Jurassic Park è uno dei film più iconici e amati di tutti i tempi, ma ha apportato alcune modifiche significative rispetto al romanzo originale di Michael Crichton. Dagli effetti speciali rivoluzionari alla colonna sonora travolgente di John Williams, Jurassic Park rappresenta sia uno dei capolavori della prolifica carriera di Steven Spielberg, sia uno dei film di mostri/avventura più influenti mai realizzati. Ma come si confronta con il materiale originale e in cosa differiscono i due?

Quando Michael Crichton pubblicò Jurassic Park nel 1990, era già un nome importante nel panorama della fantascienza contemporanea. Il background di Crichton come medico e la sua vasta conoscenza delle scienze biologiche lo aiutarono a scrivere romanzi di successo come La varietà Andromeda (1969) e L’uomo terminale, oltre a libri più orientati all’horror come I mangiatori di morti (1976). Le sue opere di fantasia spesso traevano ispirazione dagli sviluppi scientifici dell’epoca, prendendo ciò che era recentemente diventato realtà e spingendosi un po’ più indietro nel regno della finzione. Jurassic Park è nato dalla stessa formula collaudata.

Sebbene il libro abbia avuto un grande successo e rimanga uno dei più popolari di Crichton, l’adattamento cinematografico di Spielberg uscito nelle sale tre anni dopo ha avuto un impatto culturale probabilmente ancora maggiore. Leggere dei dinosauri va benissimo, ma vederli sullo schermo è ancora qualcosa di straordinario. Tuttavia, la versione originale della storia di Crichton è un capolavoro di fantascienza e presenta alcune differenze significative rispetto alla versione cinematografica. Ovviamente, ci sono numerosi cambiamenti nella catena esatta degli eventi, nel modo in cui i personaggi si comportano (e se sopravvivono) e, in particolare, nei dinosauri che appaiono in Jurassic Park, il che crea un’esperienza e una storia diverse rispetto al film.

Il romanzo Jurassic Park ha più personaggi

Nel libro, Crichton adotta una struttura narrativa simile ad alcuni dei suoi altri romanzi, iniziando con l’ mostrare diverse persone in luoghi diversi che reagiscono a diverse parti di una misteriosa anomalia scientifica. Il libro si apre con una bambina in Costa Rica che viene attaccata da un Procompsognathus fuggito. La scena non appare nel primo film, anche se Il mondo perduto: Jurassic Park si apre con una scena molto simile. La bambina descrive la creatura come una strana lucertola, spingendo il biologo locale Dr. Marty Guitierrez a fare alcune ricerche. Guitierrez è un personaggio significativo, anche se appare solo brevemente, nel libro, comparendo nelle sezioni iniziali e finali, ma non compare affatto nel film.

Un altro personaggio importante del libro assente dal film è Ed Regis, responsabile delle pubbliche relazioni di Jurassic Park. Regis funge principalmente da yes-man di John Hammond nella storia, presentando una visione eccessivamente ottimistica del parco e andando immediatamente nel panico quando le cose iniziano ad andare male. Spaventato dagli abitanti fuggiti dal recinto dei T-Rex, Regis abbandona le auto del tour e tenta di fuggire, morendo in un luogo e in un modo simili a quelli dell’avvocato Donald Gennaro nella versione cinematografica.

Molti dei personaggi sono stati modificati in modo significativo

Mentre tutti gli altri personaggi principali di Crichton sono stati trasferiti nella versione cinematografica, molti di loro sono molto diversi. Ellie Sattler, ad esempio, è molto più giovane nel romanzo che nel film di Spielberg. Nel libro è una studentessa laureata in paleobotanica, piuttosto che una dottoressa a tutti gli effetti, e il suo rapporto con il dottor Alan Grant è più direttamente quello tra mentore e allieva. Grant è simile sotto molti aspetti, ma nella versione del libro è meno burbero e non detesta i bambini. Lex e Tim sono praticamente invertiti nelle due versioni: nel libro Tim è il fratello maggiore esperto di computer, mentre Lex è la sorella minore ossessionata dai dinosauri. Il dottor Henry Wu ha un ruolo molto più importante nel libro.

I cambiamenti più significativi riguardano John Hammond, il miliardario fondatore dell’intera impresa Jurassic Park. Nel film, Hammond è descritto come un anziano affascinante, adorabile e ben intenzionato, il cui desiderio di creare cose nuove e audaci supera la sua capacità di farlo. È in gran parte responsabile delle morti che avvengono nella storia, ma si pente anche della sua arroganza e trova una sorta di redenzione nel riconoscere il suo fallimento. La sua ultima inquadratura, mentre guarda il suo regno caduto prima di salire sull’elicottero per fuggire, è un momento potente e determinante.

Per cominciare, Ian Malcolm muore a causa delle ferite riportate nel romanzo, prima di essere effettivamente resuscitato in Il mondo perduto. Non è chiaro se Crichton avesse previsto che Malcolm rimanesse morto, ma alla fine del primo libro sembra chiaramente deceduto. Due delle morti descritte nel libro rimangono invariate: Nedry e Arnold, che muoiono più o meno allo stesso modo in entrambe le versioni. Nel romanzo, Muldoon e Gennaro sopravvivono entrambi all’isola, mentre il dottor Wu (che sopravvive fino a Jurassic World nei film) viene ucciso da un raptor. Ed Regis, il già citato responsabile delle pubbliche relazioni, muore in modo simile a Gennaro nel film.

