaturale, continua a esplorare il lutto,
l’identità e il bisogno di appartenenza attraverso un linguaggio
accessibile ma sorprendentemente emotivo. I nuovi episodi
promettono indagini più cupe, rivelazioni inattese e una posta in
gioco più alta, costruendo una mitologia che si è rafforzata
stagione dopo stagione. Il cast – con Peyton List, Kristian
Ventura, Spencer Macpherson e Kiara Pichardo – conferma il carisma
che ha contribuito al successo della serie, prodotta da Awesomeness
TV e distribuita a livello globale da Paramount.
WYLDE PAK S1 – una serie
animata che parla di famiglia, crescita e identità
Dal 16 gennaio, Wylde
Pak introduce un nuovo racconto d’animazione dedicato a un
pubblico giovane ma non infantile. La storia segue i fratellastri
Lily e Jack costretti a trascorrere l’estate insieme lavorando
nell’azienda di famiglia. La serie affronta con leggerezza e
profondità temi concreti come le famiglie ricomposte, la ricerca di
equilibrio tra generazioni e l’evoluzione dei legami affettivi. Con
uno stile contemporaneo e un approccio emotivo sincero,
Wylde Pak si presenta
come un prodotto capace di parlare a un segmento di pubblico spesso
trascurato: gli adolescenti e i pre-teen, in cerca di storie che
raccontino la complessità delle dinamiche familiari con uno sguardo
attuale.
AUSSIE SHORE S2 e CANADA
SHORE S1 – il ritorno del fenomeno Shore in due varianti
internazionali
Il brand Shore, tra i
più riconoscibili dell’universo MTV, torna a gennaio con due
declinazioni diverse. Il 9 gennaio arriva Aussie Shore S2, che riprende la formula del
reality esaltando scontri, flirt, feste senza limiti e relazioni in
continua evoluzione. Il 22 gennaio debutta invece Canada Shore S1, nuova versione del
format che mira a riproporre la stessa intensità emotiva, ma in un
contesto culturale differente: nuovi protagonisti, nuove dinamiche
e un approccio più incentrato sul contrasto fra caratteri
incompatibili costretti alla convivenza. Entrambi i titoli
confermano la strategia Paramount di mantenere vivo un franchise
globale capace di generare engagement costante.
LANDMAN S2 – finale di
stagione per il western contemporaneo di Taylor
Sheridan
Emerson Miller/Paramount+
Il 18 gennaio arriva il finale della seconda stagione di
Landman, una delle produzioni Paramount+ più
legate alla poetica autoriale di Taylor Sheridan. Ambientata nel Texas
occidentale durante un boom petrolifero che riscrive regole
economiche e geopolitiche, la serie racconta la brutalità del
potere e il prezzo umano dell’ascesa verso la ricchezza. Nel nuovo
capitolo, la pressione sulla M-Tex Oil e su Tommy Norris –
interpretato da Billy Bob Thornton in una performance
intensa e complessa – raggiunge livelli insostenibili. Segreti,
rivalità e tensioni esplodono progressivamente fino a portare il
protagonista al limite. Sheridan continua a costruire un western
contemporaneo che mescola thriller industriale, dramma personale e
critica sociale, sostenuto da un cast di altissimo livello che
include Demi
Moore, Andy Garcia e Sam Elliott.
Gennaio 2026 si afferma
come uno dei mesi più forti per Paramount+
L’offerta di gennaio 2026 dimostra la volontà di Paramount+ di
presidiare più pubblici simultaneamente: gli appassionati di
thriller (Girl Taken), i fan storici della fantascienza (Starfleet
Academy), gli spettatori young adult (School Spirits), le famiglie
e i pre-teen (Wylde Pak), chi ama il non-scripted più esplosivo
(Aussie Shore e Canada Shore) e gli appassionati del racconto
americano contemporaneo (Landman). Una lineup composita ma
coerente, che conferma l’ambizione della piattaforma di costruire
un palinsesto sempre più competitivo, capace di alternare
produzioni originali ambiziose e franchise globali
riconoscibili.
Jessica Jones
tornerà finalmente nel Marvel Cinematic Universe nel 2026
con la seconda stagione di Daredevil:
Rinascita. Poiché le serie Marvel-Netflix sono diventate parte integrante della
timeline dell’MCU, Disney+ sta infatti diventando la nuova
casa dei protagonisti di The Defenders, con la
Fase 6 che riunirà due membri fondamentali. Entertainment Weekly ha
ora pubblicato la prima immagine ufficiale del ritorno di
Krysten Ritter nell’MCU (la si può vedere qui), che la
ritrae nei panni di Jessica Jones nella seconda stagione della
serie accanto all’eroe titolare Matt Murdock.
Charlie Cox, protagonista di Daredevil: Rinascita, ha
parlato di come verrà esplorata la dinamica tra i due eroi di New
York nella nuova stagione, dicendo che “proprio per la natura
di Jessica e Matt, entrambi danno tanto quanto ricevono”. Ha
anche approfondito ciò che è accaduto durante le riprese della
prossima stagione. “Non sono sicuro che ne fossimo consapevoli
mentre giravamo. Quindi abbiamo aspettato davvero a lungo questa
opportunità per mettere questi due personaggi insieme sullo schermo
e divertirci ancora di più con loro”.
Brad Winderbaum,
che dirige la Marvel Television, ha paragonato la reunion di
Jessica con Matt nella seconda stagione di Daredevil:
Rinascita al ritorno di Jon Bernthal nei panni di Punisher nella
prima stagione, affermando: “Entrambi abbiamo parlato
dell’importanza di riproporre alcuni dei momenti salienti, per così
dire, assicurandoci di mantenere la stessa dinamica. Con ironia,
prendendoci in giro a vicenda, ma anche mettendoci al lavoro e
assicurandoci di rendere giustizia alla storia”.
EW ha anche rivelato in anteprima
il personaggio interpretato da Matthew Lillard
nella seconda stagione di Daredevil: Rinascita,
che sarà Mr. Charles, rivale politico del sindaco Wilson Fisk
interpretato da
Vincent D’Onofrio. Mentre la seconda stagione è già in
fase di post-produzione, la serie Disney+ non finirà presto, poiché la
terza stagione è già stata approvata e sarà girata nel 2026. Con il
ritorno di Jessica Jones interpretata da Ritter, la porta è aperta
anche per altri eroi MCU Netflix, come Luke Cage
interpretato da Mike Colter e Iron
Fist interpretato da Finn Jones, che
devono ancora fare la loro comparsa.
In Daredevil:
Rinascita della Marvel Television, Matt Murdock
(Charlie
Cox), un avvocato cieco con capacità straordinarie,
lotta per ottenere giustizia nel suo vivace studio legale, mentre
l’ex boss mafioso Wilson Fisk (Vincent
D’Onofrio) persegue le sue iniziative politiche a New
York. Quando le loro identità passate iniziano a emergere, entrambi
gli uomini si ritrovano inevitabilmente su una rotta di collisione.
Entrambi torneranno nella Stagione 2.
La serie vede la partecipazione
anche di Margarita Levieva, Deborah Ann Woll, Elden Henson,
Zabryna Guevara, Nikki James, Genneya Walton, Arty Froushan, Clark
Johnson, Michael Gandolfini, con Ayelet
Zurer e Jon
Bernthal. Dario Scardapane è lo
showrunner.
Con una durata di oltre tre ore,
Avatar: Fuoco e
Cenere potrebbe richiedere una pausa bagno durante
l’ultimo capitolo dell’epopea fantascientifica di James Cameron. Fortunatamente, abbiamo
individuato i momenti migliori per recarsi in bagno prima ancora di
arrivare al cinema.
