Mundo Invisivel è un film collettivo che raggruppa importanti registi mondiali mettendoli alla prova del racconto di quella parte di mondo che spesso non si vede con un tocco artistico: il submondo del centro di una grande città, un gatto nero nel cimitero, indios nel giardino della città, la tecnologia ed il ritmo incessante della metropoli, l’arte dell’attore, la spiritualità della favela, un cameriere di un albergo di lusso, un elogio alla pazzia tra la vita e la morte, un tributo al pubblico del cinema, le sfide della visione residuale, un genocidio nascosto.

Si tratta di cortometraggi la cui durata varia dai 3 ai 15 minuti, e per realizzare i quali sono stati chiamati nomi importanti come Wenders, Egoyan, De Oliveira e il compianto Theo Anghelopolous.

I cortometraggio sono tutti ambientati in Brasile, nella città di San Paolo in particolare, ad eccezione del corto di Atom Egoyan, che però  torna in Brasile dopo aver raccontato dell’invisibilità del genocidio armeno, con un artificio del racconto.

L’idea di questo film collettivo è venuta a Leon Cakoff, siriano naturalizzato brasiliano, critico cinematografico, che ha iniziato a ragionare sul concetto di invisibilità, sia come malattia, ossia della impossibilità del vedere, sia come posizione sociale, del non essere visto.

Da qui, quindi lo sguardo dei registi si è posato anche in maniera ironica sulle difficoltà di interazione del mondo moderno: De Oliveira ad esempio, ironizza sul caos tecnologico delle metropoli, raccontando la storia di due amici che escono insieme, ma che, per parlarsi, sono costretti a telefonare l’uno all’altro per superare il caos cittadino. O invece come Wenders, che focalizza l’invisibilità sul non vedere, portando il suo sguardo sul lavoro di alcuni medici che ridanno la vista ai bambini nati con delle problematiche alla vista.

Mundo Invisivel allo stesso tempo vero e poetico, che interpreta la posizione dell’uomo nel mondo spesso caotico e distratto.

Presentato fuori concorso alle settima edizione del Festival Internazionale del Film di Roma, Tom Le Cancre di Manuel Pradal, regista di Maria della Baia degli Angeli (presentato a Venezia nel 1997), è un film dall’apprezzabile grazia a livello tecnico e di trama, che si distingue per  le deliziose interpretazione dei giovanissimi protagonisti.

A metà tra Peter Pan e il Lucignolo di Pinocchio, Tom il Somaro ci porta con Tom Le Cancre alla scoperta di quello che è – perdonate l’insistenza con le favole – un misto tra il paese delle meraviglie e quello dei balocchi. Portando con sé gli spettatori, una classe di bambini di 5 anni sostituisce paradossalmente la maestra, svenuta nel bel mezzo di una gita a causa di una bacca velenosa, con un.. somaro: Tom che di andare a scuola ha smesso prestissimo e vive tra i boschi, solo. Totalmente smarriti, i bambini si mettono al servizio del somaro, che non li lascerà tornare a casa fino a quando non avranno dimenticato tutto ciò che hanno imparato a scuola.

Tom Le Cancre, il film

A parte questo, tuttavia, dopo i primi fuocherelli di entusiasmo e dopo una brillante prima parte, con dialoghi a dir poco esilaranti tra i bambini che si trovano in una situazione di autogestione, comincia a perdere di ritmo, protraendosi noioso e ridondante per novanta minuti che, per quanto possano sembrare pochi, risultano essere anche  troppi.

Tolto il tentativo non riuscito di mettere d’accordo grandi e piccini, Tom le Cancre resta un’opera collocabile in una categoria ben precisa, d’intrattenimento di qualità per i più piccoli. Di particolare interesse il personaggio che dà il titolo al film, la cui indole più profonda resta un’incognita dall’inizio alla fine: il ragazzo sembra oscillare tra l’egoismo di chi se l’è sempre cavata da solo e l’altruismo incerto e goffo di chi occasioni per essere ‘più buono’  in fondo non ne ha mai avute.

