Dopo sette anni di assenza, Laika torna al cinema con Wildwood – I segreti del bosco proibito, ambizioso film in stop-motion che promette di conquistare gli appassionati di fantasy. Basato sull’omonimo romanzo di Colin Meloy, il film è già al centro dell’attenzione per un primato assoluto: con una durata di 139 minuti, potrebbe diventare il lungometraggio in stop-motion più lungo mai realizzato.

Il progetto richiama inevitabilmente due grandi classici del genere: Le Cronache di Narnia per l’impianto narrativo e Coraline per lo stile visivo e le atmosfere oscure che hanno reso celebre lo studio.

Un’avventura fantasy tra magia, animali parlanti e oscurità

La protagonista è Prue, una dodicenne che si addentra nella misteriosa Impassable Wilderness, una foresta proibita popolata da creature parlanti, per salvare il fratellino Mac, rapito da uno stormo di corvi. Ad accompagnarla nell’impresa c’è il compagno di scuola Curtis.

Come accade nei romanzi di C.S. Lewis, anche Wildwood trasporta i suoi giovani protagonisti in un mondo fantastico nascosto accanto alla realtà quotidiana. Tuttavia, quel regno è ormai profondamente diviso e minacciato da una potente antagonista, Alexandra Svik, conosciuta anche come la Dowager Governess, una figura che ricorda per fascino e manipolazione la Strega Bianca di Le Cronache di Narnia.

Nel corso dell’avventura, Curtis finisce infatti sotto l’influenza della donna, richiamando il percorso di Edmund Pevensie nella saga di Narnia.

Lo stile di Coraline torna con l’inconfondibile animazione Laika

Se la struttura narrativa richiama Le Cronache di Narnia, dal punto di vista visivo Wildwood si inserisce perfettamente nella tradizione di Laika.

Il trailer mette infatti in mostra la straordinaria qualità della stop-motion dello studio, già apprezzata in film come Coraline, ParaNorman, Boxtrolls – Le scatole magiche, Kubo e la spada magica e Missing Link. Ogni inquadratura evidenzia il meticoloso lavoro artigianale che caratterizza le produzioni Laika, con scenografie ricchissime di dettagli e animazioni realizzate interamente a mano.

Nel cast vocale figurano Peyton Elizabeth Lee nel ruolo di Prue, Jacob Tremblay in quello di Curtis e Carey Mulligan nei panni della perfida Alexandra.

Wildwood potrebbe stabilire un record storico

Secondo le indiscrezioni, Wildwood avrà una durata di 139 minuti, un tempo che lo renderebbe il film in stop-motion più lungo mai realizzato. Se confermato, supererebbe infatti Pinocchio di Guillermo del Toro, che con i suoi 117 minuti detiene attualmente il record della categoria. Inoltre diventerebbe il secondo film d’animazione americano più lungo di sempre, alle spalle soltanto di Spider-Man: Across the Spider-Verse (140 minuti).

Anche la classificazione PG-13 lascia intendere che Laika non abbia intenzione di alleggerire i toni del romanzo originale, lungo oltre 500 pagine e caratterizzato da momenti oscuri, violenti e tematiche mature già evidenti nelle prime immagini promozionali.

Quando esce Wildwood?

Wildwood arriverà nelle sale cinematografiche il 22 ottobre 2026 distribuito da Notorious Pictures, segnando il ritorno di Laika dopo una lunga pausa produttiva e proponendosi come uno dei fantasy animati più ambiziosi degli ultimi anni.

Billy Elliot, diretto da Stephen Daldry e scritto da Lee Hall, è uno di quei film che hanno saputo trasformare una storia di formazione in un racconto universale. Ambientato durante il grande sciopero dei minatori britannici del 1984-1985, segue il percorso di un ragazzino che scopre una passione travolgente per la danza classica, trovandosi a combattere contro i pregiudizi della propria famiglia e dell’ambiente in cui è cresciuto. A oltre vent’anni dalla sua uscita, il film continua a emozionare proprio perché riesce a fondere il dramma sociale con una vicenda profondamente umana.

Chi lo rivede oggi si pone spesso una domanda precisa: Billy Elliot racconta davvero una storia accaduta? La risposta è più articolata di quanto possa sembrare. Il protagonista Billy (Jamie Bell)  è un personaggio di fantasia, ma la sua vicenda nasce dall’incontro tra fatti storici realmente accaduti e le esperienze di artisti che hanno vissuto percorsi molto simili. Comprendere queste influenze permette di cogliere ancora meglio il significato del film e le ragioni della sua straordinaria autenticità.