Utilizzando i momenti chiave dei
trailer come indicatori (non preoccuparti, non ti sveleremo
nulla!), abbiamo individuato i due momenti migliori per andare
in bagno durante Avatar: Fuoco e Cenere senza
perdersi nulla di importante. Il primo si verifica dopo poco
più di un’ora dall’inizio del film, mentre il secondo è proprio
prima dell’atto finale.
Opzione uno: aspettate il
grande litigio tra Jake e Neytiri
A poco più di un’ora dall’inizio
di Avatar: Fuoco e Cenere, c’è un momento ideale per
correre in bagno quando Jake inizia a litigare con Neytiri al
Metkayina Reef Village.
Non solo la parte più importante
della conversazione è presente nei trailer del film (dove Jake dice
a sua moglie che deve smettere di vivere con così tanto odio), ma
gran parte della conversazione ha a che fare con gli eventi
precedenti visti in Avatar: La via
dell’acqua del 2023.
Di conseguenza, è un ottimo momento
per correre al bagno più vicino, soprattutto perché le scene
successive non sono particolarmente importanti rispetto alle
altre.
Opzione due: Il ritorno di
Toruk Makto
Un altro grande momento si verifica
verso la fine del secondo atto di Avatar: Fuoco e
Cenere, quando la potenziale necessità di una pausa
bagno è forse maggiore. Non appena Jake Sully
si ricongiunge con Toruk (come si vede nei trailer), molte delle
scene successive dei minuti seguenti sono state utilizzate nella
campagna di marketing di Fuoco e Cenere, pur essendo
abbastanza familiari a quanto visto in Avatar del 2009.
Da un lato, le scene fungono da
omaggio piuttosto interessante al primo film, anche se il loro uso
massiccio nei trailer significa che gli spettatori possono correre
in bagno senza doversi preoccupare di perdersi nulla di importante,
ma devono fare in fretta!
Avatar: Fuoco e
Cenere è una grande e spettacolare vetrina sul mondo di
Pandora, con un finale che conclude l’arco emotivo centrale del
film, lasciando però molti fili conduttori da riprendere in
eventuali sequel. Avatar: Fuoco e Cenere (la
nostra recensione) riprende direttamente da La via
dell’acqua del 2022, a sua volta il sequel del grande
successo del 2009, Avatar.
Il nuovo film vede la famiglia
Sully
sull’orlo della rottura, mentre nuove scoperte su Pandora e nemici
che si coalizzano contro di loro minacciano di sconvolgere il
futuro del pianeta. Il finale del film è emotivamente appagante, ma
lascia abbastanza domande senza risposta da dare ad un potenziale
sequel molte possibili direzioni da prendere.
Come Avatar: Fuoco e
Cenere cambia le regole di Pandora
Avatar: Fuoco e Cenere
introduce molti nuovi cambiamenti radicali nel mondo di
Pandora che potrebbero determinare un futuro completamente
diverso per il franchise. Riprendendo quasi direttamente dopo gli
eventi di La via dell’acqua, le più grandi aggiunte del film
alla tradizione hanno a che fare con Spider, il membro umano del
clan Sully.
Quando sembra che Spider stia per
soffocare a causa dell’atmosfera unica del pianeta, Kiri riesce a
usare la sua connessione con Pandora per indurre una fusione del
suo corpo con la fauna. Questo dà a Spider la capacità di respirare
liberamente su Pandora e pone le basi per uno dei principali
conflitti del film.
Jake teme che gli scienziati umani
possano catturare Spider e decodificare il processo, consentendo
all’umanità di invadere completamente Pandora. Questo lo spinge
quasi a uccidere Spider per paura di questa possibilità, ma alla
fine non riesce a farlo e invece riafferma il posto di Spider nella
famiglia Sully.
L’altra grande svolta su come
Pandora è stata presentata finora nella serie è l’inclusione
esplicita di Eywa. Il dio Na’vi è stato introdotto nel primo film,
ma è stato in gran parte una forza soprannaturale e invisibile.
Finora ha operato principalmente dietro le quinte.
L’arco narrativo di Kiri nel film
la vede cercare di connettersi più strettamente con Eywa,
soprattutto dopo aver scoperto le sue origini come figlia
dell’Avatar di Grace e dello spirito del mondo. È solo nel momento
culminante del film, quando Kiri viene aiutata da Spider e
Tuk, che riesce a farlo completamente.
Eywa appare brevemente sullo
schermo prima di prestare il suo aiuto per ribaltare le sorti della
battaglia finale. Entrambi questi elementi potrebbero cambiare le
carte in tavola per Avatar e rendono Spider e Kira (tra i quali c’è
anche un po’ di romanticismo) le figure più importanti per il
futuro del franchise.
Cosa succede a
Quartch?
Quartch ritorna in Fuoco e
Cenere nel suo corpo di Avatar, con una rinnovata passione per
sconfiggere Jake. Tuttavia, il personaggio è complicato dal suo
rapporto con Spider e Varang, il leader del villaggio di Ash.
Quartch e Varang sono inizialmente antagonisti, ma trovano
rapidamente un terreno comune (e una reciproca attrazione).
Questo li porta ad allearsi con la
tribù Ash e l’esercito terrestre. Lungo il percorso, Quartch
diventa sempre più legato alla cultura Na’Vi, in un modo che
riflette l’arco narrativo di Jake nel primo film. Nella parte
finale del film, Quartch indossa persino una pittura di guerra che
lo identifica come membro della tribù Ash.
Il destino di Quartch è ambiguo
alla fine di Fuoco e Cenere. Messo alle strette dagli eroi,
Quartch si lascia cadere nel fuoco sottostante e viene visto per
l’ultima volta svanire nel fumo. Questo potrebbe facilmente essere
la fine del personaggio, ma la sua mancanza di morte sullo schermo
lascia la porta aperta per un potenziale Avatar 4
ritorno.
Come Avatar: Fuoco e
Cenere prepara il terreno per un sequel
Avatar: Fuoco e Ceneresi conclude con una nota emotiva piuttosto conclusiva per la
famiglia Sully. Il dramma tra i membri della famiglia viene risolto
e Spider si avventura nel regno degli spiriti con Kiri per
affermare il suo posto nella tribù. Lungo il percorso, molte delle
principali minacce (come Quartch, il generale Ardmore e il
cacciatore di Tulkun Scoresby) sembrano essere state eliminate.
Tuttavia, ci sono molti filoni
narrativi irrisolti che potrebbero essere ripresi in un potenziale
seguito. Selfridge, l’amministratore delegato che è stato
l’antagonista principale e la fonte di finanziamento della RDA, è
assente dalla battaglia nel finale e presumibilmente
sopravvive.
La conoscenza di Selfridge delle
nuove caratteristiche di Spider gli dà molti motivi per continuare
a cercarlo, il che potrebbe guidare la trama di un sequel. Anche
Varang sopravvive al climax, fuggendo dalla battaglia dopo che Kiri
la ha sopraffatta. Varang potrebbe trovare Quartch e
salvarlo, o potrebbe persino scoprire di essere incinta di suo
figlio.
Questo potrebbe rafforzarne
ulteriormente il ruolo di specchio oscuro di Neteryi e
posizionarla come una delle principali antagoniste in futuro. Ora
ha anche una maggiore conoscenza delle armi umane, grazie
all’addestramento di Quartch, il che potrebbe portare i resti della
tribù Ash a utilizzare più tecnologia umana nelle loro future
scaramucce.
C’è anche la conseguenza della
scoperta da parte dell’umanità che Jake, che doveva essere
giustiziato mentre era stato catturato per un breve periodo, è
fuggito ancora una volta. Questo potrebbe portare un esercito umano
più grande a partecipare al conflitto, aumentando ulteriormente
la posta in gioco per un potenziale quarto film.
