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Oasis Resort: guida al cast e ai personaggi della serie mistery Netflix

Creata da Ramon Campos, Oasis Resort di Netflix è un thriller poliziesco per adulti che ruota attorno al rapimento di un membro dello staff di un hotel durante una settimana di vacanza molto affollata. Man mano che la tensione sale, diventa difficile capire chi sia il vero criminale, dato che si nasconde in bella vista. In questo articolo, vi presenteremo gli attori della serie originale spagnola e i personaggi che interpretano.

Tomy Aguilera nel ruolo di Dani

Tomy Aguilera ha lavorato in serie televisive come “Offshore”, “Las hijas de la criada”, “Cites”, “The Promise”, “Bank Under Siege”, “Welcome To Eden” e “Skam España”. In “Oasis” interpreta Dani, un adolescente che arriva al resort con la sua famiglia, che include la sorellastra Sofia. Dani non sopporta gli altri ospiti dell’Oasis, come Pablo, e si sente più a suo agio a frequentare lo staff. Quando incontra Celia, Dani si invaghisce di lei e finiscono per baciarsi.

Victoria Kantch nel ruolo di Celia

Celia, il personaggio interpretato da Victoria Kantch, è la figlia dei proprietari dell’Oasis, Luis e Carmen. Quando Celia vede Dani entrare con la sua famiglia, si offre di portarli a fare un giro per la proprietà. Dani accetta e i due si innamorano molto più velocemente di quanto si aspettassero. Celia porta Dani in spiaggia con i suoi amici e lui si diverte un mondo invece di rimanere bloccato nel resort Oasis. Victoria ha recitato in serie TV e film come “El Mal Invisible”, “Thoroughbred”, “Hada” e “Por tus muertos”.

Ana Garces nel ruolo di Helena

Ana Garces ha recitato in oltre cinquecento episodi della popolare serie TV “The Promise”, dove interpretava Jana Exposito. Ha recitato anche in film come “Gallo Rojo”, “Quizas Mañana”, “Salvese quen Putin!”, “Los comedores de loto” e “Señoras de Sijena”. Il suo personaggio, Helena, è un’aspirante dottoressa bloccata all’Oasis perché non ha abbastanza soldi per studiare all’estero. Helena aveva una relazione con Jaen prima della rottura e, dopo la loro separazione, sono diventati amici. Quando Celia scompare, Helena si allea con Dani e, inaspettatamente, inizia a provare qualcosa per lui.

Oasis ResortAlex Mola nel ruolo di Jaen

Jaen è uno dei membri dello staff dell’hotel Oasis. Si mette deliberatamente nei guai con Carmen per aver violato le regole, per aver tentato di fomentare un ammutinamento contro i proprietari e, in pratica, per tutti i motivi sbagliati. Nonostante la rottura con Helena, Jaen vuole il meglio per lei e cerca di calmarla mentre sono a una festa in spiaggia. In seguito, Jaen si caccia in un grosso guaio per aver apparentemente venduto droga a un minorenne e scoppia il caos. Prima di entrare a far parte del cast di “Oasis”, Alex Mola ha lavorato in diversi ambiti del settore, recitando in serie televisive come “La caja de arena”, “Vestidas de azul”, “4 estrellas”, “Amar es para siempre”, “Dos Vidas”, “Disappeared”, “Serve And Protect” e “I Don’t Like Driving”.

Veronica Sanchez nel ruolo dell’ispettore Ortega

Veronica Sanchez ha recitato in numerose serie televisive come “Las hijas de la criada”, “Atasco”, “Sin identidad” e “Loss Cerrano”. Tra i suoi lavori cinematografici figurano film come “Camaron”, “Mia Sarah”, “South From Granada”, “Fat People”, “Las 13 rosas” e “El calentito”. Ha raggiunto la notorietà interpretando Pilar Muniz de Soraluce nella serie Netflix “Morocco: Love In Times Of War”. Il personaggio di Veronica, l’ispettore Ortega, non sembra particolarmente interessato a condurre ricerche approfondite in tutto l’Oasis quando Celia scompare.

Paco Tous nel ruolo del vice ispettore Gines

Paco Tous interpreta il vice ispettore Gines, che lavora sotto la supervisione dell’ispettore Ortega. Quando Celia scompare, sospetta che Dani sia coinvolta nel rapimento perché è stata vista l’ultima volta con lui. Gines si mette nei guai quando non registra le prove rinvenute durante il blitz antidroga all’Oasis. Sia Dani che Helena diventano sospettate agli occhi di Gines dopo aver recuperato un walkie-talkie sul tetto dell’hotel, un’area solitamente interdetta al pubblico.

Paco Tous ha recitato in “Aspettando Dali”, “Con gli anni che mi restano”, “Amore diviso”, “Gun City”, “Il guardiano invisibile” e “Sfida al matrimonio sotto copertura”. Paco ha anche interpretato Mosca nella serie di successo di Netflix “La casa di carta”, ruolo che gli ha dato grande notorietà. Oltre a ciò, ha recitato in altre serie TV come “Paseo”, “El Comisario”, “Zorro” e “You Would Do It Too”.

Altri membri del cast

Manuel Duarte interpreta Pablo, un ragazzo ricco che arriva all’Oasis per fare festa con il suo gruppo di amici. Barta Castane è Maca, la fidanzata di Pablo, sempre insicura perché non ci si può fidare di lui in presenza di altre ragazze nel resort. Ana Molina è Sofia, la sorellastra di Dani, che in seguito si ritrova coinvolta in una relazione disastrosa con Pablo. Cande Mendez è Alicia, la sorella tossicodipendente di Pablo, che mette in pericolo la vita di Jaen dopo un’overdose nella sua auto. Laura Simon interpreta Laura, una ragazza soffocata dal comportamento autoritario della nonna Esparanza. Mercedes Sampiedro interpreta Esparanza, una donna interessata solo agli affari. Jan Buxaderas è Oliver, l’istruttore di golf di Laura e suo ammiratore segreto.

Oasis Resort: spiegazione del finale. Chi ha rapito Celia e cosa significa il cliffhanger?

