Zach Cregger ha
confermato che sta lavorando a un prequel di Weapons.
Cregger ha scritto e diretto il film horror di successo del 2025,
che ha ottenuto un punteggio del 94% su Rotten Tomatoes e ha
incassato 263 milioni di dollari in tutto il mondo. Poco dopo
l’uscita del film, sono iniziate le voci su un potenziale prequel
incentrato su uno dei suoi personaggi di spicco. Ebbene, il prequel
è ufficialmente in fase di sviluppo.
Weapons è
ambientato in una piccola città dove tutti i bambini di una classe
elementare, tranne uno, scompaiono misteriosamente una notte,
lasciando la comunità sconvolta e alla disperata ricerca di
risposte. Il film vede protagonisti Julia Garner, Josh Brolin, Alden
Ehrenreich, Benedict Wong, Austin
Abrams e Amy Madigan, la cui zia Gladys
dovrebbe essere al centro del prequel di
Weapons.
Parlando con Fangoria dell’uscita digitale
del film, Cregger ha confermato che si sta valutando la possibilità
di realizzare un prequel incentrato su zia Gladys. Il regista ha
dichiarato: “È vero, ne ho parlato con la Warner Bros. C’è una
storia e sono piuttosto entusiasta. Non è una bufala”. Cregger
ha anche rivelato che questa idea non è nata solo dopo il successo
al botteghino di Weapons, ma che “ce l’avevo
già in mente prima che il film uscisse”.
La conferma di Cregger che sta
lavorando a un prequel di Weapons è una notizia
entusiasmante per tutti coloro che hanno visto e apprezzato il film
horror. Il personaggio di Gladys interpretato da Madigan è stato
uno dei più apprezzati del film e molti ritengono che Madigan
meriti una nomination all’Oscar.
Ora, mentre Cregger ha confermato
che il progetto è in fase di lavorazione, la Warner Bros. non ha
ancora annunciato ufficialmente un prequel di Weapons, quindi non
c’è alcuna garanzia ufficiale che il film verrà realizzato. Cregger
sta al momento lavorando a un nuovo film di Resident Evil.
Se Cregger vuole realizzare questo film, sarebbe sorprendente se
non divenisse poi realtà, vista la sua recente serie di
successi.
Ho cercato il tuo nome
(qui
la nostra recensione) è un film del 2012,
diretto da Scott Hicks che vede protagonista
Zac Efron, attore amatissimo da tutti i fan
che sono cresciuti con High School Musical e che lo hanno seguito
nella sua carriera più adulta.
La trama di Ho cercato il tuo
nome
Logan Thibault, sergente dei Marines
reduce dall’Iraq, attribuisce la sua sopravvivenza a una foto
trovata durante la missione, raffigurante una donna sconosciuta.
Tornato in patria, decide di rintracciarla e arriva a Hamden,
Louisiana, dove scopre che si chiama Beth. Per starle vicino lavora
nel canile della nonna Ellie. Nonostante l’iniziale diffidenza, tra
i due nasce un profondo amore, rafforzato dal legame di Logan con
Ben, il figlio di Beth. L’ex marito di lei, Keith Clayton,
vicesceriffo arrogante, ostacola la relazione, ma l’unione tra
Logan e Beth dimostra la forza dei sentimenti autentici.
10 curiosità su Ho cercato
il tuo nome
I cinema delle basi militari hanno
proiettato il film in anteprima.
Il ruolo di Logan Thibault è stato
scritto pensando a Ryan Gosling.
Ho cercato il tuo
nome è stato girato a Madisonville, in Louisiana, e le
scene in chiesa sono state girate ad Abita Springs, sempre in
Louisiana.
Taylor Schilling
ha prevalso su Abbie Cornish e Katie
Cassidy per il ruolo femminile principale.
Il regista Scott
Hicks ha fatto di tutto per assicurarsi che non ci fossero
scene di nudo esplicite nel film, al fine di garantire una
classificazione PG-13.
La canzone suonata da Logan e Ben
in chiesa è un vecchio inno intitolato “In the Garden”, basato su
Giovanni 20:14 e scritto da Charles Austin Miles. Scritta nel 1913,
la canzone è di pubblico dominio.
Logan (Zac Efron) dà a Beth una
citazione del Dr. Seuss. Zac Efron ha doppiato Ted
in Lorax – Il guardiano della foresta del Dr.
Seuss.
Frankie Muniz è
stato preso in considerazione per il ruolo di Logan.
La casa in cui vive Beth è la
stessa in cui vive Tuck in The Best Of Me (2014),
anch’esso un romanzo di Nicholas Sparks trasformato in un
film.
Quando Beth chiede a Logan come sia
arrivato in città, Logan le risponde di averlo fatto a piedi.
Considerando la distanza tra il Colorado e la Louisiana, Logan
avrebbe impiegato circa 20 giorni di fila per camminare da un punto
all’altro.
Il giustiziere della notte –
Death Wish con Bruce Willis è un film del 2018 diretto
da Eli Roth. Il film è
un remake de Il giustiziere della
notte del 1974, a sua volta basato sull’omonimo
romanzo del 1972 di Brian Garfield. Willis raccoglie
il testimone di Charles Bronson e veste i panni di
Paul Kersey, un medico che diventa un giustiziere per
vendicare la morte della moglie.
La trama di Il giustiziere
della notte – Death Wish
Il chirurgo Paul Kersey vive a
Chicago con la moglie Lucy e la figlia Jordan. Dopo che tre
criminali irrompono in casa, Lucy viene uccisa e Jordan ridotta in
coma. Deluso dall’inefficacia della polizia, Paul decide di farsi
giustizia da solo: si procura una pistola e inizia a colpire
criminali, guadagnandosi dai media il soprannome di “Tristo
Mietitore”. La sua guerra personale divide l’opinione pubblica tra
chi lo considera un eroe e chi un pericoloso vigilante.
Indagando, Paul scopre l’identità
degli aggressori della sua famiglia. Dopo aver eliminato due di
loro, riesce a risalire al terzo, Knox, l’uomo che ha ucciso Lucy.
I due si affrontano più volte fino allo scontro finale: Knox
prepara un’imboscata nella casa dei Kersey, ma Paul riesce a
ucciderlo e a salvare la figlia, finalmente ristabilita. La polizia
accetta la sua versione dei fatti e Paul finge di chiudere con la
violenza, anche se l’ultima scena suggerisce il contrario.
10 curiosità
su Il giustiziere della notte – Death Wish
Eli Roth ha trascorso molto
tempo con i detective di Chicago per ottenere i dettagli corretti
del distretto di polizia. Nel film, nell’angolo di una bacheca di
un caso di omicidio aperto, appare un cartello con la scritta “Ci
servirà una bacheca più grande”, un riferimento alla famosa frase
di Lo squalo (1975) “Ci serve una barca più
grande“. Roth l’ha effettivamente vista su una bacheca
nell’ufficio del capitano di polizia.
Nel film, il personaggio di Bruce Willis impara a sparare con una Glock
guardando un programma su YouTube chiamato “Full Metal Tactics”,
condotto dal berretto verde Shawn Vance. Eli Roth
ha dato al programma il nome in omaggio al co-protagonista di
Willis, Vincent D’Onofrio, che ha recitato in
Full Metal Jacket (1987).
Nel film, Paul Kersey e
Frank Kersey sono fratelli ed entrambi mancini.
Sono interpretati rispettivamente da Bruce Willis e Vincent D’Onofrio, che nella vita
reale sono mancini.
Sebbene non sia accreditato, Dean
Georgaris ha riscritto la sceneggiatura dalla prima pagina
con il regista Eli Roth. Alla stesura finale della
sceneggiatura c’erano nove sceneggiatori, e la Writer’s Guild ha
infine deciso di attribuire il merito esclusivo a Joe Carnahan,
nonostante quasi nessun suo dialogo sia rimasto nella versione
finale del film.
Eli Roth ha scelto
Camila Morrone per il ruolo principale di Jordan
Kersey, nonostante non avesse mai recitato in un lungometraggio
prima. Roth ha incontrato la Morrone con sua madre Lucila Solá nel
2011 all’Ischia Global Film Festival, e Roth ha pensato che sarebbe
stata perfetta per il ruolo. Dopo aver girato il film, la Morrone
ha firmato con l’agenzia WME e ha ottenuto altri due film.
Nel romanzo del 1972 “Il giustiziere
della notte” di Brian Garfield, il
protagonista Paul Kersey è un CPA, ovvero un commercialista
certificato. In “Il giustiziere della notte” (1974), Kersey
(interpretato da Charles Bronson) è un architetto. In “Il
giustiziere della notte” (2018), Kersey (interpretato da Bruce
Willis) è un chirurgo d’urgenza.
Bruce Willis è noto per
essere mancino. La Beretta 92F che usava in Die Hard è stata
modificata per adattarsi meglio alla sua mancineria. In questo
film, il fatto che Willis sia mancino è in realtà inserito nella
sceneggiatura come spunto narrativo.
Originariamente concepito da Joe
Carnahan nel 2012, il film avrebbe dovuto avere come
protagonisti Liam
Neeson e Frank Grillo, protagonisti
di The Grey (2011), ma Carnahan si ritirò dalla produzione quando
lo studio preferì ingaggiare Bruce Willis per il
ruolo di Paul Kersey rispetto a Neeson.
Eli Roth incontrò il
musicista di Chicago Chance the Rapper prima delle riprese per
discutere della violenza a Chicago e di una possibile
collaborazione musicale al film. Sebbene la collaborazione non sia
avvenuta, il fratello di Chance, Taylor Benett, appare nel
montaggio iniziale delle chiamate radiofoniche, mentre parla con
Sway in the Morning della violenza a Chicago.
Eli Roth era un grande fan
di Dean Norris di Breaking Bad
(2008), e a un certo punto stava per prendere un secondo cane e
chiamarlo come il personaggio di Norris, Hank Schraeder. Roth lo
aveva confessato a Norris a una festa anni prima, e Norris non se
n’era dimenticato. Sebbene Roth abbia un solo cane (Monkey), giura
comunque che il suo secondo cane si chiamerà Hank Schraeder.
Unbroken
(qui la recensione), uscito nel
2014 e diretto da Angelina Jolie,
rappresenta un passo importante nella carriera da regista
dell’attrice americana. Dopo l’esordio con In the Land of Blood and Honey, film incentrato
sul conflitto in Bosnia, Jolie conferma il suo interesse per storie
di resistenza, sopravvivenza e dignità umana. Con Unbroken si misura con un progetto di ampio
respiro internazionale, sostenuto da una produzione hollywoodiana
di primo piano e capace di coniugare spettacolo e riflessione
storica. La regia si distingue per la volontà di dare risalto alla
dimensione epica della vicenda, senza perdere di vista l’aspetto
intimo e personale del protagonista.
Il
film è tratto dal romanzo Unbroken: A World War II Story of Survival, Resilience, and
Redemption di Laura Hillenbrand, un
bestseller che ha portato alla ribalta la straordinaria storia vera
di Louis Zamperini. Ex atleta olimpico, Zamperini
si trovò a combattere nella Seconda Guerra Mondiale come aviatore
dell’aeronautica statunitense. Dopo un incidente aereo che lo
lasciò alla deriva in mare per settimane, venne catturato dai
giapponesi e imprigionato in campi di prigionia, dove subì torture
e umiliazioni che misero alla prova non solo il suo corpo, ma
soprattutto la sua forza interiore. La fedeltà del film al libro e
alla vicenda storica accentua la sua dimensione biografica e
documentaria.
Dal punto di vista del
genere, Unbroken si colloca dunque a metà strada
tra il war movie e il biopic, con sfumature drammatiche che ne
amplificano la portata emotiva. Il tema centrale è quello della
resistenza dell’uomo di fronte all’annientamento fisico e
psicologico, accompagnato da riflessioni sul perdono, sulla
speranza e sulla capacità di non perdere la propria identità anche
nelle condizioni più estreme. Jolie dirige un’opera che non è solo
cronaca di sopravvivenza, ma anche racconto universale sulla
resilienza dello spirito umano. Nel resto dell’articolo ci
soffermeremo in particolare sul finale del film, analizzandone il
significato e il modo in cui porta a compimento i temi
affrontati.
La trama
di Unbroken
Il film della Jolie ripercorre la
vita di Zamperini concentrandosi in particolare
sulle sue vicende nel corso della guerra. Il tutto viene raccontato
nel modo più fedele possibile, dall’incidente aereo ai 47 giorni
trascorsi in mare, dal campo di prigionia e alle torture subite
fino alla liberazione e al ritorno a casa. Vengono omessi solo
alcuni dettagli, tra cui l’incontro con Hitler. Ciò che da tutto
ciò emerge in particolare è la forza d’animo del protagonista, il
quale diventa un esempio per l’intera umanità. Zamperini nel corso
del film imparerà a dedicare la propria vita al bene e al perdono,
dimostrando un animo e una forza di volontà impossibili da
spezzare.
La spiegazione del finale del
film
Nel
terzo atto di Unbroken, la vicenda raggiunge il
suo apice drammatico con l’ennesima prova di resistenza imposta a
Louis Zamperini nel campo di prigionia di Naoetsu. Qui ritrova
Watanabe, detto “The Bird”, che torna a tormentarlo con sadismo e
ossessione. La sequenza più emblematica è quella del palo di legno:
Louie viene costretto a sollevare un pesante trave sopra la testa,
con l’ordine per una guardia di sparargli se lo lascia cadere. In
quell’atto di forza, Zamperini, allo stremo ma indomito, resiste e
fissa il suo aguzzino negli occhi, trasformando la punizione in un
momento di sfida silenziosa e vittoria morale.
La
risoluzione arriva con la fine del conflitto e la liberazione dei
prigionieri da parte degli americani. Louie, debilitato e segnato
dalle violenze, rientra in patria dove può finalmente riabbracciare
la sua famiglia. Il film si chiude con le immagini reali dell’uomo
e con una serie di didascalie che ne raccontano la vita successiva:
il matrimonio, la conversione religiosa, l’impegno verso il perdono
dei suoi carcerieri, e persino la partecipazione, ormai anziano,
alla staffetta della torcia olimpica in Giappone. Il destino di
Watanabe, invece, resta sospeso, poiché riuscì a sfuggire ai
processi per crimini di guerra, incarnando l’irrisolta ambiguità
della giustizia postbellica.
La
spiegazione di questo finale risiede nel ribaltamento dei rapporti
di potere. Se nei campi Zamperini era fisicamente spezzato, è
proprio la sua volontà indomita a emergere come forza superiore a
quella delle armi e delle torture. Il palo di legno diventa simbolo
della resilienza dell’animo umano: un gesto che trascende la
resistenza fisica per farsi atto spirituale di dignità. Il fatto
che Louie sopravviva e torni libero non rappresenta soltanto una
vittoria personale, ma la prova che la crudeltà non può annientare
del tutto l’identità e la speranza di un uomo.
In
parallelo, il percorso postbellico rafforza il significato di
questa esperienza: la scelta di convertirsi al cristianesimo e di
perdonare i suoi aguzzini mostra come la sopravvivenza non sia
completa senza la capacità di liberarsi dal rancore. Il rifiuto di
Watanabe di incontrarlo, pur essendo stato cercato da Zamperini per
un gesto di riconciliazione, sottolinea come non tutti siano pronti
a compiere lo stesso passo. Tuttavia, il film celebra l’atto di
perdonare come un atto di forza ancora più radicale della
resistenza fisica.