Una complessità che sarebbe stata interessante approfondire e che avrebbe forse dato più impatto al film ma che, evidentemente, è stata sacrificata a causa degli altri due personaggi principali, ai quali sembra dedicata un’attenzione superflua. Tuttavia quella di dare rilievo ad alcune situazione piuttosto che ad altre, resta una scelta comprensibile nell’ambito di un film destinato al pubblico giovanissimo.

In Eterno ritorno: provini un uomo incontra dopo anni una sua vecchia amica per chiederle un consiglio sentimentale; deve scegliere tra due donne che pensa di amare allo stesso modo. Così anche un secondo, e un terzo. In realtà si tratta solo di provini, che un regista sta mostrando ad un possibile finanziatore per farsi produrre il film.

Il titolo del film di Kira Muratova, icona del cinema prima sovietico e ora ucraino è già di per sé evocativo: Eterno ritorno, che, privo della specifica successiva, ossia i due punti :Provini, lascerebbe alla resistenza del pubblico in sala la comprensione della pellicola stessa.

Eterno ritorno: provini, il film

La regista, essenzialmente,  mette in scena la stessa sequenza con le stesse battute, ma con attori diversi, ponendo quindi in crisi quella che è l’essenzialità del cinema: creare la finzione e la “sospensione dell’incredulità” (che oltretutto è anche il titolo di un film in concorso in un’altra sezione del Festival) che è la spina dorsale della settima arte, l’immedesimazione con il personaggio sullo schermo, in questo caso eternamente interrotta dalla ripetizione e dal cambio di attore.

Come un mago che fa vedere dove è nascosto il coniglio che esce dal cappello, la Muratova mette in scena il filmico, lasciando che il profilmico, ossia la storia d’amore o di amicizia passi in secondo piano.

Un film quindi da un lato sperimentale, dall’altro un omaggio all’arte cinematografica, e al mestiere dell’attore in particolare, che mette in scena il lavoro che c’è per la realizzazione di un film: ripetizione, ricerca, determinazione nel produrre qualcosa e lunghi tempi ripetitivi a volte noiosi, che tolgono il glamour ad un lavoro spesso solo associato al red carpet.

Sicuramente una dichiarazione d’amore per il cinema per questa regista, Orso d’oro a Berlino nel 1990, realizzatrice di film complessi, da festival e da tarda serata  televisiva, magari durante Fuori Orario; la regista è infatti molto amata da Enrico Ghezzi, ma il film è anche un esperimento antropologico; la regista spiega infatti che ogni coppia di attori realizzava la scena in maniera diversa, creando atmosfere diverse, si sarebbe potuti andare avanti all’infinito. Giustamente, però, per la sanità mentale di tutti, la pellicola si ferma alle due ore.

Al Festival Internazionale del film di Roma 2012, arriva un’altra leggenda del cinema asiatico, stiamo parlando del maestro dell’action Johnnie To. Infatti, è l’ultimo lavoro del regista di Honk Kong, Drug War, il secondo film a sorpresa in concorso all’edizione 2012 del Festival Internazionale del film di Roma diretta da Marco Mueller.

La pellicola intitolata Drug War racconta di Ming, cinico trafficante di droga, che si schianta in auto contro un negozio dopo l’esplosione del suo laboratorio dove si fabbrica eroina. Si salva la vita, ma ha la moglie e il cognato bloccati dentro la fabbrica. Lei, funzionario di polizia intelligente e attento, prova a rintracciare gli altri criminali offrendo a Ming l’opportunità di ridurre la pena detentiva. Ming decide di aiutarlo, tradendo tutti i suoi fratelli, ma all’ultimo minuto… Un viaggio all’interno del labirinto di mafia e traffici illegali, il primo film cinese che osa parlare apertamente di droga.

Drug War, il film

Drug War dispiega gran parte degli elementi più iconici del cinema di Johnnie To che negli anni è diventato un grande specialista del poliziesco e del Noir, riuscendo a incasellare con una certa continuità i suoi film fra le migliori performace d’azione degli ultimi decenni, ricevendo il doveroso riconoscimento sia dal pubblico che dalla critica. Nonostante ciò Drug War rappresenterà forse un bivio per l’autore asiatico che qui per la prima volta rinuncia a virtuosismi e all’attenzione maniacale per l’estetica e la regia a favore della narrazione e soprattutto della recitazioni. Infatti, nell’evolversi della storia la pellicola si dimostra un film di recitazione e di avvenimenti più che di sequenze e di regia; cosa che forse avviene per la prima volta nella filmografia del regista, tanto da relegarsi troppo a semplice narratore e perdendo quel qualcosa in più che contraddistingueva i suoi film.