Oasis Resort, il nuovo mystery spagnolo di Netflix, chiude la prima stagione risolvendo il caso principale ma lasciando aperta la porta a un possibile seguito. L’ottavo episodio svela finalmente l’identità del rapitore di Celia, smaschera la rete criminale nascosta dietro il resort e offre una conclusione positiva ai protagonisti, pur lasciando intendere che la storia potrebbe non essere finita.

Attenzione: seguono spoiler sul finale della prima stagione di Oasis Resort.

Chi ha rapito Celia?

Il colpo di scena più importante del finale riguarda la vera identità della persona che ha rapito Celia. Dopo aver trovato un mozzicone di sigaretta con il simbolo del drago, Dani ed Helena capiscono che tutti gli indizi portano all’ispettrice Sandra Ortega. Quando si recano nella sua stanza scoprono che è sparita, mentre la centrale di polizia non sa dove si trovi. A quel punto Dani comprende che è proprio Ortega la responsabile del rapimento.

La scoperta non si ferma qui. Anche Luis, apparentemente estraneo ai fatti, si rivela coinvolto. Un walkie-talkie identico a quello trovato durante le indagini e una collana con un anello fanno nascere i sospetti su di lui, che vengono confermati attraverso un flashback.

Il traffico di droga nascosto nell’Oasis Resort

Il finale ricostruisce ciò che è realmente accaduto la notte della scomparsa di Celia. Luis confessa alla figlia che la ristrutturazione dell’hotel si è trasformata in un disastro economico. Per evitare il fallimento ha accettato di collaborare con un’organizzazione criminale, utilizzando il resort come copertura per un traffico di droga. Le sostanze stupefacenti vengono nascoste all’interno di grandi vasi decorativi e trasportate fino alla spiaggia grazie all’aiuto di Jaén.

Quando Helena scopre casualmente alcune prove, viene aggredita e ripulita per eliminare ogni traccia. Poco dopo anche Celia arriva troppo vicina alla verità: Ortega la insegue, la colpisce e la rinchiude nella vecchia sala caldaie del resort. Durante il tentativo di fuga, Celia rompe uno dei vasi contenenti la droga, lasciando proprio quel frammento che Dani aveva ritrovato durante le indagini.

Il salvataggio di Celia

Nel finale, Luis cerca di incontrare Ortega per consegnarle una valigia piena di denaro in cambio della liberazione di Celia. L’ispettrice, però, non ha alcuna intenzione di rispettare l’accordo. Colpisce Luis con la pistola, costringe Celia a salire sul suo veicolo e tenta perfino di provocare un incidente per eliminare tutti i testimoni.

Dani ed Helena arrivano appena in tempo. Dopo un inseguimento riescono a fermare Ortega, liberano Celia e la polizia arresta definitivamente l’ispettrice. Durante lo scontro finale Dani ha anche la possibilità di uccidere Ortega, ma esita. La scelta sottolinea uno dei temi principali della serie: la ricerca della giustizia senza trasformarsi nei propri nemici.

Oasis ResortCome si concludono le altre storie

Il finale chiude anche diversi archi narrativi secondari.

Maca, Leo e Jon

Leo decide finalmente di dire la verità a Jon riguardo alle bugie costruite durante la stagione. Anche Maca smette di alimentare gli equivoci e confessa di non essere incinta di Felipe. Dopo numerose incomprensioni, Leo e Jon riescono a perdonarsi, mentre Felipe rimane solo ad affrontare le conseguenze delle proprie azioni.

Laura e Oliver

Oliver scopre che la nonna di Laura vuole vendere il resort perché è gravemente malata di cancro e desidera garantire un futuro economico alla nipote. Invece di rivelare subito la verità a Laura, Oliver stringe un accordo con la donna: restituirà i documenti medici in cambio dell’annullamento della vendita dell’hotel e della possibilità di continuare la loro relazione. È una scelta discutibile, ma nasce dal desiderio di proteggere Laura fino a quando la nonna non sarà pronta a confessare tutto.

Dani, Helena e Celia

Una volta concluso il caso, Helena comprende che tra Dani e Celia esiste ancora un legame profondo. Per questo decide di farsi da parte, lasciando intendere che i due possano ricostruire la loro relazione. L’ultima scena mostra Dani, Helena e Celia insieme nella piscina del resort, accompagnati dal messaggio finale del protagonista: bisogna continuare a provarci, anche dopo mille fallimenti.

Il significato del finale di Oasis Resort

Il finale utilizza il mistero come pretesto per parlare soprattutto di fiducia, seconde possibilità e verità. Ogni personaggio è costretto a confrontarsi con le proprie menzogne: Luis ammette i propri crimini, Leo affronta le conseguenze delle sue bugie, Oliver sceglie di proteggere chi ama e Dani rinuncia alla vendetta personale per affidarsi alla giustizia. Anche il resort, che per tutta la stagione rappresenta un luogo di lusso costruito sopra segreti e corruzione, torna simbolicamente a essere uno spazio di rinascita una volta che la verità viene finalmente alla luce.

Ci sarà una seconda stagione?

La prima stagione conclude tutte le principali storyline, rendendo Oasis Resort una storia sostanzialmente autoconclusiva. Tuttavia, gli autori hanno lasciato spazio per un eventuale seguito.

I protagonisti sono sopravvissuti, il resort potrebbe ospitare nuovi misteri e diversi personaggi hanno ancora margini di evoluzione. Al momento, però, Netflix non ha ancora annunciato ufficialmente il rinnovo della serie per una seconda stagione. Se la serie otterrà buoni risultati di visualizzazione, il finale lascia abbastanza elementi per tornare all’Oasis Resort con una nuova indagine e nuovi segreti da svelare.

Aaron Taylor-Johnson dà la caccia al licantropo nella prima immagine di Werwulf di Robert Eggers

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Dopo il successo di Nosferatu, Robert Eggers è pronto a esplorare un nuovo mito dell’orrore con Werwulf, film che arriverà nelle sale il 25 dicembre 2026. La prima immagine ufficiale mostra Aaron Taylor-Johnson nei panni del protagonista, un abitante dell’Inghilterra del XIII secolo impegnato nella caccia a una misteriosa creatura destinata a cambiare per sempre il suo destino.