Billy Elliot non racconta una singola storia vera, ma nasce da eventi storici reali e da persone realmente esistite

La prima cosa da chiarire è che Billy Elliot non è il biopic di un ballerino realmente esistito. Lee Hall ha costruito un protagonista immaginario, inventando la sua famiglia, la maestra Mrs. Wilkinson, il padre Jackie e il fratello Tony. Anche la vicenda personale di Billy è quindi frutto della sceneggiatura.

Ciò che appartiene pienamente alla realtà è invece il contesto storico. L’intera storia si svolge durante lo sciopero dei minatori britannici del 1984-1985, uno degli eventi sociali più traumatici della storia contemporanea del Regno Unito. In quel periodo migliaia di famiglie del nord dell’Inghilterra videro crollare ogni certezza economica mentre il governo di Margaret Thatcher procedeva alla chiusura di numerose miniere.

La vita quotidiana mostrata nel film riflette fedelmente quel momento storico. Le tensioni con la polizia, gli scontri durante i picchetti, la disoccupazione e il senso di isolamento delle comunità minerarie sono elementi documentati che fanno da sfondo alla crescita del protagonista. È proprio questa ricostruzione accurata a dare al racconto un forte senso di realismo, pur rimanendo un’opera di finzione.

L’ispirazione di Billy arriva da artisti che hanno davvero sfidato i pregiudizi del loro tempo

Pur non raccontando una biografia precisa, Lee Hall ha dichiarato di essersi ispirato al percorso del celebre baritono Sir Thomas Allen, cresciuto anch’egli nel nord-est dell’Inghilterra. Anche lui proveniva da un ambiente operaio e riuscì a inseguire la propria vocazione artistica grazie all’incoraggiamento ricevuto durante gli anni di scuola, fino ad arrivare al Royal College of Music di Londra.

La sua esperienza offrì allo sceneggiatore il modello emotivo di un giovane costretto a confrontarsi con aspettative molto diverse rispetto ai propri sogni. L’idea centrale del film nasce proprio da questo conflitto: il talento artistico che cerca spazio in una realtà dominata dal lavoro manuale e da una concezione molto rigida della mascolinità.

Negli anni successivi all’uscita del film è emerso anche il nome di Philip Mosley, ex ballerino del Royal Ballet, che raccontò come molte scene fossero sorprendentemente vicine alla sua infanzia. Nato in una famiglia operaia nello Yorkshire, Mosley iniziò a studiare danza fin da bambino e ottenne una borsa di studio per la Royal Ballet School. Alcuni episodi presenti nel film, come l’entusiasmo nel ballare lungo le strade del quartiere o le difficoltà vissute in un contesto minerario, richiamano direttamente la sua esperienza personale. Queste testimonianze mostrano come Billy rappresenti una sintesi di diverse vite reali, più che il ritratto di una singola persona.

Il finale del film è immaginario, ma riflette il percorso vissuto da molti giovani artisti britannici

Il momento conclusivo di Billy Elliot, con il protagonista ormai adulto che danza sul palco come professionista, appartiene alla finzione narrativa. Tuttavia, il percorso che conduce Billy alla Royal Ballet School è perfettamente plausibile e richiama quello affrontato da numerosi ballerini inglesi provenienti da famiglie operaie.

Anche Philip Mosley, ad esempio, ottenne una borsa di studio quando aveva appena nove anni, trasferendosi molto giovane a Londra per perfezionare la propria formazione. In seguito avrebbe costruito una brillante carriera all’interno del Royal Ballet, arrivando infine a ricoprire il ruolo di direttore artistico della scuola.

Allo stesso modo, Sir Thomas Allen riuscì a trasformare un talento scoperto tra i banchi di scuola in una carriera internazionale nell’opera lirica, diventando uno dei baritoni più importanti della sua generazione. Entrambi dimostrano che il messaggio centrale del film ha solide radici nella realtà: talento, determinazione e sostegno possono permettere di superare limiti imposti dall’ambiente sociale di provenienza.

Anche il successo dello stesso Billy Elliot conferma la forza universale di questo racconto. Dopo il film del 2000, la storia è stata adattata nel musical Billy Elliot: The Musical, con musiche di Elton John, diventando uno degli spettacoli teatrali più apprezzati degli ultimi decenni.