Forse la differenza più notevole è che John Hammond muore nel romanzo. Dopo che l’energia elettrica è stata ripristinata e i dinosauri sono stati per lo più contenuti, Hammond dichiara la sua intenzione di andare avanti con l’apertura del parco e va a fare una passeggiata. Mentre è fuori, viene spaventato dalla registrazione del ruggito di un T-Rex che scambia per reale, cade da una collina enorme e viene divorato da un Procompsognathus. La sua morte rende il messaggio finale del libro molto diverso da quello del film: una storia in cui l’ambizione egoistica è una condanna inevitabile, piuttosto che una storia sulla natura affascinante ma impossibile del controllo.

I dinosauri tentano di fuggire nel romanzo Jurassic Park

Nel film di Spielberg, il pericolo principale è unico: i nostri eroi devono sopravvivere nel parco e trovare un modo per ripristinare l’energia elettrica. Nel romanzo, c’è un secondo livello di pressione temporale. La nave di rifornimento che lascia Isla Nublar durante la tempesta non viene più menzionata nel film, ma nel libro trasporta dei clandestini: diversi giovani raptor nascosti a bordo. Gran parte della fretta di ripristinare l’energia elettrica nella versione di Crichton è dovuta al fatto che i sopravvissuti devono contattare via radio la nave e convincerla a tornare indietro, prima di lasciare involontariamente fuggire i dinosauri sulla terraferma.

Il Jurassic Park viene distrutto nel romanzo

Il film Jurassic Park termina con il gruppo di sopravvissuti che fugge in elicottero, presumibilmente lasciando l’isola a distruggersi o a creare quello strano ordine naturale che si vede nei film successivi. Il libro termina in modo più drammatico, con l’aviazione costaricana che invia una squadra di bombardieri per distruggere Isla Nublar. È un momento potente e un bel tentativo di fermare la diffusione dei pericolosi dinosauri, ma alla fine non basta, poiché le ultime pagine di Jurassic Park rivelano che alcune creature sono riuscite a fuggire.

Il thriller erotico del 1992 Basic Instinct è iconico per una serie di motivi. Uno dei più notevoli è la straordinaria interpretazione di Sharon Stone nel ruolo di Catherine Tramell, l’affascinante e seducente scrittrice di gialli dalla “mente subdola e diabolica”. È stato questo ruolo a lanciare la Stone come star, anche se il film stesso è stato fonte di polemiche. Il film vede anche Michael Douglas nei panni di Nick Curran, il detective della omicidi dal carattere duro che ha anche lui i suoi scheletri nell’armadio. Jeanne Tripplehorn, George Dzundza, Leilani Sarelle e Wayne Knight completano il cast di supporto.

Diretto da Paul Verhoeven, Basic Instinct è un neo-noir moderno che ha dato vita a una delle femme fatale più famose del cinema. Il film è famoso per la scena dell’interrogatorio, in cui le gambe da un milione di dollari della Stone (tra le altre cose) vengono mostrate alla telecamera. Quella scena è la prima cosa che viene in mente alla maggior parte delle persone quando pensano al film, ma la seconda è probabilmente la scena finale con il grande colpo di scena. Sebbene il film sia uscito più di 30 anni fa, continua ad essere oggetto di discussione per una serie di motivi. Uno di questi è la confusione nella scena finale. Cosa che ci proponiamo qui di chiarire.

La trama di Basic Instinct

Basic Instinct inizia con il raccapricciante omicidio di un uomo da parte di una misteriosa bionda mentre i due stanno facendo sesso. Il detective Nick Curran (Douglas) interroga la scrittrice Catherine Trammel, ma lei sostiene di avere un alibi di ferro: perché avrebbe commesso un omicidio esattamente come quello descritto nel suo libro? È chiaro che qualcuno le sta tendendo una trappola. Sebbene Nick non creda affatto all’innocenza di Catherine, si infatuata rapidamente di lei. I due iniziano a dormire insieme, mentre Nick abbassa la guardia. Nel frattempo, Nick scopre che la psichiatra della polizia, la dottoressa Beth Garner (Tripplehorn), conosceva Catherine dai tempi del college.

Secondo Catherine, Beth era ossessionata da lei, al punto da cambiare il proprio aspetto per assomigliarle di più, anche se Beth sostiene che fosse il contrario. Beth avverte Nick che Catherine è una psicopatica manipolatrice, ma Nick è troppo preso da lei per darle ascolto. Man mano che gli omicidi si accumulano, Nick diventa ancora più determinato a trovare l’assassino. Le prove si accumulano e tutte sembrano indicare Beth come l’assassina. Quando il partner di Nick, Gus (George Dzundza), viene ucciso in un ascensore e Nick trova Beth sulla scena del crimine, le spara e la uccide, credendo che abbia una pistola. Si scopre che aveva solo un portachiavi in tasca, ma per quanto riguarda i detective, l’assassino è stato catturato e il caso è chiuso.

Cosa succede alla fine di Basic Instinct?

Nick torna a casa e trova Catherine, che aveva appena chiuso la relazione con lui quel giorno stesso. In lacrime, lei confessa di aver paura di avvicinarsi troppo a Nick perché tutte le persone a cui tiene muoiono. I due condividono un’altra scena d’amore bollente e, per un attimo, sembra che questa possa essere la fine per Nick. Fortunatamente, la loro parentesi romantica si conclude senza che nessuno venga pugnalato e i due si abbandonano a chiacchiere post-coito. Durante il loro momento post-coito insieme, Catherine chiede a Nick cosa riserva il futuro per loro due. Ricordando una conversazione precedente, Nick suggerisce di “scopare come visoni, crescere dei marmocchi e vivere felici e contenti”.