Ciò che
Unbroken ci lascia, infine, è un messaggio di
speranza universale: la capacità dell’essere umano di resistere,
rialzarsi e trovare pace interiore anche dopo esperienze disumane.
La vita di Louis Zamperini, dal campo di prigionia alla staffetta
olimpica, diventa metafora di un percorso di resilienza che
trasforma il dolore in occasione di crescita spirituale e di
testimonianza. In questo senso, il film non si limita a raccontare
una storia di guerra, ma invita a riflettere sul valore eterno
della dignità, del perdono e della forza interiore.
Killer Elite (qui la recensione), diretto da
Gary McKendry, è un
action–thriller
che prende spunto dal romanzo The Feather Men di Ranulph Fiennes, un
testo controverso che mescola fatti storici, memorie personali e
invenzione narrativa. Il film si discosta dal libro in vari
aspetti, scegliendo una strada più spettacolare e hollywoodiana,
con un ritmo serrato e un intreccio pensato per esaltare l’azione e
la tensione. Questo adattamento cinematografico mira più a
catturare lo spettatore con inseguimenti, scontri e complotti
internazionali piuttosto che restare fedele al materiale
originale.
Dal
punto di vista del genere, Killer Elite si colloca
tra il thriller spionistico e l’action a tinte cupe, con atmosfere
che richiamano i classici film di cospirazione degli
anni Settanta, ma rilette con lo stile moderno dei primi anni
Duemila. Il film si muove tra missioni segrete, vendette personali
e complotti politici, mescolando il realismo militare con
l’estetica spettacolare del cinema d’azione. La regia di McKendry
cerca di dare respiro internazionale alla vicenda, con
ambientazioni che spaziano dall’Oman a Londra, fino a scenari
urbani e desertici che sottolineano la dimensione globale della
storia.
I temi principali del
film ruotano attorno alla moralità della violenza e al prezzo della
lealtà. I protagonisti sono mercenari e agenti costretti a muoversi
in una zona grigia, dove il confine tra giustizia e vendetta si fa
sempre più sfumato. L’amicizia, la fedeltà e il dilemma etico
legato al mestiere delle armi diventano centrali, riflettendo sul
senso stesso dell’onore in un mondo governato da poteri occulti e
interessi geopolitici. Nel resto dell’articolo proporremo una
spiegazione del finale, analizzando come la conclusione del film
chiuda il cerchio narrativo e tematico.
La vicenda si apre nel Regno Unito
del 1980, dove Danny Bryce è un killer
professionista che, insieme al suo amico e mentore
Hunter, uccide persone scomode o pericolose su
commissione. Dopo aver visto però troppa morte, violenza e dolore,
Danny avverte il bisogno di disintossicarsi da quella vita,
allontanandosene e ricercando una tranquillità fino a quel momento
sconosciuta. Si trasferisce così a vivere in Australia, occupandosi
di una fattoria insieme alla sua vecchia compagna di scuola
Anne Frazier. Non passa però molto prima che la
vecchia attività di Danny si ripresenti nella sua vita.
A richiamarlo all’azione, infatti,
vi è la notizia del rapimento di Hunter. Questi è stato fatto
prigioniero da uno sceicco tribale in Oman. Danny è così costretto
a tornare in azione. Per liberare l’amico, però, dovrà accettare un
compito molto difficile: vendicare la morte dei figli dello
sceicco, uccisi per mano di alcuni ex membri del SAS durante la
segreta guerra del Dhofar. In caso contrario, Hunter sarà
giustiziato. La situazione si complica ulteriormente quando Danny
scopre che i suoi bersagli sono protetti da una squadra clandestina
di uomini senza pietà: i “Feather Men”, guidati dal crudele
Spike.
La spiegazione del finale del
film
Nel
terzo atto di Killer Elite la tensione narrativa
raggiunge il suo apice. Danny, dopo aver scoperto che Amr e i suoi
figli sono stati traditi dagli stessi poteri che pretendevano
giustizia, si ritrova coinvolto in un intrigo ancora più grande. Le
rivelazioni del governo britannico svelano che le morti per cui
Danny stava rischiando la vita erano parte di una manipolazione
legata al petrolio e agli equilibri geopolitici. Lo scontro finale
con Logan diventa quindi inevitabile: una battaglia a tre fronti in
cui ciascun personaggio lotta non solo per la sopravvivenza, ma
anche per un senso di verità e giustizia personale.
La
conclusione si consuma nel deserto, dove Danny e Hunter fermano
Logan e si trovano a dover scegliere tra vendetta e sopravvivenza.
Invece di uccidere l’avversario, decidono di lasciargli il denaro,
costringendolo a confrontarsi con le proprie scelte e con la
necessità di costruirsi un nuovo destino. Questo gesto ribalta le
logiche brutali che hanno dominato la vicenda, sottolineando come
la violenza non porti altro che cicli infiniti di morte e
tradimento. Danny, ormai segnato dagli eventi, sceglie la via del
distacco e del ritorno alla sua vita privata, ritrovando Anne e
un’apparente pace.
Dal punto di vista simbolico, il finale rappresenta la chiusura di
un percorso morale tormentato. Danny, inizialmente tornato in
azione solo per salvare Hunter, si ritrova progressivamente
risucchiato in un mondo dove la lealtà è corrotta dal potere e il
concetto di giustizia è manipolato da chi controlla le risorse.
Decidere di non uccidere Logan diventa quindi una presa di
posizione etica: Danny rifiuta la logica del mercenario e sceglie
di non perpetuare quella spirale di sangue. Il personaggio emerge
così più umano, consapevole che la vera vittoria non è eliminare il
nemico, ma liberarsi dal gioco mortale delle forze occulte.
Anche Logan, a suo modo, incarna il destino dei soldati e mercenari
intrappolati in dinamiche più grandi di loro. Lasciargli il denaro
significa metterlo di fronte alla propria coscienza, costringerlo a
fare i conti con il tradimento verso i Feather Men e con le
conseguenze delle sue scelte. L’ultima parte del film evidenzia
quindi il contrasto tra chi riesce a uscire dalla spirale della
violenza e chi, invece, ne rimane prigioniero. La dicotomia tra
Danny e Logan segna la vera chiave di lettura del finale: due
uomini simili, ma con destini che divergono in base alle scelte
etiche compiute.
Ciò che Killer
Elite lascia allo spettatore è un messaggio amaro ma
lucido: la guerra segreta fatta di intrighi, mercenari e governi
corrotti non conosce vincitori. Anche i sopravvissuti portano
addosso il peso delle loro azioni e delle verità scoperte. L’unica
via di uscita sta nella capacità di spezzare il ciclo, di scegliere
l’umanità invece della vendetta. Danny non diventa un eroe in senso
classico, ma rappresenta la possibilità di resistere al cinismo di
un mondo dominato dal potere, trovando salvezza non nella violenza,
ma nella rinuncia ad essa.
Overdose è un
thriller
d’azione francese incentrato su azioni frenetiche e brividi
rapidi, visivamente piacevole ma privo di qualsiasi profondità o
spessore. Dedicato alla memoria del grande Jean-Paul
Belmondo, il film segue due unità separate della polizia
francese che si uniscono e collaborano per smantellare una
famigerata banda di trafficanti di droga, cercando allo stesso
tempo di trovare gli assassini di due bambini. Sebbene la trama
abbia dei colpi di scena lineari e i soliti risvolti,
Overdose va visto solo come un
intrattenimento senza pretese, senza ulteriori aspettative.
Un uomo di nome Igor Reynald viene
rilasciato dal carcere e accolto da un suo conoscente, Eduardo
Garcia, che lo riporta alla vita criminale. Quest’ultimo porta Igor
nel quartier generale del suo capo, un famigerato signore della
droga che controlla l’intera zona, Alfonso Castroviejo, e sembra
che Igor abbia già lavorato per lui in passato. Nonostante sia
stato in prigione per un po’ di tempo, l’uomo non sembra aver
cambiato atteggiamento, dato che si mette al passo con il resto
della banda. Questa banda criminale, che contrabbanda e
distribuisce droga in alcune zone della Spagna e della Francia,
comprende anche un giovane di nome Said, attualmente preso dalla
sua nuova ragazza, Leila, e un ex pilota automobilistico
professionista, Willy de Berg.
Viene presto elaborato un piano per
consegnare una nuova partita di droga, e anche Igor ne fa parte, ma
poi si scopre che Igor Reynald lavora come agente sotto copertura
per la polizia all’interno della banda di Castroviejo. Sara
Bellaiche è a capo della squadra narcotici della polizia di Tolosa
ed è sotto pressione da parte del commissario capo per non essere
riuscita a catturare i principali trafficanti di droga della
regione. Sembra che Sara stia elaborando un piano da diversi giorni
e che sia vicina a finalizzare i dettagli di un grande progetto per
catturare i criminali.
È nell’ambito di questo piano che ha
assunto Igor Reynald, che alcuni anni prima era un poliziotto sotto
copertura, ma che aveva perso la strada a causa della droga ed era
finito in prigione. Seguendo le istruzioni della polizia, Reynald
torna nel covo di Castroviejo e collabora con Garcia, ma continua
segretamente a informare Sara e la sua squadra su qualsiasi nuovo
sviluppo. Nella capitale francese, Parigi, una scena orribile viene
lasciata in un ospedale pediatrico quando due ragazzini, Jerome e
Ali, vengono uccisi senza pietà nei loro letti d’ospedale, che si
trovavano nella stessa stanza. Il capo della polizia di Parigi,
Richard Cross, indaga sul caso con la sua squadra e cerca di
trovare qualche indizio.
Nel giro di un paio di giorni, anche
la madre di Ali viene trovata morta e gettata nella Senna, e le
riprese delle telecamere di sicurezza mostrano un uomo e una donna
in un furgone nero comune a entrambe le zone del crimine. Ulteriori
indagini rivelano che la donna è una cittadina marocchina di nome
Leila, e ben presto la sospettata viene trovata morta sulla scena
di una sparatoria in autostrada. Nell’ambito delle sue indagini,
Richard incontra Sara della squadra narcotici e insieme si
preparano a smantellare la banda di Castroviejo e il suo impero
della droga.
Sofia Essaïdi in Overdose. Cortesia di Prime Video
Cosa succede alla fine quando la
polizia raggiunge la banda di Castroviejo?
Mentre la banda di Castroviejo
lascia il proprio quartier generale per attraversare la Spagna e
raggiungere la Francia, dove consegnerà la droga in due luoghi
diversi, il boss rimane indietro e affida l’intera responsabilità
dell’operazione a Eduardo Garcia. Durante il viaggio, però, le cose
vanno male per Said e la sua ragazza Leila: lei muore per overdose
e lui esce dall’autostrada per soccorrerla. Le auto erano già
inseguite e la polizia ha seguito l’auto di Said, provocando una
violenta sparatoria, con Said che è fuggito con il resto dei membri
della sua banda mentre il corpo di Leila è stato lasciato sul
posto. Richard riceve la notizia della morte improvvisa del suo
principale sospettato e si reca sul posto, dove si trova anche
Sara, dato che lei e la sua squadra stavano tenendo d’occhio il
convoglio di droga.
Sebbene Reynald continui a
informarli di ogni cambiamento di programma tra i membri della
banda, Sara rimane molto preoccupata per la sicurezza del suo
informatore. La banda cambia improvvisamente percorso e si dirige
verso un villaggio sulle colline, dove trascorre la notte nella
casa di un abitante del luogo, forse per evitare l’attenzione della
polizia. L’abitante del villaggio cerca di spiare gli uomini e
Garcia lo uccide senza pietà, ordinando a Reynald di fare lo stesso
con sua moglie e suo figlio. Mentre tutto questo accade, la squadra
di Richard incontra una donna in un quartiere pericoloso che
fornisce loro importanti dettagli su questo caso importante. Grazie
alle sue informazioni, scoprono il luogo della seconda consegna di
droga e l’uomo che la acquista.
Il giorno dopo, mentre la banda
lascia il villaggio, la squadra antidroga della polizia si prepara
sul luogo della prima consegna, che Reynald ha segnalato quella
mattina. Quando l’acquirente arriva e la consegna sta per avvenire,
un autobus pieno di scolari arriva sul posto per una gita, rendendo
impossibile alla polizia rivelarsi e arrestare i colpevoli.
Ciononostante, Sara e la sua squadra aspettano pazientemente e,
quando i membri della banda stanno per allontanarsi, ne inseguono e
arrestano alcuni. Reynald, Said e un paio di altri riescono a
sfuggire alla polizia e Said inizia a sospettare che ci sia una
talpa all’interno della sua banda. Ma, come da stereotipo del suo
personaggio, Said sospetta dell’uomo sbagliato e lo uccide, mentre
decide di lasciare in vita Reynald.
Ora contattano il secondo
acquirente, preparano un luogo di consegna vicino a Parigi e
partono verso la lontana destinazione. Dall’altra parte, la polizia
arresta la maggior parte dei membri della banda, compreso Garcia, e
li interroga costantemente non solo per far loro confessare i reati
di traffico di droga, ma anche per scoprire qualsiasi informazione
sugli assassini dei due bambini dell’ospedale. Mentre è ormai
chiaro che uno dei responsabili è stata Leila, che nel frattempo è
morta, l’ex pilota automobilistico de Berg menziona un uomo di nome
Wahid come possibile secondo assassino. Il resto della banda
mantiene il silenzio sulle proprie attività illegali, da veri
criminali incalliti quali sono, ma alla fine tutti saranno portati
in tribunale dalla polizia.
Più o meno nello stesso periodo in
cui questi uomini vengono interrogati e indagati, la polizia
francese conduce un’operazione congiunta con la polizia spagnola
per arrestare Alfonso Castroviejo nella sua casa di famiglia. Le
forze dell’ordine eliminano tutti gli uomini che proteggono il
signore della droga e Castroviejo, che ha saputo dell’arresto dei
suoi uomini e dell’acquirente, si siede, pronto ad essere attaccato
dalla polizia in qualsiasi momento. L’uomo cerca di uscire dal
complesso uccidendo uno dei poliziotti e indossando la sua
uniforme, ma alla fine viene identificato e ucciso dagli altri
membri delle forze dell’ordine. Più tardi quel giorno in Francia,
tutti i membri della banda arrestati vengono trasportati nella
capitale, probabilmente per essere portati in tribunale e messi in
prigione, quando un incidente sull’autostrada crea un improvviso
capovolgimento della situazione.
Alcuni degli uomini di Garcia e la
sua compagna riescono ad attaccare gli agenti di polizia nella loro
auto, e ne segue una sparatoria sull’autostrada. Mentre tutti gli
altri membri vengono uccisi, Garcia riesce a fuggire dalla scena e
si nasconde nella città locale. Sul televisore all’interno di una
casa in cui si è introdotto, Garcia vede la moglie e il figlio del
contadino che aveva ucciso nel villaggio sulle colline arrivare
alla stazione di polizia per testimoniare. Diventa chiaro che
Reynald in realtà non li aveva uccisi quando gli era stato
ordinato, e Garcia ora capisce anche che era Reynald a fare da
talpa nella sua banda. Contatta rapidamente il secondo acquirente,
che non ha ancora ricevuto la droga, e insieme preparano un piano
per affrontare Reynald e punirlo per il suo tradimento.
Cortesia di Prime Video
La spiegazione del finale di
Overdose: cosa succede a Reynald e Garcia alla
fine? Perché Wahid e Leila hanno ucciso i bambini?