Il vero significato di
Avatar: Fuoco e Cenere
Terzo capitolo della saga di
Avatar, Fuoco e Cenere affronta le
domande più difficili che possono sorgere all’indomani di un lutto.
Uno dei principali pilastri emotivi del film è la morte di Neteyam
nel film precedente. Il dolore persistente allontana Jake e
Neteryi per un po’, e il suo ricordo continua a tormentare
Lo’Tuk.
La famiglia Sully è costretta a
fare i conti con le sfumature più oscure del proprio dolore: Jake
incolpa Lo’Tuk, Neteryi lotta per non incolpare Spider per
l’accaduto e Lo’Tuk arriva persino a considerare il suicidio a un
certo punto, sopraffatto dal dolore. Il film vede tutti questi
archi narrativi risolversi grazie all’unione della famiglia e
alla sua capacità di affrontare i pericoli del mondo.
Questo ripaga anche la trama di
Kiri, che vede i suoi sforzi solitari per raggiungere Eywa
vanificati. Tuttavia, quando la sua famiglia viene coinvolta, non
solo raggiungono la Dea, ma la convincono ad aiutarli. Questi temi
familiari sono anche al centro delle altre tribù dei Na’vi, delle
tribù Tulkun e degli sforzi di Quarth per raggiungere Spider.
Anche nel mondo alieno di Pandora,
Avatar: Fuoco e Cenere sottolinea l’importanza
della famiglia di fronte al caos, alla tragedia e alla perdita.
Questo conferisce al film un nucleo emotivo attorno al quale ruota
e gioca un ruolo importante nel garantire che Avatar: Fuoco e
Cenere non si perda nella costruzione del mondo.
Poco dopo i commenti di Hugh Jackman sul Marvel Cinematic Universe, è emersa
una novità cruciale su Wolverine. Nel 2024, la
timeline dell’MCU ha visto Jackman tornare al marchio Marvel,
interpretando una variante di Logan in Deadpool &
Wolverine e lasciando il mondo desideroso di vederlo
ancora nei panni del famoso mutante.
Ora, una nuova richiesta di
registrazione del marchio Wolverine è stata recentemente presentata
dalla Disney, come rivelato da un elenco pubblicato sul sito web
dell’USPTO, scatenando teorie su un
potenziale film o serie TV in arrivo per l’iconico eroe degli
X-Men. La data di presentazione della domanda era il 12
dicembre 2025.
Jackman, invece, è recentemente
apparso a The View, dove gli è stato chiesto se avesse finito di
interpretare la leggenda Marvel. L’attore australiano ha
dichiarato: “Questo è quello che mi dice il mio istinto… non è
finita. Ma questo è solo il mio parere, la Marvel potrebbe avere
idee diverse”.
Dato che la Marvel Studios sta
rilanciando il franchise degli X-Men con un nuovo film di squadra
attualmente in fase di sviluppo, l’inserimento del marchio
Wolverine arriva sicuramente in un momento interessante. Tuttavia,
il film degli X-Men per la MCU non ha ancora rivelato se lui sarà
coinvolto nella storia.
Ci sono state voci secondo cui
Wolverine farà parte del cast di Avengers: Doomsday, ma al momento
la Marvel Studios non ha annunciato che Logan apparirà nella fase
6. Tuttavia, i commenti di Jackman continuano a suggerire che il
mondo non ha ancora visto l’ultima apparizione del personaggio
nell’MCU.
Se è in lavorazione un nuovo
progetto su Wolverine, c’è anche la possibilità che questo possa
essere per chiunque interpreterà la versione MCU del personaggio
dopo Avengers:
Secret Wars. Dato che Jackman non interpreterà Logan
per sempre, il ruolo alla fine verrà ricoperto da qualcun
altro.
Logan non è l’unico ad aver vestito
i panni di Wolverine nel canone Marvel, poiché anche Laura
Kinney, alias X-23, ha assunto questo
titolo. Dopo che Dafne Keen ha a sua volta ripreso il ruolo in
Deadpool &
Wolverine, un progetto da solista per lei potrebbe
sempre essere possibile.
Star
Wars: Starfighter, il secondo film della saga
realizzato dopo la fine della saga di Skywalker, ha ora completato
le riprese in vista dell’uscita prevista per maggio 2027, e il
regista Shawn Levy ha appena condiviso una foto
dal dietro le quinte per celebrare questo importante traguardo.
Con la saga di Skywalker
completata, Disney e Lucasfilm stanno cercando di espandere la saga
di Star
Wars sul grande schermo, a partire da The
Mandalorian & Grogu, e Star Wars: Starfighter. Levy
ha dunque annunciato su Instagram che le
riprese del suo film sono terminate. Ha aggiunto una didascalia che
diceva: “È finita! Corro verso la post-produzione di
#Starfighter” accanto a una foto in bianco e nero di se stesso
che corre su un muro.
La sezione dei commenti del post,
che finora ha ottenuto oltre 7.000 like, è stata riempita da fan
entusiasti che attendono con ansia il contributo di Levy al
franchise di Star Wars. Alcuni fan nella sezione
commenti hanno anche sottolineato che Star Wars:
Starfighter non ha richiesto molto tempo per essere
girato. La produzione è iniziata solo nell’agosto 2025 e le riprese
sono terminate quattro mesi dopo. Matt Smith, che interpreta un cattivo nel
film, ha recentemente annunciato di aver terminato le riprese delle
sue scene la scorsa settimana.
Negli ultimi anni i film di Star
Wars sono stati pochi e sporadici. Dopo la conclusione della saga
di Skywalker nel 2019 con l’uscita di L’ascesa di
Skywalker, la Disney ha spostato la sua attenzione sulle serie
TV su Disney+, tra cui The Mandalorian, Andor, Ahsoka e Skeleton Crew.
Certo, manca ancora un anno e mezzo
all’uscita di Star Wars: Starfighter nelle sale,
tempo sufficiente per alimentare l’attesa e per consentire a
The Mandalorian & Grogu di
mantenere vivo l’entusiasmo dei fan. Il film, come anticipato,
introdurrà un capitolo completamente nuovo per la saga di
Star Wars e l’aggiornamento sulle riprese di Levy
segna un’importante pietra miliare che significa che ora può
iniziare la post-produzione.
Cosa sappiamo di Star Wars:
Starfighter
Il prossimo film
di Star Wars è descritto come un capitolo
autonomo dell’iconica saga fantascientifica che si svolgerà cinque
anni dopo gli eventi di L’ascesa di Skywalker del 2019. Oltre a Ryan Goslingnel cast
ritroviamo Amy Adams, Aaron Pierre,
Flynn Gray, Simon Bird,
Jamael Westman e Daniel Ings. Gli
attori Matt Smith e Mia Goth interpreteranno invece due
antagonisti nel film.
Finora, la trama del prossimo film
di Star Wars è rimasta segreta. Tuttavia, l’immagine condivisa nel
post dell’annuncio sembra suggerire che il personaggio di Ryan Gosling sarà in qualche modo una figura
protettrice o mentore del personaggio interpretato da Flynn Gray.
Questo evocherebbe una relazione adulto-bambino che è comune in
tutta la saga di Star Wars ed è stata al centro di episodi
come The
Mandalorian, Obi-Wan
Kenobi, Skeleton
Crew e La minaccia fantasma.
Ora che la partecipazione di
Tom Cruise alla
serie Mission: Impossible sembra essere giunta
al termine, la star dei film d’azione è pronta per nuovi progetti.