In un primo piano del viso di Catherine, vediamo la sua fronte corrugata e la sua mano che si allunga lentamente oltre il bordo del letto prima che lei dica di non amare i bambini. Nick rivedrà la sua affermazione per escludere l’idea dei figli, e tra i due calerà un momento di silenzio carico di tensione mentre la musica cresce. La mano di Catherine è nascosta dietro il letto mentre il pubblico trattiene il respiro, ma poi lei si protende e afferra Nick per un bacio appassionato. La tensione si allenta e ora Nick e Catherine possono avere il loro “lieto fine”. Tranne, ovviamente, che non è qui che finisce. Mentre gli amanti si abbandonano ancora una volta alla passione, la telecamera si sposta verso il basso per rivelare ciò che era rimasto nascosto sotto il letto per tutto il tempo: un rompighiaccio.

Il significato del finale di Basic Instinct

Durante le indagini di Nick su Catherine e sugli omicidi, è chiaro che Catherine non è una vittima innocente. È manipolatrice e astuta e ama giocare a giochi pericolosi, non solo con Nick e la polizia, ma con tutti quelli che la circondano. Si diverte nel suo gioco del gatto e del topo con il detective, dichiarandosi innocente anche mentre lascia intendere la sua colpevolezza. In due occasioni sfoggia un punteruolo da ghiaccio davanti a Nick, sapendo che lo stesso tipo di punteruolo è stato usato come arma del delitto. La conclusione a cui si giunge è che Catherine ha incastrato Beth per farla sembrare l’assassina.

Catherine ha raccontato a Nick che Beth era ossessionata da lei al college per fargli credere che fosse così, ma è più probabile che fosse il contrario, come sosteneva Beth. In realtà, Catherine ha probabilmente orchestrato tutto fin dall’inizio per vendicarsi del suo ex che l’aveva rifiutata tanti anni prima. Il fatto che Nick e Beth avessero una relazione e che Catherine avesse sedotto Nick proprio sotto il naso di Beth era solo la ciliegina sulla torta. Per quanto riguarda la scena finale del film, sembra che Catherine fosse pronta a far fuori anche Nick. Invece, quando Nick ritira la sua dichiarazione di voler vivere una vita tradizionale insieme, Catherine decide di lasciarlo restare ancora un po’.

Cosa succede a Nick e Catherine alla fine del film

Sebbene Nick Curran sia il protagonista di Basic Instinct, non sarebbe corretto definirlo un eroe. In realtà, ci sono momenti nel corso del film che lo descrivono come una persona decisamente terribile. Una volta ha ucciso due persone innocenti mentre era sotto copertura per un caso. Nick è stato scagionato da ogni accusa, ma l’incidente lo tormenta ancora. Come parte del suo ritorno in servizio, è tenuto a vedere la psichiatra della polizia, Beth Garner. I due finiscono per avere una relazione e Nick approfitta di questo rapporto affinché Beth gli permetta di tornare al lavoro. C’è anche una scena piuttosto inquietante in cui Nick va a casa di Beth per fare sesso con lei.

Nick diventa troppo violento con Beth contro la sua volontà e finisce per violentarla, e lei lo caccia via il giorno dopo. Anche quando Nick inizia una relazione con Catherine, continua a illudere Beth. L’ossessione di Nick per Catherine non è solo perché è una donna carismatica, ma perché i due condividono le stesse tendenze oscure. Catherine rimprovera Nick di essere un assassino e un tossicodipendente, ed è proprio il senso di pericolo che lui percepisce in lei che Nick trova eccitante. Anche se è possibile che nel profondo sappia che Catherine è colpevole, è disposto a vivere nell’ignoranza beata se questo significa poter continuare a vederla.

Catherine Tramell è invece molte cose: narcisista, manipolatrice, seduttrice e, soprattutto, un mistero. Quando viene presentata per la prima volta in “Basic Instinct”, trasuda sicurezza grazie alla sua intelligenza e schiettezza. Non mostra alcuna compassione quando viene a sapere dell’omicidio del suo ex amante e sembra non provare alcun rimorso per le persone che usa. La sua amante, Roxy (Leilani Sarelle), è solo una delle vittime della tossicità di Catherine, poiché è costretta a guardare Catherine sedurre Nick nonostante la gelosia che questo le provoca. Eppure ci sono momenti in cui Catherine mostra il suo lato vulnerabile.

Quando Roxy viene uccisa dopo un teso inseguimento in auto con Nick, Catherine la piange e si incolpa persino. Catherine rompe con Nick quando il suo libro è finito, affermando che ha chiuso con lui. Ma più tardi, torna da lui in un raro gesto di umiltà, affermando di essere innamorata di lui e di aver paura di avere il cuore spezzato. La cosa difficile è capire se Catherine sia sincera nei suoi sentimenti o se sia solo una recita. Se ciò che dice lo psichiatra all’inizio del film è corretto, e Catherine è clinicamente una psicopatica, allora potrebbe fingere le sue emozioni. Tuttavia, quando vediamo Catherine prendere il punteruolo da ghiaccio alla fine del film e poi cambiare idea, ci vengono dei dubbi. Forse non è così malvagia come sembra, o forse sta solo aspettando il momento giusto, il che ci porta alla domanda successiva.

Catherine uccide Nick?

Questa è la grande domanda che ha dato vita a innumerevoli discussioni tra i fan di Basic Instinct. Alla fine del film, la telecamera mostra il punteruolo da ghiaccio sotto il letto mentre la musica suona in modo minaccioso. Lo schermo diventa nero e iniziano i titoli di coda, lasciando il pubblico a chiedersi cosa sia successo dopo. Ci sono molti indizi che suggeriscono che Catherine alla fine uccida Nick. Quando Catherine e Nick si incontrano per la prima volta, lei gli parla del nuovo libro che sta scrivendo, in cui un detective si innamora della donna sbagliata e poi lei lo uccide.