Lo scatto, pubblicato da Esquire, offre un primo sguardo al personaggio interpretato da Taylor-Johnson: barba incolta, lancia in mano e tre cani da caccia al suo fianco mentre attraversa una foresta oscura e nebbiosa. Secondo la sinossi ufficiale, il villaggio è terrorizzato da un licantropo che finirà per trasmettere al protagonista la stessa maledizione. Il film è stato scritto da Robert Eggers insieme allo scrittore islandese Sjón e presenterà dialoghi interamente recitati in inglese medio, una scelta che conferma l’attenzione del regista per il rigore storico. Nel cast figurano anche Lily-Rose Depp, Willem Dafoe, Ralph Ineson, Jan Bijvoet, Jack Morris, Bodhi Rae Breathnach e Ritchi Edwards, molti dei quali già protagonisti del precedente Nosferatu.

L’aspetto più interessante di Werwulf è che rappresenta una svolta nella filmografia di Eggers. Dopo aver riletto classici come Nosferatu e aver attinto a leggende storiche con The Northman, il regista realizza questa volta una storia completamente originale. Il folklore del licantropo diventa quindi terreno fertile per costruire un racconto inedito, senza il vincolo di adattare un’opera già esistente. Considerando il modo in cui Eggers ha reinventato il mito del vampiro, è lecito aspettarsi un approccio altrettanto radicale e inquietante alla figura del lupo mannaro.

Aaron Taylor-Johnson in WERWULF
Credit: Rory Mulvey / © 2026 FOCUS FEATURES LLC

Werwulf potrebbe reinventare il mito del licantropo dopo Nosferatu

Il successo di Nosferatu, capace di superare i 180 milioni di dollari al box office mondiale e ottenere un forte consenso della critica, ha consolidato Robert Eggers come uno dei principali autori dell’horror contemporaneo. Con Werwulf, il regista sembra intenzionato a proseguire la sua esplorazione delle creature leggendarie, ma cambiando prospettiva.

Il protagonista non sarà semplicemente un cacciatore di mostri. La storia suggerisce infatti una progressiva trasformazione che lo porterà a condividere la stessa maledizione del licantropo che sta inseguendo. Questo ribaltamento narrativo apre la strada a una riflessione sull’identità, sull’istinto animale e sulla perdita dell’umanità, temi perfettamente in linea con il cinema di Eggers.

Anche la scelta di ambientare il racconto nell’Inghilterra medievale e utilizzare l’inglese medio promette un’esperienza immersiva, lontana dagli horror commerciali contemporanei. Più che un semplice film di mostri, Werwulf potrebbe diventare una nuova rilettura del folklore europeo attraverso il linguaggio autoriale che ha reso Robert Eggers uno dei cineasti più riconoscibili degli ultimi anni.

Reunion di Pirati dei Caraibi (e di Orgoglio e Pregiudizio) per il prossimo progetto di Keira Knightley

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A quasi vent’anni dall’ultima volta insieme sul grande schermo, Keira Knightley e Tom Hollander sono pronti a ritrovarsi in un nuovo progetto cinematografico. I due attori, che avevano condiviso la saga di Pirati dei Caraibi nei panni di Elizabeth Swann e del perfido Lord Cutler Beckett, reciteranno insieme nella dark comedy The Worst, nuovo film del regista esordiente Simon Woods. I due avevano lavorato insieme anche in Orgoglio e Pregiudizio di Joe Wright.

La notizia è stata anticipata da Variety, che ha confermato l’ingresso di Tom Hollander nel cast del film insieme ad Anthony Boyle, Sam Claflin, Josh Finan, Anna Maxwell Martin, Dustin Demri-Burns e Sian Clifford. Keira Knightley era già stata annunciata nei mesi scorsi insieme a Alicia Vikander, Erin Kellyman, Zackary Momoh ed Eka Chavleishvili. Attualmente in lavorazione nel sud della Francia, The Worst viene descritto come una satira nera sulle élite contemporanee, ambientata durante una lussuosa vacanza in uno château francese che si trasforma progressivamente in un disastro. Hollander interpreterà Max, marito della ricca Emily Fisher (Vikander), mentre Knightley vestirà i panni di Holly, una consulente specializzata in inclusione e diversità destinata a entrare in conflitto con gran parte degli ospiti della villa. Al momento non è stata annunciata una data di uscita.

Pur non essendo collegato all’universo di Pirati dei Caraibi, il nuovo film assume inevitabilmente un valore simbolico per i fan della saga Disney. Knightley e Hollander avevano condiviso il grande schermo per l’ultima volta nel 2007 in Ai confini del mondo, il capitolo che concludeva il primo grande arco narrativo della serie. Rivederli insieme rappresenta quindi una piccola reunion di uno dei franchise più importanti degli anni Duemila, proprio mentre il futuro di Pirati dei Caraibi 6 continua a rimanere avvolto nell’incertezza e senza conferme sul possibile ritorno del cast storico.

The Worst riunisce un cast di prestigio tra satira sociale e grandi ritorni

Oltre alla curiosità per la reunion tra Keira Knightley e Tom Hollander, The Worst si presenta come uno dei progetti indipendenti più interessanti in lavorazione. Simon Woods sceglie infatti di raccontare le contraddizioni dell’élite contemporanea attraverso una commedia nera in cui privilegi, ipocrisie e tensioni personali esplodono durante una cena tra amici facoltosi.

Il cast riflette questa ambizione. Accanto ai protagonisti troviamo Alicia Vikander, vincitrice del Premio Oscar, Sam Claflin, già protagonista di numerosi drammi storici e thriller, ed Erin Kellyman, volto emergente già visto nell’universo di Star Wars e del Marvel Cinematic Universe. Ogni personaggio sembra rappresentare un diverso volto delle dinamiche sociali contemporanee, trasformando la permanenza nello château francese in un gioco di alleanze, conflitti e segreti destinati a emergere.

Per Keira Knightley si tratta inoltre di un’altra scelta significativa dopo il successo della serie Netflix Black Doves e del thriller The Woman in Cabin 10, confermando la volontà dell’attrice di alternare grandi produzioni a opere più autoriali. Se The Worst manterrà le promesse della sua premessa narrativa, potrebbe diventare non solo una gradita reunion per i fan di Pirati dei Caraibi, ma anche una delle satire più interessanti del prossimo panorama cinematografico.