La forza di Billy Elliot sta nell’unire finzione e realtà senza tradire la verità del suo messaggio

Alla domanda se Billy Elliot sia tratto da una storia vera, la risposta corretta è dunque duplice. La vicenda personale del protagonista è inventata e non racconta la vita di un unico ballerino realmente esistito. Allo stesso tempo, il film affonda le proprie radici in un preciso contesto storico e nelle esperienze autentiche di uomini che hanno dovuto affrontare gli stessi ostacoli raccontati sullo schermo.

Questa scelta narrativa permette a Lee Hall e Stephen Daldry di parlare di molto più della danza. Il film racconta il peso delle aspettative familiari, la difficoltà di rompere gli stereotipi di genere, il valore dell’educazione e il coraggio necessario per scegliere una strada diversa da quella già tracciata.

È probabilmente questo il motivo per cui Billy Elliot continua a essere considerato un classico del cinema britannico. Pur ricorrendo alla finzione, riesce a trasmettere emozioni che affondano in esperienze realmente vissute da molte persone. La sua verità non risiede nella cronaca di un singolo individuo, bensì nella capacità di rappresentare un’intera generazione cresciuta tra sacrifici, cambiamenti sociali e sogni apparentemente impossibili.

Presencias è un thriller psicologico del 2022 diretto da Luis Mandoki, autore che abbandona il melodramma per confrontarsi con un horror costruito sull’ambiguità della percezione. Ambientato in una remota casa di famiglia immersa nei boschi messicani, il film segue il ritorno dell’attore Víctor, deciso a vendere la proprietà dove da bambino aveva vissuto il trauma della morte della sorella. Quello che sembra un classico racconto di fantasmi si trasforma progressivamente in un’indagine sulla memoria, sul senso di colpa e sulla fragilità della mente umana.

Il finale di Presencias ribalta completamente la prospettiva dello spettatore. Per gran parte della storia il film suggerisce l’esistenza di una forza soprannaturale che perseguita il protagonista, alimentando sospetti sui vicini e sugli abitanti del paese. L’epilogo, invece, dimostra che il vero orrore non proviene dalla casa o dal bosco, ma dalla psiche di Víctor. È proprio questa inversione a dare significato all’intero racconto, trasformando un horror in un dramma psicologico sulla rimozione del trauma.

Luis Mandoki utilizza il linguaggio dell’horror psicologico per raccontare una tragedia familiare fondata sulla memoria repressa

La costruzione narrativa di Presencias richiama numerosi thriller psicologici in cui il protagonista diventa un narratore inaffidabile. La regia di Luis Mandoki sfrutta gli elementi tipici dell’horror — la casa isolata, i rumori nel buio, le apparizioni improvvise e l’atmosfera opprimente — per orientare lo spettatore verso una spiegazione soprannaturale destinata però a essere progressivamente demolita.

Il personaggio interpretato da Alberto Ammann è il centro assoluto della narrazione. Ogni evento viene filtrato attraverso il suo punto di vista, rendendo impossibile distinguere con certezza tra ciò che accade realmente e ciò che nasce dalla sua mente traumatizzata. L’arrivo nella casa paterna riapre infatti una ferita mai guarita: la morte della sorella durante l’infanzia, un ricordo rimasto incompleto e deformato dal tempo.

Questa scelta avvicina il film a quei racconti in cui il mistero coincide con la scoperta della propria identità. L’indagine di Víctor non riguarda realmente un assassino nascosto nel bosco, ma un passato che il protagonista ha sepolto per riuscire a convivere con un dolore troppo grande. L’orrore diventa quindi una manifestazione della memoria che ritorna.

Il finale rivela che Víctor è l’assassino di Alicia e che tutta l’indagine nasce dal suo bisogno di trovare un colpevole diverso da sé

Dopo essersi risvegliato in ospedale senza alcun ricordo della notte dell’omicidio di Alicia, Víctor torna nella casa convinto che una presenza misteriosa abbia aggredito lui e la moglie. Le sue ricerche lo portano a sospettare dei vicini Ramirez, mentre gli strani fenomeni che continua a osservare sembrano confermare l’esistenza di una forza oscura nascosta tra il bosco e la proprietà di famiglia.