In una scena successiva, dopo che Nick e Catherine hanno fatto sesso, lui le suggerisce di cambiare il finale del suo libro con qualcosa di più felice, ma Catherine insiste che qualcuno deve morire, perché “qualcuno muore sempre”. C’è anche il fatto che Nick non compare nel sequel del 2006, Basic Instinct 2. In realtà, non viene nemmeno menzionato. Questo non significa necessariamente che Catherine lo abbia ucciso, però. Potrebbe semplicemente essere che la loro relazione sia finita in modo naturale. Tuttavia, da quello che sappiamo di Catherine, potrebbe anche essere che lei abbia ucciso Nick e poi sia fuggita dal paese. I realizzatori del film hanno volutamente lasciato il finale ambiguo, in modo che fosse il pubblico a decidere se Nick sopravvive o meno.

Un’altra possibile spiegazione del finale

Come se il finale di Basic Instinct non fosse già abbastanza confuso, ci sono altre teorie che potrebbero far dubitare il pubblico. Ci sono molti momenti nel film che fanno sospettare che la dottoressa Beth Gardner sia l’assassina. Il fatto che abbia cambiato nome e aspetto e che in passato abbia avuto una relazione con Catherine al college che è andata male aumenta i sospetti su di lei. Catherine sostiene che Beth fosse ossessionata da lei al punto da costringerla a richiedere un ordine restrittivo. C’è anche il sentimento romantico di Beth per Nick e la possibilità che lei stia cercando di incastrare Catherine per gelosia.

Una teoria online suggerisce addirittura che entrambe le possibilità siano vere, o meno, a seconda del punto di vista. In una discussione su Basic Instinct sul sito web Stack Exchange, l’utente Frank A. suggerisce che in realtà ci sono due finali per il film. “Ci sono due trame completamente sviluppate durante tutto il film. In una trama, Catherine è l’assassina. Nella seconda trama, Beth è l’assassina”. Continua dicendo che il primo finale si verifica quando la telecamera si allontana da Nick e Catherine, il che suggerisce che la storia finisca con Beth come assassina. Il secondo è la rivelazione del punteruolo da ghiaccio sotto il letto, che rende Catherine l’assassina. È una teoria piuttosto azzardata, a dir poco, ma l’idea di due possibili trame per lo stesso film è sicuramente intrigante.

Come il finale di Basic Instinct ha portato a Basic Instinct 2

Dato che il finale di Basic Instinct vede Catherine farla franca dopo l’omicidio, era logico che il personaggio continuasse la sua serie di omicidi e seduzioni. Tuttavia, nonostante l’enorme successo al botteghino del film, ci sarebbe voluto ancora un po’ di tempo prima che si avessero notizie di un seguito. Nel 2001, un accordo con la MGM per un sequel fallì, portando a una causa da 14 milioni di dollari contro lo studio da parte della Stone. Secondo Wired, il film avrebbe visto Benjamin Bratt recitare al fianco della Stone, che avrebbe ripreso il ruolo dell’enigmatica Catherine Tramell.

Finalmente, nel 2006, Basic Instinct 2 è uscito nelle sale. La Stone, ovviamente, riprende il ruolo di Catherine, con l’ambientazione del film spostata da San Francisco a Londra. Questa volta, Catherine si confronta con lo psichiatra Dr. Michael Glass (David Morrissey). La famosa scrittrice americana ricorre ai suoi vecchi trucchi, seducendo Glass e coinvolgendolo nei suoi malvagi giochi mentali. Naturalmente, le cose non finiscono bene per il buon dottore, che alla fine del film finisce in un reparto psichiatrico, mentre Catherine torna ancora una volta libera.

Lo slasher Sick vede il ritorno dello sceneggiatore di Scream Kevin Williamson a cimentarsi con un film di questo genere calato nel pieno dell’era COVID. Il finale riesce cosìd a legare la sua satira sulla pandemia alla sanguinosa storia horror del film. Sebbene tutti abbiano vissuto insieme la pandemia globale di COVID-19, sono stati sorprendentemente pochi i film importanti ambientati durante i lockdown o le quarantene, forse perché questo evento è stato troppo traumatico per essere rivisitato così presto nell’intrattenimento.

Sebbene alcuni titoli ad alto budget come Glass Onion: A Knives Out Mystery abbiano incorporato la pandemia nelle loro trame, Hollywood non sembra desiderosa di ricordare agli spettatori l’evento globale. Tuttavia, lo slasher Sick non solo è ambientato durante la pandemia, ma incentra senza vergogna la sua storia sul COVID-19 stesso. O meglio, l’arguto e brutale film slasher dello sceneggiatore è incentrato sulle reazioni delle persone alla pandemia, offrendo anche una decostruzione più contemporanea delle storie slasher.

In questo film, infatti, le amiche Parker e Miri si mettono in quarantena insieme nella lussuosa e appartata casa sul lago di Parker, ma vengono raggiunti dal partner di Parker, DJ, con cui ha una relazione altalenante. DJ viene presto ucciso da un aggressore mascherato e Parker e Miri lottano quindi per sopravvivere mentre il killer si avvicina a loro, portando a non uno, ma due colpi di scena importanti nel finale.