Spider-Man: Brand New Day svela il nuovo costume di Tom Holland, omaggio alle versioni di Tobey Maguire e Andrew Garfield

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Il nuovo costume di Spider-Man: Brand New Day non rappresenta soltanto un cambio di look per Peter Parker, ma un vero manifesto narrativo. Tom Holland ha confermato che la tuta indossata nel prossimo film Marvel è stata progettata come un omaggio agli Spider-Man interpretati da Tobey Maguire e Andrew Garfield, creando un ponte diretto con gli eventi di Spider-Man: No Way Home e con l’eredità cinematografica del personaggio.

In un video diffuso da Sony Pictures, Holland ha raccontato che il team creativo ha voluto realizzare una tuta che fosse una sorta di “figlio” dei tre costumi cinematografici, fondendo elementi delle versioni viste nel Marvel Cinematic Universe con quelle dei precedenti Spider-Man. Il regista Destin Daniel Cretton ha spiegato che il nuovo design punta a una maggiore semplicità e fisicità: il costume è realizzato con materiali reali, presenta pieghe e imperfezioni visibili e vuole restituire la sensazione di un Peter Parker che costruisce personalmente il proprio equipaggiamento. Una scelta coerente con il finale di No Way Home, dove Peter, dopo l’incantesimo del Dottor Strange che cancella ogni ricordo della sua esistenza, perde il supporto delle Stark Industries e torna a essere un giovane eroe costretto ad arrangiarsi con mezzi limitati. Oltre al nuovo costume, Brand New Day introdurrà anche un’altra importante novità: Peter svilupperà la capacità di lanciare ragnatele organiche, proprio come lo Spider-Man interpretato da Tobey Maguire.

Questi cambiamenti non sono semplici dettagli estetici. Marvel sembra voler ridefinire completamente l’identità dello Spider-Man di Tom Holland dopo aver chiuso il lungo capitolo legato a Tony Stark. Se la trilogia precedente raccontava la crescita di un adolescente guidato dai mentori, Brand New Day sembra voler riportare Peter alle sue radici più classiche: uno studente brillante ma economicamente in difficoltà, che costruisce da solo il proprio costume e affronta il crimine senza il sostegno della tecnologia avanzata. L’omaggio ai due Spider-Man precedenti diventa così anche una dichiarazione d’intenti: il futuro del personaggio passa attraverso il recupero della sua essenza più autentica.

Il nuovo Peter Parker eredita il passato degli Spider-Man per costruire il futuro del MCU

Il finale di Spider-Man: No Way Home ha rappresentato uno dei momenti più importanti dell’intero Marvel Cinematic Universe. L’incantesimo del Dottor Strange ha cancellato Peter Parker dalla memoria del mondo, lasciandolo completamente solo e costringendolo a ricominciare da zero. Brand New Day raccoglie proprio quell’eredità, mostrando un eroe molto più vicino alla versione classica dei fumetti creati da Stan Lee e Steve Ditko.

La nuova tuta riflette perfettamente questa evoluzione narrativa. Non è più il simbolo dell’eredità tecnologica di Iron Man, ma un costume costruito con materiali semplici, ispirato tanto alle prime avventure dei fumetti quanto ai film di Tobey Maguire e Andrew Garfield. Anche la comparsa delle ragnatele organiche rappresenta un collegamento diretto con il Peter Parker interpretato da Maguire, suggerendo che l’esperienza multiversale vissuta in No Way Home abbia lasciato conseguenze permanenti sul protagonista.

Con il ritorno di Zendaya, Jacob Batalon, Michael Mando, Mark Ruffalo e Jon Bernthal, oltre ai nuovi ingressi di Sadie Sink, Tramell Tillman, Eman Esfandi e Liza Colón-Zayas, Spider-Man: Brand New Day si prepara a inaugurare una nuova fase della storia dell’Uomo Ragno nel MCU. Più che un semplice sequel, il film appare come un nuovo punto di partenza: un Peter Parker finalmente indipendente, che porta con sé il meglio delle tre incarnazioni cinematografiche del personaggio per costruire il proprio futuro.

The Bear – Stagione 5, recensione: lo show ritrova la sua anima ma non la redenzione

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Nonostante il fatto che il motto della serie sia “ogni secondo conta”, The Bear ha passato gli ultimi anni a dare l’impressione di aver perso tempo. Dopo le prime due stagioni straordinarie, complementari e contrarie, capaci di ridefinire il racconto televisivo del lavoro, dell’ansia e delle relazioni familiari, il fenomeno creato da Christopher Storer sembrava essersi progressivamente smarrito in un labirinto di traumi, autoanalisi e digressioni sempre più autoreferenziali, che allontanavano lo spettatore dai personaggi i quali giravano su se stessi senza nessuna direzione precisa.

The Bear – Stagione 5, ciclo conclusivo dello show, arriva con una missione molto precisa: chiudere i conti con il passato e ricordare al pubblico cosa aveva reso speciale la serie sin dall’inizio. E qui abbiamo già una buona notizia: la missione viene compiuta con successo. Non senza inciampi, ma con una convinzione che mancava da tempo. Gli ultimi episodi di The Bear rappresentano un ritorno alle origini, una scelta quasi programmatica che riporta la cucina, il lavoro di squadra e il senso di urgenza al centro del racconto.

Carmy fa finalmente un passo indietro

Uno dei principali problemi delle ultime stagioni era diventato paradossalmente proprio Carmy. Jeremy Allen White continua a essere un interprete eccezionale, ma la serie aveva progressivamente trasformato il suo protagonista in un buco nero narrativo capace di assorbire ogni energia attorno a sé. Le sofferenze, i blocchi emotivi e le ossessioni dello chef avevano finito per monopolizzare il racconto, relegando il resto del cast a semplici satelliti.

La decisione di far uscire Carmy dal progetto del ristorante rappresenta quindi la migliore intuizione narrativa del finale della quarta stagione, che in questo ciclo diventa fondamentale. E tutto questo senza sparire: Carmy continua a essere presente, ma per la prima volta appare quasi come un fantasma che osserva il proprio mondo mentre prova a lasciarlo andare. Questa posizione gli permette finalmente di respirare come personaggio e, soprattutto, consente agli altri di emergere. Finalmente.