La polizia riceve informazioni su un
improvviso cambio di luogo dell’appuntamento per la seconda
consegna della droga, e Sara ora teme più che mai che la vita di
Reynald possa essere in pericolo. L’intera squadra di polizia fa
del suo meglio per scoprire il nuovo luogo dell’appuntamento e alla
fine lo rintraccia in un edificio abbandonato nei pressi di Parigi.
Quando arrivano, però, Reynald e Said sono già lì e hanno iniziato
la transazione. Ma Garcia si intromette, affrontando Reynald e
tenendolo prigioniero nel seminterrato. Garcia aveva ricevuto in
precedenza l’ordine da Castroviejo di uccidere Said, che era solo
un membro sciocco che li aveva messi nei guai, e ora Garcia esegue
questi ordini. Accoltella Said a morte e poi tortura Reynald per
ore.
La polizia finalmente arriva e
scoppia una rissa tra le due parti, con Garcia e l’acquirente di
droga che vengono entrambi arrestati. Sara trova Reynald in
condizioni pietose e l’uomo muore poco dopo a causa delle ferite
riportate. Sara non riesce più a trattenersi e sta per uccidere
Garcia, ma un altro agente di polizia la ferma e poi uccide lui
stesso il criminale. Sembra che la polizia sapesse che né Garcia né
Castroviejo avrebbero ricevuto la giusta punizione a causa della
loro ricchezza e della loro capacità di corrompere, e quindi non si
sono preoccupati di uccidere i criminali per porre fine alle loro
attività.
Un altro uomo, Wahid, viene
arrestato nell’edificio abbandonato, poiché si era nascosto nel
seminterrato durante la rissa. Wahid ora confessa tutto alla
polizia e racconta loro cosa è successo esattamente nel suo
villaggio natale in Marocco, che era anche il luogo di origine di
Leila e del giovane Ali, ucciso in ospedale. Dopo essere state
nemiche per generazioni, le famiglie di Leila e Wahid avevano
deciso di diventare amiche e di lavorare insieme, e i due avrebbero
dovuto sposarsi come segno di questa nuova amicizia. Poiché
entrambe le famiglie erano essenzialmente trafficanti di droga e
contrabbandieri, tenevano d’occhio qualsiasi attività sospetta nel
villaggio, e un giorno il padre di Wahid vide il padre di Ali
recarsi all’ambasciata francese in Marocco in modo piuttosto
sospetto.
L’uomo fu immediatamente arrestato e
torturato per giorni prima di essere ucciso, e Wahid ricevette
l’ordine da suo padre di trovare Ali e sua madre e porre fine alle
loro vite per vendetta. Fu per questo che Wahid e Leila erano
venuti in Francia e Said era anche il cugino di Wahid. Con l’aiuto
delle conoscenze di Said, rintracciò Ali in un ospedale di Parigi,
dove il ragazzo era ricoverato perché molto malato, e andò con
Leila per ucciderlo. Ma quando i due assassini arrivarono, per pura
coincidenza nella stessa stanza c’era anche un altro ragazzo,
Jerome, perché l’infermiera che avrebbe dovuto portarlo a fare
degli esami era occupata. Di conseguenza, anche lui fu ucciso da
Leila, mentre Wahid uccise Ali e poi rintracciò sua madre e uccise
anche lei.
Mentre Wahid viene rinchiuso in
prigione dopo la sua confessione, la polizia indaga per scoprire se
il padre di Ali fosse davvero un informatore e scopre una realtà
ancora più triste. Il padre di Ali si era recato all’ambasciata
francese per informarsi su una procedura medica necessaria per la
cura di Ali, e non aveva nulla a che fare con la famiglia di Wahid
o con il loro traffico di droga. L’intera vicenda che ha dato
inizio e portato a questo mega-piano della polizia, che alla fine
ha smantellato il traffico di droga e catturato gli assassini, è
stata, dopotutto, condotta invano a causa di un terribile
malinteso.
Danny Collins è un cantante anziano che vive di
vecchi successi, tra eccessi di droga e alcol, e una relazione con
una donna molto più giovane. Nonostante la fama e il denaro, si
sente vuoto e insoddisfatto. Tutto cambia quando riceve, con
quarant’anni di ritardo, una lettera scritta per lui da
John Lennon dopo aver letto una sua intervista
giovanile. Quelle parole riaccendono in lui la voglia di vivere e
di creare. Collins decide così di affrontare il passato, cercando
il figlio che aveva abbandonato e che ora è gravemente malato.
Rinunciando alla vita agiata, si avvicina alla famiglia e torna a
scrivere canzoni.
10 curiosità su Danny
Collins – La canzone della vita
Il film è ispirato alla storia del
cantante Steve Tilston, che venne a conoscenza
dell’esistenza di una lettera che John Lennon gli
aveva scritto 34 anni dopo la sua stesura.
Il filmato del concerto “Danny
Collins” all’inizio del film è stato girato durante un concerto a
Los Angeles dalla band Chicago.
Dan Fogelman aveva
in mente Al
Pacino per il ruolo di Danny Collins mentre scriveva
la sceneggiatura. Pacino accettò, con una sola richiesta, che
Bobby Cannavale interpretasse suo figlio.
Il pubblico utilizzato proveniva da
un concerto dei Chicago. La band si prese una pausa di 15 minuti
mentre Pacino e la troupe si esibivano.
Le foto sul muro della casa di
Collins (circa 10 minuti dopo l’inizio del film) sono tutte foto di
precedenti ruoli di Pacino: Il Padrino,
Serpico ecc.
La canzone chiave del film è
scritta da Ryan Adams, e la versione in sottofondo
vede Adams cantare.
Julianne Moore e
Jeremy Renner erano stati inizialmente
scelti, ma dopo alcuni problemi finanziari gli attori hanno
cambiato idea e sono stati sostituiti da Annette Bening e Bobby
Cannavale (che era stato chiesto espressamente da
Pacino).
Il progetto era stato
originariamente avviato dalla Warner Bros. e avrebbe dovuto avere
come protagonista Steve Carell, prima di subire una
svolta nel 2011.
Al Pacino e
Christopher Plummer hanno fatto coppia in
“Insider – Dietro la verità” (1999), con Pacino nel ruolo
del produttore, Lowell Bergman, e Plummer in quello del reporter di
“60 Minutes”, Mike Wallace. In Danny Collins – La canzone
della vita i ruoli sono invertiti, con Pacino nel ruolo
dell’attore e Plummer dietro le quinte come suo manager.
Al Pacino e
Bobby Cannavale hanno lavorato insieme per la
prima volta nel revival di Broadway del 2012 di Glengarry Glen
Ross. Bobby ha interpretato Roma, il ruolo interpretato da Al
Pacino nel film del 1992.
La sospensione di Jimmy
Kimmel dalla ABC continua a fare notizia. Il conduttore di
Jimmy Kimmel Live! ha recentemente aperto una
puntata del suo programma con un monologo in cui affermava che la
“gang MAGA” stava “cercando disperatamente di
caratterizzare questo ragazzo che ha ucciso Charlie Kirk come
qualcosa di diverso da uno di loro”.
Kimmel ha poi accusato gli esponenti
di destra di “fare tutto il possibile per trarne vantaggio
politico” e di “lavorare duramente per trarre profitto
dall’omicidio“. Ha poi ricordato agli spettatori i rivoltosi
che, il 6 gennaio 2021, “volevano impiccare” il
vicepresidente del primo mandato di Trump, Mike
Pence, per aver certificato la vittoria elettorale di
Joe Biden alle elezioni del 2020.
Il giorno dopo, un portavoce della
ABC ha dichiarato che Jimmy Kimmel Live! sarebbe
stato “sospeso a tempo indeterminato“, e in seguito
abbiamo appreso che Brendan Carr, presidente della
FCC e accanito sostenitore del presidente Donald
Trump, ha minacciato di “prendere provvedimenti”
contro Disney e ABC. Anche NexStar, che, come Disney, necessita
dell’approvazione della FCC per acquisizioni multimiliardarie, ha
fatto pressione sulla Disney affinché ritirasse la serie.
Ora, Mark Ruffalo, star di Hollywood nota per le
sue posizioni politiche e il suo impegno nel sociale, è intervenuto
oggi sui social media. Rispondendo a un post che rivelava che le
azioni Disney sono scese del 7% dalla sospensione di Kimmel,
l’attore ha scritto: “Scenderanno molto di più se cancellano la
sua serie. La Disney non vuole essere quella che ha distrutto
l’America“. Questo messaggio arriva dopo che l’attore ha
recentemente partecipato a un evento online di No
Kings e ha dichiarato: “Il mio settore non capisce
davvero cosa sta succedendo in questo momento, ma quello che
capiscono è che la nostra libertà di parola è sotto
attacco”.
Kimmel non ha ancora espresso il suo
parere sulla sua sospensione, ma si ritiene che siano in corso
trattative con la Disney. L’azienda è stata
ampiamente condannata per quello che molti ritengono un attacco
alla libertà di parola, mentre Trump cerca di mettere a tacere i
suoi critici.
Le scene eliminate sono all’ordine
del giorno per qualsiasi grande blockbuster, e il regista
James
Gunn ha lasciato un grande momento con Krypto sul
pavimento della sala di montaggio di Superman.
La scorsa estate, foto e filmati dal
set del reboot stavano trovando costantemente spazio online.
Nonostante fossero presentati fuori contesto, siamo riusciti a
ricostruire almeno alcune sequenze, tra cui una in cui
Mister Terrific lotta per convincere Krypto a
seguirlo (il cagnolino in CG ovviamente non era presente
sul set, ma Terrific è stato mostrato fuori da un negozio di
animali e con dei biscotti per cani in mano).
Grazie a Collider, ora abbiamo la scena
nella sua interezza. Terrific riesce a convincere Krypto a
seguirlo, e poi tenta di farsi portare dall’animale domestico di
Supergirl nei cieli di Metropolis. Lui invece gli morde il piede
dell’eroe.
Alcune di queste riprese con
Mister Terrific e Krypto sono state poi
riutilizzate per uno spot pubblicitario, anche se senza il momento
in cui Krypto attacca il membro della Justice Gang.
È una sequenza divertente, che
avrebbe potuto essere facilmente inclusa in Superman. Allo stesso
tempo, è abbastanza facile capire perché Gunn abbia deciso di
lasciarla in sala di montaggio durante quello che è stato un atto
finale piuttosto frenetico.
The
Mandalorian & Grogu è stato annunciato per
la prima volta a gennaio 2024 come il prossimo film di “Star Wars”
in fase di sviluppo, e la sua uscita nelle sale è prevista
per il 22 maggio 2026. Oltre al personaggio mascherato di
Pascal, il Mandaloriano, e al suo adorabile aiutante Grogu (meglio
conosciuto come Baby Yoda), il cast include anche
Sigourney Weaver nel ruolo di una pilota da
caccia,
Jeremy Allen White in quello del figlio di Jabba the
Hutt e Jonny Coyne in quello di un signore della
guerra imperiale.
La prima breve sinossi del film
recita: “Erede della Forza nella galassia e compagno adorabile
del Mandaloriano, Grogu ha conquistato il mondo con il suo fascino
malizioso e accattivante fin dal suo debutto”, si legge.
“Presto saranno disponibili prodotti a tema Grogu per tutti i
canali, categorie e fasce d’età: la tempesta Grogu sta per
scatenarsi!”
Con il supporto
produttivo e il sostegno di grandi nomi del cinema internazionale
come Brad
Pitt e Alfonso Cuarón, la regista Ben Hania, già
celebrata per il suo Quattro figlie distribuito in Italia
sempre da I Wonder Pictures, racconta la sconvolgente storia vera
di Hind Rajab, bambina palestinese di sei anni,
rimasta intrappolata sotto il fuoco incrociato di una sparatoria a
Gaza a Gennaio 2024, e dei tentativi disperati della Mezzaluna
Rossa di trarla in salvo. La vicenda è narrata in un film di
finzione in cui la realtà irrompe prepotentemente in scena: se
quelle tragiche ore negli uffici della Mezzaluna Rossa sono infatti
ricostruite con attori professionisti, la voce che sentiamo
chiedere aiuto al di là del telefono e che ci accompagna per tutta
la durata della pellicola è la registrazione originale della voce
di Hind.Intrecciando documentario e finzione, LA VOCE
DI HIND RAJAB restituisce tutta la forza della sua
voce e denuncia l’impotenza di fronte alla guerra.
In occasione
dell’attesa uscita in sala del film inoltre, a partire dal
25 settembre, gli interpreti Motaz
Malhees (Speak No Evil – Non parlare con gli
sconosciuti, 200 metri) e Saja Kilani
(Knockdown, What’s Your Emergency?) prenderanno parte al
tour promozionale italiano di LA VOCE DI HIND
RAJAB presentandolo e commentandolo con il pubblico
in sala. Il tour toccherà le città di Roma, Firenze, Bologna,
Padova, Torino e Milano.
«Al centro di
questo film c’è qualcosa di molto semplice e molto difficile da
tollerare», ha dichiarato la regista. «Non posso accettare un mondo
in cui un bambino chiede aiuto e nessuno accorre. Quel dolore, quel
fallimento, appartiene a tutti noi. Questa storia non riguarda solo
Gaza. Parla di un dolore universale. E credo che la finzione
(soprattutto quando attinge a eventi verificati, dolorosi, reali)
sia lo strumento più potente del cinema. Più potente del rumore
delle ultime notizie o dell’oblio dello scorrimento. Il cinema può
conservare una memoria. Il cinema può resistere all’amnesia. Possa
la voce di Hind Rajab essere ascoltata”.
LA
VOCE DI HIND RAJAB di Kaouther Ben
Hania sarà nei cinema dal 25 settembre
distribuito da I Wonder Pictures.
Eagle Pictures ha diffuso un dietro
le quinte esplosivo di The Running Man, il
film diretto da Edgar Wright con Glen Powell, e già adattato nel
1987 con l’iconico
Arnold Schwarzenegger nel ruolo del
protagonista.
Il film di Edgar
Wright uscirà il 6 novembre distribuito da Eagle Pictures
e vede nel cast Glen Powell, William H. Macy,
Lee
Pace, Emilia Jones, Michael Cera, Daniel Ezra, Jayme Lawson con
Colman Domingo e Josh
Brolin.
La trama di The Running Man
The Running
Manè il programma televisivo più seguito al
mondo: un reality show estremo in cui i concorrenti, chiamati
“Runner”, devono rispettare una sola regola per restare vivi:
fuggire per 30 giorni, in diretta TV, braccati da
killer professionisti, detti “Cacciatori”, mentre il pubblico,
incollato agli schermi, esulta a ogni esecuzione. Ben Richards (Glen
Powell) non è un eroe. È un uomo qualunque, costretto a una
scelta impossibile: entrare nel gioco per salvare la figlia malata.
A convincerlo è Dan Killian (Josh Brolin), il carismatico e
spietato produttore dello spettacolo, maestro nel trasformare la
sofferenza in spettacolo, la paura in share, la morte in
intrattenimento.Ma Ben non segue il copione. Corre,
lotta, resiste. E contro ogni previsione diventa un idolo: il
pubblico lo acclama, gli ascolti volano.Più il
successo cresce, più il gioco si fa mortale. Ora Ben non deve
affrontare solo i suoi inseguitori… ma un’intera nazione che vuole
vederlo cadere.