Cosa succede nel finale di Sick

Dopo che DJ viene ucciso mentre cerca di tenere a bada l’assassino, Miri e Parker tentano di nascondersi nella casa sul lago. Nella mischia che ne segue, Miri cade da una finestra e si rompe una gamba, costringendola a fingersi morta quando l’assassino va a indagare all’esterno. In una brutale scena di lotta in cucina, Parker uccide il loro aggressore. Tuttavia, come nei film Scream, Sick si rivela avere più di un assassino, poiché un altro aggressore mascherato arriva e piange quando trova il corpo del complice. Parker viene inseguita attraverso il lago, attraverso la casa del suo vicino e su una strada aperta prima che un passante la soccorra.

Tuttavia, Parker viene messa KO dal conducente con una maschera protettiva imbevuta di cloroformio. Quando viene riportata alla casa sul lago, si rivela l’identità dei loro aggressori. Sono i genitori di Benji, il “ragazzo a caso” con cui Parker ha pomiciato a una festa prima dell’inizio della storia di Sick. La madre di Benji informa Parker che Benji è morto pochi giorni dopo quella festa perché ha contratto il COVID-19 da Parker quando i due hanno avuto un rapporto. In particolare, i genitori di Benji ignorano il fatto che il figlio abbia partecipato a una festa di fine del mondo, incolpando solo Parker per la sua morte, nonostante la sua parte nel contrarre la malattia.

Inoltre, i genitori di Benji osservano con sarcasmo che Parker avrebbe dovuto stare in quarantena da sola e sostengono che lei sarà quindi responsabile della morte dei suoi amici, rafforzando ulteriormente quanto la coppia sia miope nei confronti del proprio obiettivo. Incapaci di assumersi la responsabilità delle loro azioni, i genitori di Benji cercano costantemente un modo per rendere Parker la causa dei loro guai, finendo per giustificare anche la morte di DJ e le gravi ferite di Miri.

Come l’eroina di Scream, Sidney Prescott, Parker divide abilmente gli assassini prima che Miri metta fuori combattimento la madre di Benji. Il duo uccide poi il padre di Benji spingendolo giù da una ringhiera, impalandolo. Parker e Miri fuggono poi in un fienile vicino, dove trovano un veicolo utilitario. Mentre sta recuperando della benzina, Parker viene però attaccata da Pamela, che è ancora viva. Nella colluttazione che ne segue, Pamela viene cosparsa di benzina e Miri le dà fuoco. La donna corre fuori avvolta dalle fiamme ma alla fine crolla sulla strada. La polizia arriva mentre le due amiche guardano Pamela morire bruciata.

Chi era l’assassino che Parker ha sconfitto?

Come l’iconico slasher Scream, Sick ha un falso killer quando si tratta dell’identità dell’assassino. Il primo omicida mascherato è il fratello maggiore senza nome di Benji, che aiuta i suoi genitori a vendicarsi di Parker. Questo colpo di scena è appena accennato nel finale di Sick, e i genitori non dicono nemmeno il nome del loro figlio maggiore. Tuttavia, la trama acquista senso solo se si tiene conto dell’esistenza di questo killer aggiuntivo. La sequenza iniziale, in cui Tyler (che ha contagiato Parker con il COVID-19) viene ucciso, richiede la presenza di questo killer più giovane e in forma, poiché lo studente universitario oppone una resistenza piuttosto intensa prima di essere ucciso.

Allo stesso modo, quando le ragazze arrivano alla casa sul lago, c’è una scena ambientata durante il giorno in cui Parker nota che una porta che aveva chiuso in precedenza è stata lasciata aperta. È qui che entrano in gioco i due assassini. Più tardi quella notte, gli spettatori vedono un assassino mascherato intrufolarsi dalla porta principale dietro DJ, il che fa sembrare la porta aperta in precedenza un depistaggio. Tuttavia, la porta aperta era in realtà una prima prova della presenza di due assassini nell’arco della storia di Sick, uno dei quali si intrufola nella casa durante il giorno e l’altro vi accede più tardi quella notte.

Cosa significa davvero il finale di Sick

Il finale di Sick è una dura condanna di coloro che hanno usato la tragedia della pandemia di COVID-19 come scusa per controllare il comportamento degli altri e ottenere un senso di superiorità morale su di loro. Come gli eroi adolescenti dei precedenti successi di Williamson, Parker e Miri possono essere egocentrice e, nel caso di Parker, incuranti dei propri privilegi. Tuttavia, sono anche personaggi fondamentalmente onesti che non hanno fatto nulla per meritarsi quella violenza. La famiglia di Benji, che incolpa solo Parker per la decisione del figlio di partecipare a una grande festa durante una pandemia, tradisce una tendenza misogina che finisce per condannarli a morte.

La famiglia di Benji si rifiuta di ritenere il figlio responsabile delle sue azioni, incolpando invece Parker di essere “incosciente”. Tuttavia, a causa di questo atteggiamento, sottovalutano la resiliente Final Girl di questo film slasher. Parker rivela infatti una profondità nascosta quando usa astuzia, intelligenza e pura forza per sopraffare i suoi aggressori, eliminando uno ad uno i membri della famiglia di Benji. L’eroina di Sick è quindi un’altra delle dolci eroine adolescenti di Williamson, il cui comportamento solare nasconde un carattere duro come l’acciaio. Nel finale, Parker dimostra di essere molto più della ragazza sconsiderata che i suoi aggressori hanno liquidato, e si unisce all’eroina di Scream nel pantheon delle più agguerrite Final Girl di tutti i tempi.