Il primo di questi è un film con il due volte premio
Oscar Alejandro G. Iñárritu, fino ad oggi
rimasto nel mistero. Ora, però, su X, Cruise ha condiviso un primo poster
del film, che si intitolerà Digger. Lo slogan
recita che si tratta di una “commedia di proporzioni
catastrofiche” e l’uscita è prevista per ottobre 2026.
Il poster del film mostra il titolo
che forma quello che dovrebbe essere il personaggio di Cruise nel
film, con in mano una pala e indossando stivali da cowboy su uno
sfondo arancione, in stile Saul Bass. Pochi minuti dopo, la Warner
Bros. ha invece condiviso un teaser ufficiale. In questo, mentre
tiene in mano una pala, Cruise balla in modo stravagante, come ha
già fatto in film come Risky Business o Tropic
Thunder.
Poi, la star di Top Gun
viene ripresa in piedi mentre cammina sulla ringhiera di un molo.
Anche in questo caso, Cruise sembra farlo mentre balla. Inoltre,
l’attore sembra avere un aspetto diverso dal suo solito, curato e
affascinante. Sebbene non lo si veda mai chiaramente, il profilo
lascia intendere che qualcosa di diverso ci sia nella sua
acconciatura e, potenzialmente, nel suo volto, anticipando una
possibile trasformazione al trucco per Cruise.
La trama del film è stata tenuta
segreta fino a questo momento, ma è chiaro che Cruise interpreterà
il personaggio principale, Digger Rockwell. La
commedia in uscita vede anche la partecipazione di John Goodman, Riz
Ahmed, Michael Stuhlbarg,
Emma
D’Arcy, Sophie Wilde, Sandra
Hüller e Jesse Plemons. Il film è stato
co-sceneggiato da Iñárritu, dagli ex sceneggiatori di BirdmanAlexander Dinelaris e
Nicolás Giacobone e da Sabina
Berman.
Prima della rivelazione, Cruise ha
condiviso una foto delle prove del 2024 insieme a Iñárritu. Si è
detto profondamente commosso dal lavorare al fianco del regista
premio Oscar, che gli ha consegnato un Oscar onorario ai Governors
Awards a novembre. Cruise ha anche detto di essere un fan di lunga
data di Iñárritu, affermando di aver visto Amores Perros
25 anni fa.
Iñárritu, noto per film come 21
Grammi e Biutiful, ha parlato molto bene di
Cruise in un’intervista di ottobre. Ha definito il suo rapporto sul
set con Cruise “fantastico” e “dolce” e ha elogiato la passione e
l’integrità dell’attore. Iñárritu ha aggiunto che il ruolo di
Cruise in Digger “sorprenderà il mondo”. Parlando del film stesso,
invece, il regista acclamato dalla critica lo ha definito “una
novità”, aggiungendo che si tratta di una “commedia selvaggia”
impegnativa.
Girato nel Regno Unito nel 2024 e
all’inizio del 2025, Digger è il primo film in
lingua inglese di Iñárritu dopo The Revenant, il film del
2015 che ha vinto gli Oscar per il miglior regista, la migliore
fotografia e il miglior attore per Leonardo DiCaprio. Il suo ultimo
film è invece stato Bardo, falsa cronaca di una manciata di
verità, uscito in sordina su Netflix nel 2022.
Norimberga,
dal 18 dicembre al cinema con Eagle Pictures, racconta una storia
vera ambientata dopo la Seconda Guerra Mondiale, che segue il
medico militare Doug Kelley, interpretato da Rami Malek, che si immerge nelle menti dei
criminali nazisti incarcerati. Il film, diretto da James
Vanderbilt, è incentrato sulle sue intense sedute con
Hermann Göring, un ufficiale di alto rango, interpretato da
Russell Crowe, un tempo braccio destro di
Hitler. Göring viene finalmente ritenuto responsabile degli orrori
che ha causato in quella guerra.
La domanda principale che anima
Norimberga
è se Douglas Kelley possa studiare uomini come Göring e allo stesso
tempo mantenere il proprio senso del bene e del male. Una volta
concluso il film, una cosa salta all’occhio: non ce la fa. La
caccia alla crudeltà più atroce lo porta fuori strada, mostrando
come provare troppi sentimenti, senza limiti, possa lacerare una
persona dall’interno.
Le conseguenze della guerra
La storia inizia nel 1945, subito
dopo la morte di Hitler. Göring, insieme a una ventina di
importanti esponenti del nazismo, viene catturato e portato a
Norimberga, una città nel cuore della Germania, dove si forma un
tribunale internazionale sotto la guida del giudice Robert H.
Jackson (interpretato da Michael Shannon), pronto
ad accusarli di brutali atti di guerra.
Il compito principale di Kelley era
monitorare lo stato psicologico dei detenuti. Ma lui è alla ricerca
di qualcosa di più grande: capire come persone normali possano
razionalizzare un omicidio di massa, e usare queste intuizioni per
scrivere un libro che potrebbe fermare future atrocità.
RAMI
MALEK as Lt. Col. Douglas Kelley in ‘Nuremberg’ Image: Scott
Garfield. Courtesy of Sony Pictures Classics
Kelley si aspetta che Göring sia un
uomo distrutto, ma invece trova un abile manipolatore che usa
fascino e intelligenza per distorcere la realtà. Göring insiste di
aver servito solo il suo Paese e scarica la colpa su altri membri
della gerarchia nazista.
I loro colloqui si trasformano in
un gioco mentale. Mentre Göring cerca di dominare ogni incontro,
Kelley si ritrova attratto dalle argomentazioni dell’uomo; il suo
solito distacco inizia a svanire. Nel frattempo, il giudice Jackson
insiste per ottenere dettagli che potrebbero aiutare il caso,
lasciando Kelley intrappolato tra il fare ciò che è giusto dal
punto di vista medico e ciò che ritiene moralmente necessario.
Con il procedere del film, il
fascino che Göring esercita su Kelley diventa sempre più
inquietante. Lo psichiatra inizia a capire che il male che sta
studiando non è una forza disumana, ma qualcosa di spaventosamente
familiare, nato dall’orgoglio, dal potere e dall’autoinganno.
Il processo raggiunge il culmine
quando Göring viene condannato a morte. Ma poco prima
dell’esecuzione, ingoia una pillola di cianuro che teneva nascosta,
rubando ogni possibilità di risposta sia ai giudici che a
Kelley.
Per Kelley, è un colpo devastante.
Il suo tentativo di comprendere Göring non si conclude con una
rivelazione, ma con la disperazione. Si rende conto che le
azioni mostruose di Göring non sono state il risultato della
follia, ma di scelte umane comuni portate all’estremo della
crudeltà.
Alla fine del film, Kelley è
completamente diverso. Un tempo era sicuro di sé e rifletteva
attentamente su tutto; ora ha perso quella scintilla, appesantito
dalle cose a cui ha assistito e dall’idea assillante che chiunque,
anche le persone normali, possano fare cose crudeli.
Il finale risponde alla domanda
centrale: no, Kelley non può uscire indenne dal suo studio.
Il suo lavoro lo lascia distrutto, non perché sia d’accordo con
Göring, ma perché vede con quanta facilità le persone giustifichino
l’imperdonabile.
Norimberga
si chiude con una nota cupa, ricordando agli spettatori che le
lezioni dei processi rimangono vitali. Ottant’anni dopo il vero
tribunale, il film sostiene che la stessa arroganza, lo stesso odio
e la stessa indifferenza che alimentarono i nazisti si ritrovano
ancora oggi.