Diretto da Ngo The
Chau e Buket Alakuş, She Said
Maybe di Netflix
è una
commedia romantica che racconta la storia di una donna di nome
Mavi. Nata e cresciuta in Germania, ha origini
turche ma non ha mai esplorato quel lato della sua discendenza. Ha
una relazione con Can, che è ansioso di chiederle
di sposarlo. Dopo un tentativo fallito, lui la porta in vacanza a
Istanbul, dove il suo intento di chiederle di sposarlo viene
interrotto dalla rivelazione del legame di Mavi con i
Bilgin, una delle famiglie più ricche della
Turchia.
Si susseguono una serie di
rivelazioni sul lato paterno di Mavi, mentre lei si gode la sua
nuova ricchezza e influenza, influenzando la sua relazione con Can.
Gli aspetti fiabeschi del film sono radicati nel realismo, con temi
quali l’amore, la famiglia, le responsabilità e la libertà
personale, che rendono il personaggio di Mavi simile a una vera
ereditiera turca la cui vita è cambiata drasticamente.
La famiglia Bilgin, personaggi
immaginari di She Said Maybe, sottolineano
l’importanza dei legami familiari
She Said Maybe è
una storia immaginaria scritta da Ipek Zübert. La
trama si concentra sul caos che si scatena nella vita di Mavi dopo
che le viene presentata sua nonna, la matriarca della famiglia
Bilgin. Nel creare le dinamiche insidiose dei
Bilgin, alle quali Mavi deve imparare ad adattarsi piuttosto
rapidamente, l’autrice non ha preso spunto da nessuna famiglia
turca in particolare. Detto questo, è possibile che abbia preso in
prestito alcuni aspetti delle lotte per la successione familiare,
dello stile di vita e delle ideologie da famiglie come i
Koç, una delle più ricche della Turchia.
Sono i proprietari della Koç
Holding, che si occupa di ogni tipo di attività
commerciale per mantenere il suo status di una delle famiglie più
ricche del paese. Nel film Netflix, la famiglia Bilgin possiede una
società chiamata Bilgin Holding, che ha anche messo piede in tutti
i tipi di attività commerciali, ma non c’è alcun collegamento
diretto tra le due famiglie. La trama di “She Said Maybe” ruota
attorno a una situazione fiabesca in cui una donna di umili origini
scopre di appartenere alla famiglia reale turca e di essere l’erede
perduta della fortuna dei Bilgin.
Mentre il film si sofferma sul
viaggio di Mavi alla scoperta della Turchia e della fama e
ricchezza della sua famiglia, rimane con i piedi per terra grazie
ai dettagli sottili che rendono la protagonista profondamente
realistica. Sfruttando la differenza culturale tra l’educazione
tedesca di Mavi e le sue radici turche, il film esplora la cultura
della Turchia, mettendo in mostra il suo mix di storia e modernità,
che permea ogni aspetto, dall’architettura al cibo. L’esplorazione
della sua altra metà da parte di Mavi permette al pubblico di
vedere il Paese da una prospettiva diversa.
Per rafforzare questo punto di
vista, il film si affida a location reali come il Palazzo Ciragan a
Istanbul e la regione della Cappadocia. Questo non solo conferisce
un tocco cinematografico alla storia, ma trasporta anche il
pubblico in Turchia, insieme a Mavi, dando loro un’idea di ciò che
sta vivendo. Questo approccio conferisce al film, simile a “The
Princess Diaries”, un tocco di realismo che fa tifare il pubblico
per i personaggi in modo ancora più intenso.
Diretto da Ngo The
Chau e Buket Alakuş, She Said
Maybe di Netflix
è una
commedia romantica che racconta la storia di
Mavi, un’architetta tedesca che scopre di
appartenere alla nobiltà turca. Non ancora pronta a lasciarsi il
passato alle spalle, Mavi si ritrova in una situazione difficile,
divisa tra le strutture tradizionali e familiari di sua nonna,
Yadigar Bilgin, e la relazione sentimentale che ha
con Can, uno stagista presso uno studio legale. Da
quel momento in poi, il conflitto di classe definisce la loro
storia d’amore.
Nel mentre la protagonista arriva
lentamente a riconoscere la mancanza di chiarezza nella sua vita.
Anche se Can cerca di chiedere alla sua compagna di sposarlo
all’inizio della storia, le cose non vanno proprio come previsto,
lasciandolo alla disperata ricerca di un’altra possibilità. Le
complicazioni che si accumulano nel frattempo aggiungono pepe a
questo dramma familiare, rendendo la scelta finale di Mavi ancora
più imprevedibile.
Can e Mavi si sposano alla fine di
She Said Maybe
Sebbene la relazione tra Can e Mavi
abbia un percorso accidentato nel corso del film, gli ingredienti
per realizzare i loro sentimenti sono sparsi ovunque. In realtà,
lei si rende conto di non poter lasciare andare Can, e questo la
spinge a tornare da lui. Nel frattempo, Can, sentendosi altrettanto
abbattuto, decide di lasciare il suo tirocinio e di dedicarsi a un
viaggio; tuttavia, questo tentativo di ricerca interiore nasconde
solo la vera origine delle sue emozioni.
Quando Mavi lo raggiunge pochi
istanti prima della sua partenza, la coppia vive finalmente il suo
momento decisivo e confessa la vera profondità del proprio amore.
Mavi si scusa per aver lasciato che il loro legame si affievolisse
nel trambusto del suo nuovo stile di vita, ma è proprio quel
cambiamento di prospettiva che le serviva per capire ciò che
desidera. A tal fine, Mavi ribalta la premessa centrale del film e
diventa lei a chiedere a Can di sposarla, che accetta
felicemente.
Le fratture nella relazione tra Can
e Mavi nascono da una serie di incomprensioni che alimentano il
loro divario comunicativo. Sebbene la coppia sia abbastanza sicura
di ciò che vuole a livello personale e professionale, la
rivelazione sulle origini di Mavi cambia le carte in tavola.
All’improvviso, la protagonista si ritrova coinvolta nelle
dinamiche dei ricchi, compresa la pressione esercitata
silenziosamente da sua nonna. La carta vincente di Yadigar, Kent,
alla fine dà i suoi frutti quando a Can viene mostrata una foto di
lui e Mavi che stanno per baciarsi.
Pochi istanti prima, la giovane
architetta viene a sapere che il suo partner ha accettato una somma
considerevole di denaro per porre fine alla loro relazione, e
questo cementa la loro separazione. Tuttavia, in entrambi i casi,
vediamo solo metà del quadro, e proprio qui sta il punto chiave
della narrazione. L’alienazione tra i due amanti finisce per
limitare la sensibilità emotiva di entrambi, creando una
frattura.
I momenti finali del film servono
come momento di riflessione sia per Can che per Mavi, che
lentamente arrivano a comprendere il punto di vista dell’altro.
Questo porta a un’altra epifania condivisa, ovvero che i due non
possono essere felici finché sono lontani l’uno dall’altra. Non
solo si riconciliano, ma compiono anche il coraggioso passo
successivo nella loro relazione, sotto forma di matrimonio. Sebbene
Mavi fosse precedentemente timorosa di impegnarsi in tal modo, il
suo cambiamento di posizione rappresenta una pietra miliare nel suo
percorso di trasformazione.
Il matrimonio della coppia riunisce
tutti i personaggi della storia in un momento caratterizzato
dall’amore e dalla gioia, invece che da spietate politiche
familiari. Una sequenza splendidamente resa raffigura Mavi e Can
che si tengono per mano mentre corrono accanto a tutte le persone a
loro care, a significare come la loro storia d’amore si propaghi
verso l’esterno creando una reazione a catena positiva.
La storia d’amore di Can e Mavi
spinge Yadigar a cambiare i suoi vecchi modi di fare
Il più grande ostacolo nella
relazione tra Can e Mavi è senza dubbio Yadigar, che arriva al
punto di dare al primo un assegno in bianco come ricompensa per
aver lasciato sua nipote. Questa mossa tocca il cuore della
complicata situazione familiare di Can e sembra quasi troppo
allettante per essere ignorata dal giovane avvocato. Tuttavia, i
pezzi mancanti di quello scambio vengono rivelati alla fine, in una
lettera che Yadigar invia personalmente a Mavi.
Scopriamo che Can non ha lasciato un
importo su quell’assegno, ma ha invece espresso che nessuna somma
di denaro avrebbe mai potuto comprare il suo amore per la
protagonista. Questo attacca direttamente il nucleo materiale di
Yadigar e le offre un momento di riflessione, che alla fine la
porta ad accettare la loro relazione. A tal fine, la lettera è
accompagnata anche da una nota di scuse e dai suoi auguri per
qualsiasi direzione prenderà la storia d’amore.
Con il cambiamento di opinione di
Yadigar, il matrimonio di Can e Mavi vede un ospite in più, e
questo rappresenta un cambiamento visibile nelle dinamiche
familiari e nei sistemi di valori. Sebbene Yadigar sia descritta
come una figura autorevole, fredda e pragmatica per gran parte
della serie, la sua apparizione finale è di felicità sfrenata,
mentre balla con sua nipote e sua nuora. Questo ricorda un momento
precedente della storia, quando il lato più rilassato e malizioso
della nonna è emerso mentre cucinava con Mavi.
Questa essenza viene estrapolata
nella sequenza finale, suggerendo che la matriarca ha finalmente
abbandonato le strutture soffocanti a cui si è attenuta per tutto
questo tempo. In questo modo, la cerimonia di matrimonio diventa
anche un’occasione per ricucire i rapporti all’interno della
famiglia, da tempo incrinati, dimostrando così nel finale di
She Said Maybe che l’amore può davvero conquistare
qualsiasi cosa.
La prima stagione di Chief
of War (qui
la nostra recensione) si è conclusa, offrendo un finale ricco
di spunti. Il progetto storico di
Jason Momoa ha rispettato le aspettative, con costumi
d’epoca accurati, scenografie spettacolari e scene d’azione epiche,
degne di una serie intitolata “Chief of War”. Momoa guida
il cast interpretando il guerriero Ka‘iana.
Nei primi nove episodi, vediamo
Ka‘iana lottare con la sua lealtà verso diversi capi, per poi
tornare dopo un periodo trascorso all’estero ad aiutare il re
Kamehameha (Kaina Makua) nella
guerra contro Keōua (Cliff
Curtis) per il controllo dell’isola di Hawai‘i. Le forze
di Keōua erano sostenute dal re Kahekili
(Temuera Morrison) dell’isola di Maui.
Il conflitto tra Ka‘iana e
Kamehameha
Gli episodi finali della serie si
concentrano sul conflitto tra Kamehameha e Ka‘iana riguardo all’uso
delle armi da fuoco nella battaglia contro Keōua. Nell’episodio
penultimo, inoltre, l’attività del vulcano Kīlauea
viene interpretata da molti distretti come un segno divino a favore
di Keōua, spingendoli ad allearsi con lui.
La battaglia che segue è sanguinosa
e violenta, combattuta all’ombra del vulcano. Ka‘iana provoca le
forze di Keōua, spingendole a caricare con le lance, mentre gli
uomini di Kamehameha rivelano i fucili nascosti e ottengono un
vantaggio decisivo.
Ka‘iana affronta direttamente Keōua,
ma quest’ultimo viene ucciso dalla natura stessa, smentendo la sua
convinzione che l’eruzione fosse un segno divino del suo diritto a
governare. Con la morte di Keōua, Kamehameha ottiene il dominio su
Hawai‘i, aprendo la strada alla conquista delle altre isole
hawaiane.
Tutte le morti principali nel
finale di Chief of War
Keōua: come detto, viene ucciso nello scontro.
Ka‘iana lo cercava in battaglia per vendicare la morte del fratello
Nāhi, avvenuta nell’episodio precedente. Essendo
l’antagonista principale della stagione, la sua fine non è una
sorpresa.
Opunui: rappresentante di Maui, mandato a
guidare le forze di Kahekili contro Kamehameha, si dimostra un uomo
violento e spietato dopo l’uccisione di Nāhi. Nella battaglia
finale attacca Heke, rischiando di ucciderla, ma
viene colpito da Ka‘ahumanu e poi finito da Heke,
che vendica così il suo amante.
Te Ao o Hinepehinga in “Chief of War,” now streaming on Apple
TV+.
In che modo il finale prepara la
stagione 2
Kahekili è stato l’antagonista
centrale della serie fin dall’inizio, ed è il motivo per cui
Ka‘iana era così determinato a tornare nelle isole hawaiane. Si
sentiva ingannato dal re di Maui, che lo aveva spinto a commettere
crimini di guerra in nome di una presunta profezia.
È quindi sorprendente che Kahekili
non compaia nella battaglia finale, anche se alcuni suoi uomini vi
partecipano. Nella scena conclusiva, scioccante e provocatoria,
vediamo Kahekili ricevere notizia della sconfitta di Keōua e
giurare di portare la sua potente flotta a conquistare Hawai‘i.
La serie non è ancora stata
rinnovata per una seconda stagione, ma il finale suggerisce che
altra violenza è all’orizzonte. L’alleanza tra Ka‘iana e
Kamehameha, nata per contrastare Keōua, potrebbe incrinarsi con
l’arrivo di Kahekili o con il ritorno dei marinai britannici.
I temi spirituali di Chief of
War
Riflettendo sulla battaglia, Ka‘iana
trafigge con una lancia uno dei sacerdoti di Keōua. Questo gesto si
lega al tema ricorrente della serie: Ka‘iana ha sempre cercato la
guida degli dèi, temendo di andare contro la loro volontà
combattendo contro Keōua.
Come mostrano le visioni del
veggente Tala, gli dèi sono in collera, ma non per
l’esito della guerra tra Keōua e Kamehameha. Ciò che li turba è
l’uso di strumenti stranieri e l’arrivo imminente dei coloni.
Ka‘iana ha sconfitto Keōua, ma lo ha fatto abbandonando la
tradizione.
Te Kohe Tuhaka, Jason Momoa and Siua Ikale‘o in “Chief of War,”
premiering August 1, 2025 on Apple TV+
L’uso delle armi da fuoco appare
come un patto faustiano: non importa chi unifichi le isole
hawaiane, la vera minaccia è l’influenza esterna. Le stesse armi
che hanno dato la vittoria a Ka‘iana e Kamehameha porteranno in
futuro alla caduta di Hawai‘i come nazione indipendente e alla
sofferenza della sua antica cultura.
L’accuratezza storica della
stagione 1
Dal punto di vista storico, la serie
è poco accurata. Chief of War utilizza figure
realmente esistite, ma modifica la cronologia per esigenze
narrative. La battaglia più vicina a quella rappresentata è la
Battaglia di Mokuʻōhai del 1782. Tuttavia, Keōua
morì solo nel 1791, e il suo esercito fu effettivamente distrutto
dal vulcano Kīlauea nel 1790, ma non durante una battaglia.
In realtà, Keōua è un personaggio
composito: fu Kīwalaʻō a ereditare l’isola dopo la
morte di Kalaniʻōpuʻu, entrando in conflitto con Kamehameha per la
divinità della guerra. La storia è stata dunque condensata e
modificata in più punti, pur mantenendo una linea narrativa
coerente.
Negli ultimi anni, l’idea di
sopravvivere a una catastrofe globale è diventata sinonimo di
privilegio estremo. I media riportano con sempre maggiore frequenza
notizie sui super-ricchi che costruiscono bunker sotterranei per
prepararsi a un evento di estinzione. Questa ossessione ha ispirato
numerose opere di finzione, dalle serie televisive ai film, che
immaginano miliardari isolati in rifugi mentre il mondo esterno
crolla.