È una scelta che restituisce equilibrio alla serie e che sembra quasi una presa di coscienza da parte degli stessi autori: The Bear non ha mai funzionato davvero come storia di un singolo individuo, ma come racconto corale di una comunità, di una brigata.

The Bear - Stagione 5La cucina torna a essere il vero protagonista

Per capire perché questa stagione funziona bisogna guardare alla sua struttura. L’intera narrazione si sviluppa nell’arco di una sola giornata, seguendo le ore che precedono e accompagnano un servizio destinato a decidere il futuro del ristorante.

Si tratta di una dilatazione del tempo utilizzata già da alcuni degli episodi più riusciti della serie. Il beneficio più evidente è che permette di recuperare quella tensione costante che aveva caratterizzato gli esordi. Pioggia torrenziale, problemi tecnici, consegne a rischio, prenotazioni in bilico e continui imprevisti trasformano il servizio in una vera e propria corsa contro il tempo. Un inferno in cui i nostri protagonisti navigano a vista, questa volta però con grande padronanza della barca.

Il secondo beneficio di questa struttura permette alla serie di riallineare la rotta: riducendo il campo d’azione, The Bear ritrova la propria identità. La cucina torna a essere un campo di battaglia, i piatti diventano decisioni urgenti, ogni errore può compromettere l’intera serata. Soprattutto il cibo torna a essere protagonista: nei piatti, nelle inquadrature ravvicinate di padelle e pentole, nelle scelte cromatiche e negli impiattamenti di alta cucina. Il cibo torna a essere ragione e fine di ogni singolo pensiero dei protagonisti e con loro dello spettatore. Proprio quello che significa ritrovare la propria identità.

Sydney, Richie e Natalie raccolgono l’eredità

Come anticipato, l’arretramento di Carmy permette agli altri di emergere con convinzione, sviluppando il cuore emotivo di The Bear – Stagione 5Sydney smette finalmente di interrogarsi continuamente sul proprio futuro e viene messa alla prova sul campo. Non più allieva, non più collaboratrice, una leader chiamata a prendere decisioni difficili in tempo reale. Ayo Edebiri conferma ancora una volta di essere una delle anime più preziose della serie, riuscendo a trasmettere sicurezza e fragilità, urgenza e gentilezza: un nuovo modo di intendere l’alta cucina, lontano dalla violenza del vecchio mondo, ma sempre alla ricerca della perfezione. Una leader della Gen Z. Anche Richie continua il percorso di maturazione che aveva rappresentato una delle sorprese più belle delle stagioni precedenti. Ebon Moss-Bachrach riesce ancora una volta a rendere irresistibile un uomo che vive costantemente in equilibrio tra caos e responsabilità, regalandoci ancora una volta il personaggio il miglior personaggio della serie.

Ma la vera rivelazione è Natalie/Sugar. Per anni rimasta ai margini delle dinamiche principali, qui diventa il simbolo della crescita collettiva della famiglia Berzatto. Il momento in cui Donna le riconosce il merito per quanto costruito con quel ristorante rappresenta uno dei passaggi emotivamente più significativi dell’intera serie. La risposta di Natalie — “Lo abbiamo fatto tutti” — diventa quasi una dichiarazione d’intenti per questa stagione. The Bear smette di essere la storia di Carmy e torna a essere la storia di tutti. E non è un caso che a sancirlo sia proprio quella Sugar che rappresenta, con la baby Susie appena arrivata nella famiglia, un futuro ancora senza paracadute ma con un capitano, finalmente.

The Bear - Stagione 5Meno divagazioni, più sostanza

Uno degli aspetti più apprezzabili di The Bear – Stagione 5 è la capacità di eliminare molte delle distrazioni che avevano rallentato il racconto. Le apparizioni di star celebri vengono ridotte al minimo. Le lunghe deviazioni narrative che avevano caratterizzato alcune puntate recenti spariscono del tutto. Persino la storyline sentimentale di Carmy, che aveva occupato uno spazio sproporzionato rispetto al suo reale interesse drammatico, viene sostanzialmente accantonata.

La serie torna a concentrarsi su ciò che sa fare meglio: lavoro, relazioni, responsabilità, fallimenti, successi. Tutto all’interno delle quattro mura della cucina del The Bear (il ristorante).

Anche la colonna sonora contribuisce a questa sensazione di rinnovamento. L’abbandono parziale delle classiche selezioni rock a favore delle composizioni elettroniche imprime alla stagione un ritmo più compatto e nervoso. Ogni battito musicale sembra accompagnare il funzionamento della cucina, trasformando il ristorante in una macchina che rischia costantemente di esplodere. È una scelta efficace che restituisce urgenza e coesione all’intero racconto.

Un finale che salva il ricordo della serie

È chiaro che una buona stagione conclusiva non fa del tutto ammenda per una serie che, partita con tre stelle Michelin, si è poi sgonfiata, cadendo vittima di se stessa, dei propri slogan e di alcuni facili sentimentalismi. Eppure il bilancio finale rimane positivo. La volontà di ritrovare l’essenza originaria del progetto emerge con chiarezza e la serie torna a quel nucleo semplice che era stato il punto di partenza: persone che cercano disperatamente di fare qualcosa di bello insieme.

The Bear – Stagione 5 paga il prezzo di troppe deviazioni, eppure chiude il cerchio nel migliore dei modi possibili, dilatando e riempiendo di passione ognuno di quei secondi che contano, lasciando al pubblico il sapore di un viaggio gonfio di emozione, di percorsi che sono pronti a ricominciare, di aspettative per il futuro che non conosceremo, ma che potremo immaginare.

Furious, il primo trailer della serie con Emmy Rossum

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Furious, il primo trailer della serie con Emmy Rossum

Disney+ ha annunciato che Furious, la nuova serie drama originale Hulu, debutterà il 27 luglio su Disney+ a livello internazionale e su Hulu negli Stati Uniti con tre episodi, seguiti da nuovi episodi ogni settimana. Sono disponibili le prime immagini della serie. Oggi ha presentato il primo trailer.