Chi predilige il cinema tratto da eventi realmente accaduti sa che
questo tipo di narrazione possiede un potere del tutto particolare:
quello di avvicinare lo spettatore alla storia, senza filtri,
rendendolo partecipe di un mondo che esiste davvero, o che è
esistito. Norimberga, in uscita il
18 dicembre
distribuito da Eagle Pictures, interpreta alla perfezione questa
esigenza. Diretto e sceneggiato da James Vanderbilt e tratto dal libro
The Nazi and the
Psychiatrist di Jack
El-Hai, il film porta sullo schermo non solo la
ricostruzione di un evento cardine del Novecento, ma anche la
dimensione psicologica, etica ed emotiva che lo ha accompagnato. Se
sei un appassionato di storie vere, Norimberga è uno di quei titoli che non puoi
permetterti di perdere, perché racconta un momento storico che
continua a risuonare nel presente con una forza sorprendente.
Un film che ricostruisce
un evento che ha definito la giustizia internazionale
contemporanea
Il processo di Norimberga non è soltanto una pagina di storia:
rappresenta l’origine dei concetti moderni di responsabilità penale
internazionale, crimini contro l’umanità e diritto universale alla
verità. Guardare un film che ricostruisce questo momento significa
ritornare alle radici di un sistema giuridico che ancora oggi
utilizza quel processo come riferimento. Vanderbilt trasforma
queste basi storiche in narrazione cinematografica e lo fa senza
sacrificare la complessità dei fatti: mostra l’azione degli
Alleati, guidati dal giudice Robert H. Jackson, il conflitto tra
potere politico e necessità morale e il peso globale del dover
giudicare un intero regime. Per chi ama il cinema basato su eventi
reali, questo è uno dei rari casi in cui la ricostruzione diventa
strumento di comprensione profonda e non semplice esercizio
estetico. In sala, la portata storica di questi avvenimenti si
amplifica, permettendo allo spettatore di sentirsi dentro un nodo
cruciale della storia moderna.
Il duello tra Douglas
Kelley e Hermann Göring: una storia vera che supera ogni
fiction
Tra gli elementi più sorprendenti del film c’è il rapporto,
realmente documentato, tra il tenente colonnello
Douglas Kelley
(interpretato da Rami
Malek) e Hermann
Göring (Russell Crowe). Kelley fu uno dei pochi ad
avere un accesso diretto e privilegiato ai gerarchi nazisti durante
la loro detenzione, con il compito di valutare il loro stato
mentale e comprenderne le dinamiche di personalità. Il film
riprende questo materiale storico e lo trasforma in uno scontro
psicologico di enorme tensione: Göring emerge come una figura
magnetica, manipolatrice, esperta nell’utilizzare il proprio
carisma; Kelley come un uomo diviso tra il dovere scientifico e
l’orrore morale che ha di fronte.
Per chi ama le storie vere, questa dialettica è irresistibile: è il
tipo di confronto che nessuno sceneggiatore potrebbe inventare
senza cadere nell’inverosimile, e proprio per questo, sapere che
accadde realmente intensifica l’esperienza emotiva e intellettuale
della visione.
La regia di James
Vanderbilt unisce rigore storico, tensione narrativa e sensibilità
contemporanea
Norimberga – Rami Malek Credit- Alamy
James Vanderbilt affronta la materia con un duplice approccio: da
un lato, l’impegno nella precisione della ricostruzione storica;
dall’altro, la volontà di rendere il film accessibile e
coinvolgente anche per il pubblico contemporaneo. Questo equilibrio
è ciò che rende Norimberga un titolo ideale per gli appassionati di
storie vere: non tradisce i fatti, ma non si limita a illustrarli.
Vanderbilt scava nei silenzi delle celle, nella ritualità del
tribunale, nelle ambiguità degli interrogatori, costruendo un
racconto che ha il passo di un thriller pur restando ancorato alle
fonti. La sua regia non offre giudizi semplicistici, ma invita lo
spettatore a porsi le stesse domande che animarono il processo:
obbedienza cieca, follia o consapevole malvagità? Un interrogativo
che, anche a distanza di quasi ottant’anni, conserva una carica
inquietante e attuale.
Le interpretazioni di
Russell Crowe e Rami Malek danno corpo e verità a due figure
storiche complesse
Uno degli aspetti più potenti dei film tratti da storie vere è
vedere grandi attori confrontarsi con personalità realmente
esistite. Crowe e Malek offrono due interpretazioni complementari e
costruite con estrema cura. Crowe tratteggia un Göring convincente
e disturbante, lontano dalle caricature e vicino alle testimonianze
storiche che lo descrivono come un uomo dotato di grande
intelligenza strategica e capacità manipolatoria.
Malek, al contrario, rappresenta Kelley come un uomo intrappolato
tra la scienza e l’orrore, tra la volontà di capire e la
consapevolezza che alcune risposte potrebbero essere impossibili da
accettare. Questa dinamica, resa con sguardi, pause, esitazioni e
improvvisi colpi di verità psicologica, acquista una potenza
straordinaria quando vissuta in sala, dove la recitazione prende
corpo con tutte le sue sfumature.
Perché le storie vere
servono a ricordare, comprendere e trasformare il nostro sguardo
sul mondo
Chi ama i film tratti da storie vere sa che la loro funzione non è
puramente narrativa: è anche civile, culturale e, in parte,
terapeutica. Norimberga
rientra a pieno titolo in questo tipo di cinema. Raccontare quel
processo significa riportare alla luce una domanda che continua a
interrogare la coscienza collettiva: cosa spinge degli uomini
comuni a partecipare a un sistema di male organizzato? E
soprattutto, come si costruisce un mondo che impedisca il ripetersi
di simili orrori? Il film non pretende di dare risposte
definitive—e proprio per questo genera riflessione. In sala, la
partecipazione diventa condivisa: il pubblico osserva insieme, si
confronta in silenzio, e si porta addosso il peso e il significato
di ciò che ha visto. È questa dimensione collettiva, tipica del
cinema e particolarmente preziosa nei film basati su storie vere, a
rendere Norimberga
un’esperienza che va oltre lo schermo.
DAL 18 DICEMBRE AL CINEMA
con Eagle Pictures. Un’opera che restituisce memoria, apre
domande e invita a guardare la storia senza distogliere lo
sguardo.
Dune – Parte
Due offre un finale epico all’adattamento
cinematografico di Denis Villeneuve del primo libro di Frank
Herbert, ponendo le basi per la continua espansione del franchise.
Il sequel riprende dopo il finale di
Dune e mostra il viaggio di Paul Atreides (Timothée Chalamet) mentre entra a far parte
della cultura Fremen e lotta con la profezia di Lisan al Gaib. La
storia di Dune 2 si concentra principalmente sulla
relazione tra Chani (Zendaya) e Paul mentre entrano in guerra contro la
Casata Harkonnen per il destino di Arrakis. La situazione è
complicata da Lady Jessica (Rebecca Ferguson) che diffonde la
convinzione che suo figlio sia il messia dei Fremen.
Quando il finale di Dune –
Parte Due giunge al culmine, il film si ricentra sulla
sfida di Paul a diventare il nuovo imperatore. Ciò include il
lancio di un attacco su larga scala contro gli Harkonnen, che si
conclude con Paul che uccide il barone Vladimir Harkonnen (Stellan Skarsgård) e combatte contro suo
nipote, Feyd-Rautha Harkonnen (Austin Butler), per la possibilità di
governare. Ciò che accade è esattamente ciò che Paul temeva di più
dalle sue visioni del futuro. Ciò conferisce un carattere
piuttosto tragico al modo in cui Dune 2 si conclude e al
punto in cui lascia la storia per un possibile terzo film che
adatti Dune:
Messiah.