La premessa di Il rifugio
atomico
La nuova serie spagnola di Netflix, Il rifugio
atomico (El
refugio atómico), creata dagli autori de La casa di
carta, Álex Pina ed Esther Martínez Lobato, riprende questo
filone narrativo ma lo ribalta. All’inizio, mentre le tensioni
geopolitiche crescono, i clienti del progetto Kimera
Underground Park si rifugiano in bunker a 300 metri di
profondità, convinti di restarci solo temporaneamente. Ma quando
sembra scoppiare una guerra nucleare, scopriamo subito il colpo di
scena: l’apocalisse non è reale. È tutto un inganno orchestrato da
Kimera, i cui scopi verranno svelati poco a poco.
Cortesia di Netflix
Una satira del potere e della
ricchezza
La serie diventa così una metafora
della vita artificiale dei super-ricchi, protetti da un guscio di
finzioni. Pur contenendo elementi di critica sociale, lo show non
rinuncia al ritmo serrato e alla drammaticità che hanno reso
celebre La casa di carta: colpi di scena, tensioni
familiari e passioni proibite si intrecciano con la truffa messa in
scena da Kimera, guidata dalla manipolatrice Minerva.
La storia di Max
Uno dei protagonisti centrali è
Max Varela, un giovane segnato da un passato
tragico: uccide accidentalmente la fidanzata Ane in un incidente
stradale e finisce in carcere, dove scopre la durezza della vita
senza privilegi. Questa esperienza lo trasforma, rendendolo capace
di affrontare la verità meglio dei ricchi che lo circondano. Dopo
la scarcerazione, viene portato nel bunker dal padre Rafa, dove
ritrova la famiglia di Ane e deve convivere con rancori, sospetti e
segreti.
Realtà artificiali a confronto
La trama alterna momenti avvincenti
a parti più lente e prolisse, con dialoghi che spiegano
eccessivamente motivazioni e complotti. Oltre all’inganno di
Kimera, assistiamo a una vera e propria soap opera familiare:
vecchi tradimenti emergono, matrimoni infelici crollano, passioni
represse vengono alla luce. Le bugie dei genitori di Max e di Ane,
intrecciate da decenni, si sgretolano man mano che la vita
sotterranea diventa insostenibile.
Cortesia di Netflix
Il meccanismo dell’inganno
I flashback mostrano come Minerva e
il suo team abbiano architettato la finta apocalisse con
messinscene spettacolari, degne di un blockbuster. Nonostante
alcune incongruenze logiche, la serie sottolinea come i miliardari
siano talmente abituati a vivere di illusioni da accettare senza
dubbi le bugie di Kimera. Il parallelo con la scrittura televisiva
stessa è evidente: anche i truffatori, come gli sceneggiatori,
costruiscono storie per manipolare emozioni e comportamenti.
La rinascita di Max
Max, grazie alla sua esperienza in
carcere, è più difficile da ingannare. Le rivelazioni sul passato
della madre Frida, da anni amante del padre di Ane, e l’ammissione
che lei non lo aveva mai visitato in prigione, lo spingono a
confrontarsi con la falsità della sua famiglia. Parallelamente,
Asia, sorella di Ane, scopre di essersi sempre mentita a sé stessa
e di amare Max nonostante tutto. I due stringono un legame fondato
sulla ricerca della verità.
Cortesia di Netflix
L’uscita verso la realtà
Nel finale, Max decide di affrontare
il mondo esterno, convinto che ci sia più speranza fuori che dentro
al bunker, anche se gli è stato fatto credere che la superficie sia
contaminata. Dopo aver promesso ad Asia che tornerà per lei, emerge
alla luce del sole, in una scena che simboleggia la sua rinascita e
la scelta di vivere nella realtà, non nelle illusioni.
Gioco e riflessione
Il rifugio atomico
mescola intrattenimento e critica sociale. Pur presentando eccessi
narrativi e toni a volte ironici, come dimostra il finale con
Oswaldo che canta “American Idiot” in una discoteca fittizia, la
serie offre una riflessione profonda: per pensare di meritarsi un
rifugio privato dalla fine del mondo, bisogna essere estremamente
egoisti e capaci di autoinganno.
Il film di Mad Max
che i fan chiedono a gran voce da anni è Mad Max:The Wasteland, un prequel ambientato un anno prima
di Mad Max:
Fury Road con Tom Hardy nel ruolo principale. Nel 2017,
Miller avrebbe avviato la pre-produzione del progetto e avrebbe
persino ottenuto l’impegno di Hardy, ma i lavori si sono interrotti
quando il regista ha citato in giudizio la Warner Bros. per non
avergli pagato un bonus garantito dal contratto.
Dopo il fallimento commerciale di
Furiosa: A
Mad Max Saga, la realizzazione del nuovo film è però
divenuta particolarmente improbabile. Un recente rapporto di
Deadline ha inoltre affermato che Furiosa, nonostante le
ottime recensioni, ha fatto perdere alla Warner Bros. 120 milioni
di dollari. Un insuccesso che comprensibilmente potrebbe portare
alla cancellazione di tutti i piani futuri per la saga.
Inoltre, Miller ha recentemente
dichiarato che il suo prossimo film non sarà un film di Mad
Max. Ha poi citato il suo desiderio di realizzare
TheWasteland, ma ha ammesso
che il progetto è in pausa. Eppure, è ora arrivato un aggiornamento
piuttosto interessante sul progetto. Il podcast Mad Max Bible, riporta che Mad
Max: The Wasteland di Miller è attualmente in fase di
rielaborazione per diventare una serie televisiva.
Shaun Grant sarebbe stato chiamato a
scrivere la sceneggiatura. Ciò avrebbe perfettamente senso: la
Warner Bros. sta cercando disperatamente di competere nella guerra
dello streaming e HBO
Max sta aumentando i progetti approvati indipendentemente dai
costi. Al momento non ci sono conferme ufficiali né maggiori
dettagli sul progetto. Non è inoltre scontato che, in caso di
conferma della serie, Tom
Hardyriprenda il ruolo di Mad Max.
Già in passato aveva offerto una deludente risposta in
merito.
Se così non fosse, Miller
probabilmente dovrà considerare l’idea di attuare un recasting.
D’altronde, è proprio quello che ha fatto in Furiosa,
ingaggiando Anya Taylor-Joy per interpretare il
ruolo ricoperto da Charlize Theron in Mad Max:
Fury Road. Ad ogni modo, al momento non resta che
attendere di avere conferme ufficiali sul progetto, che qualora
dovesse essere realizzato diventerebbe subito una delle serie più
attese tra quelle previste per il futuro.
La stagione 2 di Gen V
(qui
la recensione) ha introdotto il misterioso
Progetto Odessa nei primi episodi della seconda
stagione, spingendo gli spettatori a formulare diverse teorie sul
suo possibile significato. Poiché il progetto sembra essere
collegato alla trama principale della serie, questa nuova stagione
impiegherà del tempo per rivelarne il vero significato e scopo.
Tuttavia, già nei primi momenti, la
seconda stagione di Gen
V ha fornito indizi sufficientemente sottili da
lasciare spazio a speculazioni e teorie. Gli spettatori più attenti
hanno anche notato che il Progetto Odessa era stato menzionato in
precedenza nella quarta stagione di The
Boys e nella prima stagione di Gen
V, aprendo la strada a teorie ancora più avvincenti.
Alcuni spettatori credono
addirittura che il progetto possa essere un riferimento a
un’operazione reale avvenuta dopo la seconda guerra mondiale, il
che lo rende ancora più interessante. Indipendentemente da ciò che
sarà il Progetto Odessa, è divertente speculare sul suo significato
e sul suo scopo prima che la seconda stagione di Gen
V sveli la verità.
Il Progetto Odessa ha qualcosa a
che fare con un piano di fuga nazista realmente esistito
ODESSA era infatti anche il nome di
una presunta organizzazione nata dopo la Seconda Guerra Mondiale,
che includeva ex membri delle SS. Si ritiene che lo scopo
dell’organizzazione fosse quello di pianificare e facilitare le vie
di fuga per gli ufficiali delle SS, in modo da garantire loro di
evitare il processo dopo la Seconda Guerra Mondiale. Sebbene molti
esperti neghino l’esistenza di un Progetto ODESSA ufficiale,
Gen V potrebbe trarre ispirazione da questa
operazione ipotetica.
Nei primi episodi della seconda
stagione, Emma e Polarity trovano una stanza nascosta nella
biblioteca Godolkin che contiene cimeli nazisti. Pochi istanti
dopo, nella stessa stanza, Emma scopre un fascicolo sul Progetto
Odessa, che suggerisce un collegamento con Marie. Il fatto che
abbiano trovato il fascicolo in una “stanza nazista” suggerisce il
collegamento del progetto con la vera ODESSA.
Odessa ha più a che fare con
Annabeth e meno con Marie
Quando Marie cerca ulteriori indizi
sul suo legame con il Progetto Odessa nella seconda stagione di
Gen V, scopre che i suoi genitori avevano
difficoltà a concepire. Tuttavia, dopo aver chiesto aiuto a Cipher
e al suo trattamento di fecondazione in vitro, che all’epoca era
conosciuto con il nome di Dr. Gold, sono riusciti a metterla al
mondo.
Non solo scopre che Cipher era
presente durante la sua nascita, ma viene anche a sapere che sua
sorella minore, Annabeth, era considerata una bambina miracolosa
perché i suoi genitori non avevano avuto bisogno della fecondazione
in vitro prima del suo concepimento. Questo fa sorgere il sospetto
che il trattamento di fecondazione in vitro di Cipher possa essere
stato utilizzato per manipolare selettivamente i tratti genetici o
persino per creare determinate abilità nei bambini.
Se Marie fosse stata il soggetto
principale del Progetto Odessa, Cipher l’avrebbe cercata molto
tempo fa e non avrebbe aspettato che scoprisse i suoi poteri e si
iscrivesse alla Godolkin University. Il fatto che Annabeth sia
stata portata via prima di poter vivere la sua vita come una
normale supereroina suggerisce che potrebbe essere lei il soggetto
principale del progetto.
Gen V Stagione 2 – Cortesia Prime Video
Lo scopo del progetto è trasformare i supereroi in
divinità
La citazione sotto la statua di
Thomas Godolkin alla Godolkin University recita: “Il percorso
inizierà qui, dove i mortali diventeranno divinità”. Questa
frase potrebbe essere un indizio sul vero scopo del Progetto
Odessa, suggerendo che il suo obiettivo è trasformare i supereroi
in esseri divini. Nonostante abbiano poteri soprannaturali, i
supereroi hanno ancora dei difetti e possono essere uccisi dagli
umani.
Anche Cipher continua a ricordare ai
suoi studenti che gli esseri umani privi di poteri potrebbero
facilmente sconfiggerli semplicemente superandoli in numero in uno
scontro finale. Attraverso Odessa, Cipher potrebbe dunque voler
rendere alcuni superpotenti selezionati così incredibilmente
potenti e forti che gli esseri umani normali sarebbero costretti a
incoronarli come divinità.
Il progetto Odessa mira a creare superumani più “stabili”
La violenta scena iniziale della
seconda stagione di Gen V mostra come un gruppo di
scienziati abbia utilizzato uno strano siero per acquisire abilità
superumane. Tuttavia, il loro esperimento ha portato a conseguenze
disastrose, causando la morte di tutte le persone coinvolte. Questa
scena sembra sottolineare come il Composto V raramente funzioni
sugli adulti. Cipher probabilmente spera che Marie sfrutti il vero
potenziale delle sue abilità di manipolazione del sangue.
Ciò le permetterebbe di raggiungere
un punto in cui possa aiutare a stabilizzare il Composto V in tutti
gli individui. Una volta raggiunto questo obiettivo, Cipher sarebbe
in grado di creare una razza umana superiore, dando accesso al
Composto V al maggior numero possibile di esseri umani. L’idea di
creare una razza superiore sarebbe anche in linea con il
collegamento nazista di Cipher accennato in Gen V.
Tuttavia, c’è anche la possibilità che Cipher non sia in realtà
cattivo e che i suoi scopi siano invece positivi.
Mike Colter,
protagonista di Luke Cage, ha accennato alla sua
potenziale partecipazione al MCU in vista della seconda stagione
di Daredevil:
Rinascita. Quando i diritti delle serie Marvel’s
Defenders sono passati da Netflix a Disney, si è subito riaccesa la speranza di
vedere Daredevil, Jessica Jones, Luke Cage e Iron Fist riunirsi di
nuovo, e magari diventare parte del più ampio Marvel Cinematic
Universe.
Naturalmente, questo desiderio è
diventato presto realtà, con il Matt Murdock di Charlie Cox, Wilson Fisk di Vincent D’Onofrio e Frank Castle di Jon Bernthal in testa al gruppo in varie
apparizioni canoniche dell’MCU, culminate nella serie reboot
Daredevil: Rinascita. È poi
stato presto confermato che Jessica Jones, interpretata da
Krysten Ritter, avrebbe unito nuovamente le forze
con Daredevil nella seconda stagione, ma non si è ancora saputo
nulla degli altri Defenders.
Ora, però, il 20 settembre
all’Edmonton Expo, Mike Colter, interprete di Luke
Cage, ha accennato timidamente che il suo personaggio a prova di
proiettile potrebbe ancora apparire a sua volta nella seconda
stagione o in un altro progetto ambientato nelle strade di New
York. Alla domanda su quando Luke Cage potrebbe fare il suo grande
ritorno nell’MCU, l’attore ha risposto:
“Non so perché la gente continui
a chiedermelo. Non ci sono segnali. Non è che abbiano appena
ripreso una delle serie Marvel Netflix”. Ovviamente questa non
è una conferma, ma dato il ritorno di Jessica Jones interpretata da
Ritter, non è così assurdo credere che anche Luke interpretato da
Mike Colter e persino Danny Rand/Iron Fist interpretato da
Finn Jones potrebbero presto tornare a
combattere.
Cosa significa questo
per Luke Cage, Daredevil:
Rinascita e l’MCU
Recentemente è stato rivelato che
Marvel Studios e Disney+ stanno cambiando la loro
strategia per le serie Marvel in streaming. Piuttosto che
introdurre nuovi personaggi in miniserie autonome o creare serie
che abbiano un effetto importante sulla trama cinematografica, come
WandaVision o Loki, Marvel vuole
produrre serie con un potenziale pluriennale che possano essere
rilasciate ogni anno.
Daredevil:
Rinascita ha dato il via a questa nuova era della Marvel
Television e potrebbe rivelarsi un solido punto di partenza per
altre storie di supereroi di strada su Disney+. Riportare tutti i Defenders, e
non solo Jessica Jones, sarebbe un vero colpo grosso per la
piattaforma di streaming. All’inizio di quest’anno, sono dunque
iniziate a circolare voci sul coinvolgimento di Colter e Finn Jones
nella seconda stagione in arrivo nel 2026, poiché entrambi gli
attori hanno pubblicato sui social media di trovarsi a New York
mentre la seconda stagione era già in produzione.
All’epoca, Colter ha persino
commentato il post di Jones su Instagram, scrivendo semplicemente:
“Amica mia”. Naturalmente, potrebbe trattarsi solo di una
battuta amichevole, ma data la relazione semi-intima tra i loro
personaggi nelle precedenti serie dei Defenders, potrebbe anche
essere un indizio di qualcosa di più. Dopotutto, prima che Cox,
D’Onofrio, Bernthal e Ritter confermassero di riprendere i loro
ruoli, anche loro avevano alimentato le voci sul loro ritorno.