Il risultato è si un ottimo film di genere che fa della recitazione e della storia la sua vocazione principale ma che, anche per questo motivo, a molti potrà sembrare un po’ semplicistico e forse un po’ piatto. In ogni caso, rimane comunque un coraggioso affresco del problema della droga che attanaglia anche la Cina e il continente asiatico. Un racconto sincero e veritiero di questo male ormai incurabile che affligge le esistenze di questo mondo. Nota estremamente positiva è la sequenza finale colma di tensione e di proiettili impazziti, che non sarà certo una delle migliori sequenze nella filmografia del regista, ma che certamente farà felici gli amanti del genere.

A quattro anni di distanza dall’esordio nel lungometraggio Pippo Mezzapesa torna al documentario raccontandoci di nuovo un po’ della vita di Pinuccio Lovero, in Pinuccio Lovero – Yes I Can. Il bitontino con il sogno di diventare “custode al livello cimiteriale” decide di scendere in politica e candidarsi alle elezioni amministrative nella sua città.  Lo sguardo di Mezzapesa riprende senza fronzoli la singolare campagna elettorale di Pinuccio, convinto che la notorietà guadagnata con il documentario di qualche anno prima (presentato anche al Festival di Venezia nel 2008) possa aiutarlo a racimolare i voti necessari a diventare consigliere comunale nelle liste di SEL.

Inizia così una divertente ed ingenua propaganda al suo programma, tutto incentrato sulla rivalutazione e il miglioramento del servizio cimiteriale del comune. Ma non si racconta solo questo: l’occhio del regista insiste anche e soprattutto sulla persona di Pinuccio, sui suoi rapporti personali, le sue aspirazioni, i suoi sogni. Persona semplice e poco istruita, ma perfettamente consapevole di esserlo, caratterizzato da un ascendente particolare sulle persone che porta immediatamente ad una forte empatia, deciso e sicuro nei suoi obbiettivi, spesso al limite dell’ingenuità, si muove tra le aspirazioni politiche, la serietà con cui tiene fede al suo incarico di necroforo e la vita di coppia con la donna che presto porterà all’altare. In un sud fortemente caratterizzato (la maggior parte del film è in dialetto, per il quale sono stati necessari i sottotitoli), inondato da una luce calda e splendente, il ritratto di Pinuccio si fa assolutamente veritiero e fluido nel racconto. L’impressione documentaria è presente ma non estraniante, pur riprendendo dal vero non si nota la punta di freddezza che spesso i documentari, per costituzione o per precise scelte artistiche, restituiscono. Lo sguardo del regista è assolutamente neutrale di fronte ai fatti raccontati, così neutrale da non farci comprendere le sue reali intenzioni narrative.

Non ci si rende conto, insomma, se la volontà di Mezzapesa sia quella di rivalutare Lovero svalutando la politica o viceversa: la carrellata di personaggi, strampalati e quasi irreali, che ci vengono presentati come avversari di Pinuccio non aiuta certo a chiarire il dubbio. Questo personaggio a tratti epico (impressione rafforzata dalle bellissime musiche di Gabriele Panico) e a tratti ridicolo senza la cognizione di esserlo, diverte ed attrae, inorgoglisce e provoca compassione senza però dare modo di capire quale dei due sentimenti ha la meglio. C’è ancora da capire se questo sia un punto di forza o meno della regia di Mezzapesa.

I fratelli Gabriel e Alan Polsky portano al cinema il romanzo The Motel Life di Willy Vaultin, con l’omonimo film interpretato da Emile Hirsch, Stephen Dorff e Dakota Fanning.