Il piano di Paul Atreides per
diventare imperatore e salvare Arrakis spiegato
Il punto cruciale del finale di
Dune – Parte Due ruota attorno all’accettazione da
parte di Paul Atreides del suo destino come Lisan al Gaib dei
Fremen, salvatore di Arrakis e imperatore conquistatore
dell’intero universo conosciuto. Il personaggio di Chalamet lotta
con questo risultato per gran parte del film, poiché ha visioni del
massacro che causerà se si dirigerà a sud su Arrakis. Paul
preferisce dimostrare il proprio valore ai Fremen e aiutarli a
liberarsi. Ciò è complicato dalla fede incrollabile che Stilgar
(Javier Bardem) ripone in lui e da Jessica che
alimenta le credenze della profezia nella cultura dei Fremen.
Nonostante combatta la realtà di
dover andare a sud, bere l’Acqua della Vita e diventare il Lisan al
Gaib, Paul è costretto ad agire quando Feyd-Rautha distrugge il
seitch nord dei Fremen. Il piano di Paul è quello di ottenere
l’intera gamma dei poteri delle Bene Gesserit bevendo l’Acqua della
Vita. Sa che il suo miracoloso risultato gli garantirà il sostegno
dell’intera popolazione Fremen. Questo gli conferisce un potere
senza pari su Arrakis, poiché l’esercito Fedaykin dei Fremen è più
che sufficientemente forte per sconfiggere gli Harkonnen con
l’aiuto delle armi atomiche della Casata Atreides.
È grazie a questo potere che Paul
può sfidare l’Imperatore Shaddam IV (Christopher Walken), rivelando
di essere vivo, il che lo porta ad Arrakis per la guerra. Il piano
di Paul per rovesciare l’Imperatore prevede due fasi. La prima è
chiedere di sposare sua figlia, la principessa Irulan (Florence Pugh), in modo che la stirpe dei
Corrino rimanga al potere. Il passo successivo è combattere
Feyd-Rautha come campione di Shaddam. L’uccisione di
Feyd-Rautha da parte di Paul significa la fine dell’immediata
dinastia regnante degli Harkonnen e una via naturale per
sostituire Shaddam, anche se le Grandi Casate non accettano il
risultato.
Attraverso queste azioni, Paul
ascende a un nuovo livello di potere. Libera Arrakis dal dominio
degli Harkonnen assumendo il comando, accumulando
contemporaneamente più potere per la Casata degli Atreides e
vendicando la morte di suo padre. Paul diventa il leader designato
della Casata Atreides, il salvatore dei Fremen come Lisan al Gaib e
l’Imperatore dell’universo conosciuto. È il compimento definitivo
delle
visioni di Paul in Dune 2, in cui egli governa con il
sostegno di una jihad religiosa e la consapevolezza che ciò porterà
solo a una guerra galattica responsabile della morte di miliardi di
persone.
Dune è stato già adattato
nel 1984 e nel 2000, ma nessuno dei due adattamenti ha ripreso
l’intera serie di romanzi di Frank Herbert.
La guerra santa di Dune con le
Grandi Casate spiegata
Uno dei momenti finali del finale
di Dune 2 è la proclamazione di Jessica che sta iniziando
una “guerra santa”. La nuova Reverenda Madre dei Fremen fa
questo commento dopo aver visto l’esercito di Paul salire a bordo
delle navi per andare in guerra contro le Grandi Casate. Egli
ordina a Stilgar, Gurney (Josh
Brolin) e altri di lanciarsi in battaglia in suo nome dopo aver
saputo che le restanti Grandi Casate non onoreranno l’ascesa di
Paul al trono imperiale. Utilizzando tutta la forza del suo
esercito, il comando di Paul segna l’inizio di una guerra che si
diffonderà in tutta la galassia, portando onore e rispetto al suo
dominio.Grandi Casate conosciute nell’universo di DuneCasata
AtreidesCasata CorrinoCasata FenringCasata GinazCasata
HalleckCasata HarkonnenCasata MetulliCasata MoritaniCasata
RicheseCasata Vernius
Questa guerra santa che Dune
2 mette in scena è la realizzazione di alcune delle prime
visioni di Paul nel precedente film del 2021. All’epoca sognava una
“guerra santa che si diffondeva nell’universo come un fuoco
inestinguibile”. Questo è il risultato della fede dei Fremen in
lui come loro Lisan al Gaib, che trasforma l’esercito in una jihad
religiosa che non si fermerà davanti a nulla per far riconoscere il
loro messia. È attraverso questo movimento che miliardi di persone
moriranno combattendo contro la pretesa di Paul di governare o
rifiutando di accettare le credenze religiose dei Fremen.
La storia di questa guerra santa si
svolge in Dune 2 come preparazione per Dune : Parte
Tre. È vero che gli eventi della guerra avranno ripercussioni
importanti su ciò che verrà, ma la conquista effettiva
dell’universo non sarà al centro del terzo film. La storia
di Dune:Messiah salta questo punto della
vita di Paul, concentrandosi su di lui come imperatore potente
e esperto, ma Dune 2 continua a stuzzicare lo sviluppo come
un modo per mostrare l’inizio del regno di Paul.
Perché Paul Atreides accetta di
sposare la principessa Irulan alla fine di Dune – Parte
Due
Segue la sua testa, non il suo
cuore
La decisione di Paul di sposare la
principessa Irulan è una mossa di potere politico nel finale di
Dune 2. Il suo desiderio di rovesciare l’imperatore Shaddam
significava escogitare un piano che lo avrebbe portato al trono.
Tuttavia, sapeva che il vecchio imperatore non avrebbe ceduto
volontariamente il suo potere dopo che Shaddam aveva cercato di
distruggere la casata degli Atreides. Paul capì che la strada
migliore da seguire era quella di prendere Irulan come moglie.
Questo avrebbe dato all’imperatore la soddisfazione che la sua
stirpe sarebbe rimasta al potere, anche se lui non lo fosse più
stato. Irulan accetta la sua posizione e acconsente a sposare Paul
in Dune 2.
Questa decisione di Paul va contro
tutto ciò che aveva detto in precedenza riguardo alla sua relazione
con Chani. Egli le confessa ripetutamente il suo amore, anche
subito prima di chiedere la mano di Irulan. La decisione di Paul è
in definitiva dettata dalla sua testa piuttosto che dal suo cuore.
Chani ha il suo cuore, ma sposarla non gli dà alcun vantaggio
politico. È già asceso alla leadership con i Fremen. Sposare la
principessa Irulan, d’altra parte, è la strada più facile per Paul
per diventare imperatore, poiché la sua ascesa avviene in modo più
pacifico. Questo rende Paul più potente che mai.
Cosa ha detto Florence Pugh sul
finale di Dune – Parte Due per la principessa Irulan
La reazione di Florence Pugh al
finale di Dune – Parte Due per la principessa Irulan è
illuminante in termini di come anche gli spettatori possono
interpretare la sua decisione. L’attrice ha detto a Comicbook che ha visto la scena come il momento in cui
“lei realizza il suo potere e la sua posizione futura”,
sapendo che si tratta di un’esperienza transazionale per Irulan e
Paul. Pugh crede anche che Irulan colga la reazione di Chani
all’intera prova, dandogli un’idea della proposta di matrimonio,
osservando: “Non mi piace”. In definitiva, è un momento che rende
Pugh “pronta per ciò che accadrà dopo” in un potenziale sequel.
Perché Chani lascia Paul
Atreides e dove sta andando
La storia di Chani cambia
rispetto al libro
Una delle grandi sorprese che
arriva nella conclusione è come Denis Villeneuve
cambia la storia del libro Dune 2 per Chani. Lei
trascorre l’intero film mettendo in discussione e non credendo alla
profezia di Lisan al Gaib, anche se si innamora di Paul. Un grande
allontanamento dal materiale originale si verifica quando Chani se
ne va dopo l’ascesa al trono di Paul come imperatore. Lascia Paul
dopo che lui ha preso Irulan come moglie, anche se lui le ha
giurato che l’avrebbe amata per sempre. L’apparente tradimento e il
modo in cui Paul inizia il suo regno vanno contro ciò che Chani
desidera.