Ideata da Elizabeth Meriwether, che ne è anche executive producer, Furious segue le vicende di Alice Black (Emmy Rossum), un’agente dell’FBI alla ricerca di una serial killer misteriosa e scaltra. Entrambe percorrono la propria strada verso la giustizia, ma quando le loro vite iniziano a intrecciarsi, il confine tra giusto e sbagliato comincia a sfumare.

Il cast della serie comprende Emmy Rossum, Lola Petticrew, Scoot McNairy, Quincy Tyler Bernstine e Jake Lacy. Furious è ideata e scritta da Elizabeth Meriwether, che ne è anche executive producer. Emmy Rossum è executive producer per Composition 8, insieme a Ronald Bass, Matt Olmstead e Sam Hoffman. Brian Kirk è executive producer per gli episodi 101 e 102, che ha anche diretto. La serie è prodotta da 20th Television e Searchlight Television.

X-Men ’97 continuerà ancora a lungo: Marvel conferma che le stagioni 3 e 4 sono già in sviluppo

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Il successo di X-Men ’97 non accenna a fermarsi. Mentre la seconda stagione si prepara al debutto su Disney+, emergono importanti aggiornamenti sul futuro della serie animata Marvel. La produzione ha infatti già avviato i lavori sulle stagioni 3 e 4, con la promessa che i lunghi tempi di attesa tra un capitolo e l’altro non si ripeteranno più. Una notizia che conferma quanto Marvel Studios consideri ormai gli X-Men animati una delle colonne portanti della propria strategia.

A rivelarlo è stato Larry Houston, produttore della serie, durante un’intervista a The Direct. Houston ha spiegato che i ritardi verificatisi tra la prima e la seconda stagione sono stati un caso isolato dovuto a problemi produttivi ormai risolti. Secondo il produttore, Marvel ha imparato dagli errori del passato e le future stagioni arriveranno con una cadenza molto più regolare. Nel frattempo, X-Men ’97 continua a raccogliere risultati straordinari anche sul fronte della critica: dopo il 99% ottenuto dalla prima stagione su Rotten Tomatoes, la seconda ha debuttato addirittura con un perfetto 100%, rafforzando il suo status di una delle produzioni Marvel Studios più apprezzate degli ultimi anni. Anche il responsabile di Marvel Television, Brad Winderbaum, aveva recentemente dichiarato di sperare che la serie possa raggiungere almeno cinque stagioni, proprio come l’originale X-Men: The Animated Series.

Questa continuità produttiva racconta qualcosa di molto più importante di un semplice rinnovo. Dopo anni in cui l’universo televisivo Marvel ha alternato progetti autoconclusivi e strategie spesso poco coordinate, X-Men ’97 sta assumendo il ruolo di franchise seriale stabile, capace di costruire un racconto a lungo termine. È una scelta che riflette anche il crescente peso degli X-Men all’interno del Marvel Cinematic Universe: mentre i mutanti stanno per fare il loro ritorno sul grande schermo con Avengers: Doomsday e Marvel sviluppa il nuovo reboot cinematografico diretto da Jake Schreier, la serie animata diventa il laboratorio ideale per approfondire personaggi e dinamiche che il cinema difficilmente potrebbe esplorare con la stessa continuità.

X-Men ’97 diventa il pilastro dell’era mutante del Marvel Cinematic Universe

L’importanza di X-Men ’97 va ormai ben oltre il semplice effetto nostalgia. Nata come sequel diretto della storica serie animata degli anni Novanta, la produzione è riuscita a conquistare anche una nuova generazione di spettatori grazie a una scrittura più matura, temi politici ancora attuali e una profonda attenzione allo sviluppo dei protagonisti.

La seconda stagione proseguirà le vicende di personaggi come Tempesta, Wolverine, Ciclope, Rogue, Magneto e Professor X, mentre le stagioni successive avranno il compito di accompagnare gradualmente il ritorno degli X-Men anche nel live-action. La contemporanea presenza della serie animata e del nuovo corso cinematografico potrebbe trasformare i mutanti nel centro creativo della nuova fase Marvel, con due universi narrativi differenti ma complementari.

Se davvero Marvel riuscirà a mantenere una pubblicazione annuale delle nuove stagioni, X-Men ’97 potrebbe diventare il primo vero appuntamento fisso dell’animazione Marvel Studios. Una continuità che consentirebbe di raccontare archi narrativi molto più estesi rispetto ai film e di consolidare definitivamente il ruolo degli X-Men come uno dei franchise più importanti dell’intero MCU.

Supergirl, spiegazione del finale: cosa ci dice la scelta di Kara Zor-El in merito al suo futuro nel DCU

Dopo il cameo in Superman, Supergirl porta finalmente Milly Alcock al centro del nuovo DC Universe di James Gunn, raccontando una versione di Kara Zor-El molto diversa da quella vista finora sul grande schermo. Più dura, più cinica e profondamente segnata dalla distruzione di Krypton, questa Supergirl intraprende un viaggio che la porterà a ritrovare uno scopo e a scegliere, per la prima volta, la Terra come possibile casa.

Il finale del film non chiude soltanto la sua avventura con Krypto e Ruthye, ma getta anche le basi per il futuro dell’intero DCU.

Kara sceglie finalmente di tornare sulla Terra

Milly Alcock come Kara Zor in SupergirlPer gran parte del film Kara evita di stabilirsi sulla Terra, preferendo vagare nello spazio nel tentativo di sfuggire al dolore provocato dalla perdita di Krypton. A differenza di Clark Kent, cresciuto come essere umano e profondamente legato ai valori della famiglia Kent, Kara ha vissuto direttamente la civiltà kryptoniana e ha assistito alla sua distruzione. Il trauma l’ha trasformata in una persona incapace di sentirsi davvero a casa ovunque.

L’avventura vissuta insieme a Ruthye e il salvataggio di Krypto cambiano però la sua prospettiva. Aiutare gli altri le permette di ritrovare uno scopo e di comprendere che non può continuare a fuggire dal proprio passato. Per questo il film si conclude con Kara che decide di tornare sulla Terra e dare finalmente una possibilità al mondo adottivo di suo cugino Superman.