Con il procedere della vicenda, però, piccoli dettagli iniziano a incrinare questa ricostruzione. I ricordi riaffiorano attraverso flash improvvisi, le visioni diventano sempre più personali e la figura della sorella morta assume un ruolo centrale. Il passato e il presente finiscono così per sovrapporsi fino alla sconvolgente rivelazione finale.

Víctor scopre infatti di soffrire di violenti episodi di sonnambulismo. Durante questi stati di incoscienza perde completamente il controllo delle proprie azioni, trasformandosi inconsapevolmente nell’autore delle tragedie che lo perseguitano. È lui ad aver ucciso Alicia durante la prima notte trascorsa nella casa e, molti anni prima, era già stato responsabile della morte della sorella. Il colpo di scena diventa ancora più drammatico quando emerge che anche Manolo è caduto vittima di un nuovo episodio di violenza inconsapevole. A quel punto ogni presunta presenza soprannaturale trova una spiegazione razionale: erano frammenti della memoria che cercavano disperatamente di emergere.

Le presenze non rappresentano fantasmi, ma il ritorno della colpa e di un’identità che Víctor ha cercato di cancellare

Il titolo stesso del film assume un significato diverso dopo la rivelazione finale. Le “presenze” non sono spiriti che infestano la casa, bensì le manifestazioni del trauma represso. Ogni apparizione coincide con un ricordo che la mente di Víctor rifiuta di accettare, trasformando la colpa in figure minacciose che sembrano provenire dall’esterno.

La casa di famiglia diventa il simbolo più evidente di questo processo. Dove il protagonista sperava di chiudere definitivamente il passato vendendo l’abitazione, ritrova invece tutte le emozioni che aveva nascosto. Le stanze, il lago e il bosco conservano una memoria che lui aveva tentato di rimuovere, costringendolo gradualmente a confrontarsi con la verità.

Anche i sospetti rivolti ai Ramirez assumono un valore simbolico. Víctor ha bisogno di individuare un nemico esterno perché accettare la propria responsabilità significherebbe distruggere l’immagine che ha costruito di sé. Il thriller investigativo diventa così il racconto di un uomo che, inconsapevolmente, conduce un’indagine contro sé stesso.

La scelta di eliminare il soprannaturale rafforza il messaggio del film sul peso dei traumi mai affrontati

Molti horror utilizzano il fantasma come incarnazione di un passato irrisolto. Presencias percorre la strada opposta: elimina qualsiasi spiegazione paranormale e attribuisce ogni evento alla mente del protagonista. È una decisione narrativa che cambia completamente il senso della storia.

Il sonnambulismo rappresenta certamente il meccanismo attraverso cui il film giustifica gli omicidi, ma il suo valore resta soprattutto metaforico. La perdita di controllo diventa l’immagine di un trauma che continua ad agire anche quando il protagonista crede di averlo dimenticato. Le azioni più terribili vengono compiute proprio nei momenti di totale inconsapevolezza, suggerendo che il passato trova sempre il modo di riemergere.

Da questo punto di vista il paese, apparentemente ostile nei confronti della famiglia Constantino, contribuisce a creare un clima di isolamento che amplifica la tragedia personale di Víctor. Nessuno può aiutarlo davvero perché il nemico non si trova all’esterno. È nascosto nella parte della sua memoria che continua a negare la realtà.

Il significato del finale di Presencias è la distruzione dell’identità costruita sulla rimozione del passato

L’epilogo del film mostra un uomo incapace di convivere con la verità appena scoperta. Dopo aver ricostruito i ricordi e compreso di essere responsabile della morte di Alicia, della sorella e di Manolo, Víctor non vede alcuna possibilità di redenzione. La decisione di togliersi la vita conclude il percorso di un personaggio che ha perso definitivamente ogni punto di riferimento.

Il suicidio non rappresenta una soluzione eroica, ma la conseguenza estrema di una colpa che il protagonista non riesce più a sostenere. Per tutto il film aveva cercato risposte nei fantasmi, nei vicini e nelle superstizioni locali, evitando inconsapevolmente l’unica spiegazione possibile. Quando la memoria torna completa, l’identità che aveva costruito crolla insieme alle sue certezze.

È proprio questo a rendere Presencias diverso da molti horror contemporanei. Il vero mostro non è una creatura nascosta nell’oscurità, bensì una mente incapace di elaborare il proprio trauma. Luis Mandoki costruisce così un thriller in cui la paura nasce dalla possibilità che il male possa agire senza consapevolezza, trasformando il protagonista nella vittima e, allo stesso tempo, nell’autore delle tragedie che tenta disperatamente di risolvere.