Lasciare Paul significa che
Dune 2 termina con Chani che si prepara a cavalcare un
verme delle sabbie senza una destinazione chiara. Poiché
Villeneuve ha modificato il libro per questo sviluppo della trama,
il romanzo di Frank Herberg non risponde alla domanda su dove lei
stia andando. È possibile che Chani abbia deciso di lasciare Paul
definitivamente per poter avventurarsi da sola, mantenendo il suo
stile di vita da Fremen libera dal suo controllo. Ciò porterebbe
solo cambiamenti più grandi alla storia per un potenziale
adattamento di Dune: Messiah. Ciò significa che è possibile
che lei chiami il verme delle sabbie per schiarirsi le idee, ma
dove Chani vada è in definitiva ambiguo.
Cosa hanno detto Zendaya e
Denis Villeneuve sul finale di Chani in Dune – Parte
Due
Fortunatamente, sia Zendaya che
Denis Villeneuve hanno condiviso le loro opinioni sul finale di
Chani in Dune – Parte Due. Parlando con Comicbook,
Zendaya ha sottolineato il “dolore” che accompagna la storia
e il ruolo di Chani nel finale. Parlando della proposta di
matrimonio di Paul a Irulan, Zendaya ha descritto lo stato d’animo
di Chani come “C’è il dolore, c’è il tradimento, c’è la perdita
e la confusione. Mi sembra un finale piuttosto doloroso”. Ha
poi aggiunto che il film non lascia il pubblico con la sensazione
che qualcuno abbia vinto, con l’isolamento di Chani che simboleggia
i “sogni e i cuori infranti” causati dalla guerra.
Anche Denis Villeneuve ha spiegato
l’importanza di Chani nel finale di Dune – Parte Due. Ha
dichiarato a Inverse che l’intero film è costruito attorno alla
storia d’amore tra Chani e Paul e che la tragedia doveva essere
raccontata attraverso gli occhi di Chani per essere efficace.
Cambiare la prospettiva da Paul a Chani è stato “un cambiamento
molto importante” per il film, che ha permesso al pubblico di
vedere le azioni di Paul attraverso gli occhi della persona che lui
sta tradendo. Ha detto: “È molto tragico [che lui] perderà tutto
e tradirà le persone che amava”. Il punto di vista di Chani è
fondamentale per suscitare empatia nel pubblico.
Paul Atreides è un cattivo alla
fine di Dune – Parte Due?
Il finale di Paul Atreides è
una tragedia
Denis Villeneuve incentra Dune
2 sull’inevitabilità che Paul diventi il Lisan al Gaib, ed è
attraverso questa lente che il film ritrae la natura tragica di
Paul che diventa un cattivo. Il film chiarisce fin dall’inizio che
Paul non crede di essere il salvatore profetizzato dei Fremen, né
vuole esserlo. Tutto ciò che Paul dice e fa è per contrastare
questo risultato, poiché teme questo esito grazie alle sue visioni.
Sa che seguire i Fremen verso sud lo trasformerà in una figura
messianica e darà inizio a una guerra.
Stabilendo quanto Paul non voglia
essere Lisan al Gaib, Dune – Parte Due finisce per
trasformarlo in una presenza malvagia, rendendo il tutto ancora più
tragico. Deve accettare che non c’è nulla che possa fare per
impedire questo risultato, costringendolo a diventare ciò che
odiava e a dare inizio a un genocidio di massa. È vero che Paul
accetta pienamente il suo potere e la sua influenza come Lisan al
Gaib una volta che l’inevitabile si verifica, ma ci sono anche
diversi elementi che ricordano che questo non è ciò che lui
desidera. Sta solo facendo ciò che sa deve essere fatto per salvare
Arrakis.
Uno dei modi principali in cui
Dune – Parte Due porta a compimento questo concetto è
attraverso la relazione tra Paul e Chani. Egli rafforza
ripetutamente il suo amore per lei, sperando che lei capisca le
decisioni che deve prendere per proteggere lei, i Fremen e Arrakis.
Il fatto che lei alla fine se ne vada comunque suggerisce la
possibilità che lui possa perderla. Diventare un sovrano di tale
importanza comporta il sacrificio della sua felicità definitiva.
Questo non rende più perdonabili i momenti malvagi di Paul, ma
aiuta Dune 2 a trasmettere correttamente la natura dell’arco
narrativo di Paul Atreides.
Cosa ha detto Denis Villeneuve
sul finale di Paul Atreides in Dune – Parte Due
Il finale di Paul in Dune 2
è esattamente ciò che Denis Villeneuve sperava di ottenere
nell’adattare il libro di Frank Herbert. Denis Villeneuve ha
spiegato il finale di Dune 2 dopo l’uscita del film,
raccontando a Inverse le sue intenzioni riguardo all’arco
narrativo di Paul e alle sue decisioni finali. Non voleva rischiare
che il pubblico percepisse il suo sequel come una storia di un
salvatore bianco, che era parte della reazione al romanzo originale
di Herbert all’epoca. Il regista ha riassunto il finale di Paul
dicendo che “diventerà ciò contro cui stava cercando di
combattere” a causa delle sue decisioni.
Feyd-Rautha è davvero morto nel
finale di Dune: Parte Seconda?
La serie di libri chiarisce il
suo destino
Il combattimento finale tra Paul
Atreides e Feyd-Rautha è uno degli elementi culminanti del finale
di Dune: Parte Seconda, e potrebbero rimanere dei dubbi sul
suo destino. Paul sferra quello che sembra essere un colpo fatale
al cugino Harkonnen pugnalandolo al petto. La reazione di Feyd
dimostra che muore, ma in un mondo fantascientifico come quello
di Dune, ci sono sempre modi per far tornare in vita i
personaggi. Tuttavia, questo non sarà il caso di Feyd-Rautha. Muore
in Dune 2 proprio come alla fine del romanzo originale di
Frank Herbert.
Dune: Messiah riporta in vita
Duncan Idaho dopo la sua morte, trasformandolo in un ghola di nome
Hayt
Feyd-Rauthra non è mai tornato
in nessuno dei futuri Dune libri che sono stati
pubblicati, lasciando Denis Villeneuve senza motivi per riportare
Austin Butler in eventuali futuri capitoli della serie
cinematografica. Tuttavia, ciò non significa che la serie abbia
definitivamente chiuso con la storia di Feyd. La sua discendenza
potrebbe rimanere un fattore importante nei film futuri, dato che
Dune – Parte Due conferma che Lady Margot è incinta di
suo figlio. Se la serie cinematografica incorporerà elementi di
Paul of Dune in Dune 3, la discendenza di Feyd
potrebbe apparire.
In che modo il finale di
Dune – Parte Due è diverso dal libro
Il film di Villeneuve ha
apportato alcune modifiche significative
Dune 2 è un adattamento
abbastanza accurato della seconda metà del romanzo di fantascienza
di Frank Herbert, proprio come il film del 2021 era una
rappresentazione fedele della prima metà. Tuttavia, il sequel
apporta comunque alcune modifiche al libro attraverso il suo
finale. La storia di Chani è uno dei modi più significativi in cui
Dune 2 cambia il libro, compreso il fatto che lei lasci
Paul. Nel libro, lei gli rimane accanto, accettando il suo ruolo di
vero amore di Paul anche se lui è legalmente sposato con Irulan per
motivi di potere politico. Anche il finale di
Dune 2 è intrinsecamente
diverso dal libro a causa dei personaggi che mancano o sono stati
modificati. La decisione di cambiare il ruolo di Alia Atreides
(Anya Taylor-Joy) nella storia ha comportato
che qualcun altro dovesse uccidere il Barone Harkonnen, con Paul
responsabile della sua morte. Inoltre, non c’è la morte tardiva
di Thufir Hawat, poiché il personaggio è assente dal film.