Perché Supergirl uccide Krem

Milly Alcock e Matthias Schoenaerts in Supergirl
Milly Alcock e Matthias Schoenaerts in Supergirl. Foto di Warner Bros. Pictures ©

Il momento più discusso del finale riguarda sicuramente il destino di Krem. Durante tutto il film Kara cerca di convincere Ruthye a non lasciarsi consumare dalla vendetta. La ragazza vuole uccidere l’assassino della propria famiglia, ma Supergirl insiste perché non attraversi quel confine. Quando Ruthye decide di risparmiare Krem, però, è Kara stessa a eliminarlo pochi istanti dopo. Non si tratta di una contraddizione, ma di una precisa caratterizzazione del personaggio.

Questa Supergirl non condivide il codice morale assoluto di Superman. Cresciuta su Krypton e non sulla Terra, considera la forza letale un’opzione estrema ma legittima quando serve a impedire che un criminale continui a fare del male. Allo stesso tempo vuole evitare che Ruthye debba convivere per tutta la vita con il peso psicologico di aver tolto una vita. Kara sceglie quindi di caricarsi personalmente di quella responsabilità. È una decisione che evidenzia la principale differenza tra i due cugini kryptoniani e promette di creare interessanti conflitti morali nei futuri film del DCU.

Che fine fa Lobo

Jason Momoa Lobo SupergirlTra le sorprese del film c’è anche il debutto di Lobo, interpretato da Jason Momoa. Il celebre cacciatore di taglie cosmico incrocia il cammino di Kara perché impegnato in una missione personale che finisce per intrecciarsi con quella della protagonista.

Nel finale, dopo la morte di Krem, Lobo riprende semplicemente il proprio viaggio nello spazio. Non viene sconfitto né arrestato e il film lascia chiaramente aperta la porta a un suo ritorno. La sua presenza amplia inoltre il lato cosmico del nuovo DC Universe e suggerisce che potrà comparire in progetti dedicati alle Lanterne Verdi, a Superman o ad altri personaggi spaziali.

Il vero significato del finale

SupergirlPiù che un classico film di supereroi, Supergirl racconta un percorso di elaborazione del trauma. Sia Kara sia Ruthye hanno perso tutto a causa della violenza e trascorrono buona parte della storia cercando un modo per convivere con quel dolore. La differenza sta nel modo in cui scelgono di reagire. Ruthye rinuncia alla vendetta, dimostrando di non voler permettere che l’odio definisca la propria vita.

Kara, invece, comprende che il suo ruolo non è dimenticare Krypton, ma usare quella sofferenza per proteggere chi rischia di vivere tragedie simili. Il messaggio del film è che il dolore non può essere cancellato, ma può trasformarsi nella forza che spinge ad aiutare gli altri.

Come il finale prepara il futuro del DC Universe

Milly Alcock in Supergirl
Milly Alcock in Supergirl. Foto di Warner Bros. Pictures ©

L’ultima scena lascia intendere che Kara sarà molto più presente nei prossimi capitoli del DC Universe. Il suo ritorno sulla Terra apre infatti diverse possibilità narrative: potrà combattere al fianco di Superman nelle future minacce globali; potrebbe entrare a far parte di una futura Justice League o della Justice Gang; la sua esperienza nello spazio la rende anche una candidata ideale per le storie più cosmiche del DCU. 

Allo stesso tempo rimane una sostanziale differenza rispetto a Clark Kent: Kara è disposta a uccidere quando ritiene che sia necessario. Questa diversa visione dell’eroismo potrebbe diventare uno dei conflitti più interessanti del nuovo universo cinematografico DC, mettendo a confronto due kryptoniani uniti dagli stessi ideali di protezione ma profondamente diversi nel modo di applicarli. Il finale di Supergirl, quindi, non rappresenta soltanto la conclusione del viaggio personale di Kara Zor-El, ma anche il primo passo verso un ruolo centrale all’interno del futuro del DC Universe.

Ciuchino, in lavorazione lo spin-off. Arriverà nel 2028

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Ciuchino, in lavorazione lo spin-off. Arriverà nel 2028

L’universo di Shrek continua a espandersi. Dopo il ritorno dell’orco verde previsto con Shrek 5 nel 2027, DreamWorks e Universal hanno annunciato ufficialmente Ciuchino, il primo film interamente dedicato all’esuberante compagno di viaggio di Shrek. Lo spin-off arriverà nelle sale il 30 giugno 2028 e racconterà le origini del personaggio, ancora una volta doppiato da Eddie Murphy, uno dei volti più iconici dell’intero franchise.

L’annuncio è stato diffuso da Variety, che conferma anche il team creativo del progetto. Charlie Bean (The Lego Ninjago Movie, Lilli e il vagabondo in live-action) dirigerà il film, affiancato dal co-regista Matt Flynn, storyboard artist di produzioni DreamWorks come Il robot selvaggio, Il gatto con gli stivali 2 – L’ultimo desiderio e Troppo cattivi 2. La produzione sarà invece affidata a Rebecca Huntley, già produttrice di Kung Fu Panda 4 e Troppo cattivi. Il film sarà un vero e proprio origin story, svelando per la prima volta come il celebre asino parlante sia diventato il Ciuchino conosciuto dal pubblico. L’uscita seguirà di un anno quella di Shrek 5, che riporterà sullo schermo Mike Myers, Cameron Diaz, Eddie Murphy e introdurrà anche Zendaya nel cast vocale.

La scelta di dedicare un lungometraggio a Ciuchino dimostra quanto DreamWorks creda ancora nel potenziale del mondo di Shrek. Se gli spin-off del Gatto con gli Stivali hanno dimostrato che i personaggi secondari possono sostenere racconti autonomi di grande successo, Ciuchino rappresenta forse la sfida più delicata. Il personaggio è sempre stato la spalla comica per eccellenza, costruito sul ritmo delle battute e sul contrasto con la personalità burbera di Shrek. Trasformarlo nel protagonista assoluto richiederà un equilibrio diverso, capace di approfondirne il passato senza perdere quella spontaneità che lo ha reso uno dei personaggi animati più amati degli ultimi venticinque anni.