Il personaggio di Sadie Sink in
Spider-Man: Brand New Day rimane uno dei temi più
discussi del film, soprattutto perché non si è ancora riusciti a
scoprire chi interpreterà la star di Stranger Things. Inizialmente era stato
fatto il nome di Jean Grey, seguito nei mesi successivi da quelli
di Mary Jane Watson, Gwen Stacy, Mayday Parker e Rachel Cole-Alves.
Ad oggi, però, non ci sono conferme su chi l’attrice interpreterà,
se sarà un’umana o un supereroe.
L’ultimo aggiornamento ci arriva
però ora dallo scoop di @MyTimeToShineH. Secondo l’insider, il personaggio
di Sink avranno dei superpoteri nella prossima coproduzione
Marvel Studios/Sony Pictures.
Questo non aiuta necessariamente a restringere il campo su chi
interpreterà l’attrice, ma dato che Spider-Man: Brand New Day
porterà direttamente ad Avengers: Doomsday, è molto
probabile che lei possa essere la figlia del Peter Parker
interpretato da Tobey Maguire.
Jean Grey è un’altra possibilità,
soprattutto perché potrebbe trattarsi di una versione del
personaggio che deve ancora unirsi agli X-Men
(il cui film è attualmente in lavorazione). Jean sarebbe però
un’aggiunta strana a questo film, non avendo molta storia con
Spider-Man nei fumetti. Con il film in uscita a luglio 2026, è
possibile che per fine anno si possano avere delle prime conferme
ufficiali, che svelino così il ruolo dell’attrice.
Ad oggi, una sinossi generica di
Spider-Man: Brand New Day è emersa all’inizio di
quest’anno, anche se non è chiaro quanto sia accurata.
Dopo gli eventi di Doomsday,
Peter Parker è determinato a condurre una vita normale e a
concentrarsi sul college, allontanandosi dalle sue responsabilità
di Spider-Man. Tuttavia, la pace è di breve durata quando emerge
una nuova minaccia mortale, che mette in pericolo i suoi amici e
costringe Peter a riconsiderare la sua promessa. Con la posta in
gioco più alta che mai, Peter torna a malincuore alla sua identità
di Spider-Man e si ritrova a dover collaborare con un improbabile
alleato per proteggere coloro che ama.
L’improbabile alleato potrebbe
dunque essere il The Punisher di Jon Bernthal –
recentemente annunciato come parte del film – in una situazione
già vista in precedenti film Marvel dove gli eroi si vedono
inizialmente come antagonisti l’uno dell’altro salvo poi allearsi
contro la vera minaccia di turno.
Di certo c’è che il film condivide
il titolo con un’epoca narrativa controversa, che ha visto la
Marvel Comics dare all’arrampicamuri un nuovo
inizio, ponendo però fine al suo matrimonio con Mary Jane Watson e
rendendo di nuovo segreta la sua identità. In quel periodo ha
dovuto affrontare molti nuovi sinistri nemici ed era circondato da
un cast di supporto rinnovato, tra cui un resuscitato Harry
Osborn.
Il film è stato recentemente
posticipato di una settimana dal 24 luglio 2026 al 31 luglio 2026.
Destin Daniel Cretton, regista di Shang-Chi e la Leggenda dei Dieci Anelli, dirigerà il
film da una sceneggiatura di Chris McKenna ed Erik Sommers.
Tom Holland guida un cast che include
anche Zendaya, Jacob Batalon,Mark Ruffalo, Sadie Sink e Liza Colón-Zayas
e Jon Bernthal. Michael Mando è
stato confermato mentre per ora è solo un rumors il coinvolgimento
di
Charlie Cox.
Spider-Man: Brand New
Day uscirà nelle sale il 31 luglio 2026.
Il
film di Mike Flanagan del 2025, The
Life of Chuck, è un adattamento dell’omonimo romanzo
breve di Stephen King del 2020, pubblicato nella raccolta
If It Bleeds insieme a “If
It Bleeds”, “Rat” e “Mr. Harrigan’s Phone”, quest’ultimo anch’esso
adattato in un film. Il film di Flanagan vede Tom Hiddleston nei panni di Chuck
Krantz, un normale contabile la cui vita e morte hanno un’enorme
influenza sul mondo che lo circonda. Il cast stellare include anche
Chiwetel Ejiofor, Karen Gillan, Mia Sara,
Carl Lumbly, Nick Offerman, Matthew Lillard, Jacob Tremblay e Mark
Hamill.
Il
regista ha già una lunga esperienza negli adattamenti di opere
letterarie, pur avendosi preso grandi libertà per le sue serie
NetflixThe Haunting of Hill
House e The Haunting
of Bly Manor (rispettivamente adattate dal romanzo omonimo di
Shirley Jackson del 1959 e dal romanzo breve di Henry James del
1898 The Turn of the
Screw). Tuttavia, Flanagan ha già realizzato due film dai
libri di Stephen King, adottando approcci diversi: Gerald’s Game del 2017 era molto
fedele, mentre il sequel di Shining del 2019, Doctor Sleep, mescolava un adattamento
piuttosto fedele con elementi dell’adattamento di Shining di Stanley Kubrick del 1980 che non erano
presenti nel romanzo.
The Life of Chuck è un
adattamento estremamente fedele
Molti elementi del romanzo breve prendono vita.
Il film di Mike Flanagan del 2025 si è rivelato un adattamento
molto fedele del romanzo breve. La durata di 110 minuti offre ampio
spazio per adattare la storia in dettaglio, poiché nella sua
pubblicazione originale contava solo circa 60 pagine. Pertanto, i
momenti salienti sono tutti presenti nel film, compresi i tre atti
presentati in ordine cronologico inverso, i dettagli dell’imminente
collasso universale nell’atto 3, il modo esatto in cui si svolge la
fatidica danza di Chuck nell’atto 2 e la maggior parte degli scorci
dell’infanzia di Chuck nell’atto 1.
Sia l’atto 1 che l’atto 2 si svolgono quando Chuck ha circa 40
anni.
Inoltre, ci sono intere conversazioni e battute riprese più o meno
parola per parola dal materiale originale. Ciò include la maggior
parte della telefonata tra Marty (Chiwetel Ejiofor) e Felicia
(Karen Gillan) nel terzo atto, gran parte della narrazione di Nick
Offerman e molta della filosofia che la signorina Richards (Kate
Siegel) condivide con il giovane Chuck (Benjamin Pajak) quando lui
le chiede della frase di Walt Whitman “I contain multitudes” nel
primo atto.
Il film The Life of
Chuck aggiunge un elemento inquietante nel terzo atto
L’ospedale di Felicia è un luogo più importante.
Sebbene The Life of Chuck
(la
nostra recensione) sia fedele all’originale, sono state
apportate alcune piccole modifiche che migliorano o alterano
leggermente l’esplorazione dei temi. Il cambiamento più grande nel
terzo atto è un momento aggiunto nell’ospedale dove lavora Felicia,
in cui tutti i monitor cardiaci dei letti vuoti iniziano a emettere
un segnale acustico contemporaneamente, alla stessa frequenza.
Questa scena inquietante suggerisce ciò che alla fine verrà
rivelato, ovvero che il destino dell’universo nel terzo atto è
indissolubilmente legato alla forza vitale di Chuck Krantz mentre
esala i suoi ultimi respiri.
Oltre ad aggiungere più atmosfera agli eventi apocalittici
dell’atto 3 e a fornire un ulteriore indizio sul mistero centrale,
uno dei motivi principali per cui questa scena esiste è che il film
pone un’enfasi aggiuntiva sulla prospettiva di Felicia. Nel romanzo
breve, il terzo atto è raccontato in gran parte dal punto di vista
del suo ex marito Marty, quindi la sua esperienza è mantenuta a
distanza. Questo cambiamento rispetto al materiale originale
permette al film di essere più espansivo, includendo l’aggiunta di
un personaggio al cast, ovvero il collega di Felicia, Bri (Rahul
Kohli, che ha già lavorato con Flanagan diverse volte in
passato).
Un’altra importante aggiunta del film è quella di dare a diversi
personaggi dei monologhi che non hanno nel romanzo. Anche se queste
aggiunte non hanno alcun impatto sul finale, ampliano l’universo
che circonda Chuck, spiegando più cose sulle persone della sua vita
rispetto al materiale originale. Tra questi vi sono il monologo di
suo nonno Albie (Mark Hamill) sulla matematica, che spiega perché
Chuck alla fine intraprende la carriera di contabile, e il monologo
dell’avvocato immobiliare (Carl Lumbly) sul tempo, che aggiunge
profondità alla scomparsa di Albie.
Questa decisione è in linea con le scelte creative che Mike
Flanagan ha fatto in molteplici lavori in passato. La sua storica
serie Netflix The Haunting of
Hill House conteneva un monologo memorabile e potente, e ha
trovato molti modi diversi per consentire agli attori di offrire
interpretazioni altrettanto emozionanti nei suoi progetti
successivi. Ad esempio, i monologhi sono diventati un elemento
importante della sua serie horror originale Midnight Mass, che ha seguito Hill House su Netflix di tre anni. Sono
diventati una sorta di marchio di fabbrica per Flanagan,
consentendogli di lasciare il suo segno su The Life of Chuck senza cambiare troppo.
Albie ottiene un ruolo più importante nel film The Life of Chuck
Mark Hamill ottiene momenti significativi da interpretare.
Una serie di piccoli ma sostanziali cambiamenti sono stati
apportati anche al personaggio di Albie. Oltre ad aggiungere il suo
monologo sulla matematica e un momento in cui spinge Chuck per
proteggerlo ma finisce per ferirlo e pentirsene, il film aggiunge
una scena in cui assiste accidentalmente al fantasma della sua
futura morte, che gli dà un senso di chiarezza sulla sua imminente
scomparsa. Questo ruolo ampliato potrebbe essere il risultato
dell’interpretazione da parte della grande star Mark Hamill, ma
aggiunge comunque profondità al rapporto di Chuck con suo
nonno.
Un elemento importante della storia del libro di Chuck è stato
rimosso
Il significato di “sorellina” è stato cambiato.
L’elemento più importante della storia di Chuck che non è presente
nel film è il fatto che ballava con la sorella minore di uno dei
suoi compagni di band al liceo, motivo per cui chiama Janice
(Annalise Basso) “sorellina” mentre la invita a ballare nel secondo
atto.
Nel film continua a chiamarla così, ma la spiegazione è stata
modificata: ora imita sua nonna (Mia Sara) che, quando gli chiedeva
di ballare, lo chiamava “fratellino”. Questo rende il momento più
un passaggio di testimone che un ritorno alla sua giovinezza.
Quale versione di The Life of
Chuck è migliore?
In definitiva sono molto simili.
Poiché sia il romanzo breve che il film raccontano la stessa storia
nello stesso ordine, entrambi hanno lo stesso valore per il
pubblico. Tuttavia, se uno dei due può essere considerato migliore
dell’altro, probabilmente è il film. Il film crea più collegamenti
tra le storie, sottolineando ulteriormente i temi relativi
all’effetto a catena che ha la vita di una persona comune. Ad
esempio, ci sono ripetute
apparizioni del musical Cover
Girl, assenti nel romanzo, che mantengono vivo il motivo
dell’amore di Chuck per la danza in tutto il film di Stephen King.
Il musical Cover Girl
del 1944 vedeva come protagonisti Rita Hayworth e Gene Kelly.
Inoltre, la versione cinematografica di The Life of Chuck mette in primo piano i
personaggi femminili in un modo che il romanzo originale non fa.
Oltre a dare spazio alla prospettiva di Felicia nel terzo atto,
questo include la presenza della moglie di Chuck (Q’orianka
Kilcher) nella scena del terzo atto al suo capezzale invece che di
suo cognato, il rafforzamento del personaggio dell’insegnante di
danza Miss Rohrbacher (Samantha Sloyan) nel primo atto e la
trasformazione del batterista di strada (Taylor Gordon) da maschio
a femmina nel secondo atto. Questo permette al mondo che circonda
Chuck di avere ancora più consistenza rispetto a quanto non avesse
sulla pagina.
La sceneggiatura di Matt
Reeves e Mattson Tomlin per The
Batman – Parte II è finalmente completata e il tanto
atteso sequel è ora pronto per iniziare le riprese il prossimo
aprile. È passato molto tempo e i fan sono comprensibilmente
ansiosi di avere notizie. Oltre al ritorno dei membri chiave del
cast Robert Pattinson, Andy Serkis, Jeffrey Wright e Colin Farrell, non si sa quasi nulla di ciò
che ci aspetta nel sequel di The
Batman.
Tuttavia, sembra che gli
aggiornamenti siano imminenti, stando a un post pubblicato da
Reeves in occasione del “Batman Day”. Condividendo un frammento
familiare della colonna sonora del primo film dedicata al Cavaliere
Oscuro, Reeves ha scritto in un post:
“Sono davvero onorato di prepararmi a girare il prossimo
capitolo della nostra storia. Questo personaggio significa molto
per me. Che privilegio! Non vedo l’ora di condividere con tutti voi
tante cose emozionanti sul film nelle settimane e nei mesi a
venire…”.
Immaginiamo che il regista si
riferisca a una serie di notizie sul casting. Tuttavia, speriamo
che Reeves decida anche di annunciare ufficialmente quale cattivo
ha scelto dai fumetti per sfidare il più grande detective del
mondo, specialmente considerando che ha di recente affermato che
si tratterà di un villain mai visto prima sul grande
schermo.
Tutto quello che sappiamo su
The Batman – Parte II
The
Batman – Parte II è uno dei film più attesi del nuovo
panorama DC, ma il suo percorso produttivo non è stato privo di
ostacoli. Inizialmente previsto per ottobre 2025, il sequel diretto
da Matt Reeves è stato rinviato al 1°
ottobre 2027. I ritardi sono stati giustificati da
esigenze legate alla scrittura della sceneggiatura e al calendario
riorganizzato della DC sotto la nuova guida di James Gunn e Peter Safran,
che stanno ristrutturando l’intero universo narrativo. Nonostante
ciò, Reeves ha confermato che
le riprese inizieranno nella primavera
2026 e Gunn ha recentemente letto la
sceneggiatura, definendola “grandiosa”, un segnale incoraggiante
per i fan.
Sul fronte del cast, è confermato il
ritorno di Robert Pattinson nei panni di Bruce
Wayne/Batman, all’interno dell’universo narrativo alternativo noto
come “Elseworlds”, separato dal DCU principale. Dovrebbero tornare anche Jeffrey Wright come il commissario Gordon e
Andy Serkis nel ruolo di Alfred. I rumor più
insistenti ruotano attorno alla possibile introduzione di
Hush e Clayface (che avrà inoltre un film tutto suo)
come villain principali, anche se nulla è stato ancora
ufficializzato. C’è chi ipotizza un ampliamento del focus sulla
corruzione sistemica di Gotham, riprendendo i toni noir e
investigativi del primo capitolo, con Batman sempre più immerso in
un mondo in cui la linea tra giustizia e vendetta si fa
sottile.
Per quanto riguarda la
trama, le indiscrezioni suggeriscono un’evoluzione
psicologica per Bruce Wayne, alle prese con le conseguenze delle
sue azioni e un Gotham sempre più caotica, anche dopo gli eventi
della serie spin-off The
Penguin con Colin Farrell (anche lui probabile membro del
cast). Alcune fonti parlano di un possibile scontro morale con
Harvey Dent, figura ambigua per eccellenza, o di un Batman
costretto a confrontarsi con i limiti del suo metodo. Al momento,
tutto è però ancora avvolto nel riserbo, ma la conferma della
sceneggiatura completa e approvata lascia ben sperare per l’inizio
delle riprese entro l’autunno e per un sequel che promette di
essere ancora più cupo, ambizioso e introspettivo.