La seconda metà del 2026 ci offrirà una serie invidiabile di Ciclopi, tra cinema e serie tv. Che si tratti del classico mostro gigante dell’antica mitologia che vedremo in Odissea o di uno dei più famosi X-Men dei fumetti Marvel, quest’anno si possono trovare diversi Ciclopi sparsi in giro.

In primo luogo, abbiamo visto i Ciclopi con un occhio solo mi matrice greca, vale a dire il Polifemo di Omero. Poi c’è Scott Summers della Marvel, alias Ciclope, il cui nome mutante deriva dalla visiera con un occhio che indossa per controllare i suoi potenti raggi ottici.

Tra L’Odissea di Christopher Nolan, i progetti MCU e progetti più popolari, il pubblico ha già visto (o sta per vedere) più Ciclopi sullo schermo che in qualsiasi altro anno negli ultimi tempi, rendendo il 2026, per coincidenza, abbastanza memorabile per uno dei più antichi mostri ricorrenti conosciuti nella narrativa.

Nel 2026, i ciclopi sono ovunque nei film e in tv nel 2026

L’Odissea di Christopher Nolan è senza dubbio una delle ragioni principali per cui i Ciclopi più tradizionali sono nei pensieri di tutti. Si conferma che il tanto atteso adattamento dell’opera di Omero vedrà Polifemo protagonista della sua scena, quando l’Ulisse di Matt Damon e il suo equipaggio incontrano il mostruoso gigante durante il loro lungo viaggio verso casa pieno di prove pericolose.

Detto questo, il blockbuster IMAX di Nolan non è certo l’unico progetto a includere una sorta di Ciclope sullo schermo.

L’inizio di luglio ha visto arrivare al cinema anche il film d’animazione della Illumination Minions & Monsters. Il film si apre con una tribù di servitori (alcuni dei quali hanno un solo occhio) al servizio di un Ciclope senza nome nell’antica Grecia, almeno fino a quando uno dei servitori (James) provoca accidentalmente la morte del mostro, costringendo i servitori a cercare un nuovo capo.

Allo stesso modo, i Marvel Studios hanno fatto un ottimo lavoro nel mantenere Ciclope in prima linea nelle menti dei fan Marvel nel 2026. A metà della sua seconda stagione, la serie animata X-Men ’97 ha fatto miracoli per la reputazione sullo schermo di Scott Summers, e lo stesso vale per la sua recente aggiunta al crescente elenco di eroi giocabili di Marvel Rivals. La Marvel ha anche appena regalato a Ciclope la sua miniserie a fumetti, che si è appena conclusa a giugno, che ha visto Summers affrontare i cyborg assassini di mutanti conosciuti come Reavers senza la sua visiera di quarzo rubino.

Ma non è finita qui, c’è ancora Avengers: Doomsday a dicembre, che vedrà il ritorno di James Marsden nei panni del Ciclope live-action insieme ad altri importanti attori degli X-Men mentre si incrociano con i Vendicatori per la prima volta nell’MCU.

Odissea non è la prima volta che Polifemo appare sullo schermo nel 2026

Ironicamente, il film di Christopher Nolan non segnerà nemmeno la prima apparizione sullo schermo di Polifemo quest’anno. Questo perché una versione dello stesso Ciclope che affrontò Ulisse è stata inclusa nella seconda stagione di Percy Jackson e gli dei dell’Olimpo della Disney.

Adattando il secondo libro di Percy Jackson di Rick Riordan, intitolato Il mare dei mostri, il figlio di Poseidone e i suoi compagni eroi incontrano Polifemo migliaia di anni dopo aver affrontato Ulisse, lavorando insieme per sconfiggere il Ciclope accecato e affrontando anche molte delle stesse prove e pericoli che Ulisse e i suoi uomini affrontarono una volta.

Quando si combinano queste apparizioni mitologiche dei Ciclopi con le continue apparizioni di Scott Summers in X-Men ’97, il suo ritorno live-action in Avengers: Doomsday e oltre, è facile vedere come il 2026 sia diventato a tutti gli effetti l'”Anno dei Ciclopi“. Non importa se si tratta di leggendari giganti con un occhio solo o mutanti con visiera a lente singola, il pubblico è destinato a divertirsi con Ciclopi da qualche parte con una varietà così impressionante di progetti diversi.