Il film, ambientato a Reno nel Nevada, racconta la storia di due fratelli, Frank e Jerry Lee, diventati prematuramente orfani e cresciuti affidandosi l’uno all’altro con la speranza di abbandonare i propri problemi nella città natia e lasciarla per posti nuovi e migliori. Quando però Jerry Lee (Dorff) causa un incidente mortale, lui e Frank (Hirsch) devono scegliere se rimanere e affrontare le conseguenze di ciò che è successo, oppure scappare e affrontare una nuova vita. Il film ci racconta una storia di redenzione e di sofferenza, di sconfitta e di voglia di non affondare, attraverso qualsiasi mezzo, passando anche per il tentativo disperato dell’autodistruzione.

The Motel Life racconta la vita da motel, per definizione triste e instabile, in cui i due fratelli si trovano immersi e dalla quale sembrano non poter uscire se non attraversando prima l’inferno che li separa da una vita non tanto serena ma almeno priva della costante incertezza per il domani. Ad interpretare i due fratelli, come detto, ci sono Emile Hirsch e Stephen Dorff. Il primo ormai non ha più bisogno di presentazioni, avendo dimostrato in più occasioni, e ultimamente nel film di Castellitto, Venuto al Mondo, che le sue capacità di attore stanno crescendo di giorno in giorno, con una naturalezza e una convinzione che fanno sperare di avere a che fare con uno dei migliori attori della sua generazione. Dal canto suo, Dorff offre una performance sbalorditiva, riuscendo a coniugare fragilità e rabbia facendo dimenticare al pubblico che il suo personaggio è menomato fisicamente, fatta eccezione per le scene in cui gli serve un aiuto fisico da parte del fratello.

Vera chicca del film sono le sequenze animate: a più riprese Frank racconta delle storie a Jerry Lee, storie di loro due che affrontano i nazisti e incontrano donne bellissime, storie violente e fantastiche, quasi tutte tragiche, che prendono vita sullo schermo attraverso delle animazioni grezze ma efficaci, perfettamente inserite nel processo narrativo del film, e che ricordano la precarietà dell’esistenza che portano avanti i due fratelli. L’elemento artistico viene affidato proprio a Jerry Lee, che disegna di continuo personaggi veri e inventati, raccontando quasi in terza persona quello che sta capitando a lui. Questa capacità artistica del personaggi ne aumenta il fascino e la contraddizione, innalzandolo ad un livello molto alto di drammatizzazione.

La regia, dal canto suo, racconta con estrema verità e sensibilità una natura violenta e ostile, una umanità varia, cattiva ma anche capace di grande coraggio e bontà, personaggi affascinanti, disperati ma che alla fine, nell’abbandono più totale, trovano la loro via di salvezza. The Motel Life, presentato in Concorso all’ultimo Festival di Roma, è un piccolo film dalla grande anima, con interpreti superbi.

Presentato Fuori Concorso alla settima edizione del Festival Internazionale del Film di Roma, il nuovo film di Marjane Satrapi, regista del sorprendente Persepolis, si colloca sin da subito in un universo “alieno” da quello festivaliero.

Quello che rende La Bande Des Jotas un unicum è il mettere lo spettatore davanti ad una situazione così surreale che, una volta usciti dalla sala, non si può far a meno di urlare “al genio”, per la bravura della Satrapi non solo in quanto regista, sceneggiatrice e costumista, ma soprattutto in quanto attrice.

Nei panni della protagonista senza nome, Marjane Satrapi, approfitta con grande abilità di uno scambio casuale (o forse no) di valigie, per mettersi a capo di un trio improbabile e guidarlo senza alcuna difficoltà a commettere una serie di omicidi ‘on the road’, motivati da una presunta ‘leggittima difesa’ riguardo la quale gli altri due personaggi non si danno la pena di indagare, accettando senza alcuna difficoltà di essere i sicari di una donna della quale non conoscono neanche il nome, in cambio di vitto e alloggio.

Quasi fosse un racconto in fase di scrittura, il film trova il suo motivo di esistere nelle parole della “femme”, che disegnano non solo la mappa del viaggio del trio, ma anche la serie di situazioni assurde che si creano quasi dal nulla, come se lo spazio dell’inquadratura fosse una tela bianca, pronta a diventare qualsiasi cosa.