Reeves spera naturalmente che il suo
prossimo film su Batman abbia lo stesso successo del primo.
The Batman del 2022 ha avuto un’ottima performance
al botteghino, incassando oltre 772 milioni di dollari in tutto il
mondo e ottenendo un ampio consenso da parte della critica. Queste
recensioni entusiastiche sono state portate avanti nella stagione
dei premi, visto che il film ha ottenuto quattro nomination agli
Oscar. Nel frattempo, Reeves ha espanso la serie DC
Elseworld con la già citata serie spin-off di Batman,
The Penguin, disponibile su Sky e NOW, per
l’Italia.
Il
musical ricorrente in The
Life of Chuck del 2025 è un film reale e ha un
significato importante nella trama generale. Mike Flanagan ha
diretto The Life of Chuck
(la
nostra recensione), basato sull’omonimo romanzo breve di
Stephen King del 2020. La storia è composta da
tre atti, raccontati in ordine cronologico inverso. Il terzo atto
riguarda un evento apocalittico segnato da cartelloni pubblicitari
che ringraziano il normale contabile Chuck Krantz (Tom
Hiddleston) per i suoi 39 anni fantastici; il secondo
atto segue Chuck che balla spontaneamente per strada; il primo atto
racconta invece il giovane Chuck (Cody Flanagan, Benjamin
Pajak e Jacob Tremblay) attraverso i suoi primi incontri
con la morte.
Ci sono molti elementi che collegano i tre atti di
The Life of
Chuck, sottolineando come le persone e le passioni
che influenzano il protagonista, un normale contabile, siano parte
integrante del tessuto della sua vita. Tra questi elementi ci sono
membri ricorrenti del cast che interpretano personaggi diversi,
recitazioni multiple di estratti della poesia di Walt Whitman “Song
of Myself” e una serie di riferimenti al lavoro dell’astronomo Carl
Sagan. Un altro elemento, citato più indirettamente ma presente più
volte nei tre atti del film, è una serie di clip tratte da un unico
musical classico.
I personaggi di The Life of Chuck
guardano Cover Girl
Il musical cinematografico
debuttò nel 1944
Il film musicale che continua ad apparire in The Life of Chuck
del 2025 è Cover Girl
del 1944, un grande successo hollywoodiano durante la Seconda
guerra mondiale, diretto da Charles Vidor con musiche di Jerome
Kern e Ira Gershwin. Il film segue Rusty Parker (Rita Hayworth),
ballerina in un nightclub di Brooklyn di proprietà
del suo fidanzato Danny McGuire (Gene Kelly). Quando vince un
concorso per la copertina di una rivista, la sua carriera inizia a
decollare, mettendo però a dura prova la loro relazione.
[Cover Girl] era uno dei musical che Chuck guardava con sua nonna
Sarah…
Il film non è menzionato nel libro
originale The Life of
Chuck, ma nell’atto 1 del film viene rivelato che
era uno dei musical che Chuck guardava con la nonna Sarah (Mia
Sara), che condivideva con lui l’amore per la danza. Sebbene
abbiano visto anche molti altri film iconici, tra cui
Cabaret e
All That Jazz,
Cover Girl è l’unico
film di cui vengono mostrati frammenti durante la pellicola, il che
suggerisce che abbia avuto un impatto particolare su Chuck durante
l’adolescenza.
Perché Cover Girl continua ad apparire in The Life of Chuck
La danza gioca un ruolo
importante nella vita di Chuck
Sebbene la trama di Cover
Girl non influenzi direttamente ciò che accade in
The Life of Chuck, il
tono del film sì. L’opera del 1944 è un musical particolarmente
spettacolare, con Gene Kelly che supera i limiti con una serie di
sequenze di danza esilaranti, tra cui una in cui balla con la sua
immagine riflessa in uno specchio. È comprensibile che il turbinio
di colori e movimenti del film abbia catturato l’immaginazione di
un bambino che stava appena imparando ad amare l’arte della
danza.
Un altro numero musicale ambizioso in Cover Girl vede i personaggi esibirsi mentre
camminano lungo una strada, ripresi in un’unica sequenza
ininterrotta.
Il legame del film con quel periodo della sua vita spiega perché
sia questo, sia la scena in cui la nonna gli insegna a ballare,
siano ricordi a cui Chuck torna quando inizia a ballare al ritmo
dei tamburi di un musicista di strada (Taylor Gordon), sorprendendo
persino se stesso. Questo amore per la danza lo ha ispirato a
lanciarsi in un ballo durante una giornata altrimenti ordinaria
molti anni dopo, cambiando la vita di molte persone intorno a
lui.
Cover Girl in onda sulla
televisione di Marty (Chiwetel Ejiofor), proprio prima che si
interrompa durante il terzo atto, mostra anche come il film
continui a risvegliare ricordi nella mente di Chuck mentre è sul
letto di morte, collegandosi direttamente all’evento apocalittico
descritto in quella parte della storia.
La vita di Chuck è legata a un
adattamento classico
Cover Girl che appare in
The Life of Chuck
fornisce anche un sottile riferimento a un altro iconico film tratto da Stephen King. Sia
Le ali della libertà del
1994, sia il romanzo breve originale del 1982, presentano il
personaggio imprigionato Andy Dufresne (Tim Robbins) che usa un
poster della star di Cover
Girl Rita Hayworth per coprire il tunnel di fuga che sta
scavando. Sia The Life of
Chuck che Le ali della
libertà sono rari adattamenti non horror delle opere di King:
questo riferimento permette a Flanagan di fare un sottile cenno a
un importante predecessore.
Florence Pugh ha parlato a favore della
Palestina durante un evento di raccolta fondi a Londra la scorsa
settimana, invitando la folla a fare “pressione sui
governi” per il conflitto in corso a Gaza.
La star di Midsommar – Il
villaggio dei dannati e Thunderbolts*
è stata ospite di “Together for Palestine” all’OVO Arena
di Wembley, dove è stata presentata dal collega attore Riz
Ahmed e ha pronunciato un discorso breve ma efficace.
“Sarò breve e semplice. È stato
davvero speciale far parte di questa serata, esserne testimone.
Grazie per essere venuti”, ha esordito Pugh. “Una piccola
nota: il silenzio di fronte a tanta sofferenza non è neutralità. È
complicità”. Ha continuato: “L’empatia non dovrebbe essere
così difficile e non avrebbe mai dovuto esserlo. Vi dico solo
questo. Godetevi il resto della serata, fate pressione sui governi
e complimenti per essere qui”.
La nutrita schiera di “Insieme per
la Palestina” includeva anche Gorillaz, King Krule, Brian
Eno, PinkPantheress, Cat Burns, Bastille, James Blake,
Sampha e altri. Durante il suo discorso,
PinkPantheress ha fatto eco al sentimento di Pugh,
dicendo: “Abbiamo la responsabilità di usare le nostre
piattaforme. Neutralità o silenzio non dovrebbero essere
un’opzione. Date voce alla Palestina. E quando la vostra voce
diventa rauca, esponete le vostre bandiere, indossate la vostra
kefiah. Mostrate loro che siamo qui”.
Pugh si è già espressa sulla guerra
a Gaza in passato, firmando una petizione indirizzata al Primo
Ministro britannico Keir Starmer chiedendogli di porre fine alla
“complicità del Paese negli orrori di Gaza”.
“La storia si scrive nei momenti
di chiarezza morale. Questo è uno di questi”, continuava la
lettera. “Il mondo sta guardando e la storia non dimenticherà.
I bambini di Gaza non possono aspettare un altro minuto. Primo
Ministro, cosa sceglierà? La complicità nei crimini di guerra o il
coraggio di agire?”
Ora che le riprese sono state
completate, sono dunque state rivelate altre immagini della
produzione. Ai membri della troupe che hanno lavorato al film sono
stati dati dei
gadget esclusivi, uno dei quali offre ai fan la migliore
anteprima possibile dei personaggi che tornano sullo schermo.
In un post ora cancellato (ma
lo si può vedere qui), l’utente Instagram @giponci, che sembra
aver lavorato come truccatore in Avengers: Doomsday, ha quindi
condiviso un’immagine con le icone di 28 personaggi Marvel presenti
nel film. Tra questi: Dottor Destino, Mister Fantastic, Soldato
d’Inverno, Yelena Belova, Magneto, Bestia, Ghost, Thor, Donna
Invisibile, Black Panther, Red Guardian, Professor X,
Ciclope, Falcon, Captain America, La cosa, Shang-Chi, M’Baku,
Gambit, Nightcrawler, Sentry, Ant-Man, Torica Umana, Loki, Namor,
Mystica, US Agent e Franklin Richards.
Un’altra immagine condivisa
dall’utente @EmberOnMain (la si può vedere qui) mostrava
anche alcune immagini che sarebbero state scattate sul set del
film. Queste immagini mostravano l’aspetto reale di Ciclope
interpretato da
James Marsden, Dottor Destino interpretato da
Robert Downey Jr., Black Panther interpretato da
Letitia Wright e Magneto interpretato da
Ian McKellen.
Mentre non si vede chiaramente il
costume di Ciclope, quello di Magneto è in bella mostra, con una
combinazione di colori rosso e viola fedele al fumetto. Le foto
sembrano essere state scattate durante l’applicazione del trucco o
i ritocchi, ma ci sono due immagini di personaggi completamente
vestiti con i loro costumi, ovvero Black Panther e Magneto.
Dopo che la sua uscita è stata
rinviata più volte, la produzione di Spider-Man: Beyond the Spider-Verse è ora ben
avviata, secondo quanto riferito da uno dei suoi protagonisti.
L’attesissimo sequel riprenderà dal finale sospeso di Across
the Spider-Verse, che ha visto Miles Morales/Spider-Man
(Shameik Moore) catturato e bloccato in un
universo alternativo. Nel frattempo, Spider-Man 2099
(Oscar Isaac) e la Spider-Society sono
ancora sulle sue tracce.
Beyond the
Spider-Verse era originariamente previsto per il
29 marzo 2024, prima di essere rinviato al
4 giugno 2027 e successivamente al 25
giugno 2027. Inoltre, alcuni membri del cast, come
Hailee Steinfeld (Gwen Stacy/Spider-Woman),
hanno già rivelato che gli attori stanno registrando le loro
battute.
Ora, un altro attore ha fornito
un’idea più concreta di come sta procedendo il film. Parlando con Liam Crowley di Screen
Rant per promuovere Tron:
Ares, Greta Lee, che doppia Lyla,
l’assistente AI di Spider-Man 2099, ha parlato del processo di
registrazione: “Adoro far parte di questo progetto e lavorare
con i ragazzi… È un mix meraviglioso di tutte le cose che amo. È
comico, il mondo è così ricco e la sceneggiatura è ottima. È
davvero divertente registrare”.
Parlando di come è stata
l’esperienza di lavorare al terzo film, l’attrice ha svelato che:
“Abbiamo fatto gran parte del lavoro insieme. Il prossimo lo
abbiamo raggruppato con l’ultimo”. Considerando i commenti di
Lee, sembra che Spider-Man: Beyond the
Spider-Verse possa essere più avanti nella produzione
di quanto si pensasse in precedenza. Considerando che Across
the Spider-Verse e Beyond the Spider-Verse sono stati
inizialmente sviluppati come un unico film, non sorprende che Lee
abbia già registrato le sue parti per entrambi i film.
Lyla è un personaggio secondario nei
film Spider-Verse e il suo ruolo è tale che potrebbe essere meno
influenzata dalle riscritture rispetto, ad esempio, a Moore o
Steinfeld. Detto questo, è molto probabile che alcuni membri del
cast abbiano registrato per entrambi i film contemporaneamente,
alcuni siano stati divisi e altri abbiano registrato in un secondo
momento. Con la data d’uscita che rimane fissata al 25 giugno 2027,
non resta dunque che attendere maggiori informazioni in merito.
Di cosa parlerà Spider-Man:
Beyond the Spider-Verse?
Il film affronterà le conseguenze
del finale cliffhanger di Spider-Man: Across the Spider-Verse, con Miles
Morales (Shameik Moore) bloccato in un universo
alternativo con una versione più cattiva di se stesso. “Ecco
cosa posso promettere, e l’ho detto a proposito del secondo quando
eravamo nel mezzo: Phil Lord, Chris Miller, tutti, i produttori di
questo film, i registi che porteranno… Quello che hanno fatto nel
primo è che tutti i registi sono diventati produttori esecutivi.
Quindi continuano ad aggiungersi. Quello che posso promettere è che
non si fermeranno finché non sarà eccellente”, ha confermato a
ComicBook.com l’attore di Peter B. Parker, Jake
Johnson.
“E se questo significa che
ci vuole un po’ più di tempo, se questo significa che è ancora più
grande, se questo significa che è più lungo – non giocano secondo
le regole di nessuno. Lavorano molto duramente. Come attori, siamo
sempre scioccati quando ci chiamano per registrare l’ultimo film.
Credo che sia stato un mese prima della proiezione, quando non
riuscivamo a credere che stessimo ancora registrando. Quindi non
hanno intenzione di mollare fino a quando non sarà grandioso e non
ho altro che fiducia in loro. Ma per quanto riguarda la possibilità
di svelare qualcosa [sulla storia], non posso farlo”.
Spider-Man: Beyond the
Spider-Verse arriverà al cinema il 25 giugno 2027.
Negli ultimi 15 anni, Rick Grimes è
stato il sopravvissuto più importante nell’universo televisivo di
The
Walking Dead, ma il membro della sua famiglia che era stato
dimenticato non era mai stato menzionato fino all’arrivo di
Daryl Dixon. Presentato nel primissimo episodio,
l’influenza di Rick si è fatta sentire immediatamente, con il suo
personaggio accattivante che è cresciuto e si è sviluppato nel
corso delle stagioni successive.
Da padre amorevole felice di
ricongiungersi con la sua famiglia a leader vendicativo disposto a
tutto pur di proteggere il suo gruppo, Rick ha subito un
cambiamento significativo nel corso della serie, affermandosi come
un’icona televisiva. Purtroppo, Andrew Lincoln ha lasciato
The Walking Dead nella stagione 9, ma
alla fine ha ripreso il suo ruolo nel finale della serie prima di
tornare definitivamente in The Ones Who Live.
Qui, Lincoln ha offerto alcune
delle sue migliori interpretazioni in TWD nei panni di Rick
Grimes, e sembrava che avessimo imparato quasi tutto quello che
c’era da sapere sul personaggio. Tuttavia, Daryl Dixon nella terza stagione ha appena fatto
riferimento a suo fratello della serie a fumetti, confermando che
Jeffrey esiste nell’universo televisivo, nonostante il protagonista
non lo abbia mai menzionato durante il suo viaggio in Walking
Dead.
Carol menziona indirettamente
Jeffrey Grimes durante la terza stagione di Daryl Dixon, episodio
3
Mentre i fedeli fan dei fumetti
potrebbero aver perso la speranza che l’adattamento televisivo di
The Walking Dead menzionasse mai Jeffrey Grimes, la
terza stagione di Daryl Dixon ha finalmente riconosciuto
la sua esistenza. Sorprendentemente, però, non è stato Rick a
menzionare suo fratello; invece, Carol ha indirettamente tirato in
ballo il membro dimenticato della famiglia Grimes durante una
conversazione con Antonio in “El Sacrificio”.