Buongiorno, notte, del 2003, diretto da Marco Bellocchio, è uno dei film più intensi e personali del regista, nonché una delle sue opere più discusse. Il film affronta un capitolo cruciale della storia italiana: il rapimento e l’uccisione di Aldo Moro da parte delle Brigate Rosse nel 1978. Tuttavia, lo fa da una prospettiva inedita e intimista, scegliendo come punto di vista quello di una giovane terrorista, Chiara, figura fittizia ispirata a membri reali del commando. Con questo film, Bellocchio non cerca tanto la ricostruzione storica quanto l’indagine psicologica e simbolica di un’epoca lacerata da contraddizioni ideologiche e morali.

Rispetto ad altri film politici del regista, come Vincere o Il traditore, Buongiorno, notte si distingue per un tono più sospeso e introspettivo, quasi onirico. Il conflitto tra ideologia e coscienza è centrale, e la prigione dove Moro è rinchiuso diventa anche una metafora dell’intrappolamento mentale dei suoi carcerieri. Il film si costruisce sul contrasto tra l’azione brutale e la riflessione individuale, tra la storia collettiva e il dubbio privato. Proprio questo approccio verrà poi rielaborato e ampliato nella serie Esterno Notte (2022), in cui Bellocchio torna sul caso Moro con una struttura corale e più ampia, esplorando il punto di vista di vari protagonisti politici e religiosi.

Nel prosieguo dell’articolo analizzeremo allora quanto Buongiorno, notte sia fedele alla vicenda storica del caso Moro, e quali siano invece le scelte narrative e simboliche operate da Bellocchio per costruire una lettura più intima e metaforica dell’evento. Il film, pur basandosi su fatti reali e su documentazione storica, compie alcune deviazioni volute e significative che aprono a una riflessione più ampia sulla memoria, sulla responsabilità e sulla possibilità (o illusione) del riscatto morale.

La trama di Buongiorno, notte

Negli anni Settanta, Chiara è una giovane brigatista coinvolta nel sequestro di Aldo Moro. Divisa tra la vita pubblica, fatta di lavoro e relazioni, e la clandestinità nella “prigione del popolo”, Chiara vive un conflitto interiore sempre più profondo. Mentre assiste al dramma del leader della Democrazia Cristiana, comincia a mettere in discussione le certezze ideologiche che l’hanno guidata. Attraverso il suo sguardo si rivive il clima cupo degli anni di piombo, fatto di tensione, fanatismo e dubbi morali che minano la fede nella rivoluzione armata.

Le principali differenze tra il film e la storia vera

Il film Buongiorno, notte, dunque, si ispira a uno degli eventi più traumatici della storia repubblicana italiana: il rapimento e l’uccisione di Aldo Moro da parte delle Brigate Rosse nel 1978. Il presidente della Democrazia Cristiana fu sequestrato la mattina del 16 marzo a Roma in via Fani, mentre si recava in Parlamento per votare la fiducia al governo sostenuto da DC e PCI. L’agguato costò la vita ai cinque uomini della sua scorta. Moro venne tenuto prigioniero per 55 giorni in un appartamento usato come “prigione del popolo”, fino al tragico epilogo del 9 maggio, quando il suo corpo fu ritrovato nel bagagliaio di una Renault 4 in via Caetani.

Buongiorno, notte ricostruisce fedelmente molti aspetti del sequestro: la collocazione dell’appartamento, l’isolamento di Moro, i comunicati delle Brigate Rosse, le fotografie del prigioniero, e l’immobilismo dello Stato nel trattare con i terroristi. Tuttavia, Bellocchio sceglie una via narrativa diversa: il film è raccontato quasi interamente dal punto di vista della giovane brigatista Chiara, personaggio fittizio ma ispirato ad Anna Laura Braghetti, una delle reali componenti del commando. La dimensione soggettiva consente al regista di esplorare il tormento interiore, il dubbio ideologico e l’incrinarsi della fede rivoluzionaria.

Una delle principali differenze rispetto alla storia vera è proprio nella figura di Chiara: nel film, lei si interroga sul senso dell’azione armata e arriva persino a immaginare di liberare Moro, in un potente finale alternativo onirico che mostra il presidente uscire vivo dall’appartamento. Nella realtà, questo non accadde. Braghetti, insieme agli altri membri del commando, partecipò fino alla fine alla gestione del sequestro e fu arrestata poco dopo l’assassinio di Moro. Il sogno di Chiara rappresenta quindi una licenza narrativa e simbolica, che Bellocchio usa per interrogarsi sul peso della coscienza individuale.

Altra differenza importante è l’assenza della dimensione esterna: Buongiorno, notte resta chiuso quasi interamente all’interno dell’appartamento, evitando di rappresentare direttamente il dibattito politico, la famiglia di Moro o le istituzioni. Questo elemento sarà invece al centro della successiva serie Esterno Notte. La scelta di Bellocchio nel film del 2003 è chiara: raccontare il sequestro non come fatto collettivo, ma come vicenda esistenziale, dove il confine tra colpa e redenzione è sottile e tormentato. Moro, interpretato da Roberto Herlitzka, è una figura dignitosa e composta, che non cerca eroismo ma comprensione, e diventa un “martire laico” in un contesto che ha smarrito l’etica.

Buongiorno, notte è dunque fedele nello spirito e nelle coordinate fondamentali della vicenda storica, ma introduce elementi narrativi e simbolici che non mirano alla cronaca, bensì a una riflessione più ampia sul fallimento dell’utopia rivoluzionaria e sul bisogno umano di redenzione. Bellocchio non giustifica né condanna, ma osserva, suggerisce, pone domande profonde sulla possibilità del pentimento e sull’inutilità del sacrificio di Moro. La verità storica resta come sfondo, ma il centro è la coscienza.