Il fatto che la regista e la protagonista coincidano nella stessa persona non  è  un caso poiché, di fatto, siamo davanti ad un ‘making of’, dove personaggi e persone coincidono alla perfezione : i due improvvisati sicari sono realmente gli attori-marionetta della regista, che disegna per loro gli spazi destinati ad azioni che non hanno in sè alcuna motivazione, se non quella di essere scritte nel copione, tanto che viene da pensare che il film si sarebbe tranquillamente potuto svolgere in un’unica stanza o su un palco scenico.

La Bande Des Jotas in sé non presenta particolari meriti tecnici, “solo” un personaggio fortissimo , dialoghi riusciti perfettamente e quel gusto per il grottesco che non guasta: il necessario per assicurarsi che un film sia memorabile. In sostanza la Satrapi realizza una pellicola estremamente originale, ma, probabilmente, fruibile a pieno solo da una fascia ristretta di pubblico.

Arriva al cinema Il Sospetto, l’acclamato film di Thomas Vinterberg, con Mads Mikkelsen e Thomas Bo Larsen. 

Una piccola comunità nel cuore della Danimarca. Gente pacifica, cordiale, rispettosa dei valori e dei sentimenti. Un luogo dove amicizia, amore, gentilezza e mutuo aiuto sembrano avere un significato vero, profondo. E’ qui che vive Lucas (Mads Mikkelsen), un ex-insegnante reimpiegato come maestro d’asilo, con un divorzio alle spalle e un rapporto difficile col figlio lontano.  L’appoggio e la comprensione dei suoi compaesani, soprattutto del suo migliore amico, Theo (Thomas Bo Larsen) sono ciò che gli permette di tirare avanti e di sorridere alla vita.

All’asilo i bambini lo adorano e la sua dolcezza naturale fa in modo che anche Nadia, una collega, si innamori di lui. Appena la vita di Lucas sembra riacquistare un senso, complice la decisione del figlio di trasferirsi a casa sua, una bambina della scuola, Klara (Annika Wedderkopp), racconta alla direttrice dell’istituto di essere stata molestata da lui.

La menzogna, appena accennata e subito ritirata, si innesta però come un virus nella mente della donna che, senza nemmeno interpellarlo, licenzia Lucas su due piedi e informa tutti i genitori dell’accaduto. E l’insegnante, quasi inconsapevole di ciò che gli sta accadendo, si trova ad affrontare un calvario, fatto di occhiatacce e minacce da parte dei suoi stessi amici, che lentamente si intensifica fino a sfociare nella violenza fisica.

Il Sospetto, il film

Il Sospetto, ultima fatica del regista co-fondatore del movimento Dogma, Thomas Vinterberg, pone al suo centro un’azione apparentemente minuscola, una confessione di pochi secondi di una bambina di quattro anni, e mostra come, al pari di un sassolino gettato in uno specchio d’acqua, questa azione scateni delle reazioni enormi non solo nelle persone che la circondano, ma in tutti gli abitanti della comunità.

Vinterberg, magistralmente, porta al cinema la forza con cui una menzogna può insinuarsi nella mente e trasformare persone perbene in mostri disumani che ignorano la giustizia e accusano ciecamente, senza sapere e senza pensare, distruggendo così la vita di un uomo, Lucas, che giorno per giorno vede la sua esistenza andare a pezzi, sgretolarsi, scomparire.

La macchina da presa, vicinissima ai personaggi, cattura ogni espressione facciale, ogni cambio d’umore, ogni battito di ciglia. Cerca quasi di carpire i pensieri di Lucas, sempre più solo e sempre più disperato, la superficialità e la vitalità di Klara, troppo piccola per capire cos’ha scatenato la sua bugia, l’acredine e l’incredulità di Theo, amico fraterno confuso, incapace di giudicare, perso, e soprattutto l’ottusità delle persone che agiscono senza farsi domande, ignorando la verità.

La luce della Danimarca, calda e fredda allo stesso tempo, la perfezione della sceneggiatura (firmata da Tobias Lindholm), contemporaneamente drammatica e rigorosa, la recitazione misurata, senza sbavature e l’occhio di un regista decisamente geniale, fanno de Il Sospetto uno dei più bei film degli ultimi anni.

In due ore Vinterberg riesce a toccare tutte le emozioni dell’anima umana senza una goccia di sentimentalismo. Una lezione di vita e di cinema. Straziante e superbo.