Inoltre, il modo in cui Paul uccide Feyd-Rautha è diverso, così
come Feyd non cerca di usare una lama avvelenata nascosta per
uccidere Paul.
Il finale di Dune 2 lascia
la porta aperta a ulteriori sviluppi, e la buona notizia è che i
piani per Dune 3 sono già in corso. Denis Villeneuve ha
anticipato la sua intenzione di realizzare un’intera trilogia di
Dune ancora prima dell’uscita del sequel. Ciò includeva la
conferma che una sceneggiatura che adattava Dune: Messiah
era già in fase di lavorazione ed era quasi completata nel dicembre
2023. Il regista ha ripetutamente sottolineato il suo sogno di
completare la trilogia con un altro film, ma qualsiasi annuncio
ufficiale ha dovuto attendere fino all’uscita di Dune: Part
Two per garantire che il botteghino non avesse risultati
inferiori alle aspettative.
È stato confermato che le riprese
di
Dune – Parte Tre si sono concluse a Giugno
2025. iniziate lo scorso luglio, si sono ufficialmente
concluse dopo quattro mesi di lavorazione (come riportato da questo account su X).
Si tratta del capitolo finale della trilogia avviata nel 2021. In
precedenza il progetto era stato indicato
come Dune:
Messiah, in riferimento diretto al romanzo del 1969
di Frank Herbert da cui trae
ispirazione. Tuttavia, Warner Bros. ha confermato che il titolo
definitivo seguirà una numerazione progressiva. La scelta lascia
intendere che il film potrebbe includere elementi tratti non solo
da Messiah, ma anche
dal terzo libro della saga, Children of Dune.
Il finale di Dune – Parte
Due potrebbe portare la saga alla fine del primo libro di
Herbert, ma c’è spazio per un’espansione, con anticipazioni su
Dune – Parte Tre che compaiono durante tutto il film.
Un terzo film adatterebbe il secondo romanzo di Herbert,
Dune: Messiah, che si svolge 12 anni dopo con Paul
saldamente affermato come Imperatore dell’universo. È qui che
l’accenno alla “guerra santa” sarà importante per Dune
3. La guerra in sé potrebbe non essere al centro del terzo
film, ma fornirà ai membri delle altre Grandi Casate la motivazione
per creare un complotto per rovesciarlo.
La proposta di Paul di sposare
Irulan è un altro aspetto chiave della storia di Dune – Parte Tre che il pubblico
conosce già alla fine di Dune 2. Lei sarà la moglie di Paul
nel terzo film, ma si tratterà solo di un matrimonio formale,
poiché Paul ama ancora Chani e nel libro sta con lei. Il finale di
Chani solleva interrogativi su come Dune 3 racconterà tutti
gli aspetti di questa storia, dato che il triangolo amoroso tra
Paul, Chani e Irulan è un tassello intrinseco del puzzle. In ogni
caso, Villeneuve dovrà mostrare i tre personaggi e le loro
complesse relazioni per adattare correttamente Dune:
Messiah.
Un altro elemento piuttosto
significativo della trama di Dune 3 in Dune 2 è la
scelta di Anya Taylor-Joy per il ruolo di Alia Atreides. La sorella
minore di Paul ha un ruolo significativo in Dune: Messiah,
quindi la decisione di Villeneuve di scegliere una star emergente
prefigura ciò che accadrà. Anya Taylor-Joy tornerà in Dune –
Parte Tre per dare vita ad Alia in modo molto più
approfondito. Anche la sua presenza in una visione del futuro in
cui i mari sono su Arrakis contribuisce a definire quanto sarà
diverso il mondo nel sequel.
Il vero significato del finale
di Dune – Parte Due
La storia di Paul Atreides
trasmette i temi principali del film
Nonostante tutte le scene d’azione
da blockbuster incluse nel sequel di Denis Villeneuve, il finale di
Dune – Parte Due trasmette correttamente il vero
significato del film che il regista vuole comunicare. Il film
tratta in definitiva del pericolo del potere, come dimostra
l’ascesa di Paul. I pericoli di questo non sono esplorati solo
attraverso ciò che il nuovo potere di Paul significa per lui, ma
anche attraverso ciò che significa per la galassia come risultato
dei suoi fanatici seguaci religiosi. Dune – Parte
Due, che termina con Paul che libera un gruppo, i Fremen,
mentre scatena l’oppressione su tutti gli altri, è la
rappresentazione definitiva di queste idee.
Con l’uscita di Avatar: Fuoco e
Cenere, ecco se è necessario rimanere fino alla fine per
non perdersi la scena dopo i titoli di coda. A tre anni dall’uscita
di Avatar:
La via dell’Acqua, il regista James Cameron offre al pubblico un’altra
occasione per tornare su Pandora con Fire and Ash. Questa
volta, Jake Sully
e la sua famiglia affrontano i primi cattivi Na’vi della saga, il
clan Mangkwan.
Come i due film precedenti,
Avatar: Fuoco e Cenere è proiettato esclusivamente nelle
sale in diversi formati, offrendo agli spettatori la possibilità di
scegliere come vivere l’ultimo capitolo di questa saga di successo.
Indipendentemente dall’opzione scelta, molti andranno a vedere il
film. E se state per vederlo o avete appena assistito al finale,
vale la pena sapere che dopo i titoli di coda c’è una scena
bonus.
Avatar: Fire & Ash non ha una
scena dopo i titoli di coda
Cameron non utilizza scene a
metà o alla fine dei titoli di coda per preparare il terreno
per Avatar
4 e oltre, lasciando che il finale del terzo capitolo sia
il punto in cui questa storia si conclude, per ora.
Da un lato, l’assenza di una scena
dopo i titoli di coda non è sorprendente. In due capitoli, i
film Avatar non hanno mai incluso un tag che
anticipasse ciò che sarebbe successo. Le scene finali sono le
stesse, con Jake Sully che apre gli occhi, e lasciano la storia in
uno stato più aperto di quanto sarebbe se fosse stata utilizzata
una scena dopo i titoli di coda.
Tuttavia, Avatar è anche uno
dei franchise più grandi esistenti. Negli ultimi anni è diventata
quasi la norma per le grandi produzioni hollywoodiane includere una
scena dopo i titoli di coda se sono legate in qualche modo a un IP.
Si sarebbe potuto pensare che Disney e 20th Century avrebbero fatto
pressione su Cameron per anticipare i futuri capitoli di questa
macchina da soldi.
Invece di seguire questa strada,
Avatar: Fire and Ash lascia che
sia il finale a preparare il terreno per Avatar 4, se
mai ci sarà. Dopo tutto, questa è la scelta più sicura, poiché
garantisce che nessun membro del pubblico che contribuisce al
successo al botteghino di Fire and Ash si perda dettagli
fondamentali che determinano il futuro del franchise.
Ciò non significa che i titoli di
coda debbano essere completamente ignorati. Il franchise è noto per
avere delle belle immagini nei titoli di coda mentre viene
riprodotta una nuova canzone originale. Questa volta, è “Dream As
One” di Miley Cyrus che sentirete suonare durante i titoli di coda.
E considerando tutte le persone che hanno lavorato a questo film
ricco di effetti speciali, vedere apparire i loro nomi è un ottimo
modo per mostrare rispetto per il loro contributo.
Sapere che Avatar: Fuoco e
Cenere non ha una scena dopo i titoli di coda permette a
ciascuno di decidere autonomamente se rimanere o meno.