Con la ferita alla spalla di Carol,
riportata nella premiere, non ancora completamente guarita, Antonio
si offre di cambiarle la fasciatura poiché sta sanguinando di
nuovo, e questo porta i due a chiacchierare e a conoscersi meglio.
Essendo spagnolo, Antonio alla fine menziona Barcellona, e Carol
risponde: “Barcellona? Ho un amico il cui fratello viveva lì,
prima”.
Dato che Jeffrey era in Spagna
durante l’apocalisse nella sua unica apparizione nel fumetto,
sembra certo che Carol si riferisse a lui. Anche se non abbiamo mai
sentito Rick menzionarlo, è chiaro che a un certo punto deve aver
parlato al gruppo di suo fratello, motivo per cui Carol ha detto di
conoscere qualcuno in Spagna.
Inoltre, non ha molto senso che
altri sopravvissuti abbiano familiari a Barcellona, dato che la
serie non ha mai indicato che qualcun altro abbia legami con la
città europea. Pertanto, il riferimento a Jeffrey Grimes nella
stagione 3 di Daryl Dixon rappresenta una ricompensa tanto
attesa per i fan che hanno atteso con impazienza l’introduzione del
personaggio per quasi un decennio.
Jeffrey Grimes è ancora vivo
nell’universo televisivo di The Walking Dead?
Purtroppo, Jeffrey subisce una
tragica fine nel materiale originale, poiché viene morso da un
vagante mentre è in viaggio verso gli Stati Uniti, ma non è chiaro
se il suo omologo televisivo condivida lo stesso destino. Sebbene
abbiamo avuto il nostro primo accenno al personaggio, c’è ben poco
che indichi se sia vivo o morto, a parte la singola battuta di
Carol.
Il suo tono è relativamente cupo e
il fatto che abbia usato il verbo “viveva” invece di “vive”
potrebbe suggerire che Jeffrey sia già morto nell’universo
televisivo. Detto questo, se si trovava in Spagna quando è
scoppiata l’epidemia, è difficile immaginare che la notizia della
sua morte sia arrivata negli Stati Uniti, il che significa che Rick
probabilmente non sa cosa sia successo a suo fratello.
Ciò significa che il destino di
Jeffrey è ancora completamente incerto e, a meno che non venga
introdotto in qualche modo, sia come personaggio vivente che
attraverso un flashback, probabilmente rimarrà tale. Tuttavia, ora
che The Walking Dead ha ufficialmente smesso di ignorare il
fratello di Rick, c’è una piccola possibilità che compaia in
futuro.
Il momento potrebbe sembrare
strano, dato che non è chiaro se Andrew Lincoln tornerà mai più nei
panni di Rick, ma con Daryl Dixon che menziona Jeffrey per
la prima volta nei 15 anni di storia dell’universo televisivo, i
fan possono essere ottimisti sul fatto che sia ancora vivo da
qualche parte, e potremmo persino vederlo a un certo punto durante
lo spin-off di Daryl.
Vedremo mai Jeffrey Grimes
apparire sullo schermo?
Ora che Jeffrey fa ufficialmente
parte del canone della serie TV The Walking Dead, la vera
domanda è se lo vedremo apparire sullo schermo o meno. L’idea che
il fratello di Rick interagisca con alcuni dei sopravvissuti più
iconici della serie è sicuramente allettante, ed è difficile non
entusiasmarsi all’idea, ma non è del tutto realistica.
Il suo ruolo nei fumetti era
minuscolo, con il personaggio che appariva in un numero unico
intitolato The Walking Dead: The Alien. Sebbene sia canonico per l’universo dei
fumetti, The Alien non è affatto fondamentale per la storia
complessiva, il che suggerisce che nemmeno Jeffrey lo sia,
nonostante sia imparentato con il protagonista principale.
Inoltre, anche se sarebbe bello
vedere Rick Grimes ricongiungersi con Jeffrey, i suoi incontri con
Daryl, Negan, Morgan e molti altri personaggi sembrano molto più
importanti. Di conseguenza, inserire Jeffrey nella narrazione ora e
trasformarlo in un sopravvissuto chiave non solo sembra troppo
tardi, ma non è nemmeno la storia di cui Rick ha bisogno se dovesse
tornare.
Tuttavia, nonostante sembri
improbabile, il fatto che Daryl Dixon si trovi in Spagna
rende possibile il debutto sullo schermo di Jeffrey. Per lo meno,
dà a The Walking Dead la possibilità di spiegare cosa
gli è successo, e il fatto che Daryl apprenda questa informazione e
la riporti a Rick renderebbe il loro tanto atteso ricongiungimento
ancora più emozionante.
Nel complesso, l’apparizione di
Jeffrey Grimes potrebbe ancora essere possibile nonostante il lungo
tempo che il franchise ha atteso, ma sembra più probabile che il
riferimento fosse più per placare i fan, piuttosto che l’inizio di
una trama importante.
All’inizio di quest’anno,
I Peccatori (Sinners) di Ryan Coogler è stato
accolto con grande successo dalla critica e dal pubblico. Il film
horror vede Michael B. Jordan nei panni dei
gemelli Elijah “Smoke” Moore ed Elias “Stack” Moore, due veterani
che trasformano una vecchia segheria in un locale dove divertirsi.
Le cose prendono una piega inaspettata per i fratelli quando arriva
il vampiro irlandese Remmick (Jack O’Connell).
Il resto del cast di I
Peccatori (Sinners) include Miles Caton,
Hailee Steinfeld, Wunmi Mosaku e Delroy
Lindo. Il film ha riscosso un successo travolgente con un
punteggio della critica del 97% e un punteggio del pubblico del 96%
su Rotten Tomatoes. Allo stesso modo, ha ottenuto buoni risultati
dal punto di vista finanziario, incassando 366,7 milioni di dollari
in tutto il mondo. I Peccatori (Sinners)è
stato così popolare e ben accolto che ha persino ricevuto alcune
candidature agli Oscar.
Al momento della conclusione della
sua programmazione nelle sale, I Peccatori
(Sinners) era il film horror di maggior incasso del
2025. Tuttavia, un nuovo contendente lo ha superato al
botteghino.
Un altro film horror ha
strappato a Sinners il titolo di film horror di maggior incasso del
2025
Uscito il 3 settembre 2025,
The
Conjuring: Il Rito Finale è stato un vero e proprio
fenomeno al botteghino, diventando
il film di maggior incasso della serie. Tuttavia, la sua
accoglienza è stata più contrastante rispetto a quella di
Sinners. Il punteggio del pubblico è stato un rispettabile
78%, mentre quello della critica è stato più basso, pari al
59%.
Con Patrick Wilson e Vera
Farmiga, il film ha incassato 84 milioni di dollari sul
mercato interno, a fronte di un budget di 55 milioni, ottenendo un
successo finanziario immediato. Ora, al 21 settembre, ha raggiunto
circa 400 milioni di dollari in tutto il mondo.
In questo modo, ha superato I
Peccatori (Sinners), ma analizzando i rispettivi
incassi al botteghino emergono alcuni dettagli interessanti. I
Peccatori (Sinners) ha incassato il 76% (278,6 milioni
di dollari) del suo box office solo sul mercato interno. In
confronto, Il Rito Finale ha incassato il 37,8% (151,2
milioni di dollari) sul mercato interno e il 62,2% (248,8 milioni
di dollari) in tutto il mondo, il che significa che il suo appeal
globale sta aumentando i suoi numeri.
Tom
Holland ha subito un infortunio sul set di
Spider-Man: Brand New Day.
Il prossimo capitolo della saga dedicata al supereroe ha già
suscitato grande interesse per il suo cast, il nuovo costume di
Spider-Man, le nuove location e le sue ambizioni. Il pubblico
attende con impazienza il prossimo capitolo, con Spider-Man:
Brand New Day in uscita il 31 luglio 2026.
Come riportato da Deadline, le riprese del prossimo film di
Spider-Man sono state interrotte dopo che
TomHolland è stato brevemente ricoverato in
ospedale e curato per una lieve commozione cerebrale a Glasgow.
Fonti hanno confermato che nessun altro è rimasto coinvolto
nell’incidente e, mentre Holland dovrebbe tornare sul set tra pochi
giorni, è prevista per domani una riunione per modificare i
piani di ripresa.
Secondo The Sun, l’infortunio di Holland è stato causato da
un’acrobazia andata male. Diretto da Destin Daniel
Cretton, il film è un ritorno al “cinema vecchio stile”,
con location reali e acrobazie.
Quando le riprese sono iniziate in
Scozia il mese scorso, Holland avrebbe dichiarato di essere “al
settimo cielo ed entusiasta” di girare in esterni dopo che il
film precedente era stato girato interamente in studio.
Cosa significa questo per
Spider-Man: Brand New Day
Tom Holland in costume per Spider-Man: Brand New Day
Anche prima di questo incidente,
Brand New Day si preannunciava come un’importante
aggiunta al roster Sony/MarvelSpider-Man. La
promessa di riportare Peter Parker alle sue origini, affrontando
sfide a livello di strada, girando in location reali e
riconnettendosi con i vecchi alleati, ha dato al pubblico la
speranza di un ritorno alle origini del personaggio di
Spider-Man.
L’infortunio di Holland sottolinea
quanto sia pericoloso e ambizioso realizzare film di questo
calibro. Le acrobazie che combinano effetti pratici con sequenze
d’azione ad alta intensità richiedono precisione e comportano
rischi reali, anche con protocolli di sicurezza in atto. Questo
ricorda al pubblico che i film sui supereroi non sono solo
spettacoli in CGI e che attori come Holland rischiano infortuni per
garantire autenticità.
Questo tipo di infortunio non è
senza precedenti nelle produzioni ricche di azione, ma richiede una
gestione attenta, che include la programmazione dei turni, la
possibile riprogettazione delle acrobazie e la garanzia non solo
della sicurezza di Holland, ma di tutta la squadra di
stuntman.
Il thriller fantascientifico
Elizabeth Harvest inizia con una coppia di
sposini, Henry (Ciarán Hinds) ed Elizabeth
(Abbey
Lee), nel giorno del loro matrimonio. Arrivano a casa
e vengono accolti dalla governante Claire (Carla
Gugino) e dal figlio adulto cieco di Henry, Oliver
(Matthew Beard). Dopo aver fatto l’amore e aver visitato la
sontuosa tenuta, Elizabeth viene accolta nella sua nuova vita, ma
le viene detto che non deve entrare in una stanza in
particolare.
Alla fine, sopraffatta dalla noia e
dalla curiosità mentre Henry è al lavoro, esplora lo spazio
proibito e scopre dei cloni di se stessa in vasche criogeniche.
Quando suo marito si rende conto che il suo segreto è stato
scoperto, la uccide e ricomincia l’esperienza con un altro clone in
un altro giorno di nozze, esattamente come prima. Com’era
prevedibile, gli stessi eventi si ripetono e Henry cerca ancora una
volta di uccidere Elizabeth per la sua disobbedienza dopo che lei
ha trovato le sue copie. Tuttavia, questa volta lei riesce ad avere
la meglio e lo uccide per legittima difesa.
Dopo la morte di Henry, Claire ha
un infarto e viene portata d’urgenza in ospedale. Oliver approfitta
della situazione, imprigionando Elizabeth in casa e spiegandole che
lei è la quinta di una serie di sei cloni della defunta moglie di
Henry. Poi la costringe a leggere il diario di Claire, che racconta
l’intera storia.
Il vero scopo di Henry non è
riportare in vita sua moglie
Sebbene inizialmente sembri che il
motivo per cui Henry ha creato i cloni sia quello di riportare in
vita la sua defunta moglie, tutto ciò che vuole è rivivere la sua
prima notte di nozze e uccidere la sua sposa. Spiega che i
duplicati che produce non sono realmente sua moglie, ma solo delle
povere imitazioni che non potrebbero mai sostituire veramente la
sua consorte. Gli sembrano reali solo quando sta per ucciderli, e
continua questa catena di eventi per recuperare un piccolo pezzo di
ciò che ha perso.
Queste copie gli hanno permesso di
commettere omicidi senza dover affrontare le conseguenze della
legge o della sua coscienza. Non prova alcun senso di colpa per ciò
che ha fatto perché giustifica il fatto che coloro che ha distrutto
non sono mai stati veramente vivi. Trae una sorta di piacere
carnale dalla loro esecuzione, simile all’eccitazione che prova
durante la loro prima notte di nozze, e quindi ripete il processo
più e più volte per il proprio piacere malato.
Sebbene non lo vediamo sullo
schermo, si può presumere che abbia ucciso anche i primi due cloni
prima dell’arrivo di Claire. Abbiamo prove sufficienti per
suggerire che abbia soffocato il terzo con un cuscino, e la nostra
storia inizia con l’omicidio della quarta versione. È solo quando
la quinta Elizabeth ribalta la situazione che lui riceve finalmente
la punizione che merita per il ciclo omicida che ha perpetuato con
tanto piacere.
Oliver non è il figlio di Henry,
ma solo un altro clone
Viene poi alla luce che Oliver non
è in realtà il figlio di Henry, ma un suo clone. Inizialmente aveva
creato questa copia di se stesso nel caso in cui la sua sposa fosse
insoddisfatta del suo corpo invecchiato e volesse la versione più
giovane di cui si era innamorata all’inizio. Tuttavia, a un certo
punto, Henry è diventato possessivo nei confronti dei duplicati di
sua moglie e ha accecato Oliver per non dover condividere le sue
creazioni con nessun altro. Sono solo il suo ego e la sua
presunzione a impedirgli di uccidere anche Oliver, perché
significherebbe uccidere una parte di sé stesso.
Henry non considera i cloni come
esseri veramente vivi, quindi è logico che anche Oliver (la stessa
persona) abbia le stesse convinzioni. Ciò significa che quando
inizia a sospettare di essere lui stesso un clone, il pensiero gli
è ripugnante. Intrappola la quinta Elizabeth e le fa leggere il
diario di Claire per confermare i suoi sospetti sulle sue origini.
Oltre ad avere la stessa attrazione per Elizabeth di Henry, ha
anche la stessa vena sadica e non ha alcun problema etico nel
manipolare il sesto e ultimo clone affinché lo ami e uccida l’altra
copia.
Confusa dalle bugie e dalle
manipolazioni di Oliver, l’ultimo clone uccide accidentalmente
Oliver e ferisce mortalmente la quinta versione di se stessa mentre
cerca di fuggire. Con il suo ultimo respiro, la quinta Elizabeth
dice alla versione sopravvissuta di leggere il diario di Claire e
scoprire la verità da sola.
A differenza di Henry, che nutre un
grande odio verso se stesso ed è crudele e vendicativo nei
confronti del proprio clone, Elizabeth si prende cura e simpatizza
con le sue copie perché crede che loro (e lei stessa) siano vittime
innocenti delle loro bizzarre circostanze. Non è dispettosa o
arrabbiata per essere stata uccisa perché sa che la sesta Elizabeth
ha fatto esattamente ciò che lei stessa avrebbe fatto nella stessa
situazione, come dichiara al clone nel film: “Tu ed io siamo
uguali”.
Dopo aver finalmente compreso la
verità, la sesta e ultima Elizabeth lascia la casa per iniziare una
nuova vita. Non più soggetta alle bugie o alle manipolazioni degli
altri, abbraccia il mondo reale, così come la realtà della sua
esistenza, dichiarando di essere finalmente “sveglia”.