Until Death, del 2007, rappresenta una svolta particolare nella filmografia di Jean-Claude Van Damme, distaccandosi dai classici action adrenalinici che lo hanno reso famoso tra gli anni ’80 e i primi Duemila come Lionheart o The Replicant. Diretto da Simon Fellows, il film mescola elementi da thriller poliziesco, dramma psicologico e vendetta urbana, mostrando un lato più cupo e vulnerabile dell’attore belga. Il personaggio, tormentato e imperfetto interpretato dall’attore, infatti, gli permette di offrire una delle prove più introspettive e credibili dell’attore.

Il film si distingue anche per il tono più serio e sporco rispetto agli standard dei B-movie action a cui Van Damme era legato in quel periodo. Until Death punta tutto sulla decadenza morale del protagonista, costruendo un racconto incentrato sul senso di colpa, la possibilità di cambiamento e la vendetta come percorso ambivalente. L’azione c’è, ma è meno spettacolare e più realistica; ciò che interessa maggiormente è il dramma umano e la trasformazione interiore di Stowe.

Nel prosieguo dell’articolo analizzeremo il finale del film, cercando di chiarirne i passaggi narrativi e il significato più profondo. Il terzo atto di Until Death è infatti denso di eventi e colpi di scena, ma lascia spazio anche a un sottotesto simbolico che riguarda la redenzione, il sacrificio e il prezzo della verità. Approfondiremo come la storia si conclude e cosa vuole davvero dire questo film sul cambiamento e sulla possibilità di riscattarsi, anche quando tutto sembra perduto.

La trama di Until Death

Protagonista del film è Anthony Stowe (Jean-Claude Van Damme), un agente di polizia della narcotici che vive a Los Angeles. Dipendente dall’eroina, la sua vita sembra andare completamente in rovina. Sul lavoro è impegnato da tempo in un’operazione per arrestare Gabriel (Stephen Rea), ex poliziotto ora diventato trafficante di droga che mira al controllo delle piazze di spaccio di New Orleans. Le cose peggiorano quando, durante una retata, muore la sua collega Maria Ronson (Rachel Grant).

Anche a casa è un completo disastro: sua moglie, che aspetta un figlio da un altro, sta per lasciarlo. L’occasione di riscattarsi arriva quando, dopo un grave agguato, Stowe finisce in coma. Al suo risveglio decide di riprendere in mano la sua vita e diventare finalmente una persona migliore, sapendo però che sarà tutto tranne che semplice. Le cose, infatti, si complicano quando scoprirà di essere stato tradito da un suo ex collega.

La spiegazione del finale del film

Nel terzo atto di Until Death, Anthony Stowe – ormai cambiato dopo essere sopravvissuto al colpo alla testa che lo aveva ridotto in coma – si confronta con i nemici che lo avevano tradito: in primis il suo ex collega Gabriel Callahan, ora divenuto boss criminale. Nonostante la trasformazione personale, Stowe sa che il suo passato corrotto e violento non può essere ignorato, e decide quindi di affrontare direttamente Callahan e il suo impero. L’azione si intensifica: Stowe, lucido ma segnato, pianifica la distruzione dell’organizzazione di Callahan, affrontando scontri armati, inseguimenti e un ultimo confronto finale.

Il climax si ha quando Stowe rincorre Callaghan, che ha preso in ostaggio sua moglie, fino all’uscita del capannone dove un elicottero è pronto a partire; sotto il fuoco di Antony l’elicottero decolla senza però caricare Callaghan e, quando l’altro arriva, i due si puntano contro le pistole e si sparano a vicenda uccidendosi e ponendo fine in modo tragico alla vicenda. Nella scena finale si vede Valerie con la figlia che va al cimitero a mettere i fiori sulla tomba di Anthony Stowe.

Il finale di Until Death è dunque il culmine del percorso di redenzione del protagonista. Nonostante sia nato come un antieroe, Anthony Stowe compie una trasformazione morale profonda: dal poliziotto corrotto e autodistruttivo che era, diventa un uomo disposto a sacrificarsi per amore, giustizia e verità. Questo cambiamento non viene mostrato come improvviso, ma come un processo lento e doloroso, reso credibile dal trauma e dal pentimento sincero. Il confronto finale con Callahan è simbolico: uccidere il suo ex collega significa anche liberarsi dell’ultima ombra del sé che fu.

Il film suggerisce che la redenzione è possibile, ma non gratuita: comporta sofferenza, perdita e rinuncia. La conclusione, seppur tragica, lascia intendere che Stowe ha finalmente compreso il senso delle sue azioni e ha scelto di fare la cosa giusta, anche se troppo tardi per salvarsi completamente. Il titolo stesso – Until Death – acquista dunque un valore profondo: la possibilità di cambiare esiste, ma richiede una resa totale, fino alla morte o fino al completo annullamento del vecchio io. Il film, più cupo e riflessivo rispetto ad altri lavori di Van Damme, si chiude quindi su una nota malinconica, ma coerente con il suo messaggio di espiazione.

Il film Superman di James Gunn è il trampolino di lancio ufficiale del nuovo DCU, dà il via al rilancio del franchise dei supereroi in modo inaspettato. Agli albori del MCU, la Marvel Studios ha reso popolare la pratica dei film sui supereroi con scene post-crediti che anticipavano i progetti futuri, e ora le scene post-crediti sono diventate comuni a Hollywood.

Pertanto, ci si aspettava che Superman includesse almeno una scena dopo i titoli di coda per anticipare uno dei prossimi progetti dell’universo DC, tra cui la serie Lanterns dedicata a Lanterna Verde e il film Supergirl, entrambi in uscita nel 2026. Tuttavia, sebbene Superman includa due scene dopo i titoli di coda, nessuna delle due funge da anticipazione per i progetti DC annunciati.

Questo non significa che il film di Gunn non prepari nulla per la DC Studios. Infatti, il finale del film Superman mostra Supergirl (Milly Alcock) che si schianta contro la Fortezza della Solitudine per riprendersi il suo cane, Krypto, che Clark Kent/Kal-El (David Corenswet) stava custodendo. Ma questo avviene prima che scorrano i titoli di coda.

Le scene dei titoli di coda di Superman adottano un approccio atipico per i film di supereroi, fungendo da momenti divertenti che non rivelano necessariamente personaggi o casting importanti. Potrebbe essere una decisione controversa quella di dare questo tipo di finale ai titoli di coda di Superman, ma lo sceneggiatore e regista James Gunn ha spiegato il ragionamento che c’è dietro.

Superman ha 2 scene dopo i titoli di coda: ecco cosa sono e cosa significano

Le scene dei titoli di coda di Superman mettono in risalto un paio di personaggi che rubano la scena

Nella scena a metà dei titoli di coda di Superman, l’Uomo d’Acciaio tiene Krypto in braccio mentre i due guardano la Terra da lontano, presumibilmente seduti sulla luna. È una scena breve molto simile a un primo poster animato pubblicato dalla DC Studios per Superman, che mostrava l’eroe di Corenswet e Krypto seduti nello spazio con la Terra sullo sfondo.

La scena post-crediti di Superman è una scena vera e propria, con Superman e Mister Terrific (Edi Gathegi) che fissano una crepa in un edificio. La struttura era stata divisa a metà, poi ricomposta quando Terrific ha chiuso la frattura dimensionale. Superman fa notare che è “un po’ storta” e Mister Terrific si difende dicendo di aver chiuso la frattura nel miglior modo possibile.

Quando Mister Terrific se ne va infuriato, calciando sassi e detriti sul marciapiede, Superman lo chiama, dicendogli che non voleva farlo arrabbiare. Quando Terrific non risponde, Superman mormora tra sé e sé qualcosa del tipo: “A volte sono proprio un idiota”. Poi la scena finisce.

Cosa significano le scene post-crediti di Superman

La scena a metà dei titoli di coda che mostra Superman e Krypto che trascorrono un momento piacevole e tranquillo insieme è probabilmente solo una semplice scena finale per sottolineare la dinamica tra i due personaggi. Per gran parte del film, Superman e Krypto sono in contrasto, con Clark che spesso rimprovera il super-cane per il suo comportamento.

Sebbene Superman trovi un modo per sfruttare le tendenze distruttive di Krypto durante la battaglia contro Ultraman nel momento culminante del film, il cane continua a comportarsi male fino alla fine. È solo quando Clark si sveglia a casa dei suoi genitori in Kansas e durante la scena a metà dei titoli di coda che Superman e Krypto condividono alcuni momenti dolci.

Per quanto riguarda la scena dopo i titoli di coda, il piccolo battibecco tra Superman e Mister Terrific sembra voler mettere ulteriormente in risalto il rapporto tra i supereroi e fornire un’ultima battuta agli spettatori. Terrific è uno dei personaggi di spicco del film, secondo le recensioni del film Superman, e la scena finale mette ulteriormente in risalto la sua dinamica con l’Uomo d’Acciaio.

È possibile che l’amicizia possa svilupparsi ancora di più in un futuro progetto dell’universo DC con Superman e Mister Terrific. Presumibilmente, l’universo DC farà di più con Superman e la Justice Gang, e qualsiasi tipo di collaborazione vedrebbe Clark e Terrific continuare le loro battute sulla crepa nell’edificio.

James Gunn spiega perché le scene dopo i titoli di coda di Superman non anticipano alcun progetto specifico

In un’intervista esclusiva con Ash Crossan di ScreenRant, lo sceneggiatore e regista di Superman James Gunn ha spiegato perché ha scelto scene dopo i titoli di coda che non anticipano progetti futuri. Il regista, che in precedenza ha diretto tutti e tre i film Guardiani della Galassia per la Marvel Studios, ha detto che era necessario per garantire che la DCU mantenga tutte le promesse fatte.

Beh, durante la mia esperienza alla Marvel ho scoperto che, prima di tutto, le scene post-crediti che il pubblico apprezzava di più erano quelle stupide. Ad esempio, Howard the Duck alla fine di Guardians e Stan Lee alla fine di Guardians 2.

E ho davvero scoperto – e l’ho già detto in passato – che ho inserito degli elementi nelle scene post-crediti, e la Marvel ha inserito degli elementi nelle scene post-crediti che non hanno mai avuto un riscontro. A meno che non sia davvero sicuro che avrà un riscontro… come se stessimo girando… sappiamo tutti che film è Supergirl… Quindi, se alla fine dei titoli di coda ci fosse una rivelazione che ha a che fare con qualcosa nel film Supergirl, sarei disposto a farlo. Sappiamo che succederà.

Ma non voglio inserire cose solo perché sono scene post-crediti scioccanti che non avranno mai un seguito. Tuttavia, mi piace dare qualcosa al pubblico per essere rimasto fino alla fine dei titoli di coda e aver visto tutte le persone che hanno lavorato duramente al film. E quindi dare loro qualcosa, penso, sia divertente. Ed è quello che ho fatto. Quindi abbiamo messo Terrific alla fine.