L’origine di Ciuchino potrebbe riscrivere uno dei grandi misteri del mondo di Shrek

shrek-tramaUno degli aspetti più curiosi dell’annuncio riguarda proprio la natura di origin story del film. Nei quattro capitoli principali della saga, infatti, il passato di Ciuchino è sempre rimasto avvolto nel mistero. Non è mai stato spiegato perché un asino possa parlare, quale sia stata la sua vita prima dell’incontro con Shrek o come abbia sviluppato quell’inesauribile entusiasmo che lo contraddistingue.

Un film dedicato alle sue origini offre quindi l’occasione di espandere la mitologia del franchise senza limitarsi alla nostalgia. DreamWorks potrebbe approfondire nuovi angoli del regno di Molto Molto Lontano, introdurre personaggi inediti e spiegare dettagli rimasti volutamente in sospeso fin dal primo film del 2001. Allo stesso tempo, il progetto conferma una strategia ormai evidente: costruire un vero universo narrativo di Shrek, alternando sequel e spin-off come già avvenuto con il Gatto con gli Stivali.

Ragione e Sentimento: Daisy Edgar-Jones protagonista del primo trailer del nuovo adattamento da Jane Austen

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Daisy Edgar-Jones entra ufficialmente nell’universo cinematografico di Jane Austen. Focus Features ha diffuso il primo trailer di Ragione e Sentimento, nuova trasposizione del celebre romanzo Ragione e sentimento, affidando alla star il ruolo di Elinor Dashwood. Un progetto che punta a riportare sul grande schermo uno dei testi più amati della letteratura inglese e che arriva inevitabilmente sotto il peso del confronto con l’acclamata versione del 1995 diretta da Ang Lee.

Il film segue la storia delle sorelle Dashwood, costrette a lasciare la propria tenuta dopo la morte del padre e a trasferirsi con la madre in una modesta abitazione di campagna. In questo nuovo contesto, Elinor e Marianne si troveranno ad affrontare le prime esperienze amorose, tra passioni travolgenti, delusioni e sacrifici. Accanto a Daisy Edgar-Jones figurano Esmé Creed-Miles nel ruolo di Marianne, Caitríona Balfe come Mrs. Dashwood, George MacKay nei panni di Edward Ferrars, Frank Dillane come John Willoughby e Fiona Shaw nel ruolo di Mrs. Jennings. La regia è affidata a Georgia Oakley, autrice dell’acclamato Blue Jean, mentre la produzione è curata da Working Title Films, lo storico studio dietro titoli come Love Actually, Il diario di Bridget Jonese l’adattamento di Orgoglio e pregiudizio con Keira Knightley. L’uscita americana è prevista per il 16 ottobre.

Il primo trailer suggerisce una scelta precisa: non reinventare Austen, ma abbracciarne pienamente l’eleganza classica. In un panorama dominato da reinterpretazioni moderne e riletture contemporanee dei grandi classici, Ragione e sentimento sembra voler recuperare il fascino della tradizione, affidandosi alla forza della scrittura originale e alla sensibilità visiva di Oakley. È una decisione che potrebbe rivelarsi vincente, soprattutto in un momento in cui il pubblico sembra riscoprire il piacere delle storie romantiche costruite su emozioni trattenute, tensioni sociali e dialoghi raffinati piuttosto che su svolte spettacolari.

Daisy Edgar-Jones raccoglie l’eredità di Emma Thompson in uno dei ruoli più importanti di Jane Austen

La vera sfida del film riguarda inevitabilmente il confronto con Ragione e sentimento, la celebre versione del 1995 diretta da Ang Lee, considerata ancora oggi uno degli adattamenti più riusciti dell’opera di Austen. Quel film non solo conquistò critica e pubblico, ma valse a Emma Thompson l’Oscar per la sceneggiatura, mentre contribuì a consacrare definitivamente Kate Winslet come una delle giovani attrici più promettenti della sua generazione.

Ora tocca a Daisy Edgar-Jones raccogliere quell’eredità. Dopo aver costruito la propria reputazione attraverso titoli come Normal People e Twisters, l’attrice affronta un personaggio che rappresenta perfettamente il cuore tematico del romanzo. Elinor Dashwood è infatti l’incarnazione della ragione evocata dal titolo: una donna costretta a controllare emozioni e desideri per senso del dovere, in costante contrasto con l’impulsività della sorella Marianne.

Il film potrebbe inoltre consolidare la crescita artistica di Georgia Oakley, regista che con Blue Jean aveva già dimostrato una notevole sensibilità nel raccontare personaggi complessi e conflitti interiori. Se riuscirà a trasportare quella stessa profondità emotiva nel mondo di Austen, questo nuovo Ragione e sentimento potrebbe diventare molto più di un semplice remake: un ponte tra la tradizione letteraria e una nuova generazione di spettatori alla ricerca di storie romantiche capaci di parlare ancora al presente.

Piccolo miracolo, recensione: la soluzione di Guido Chiesa alla speculazione edilizia

Palazzinari, abusi edilizi, speculazione: termini drammaticamente usuali per le cronache italiane, che si tratti di vincoli paesaggistici ignorati o di terreni interessati dallo sviluppo cittadino è dagli anni del ‘Boom’ che il cinema racconta storie di quotidiana disonestà e di soprusi ai danni della ‘povera gente’, generalmente ignorata dalla giustizia. Alla quale si sostituisce idealmente Guido Chiesa con il suo Piccolo miracolo, film ispirato al romanzo di Fabio Bartolomei “La grazia del demolitore”, adattato da Nicoletta Micheli a partire da un soggetto scritto con Edoardo Leo (che compare anche tra i produttori), che arriva sullo schermo grazie a 01 Distribution a partire dal 25 giugno. Affiancati da un cast di solidi comprimari, nel quale spiccano Giorgio Colangeli e Gian Marco Tognazzi, come protagonisti troviamo Marco D’Amore e Greta Scarano, rispettivamente nei panni del giovane architetto al quale il padre vorrebbe poter affidare l’impresa di famiglia e in quelli della donna vittima dei loro piani.

La trama di Piccolo Miracolo

Il quarantenne Davide Lancia (D’Amore) è un figlio ‘d’arte’, il padre (Colangeli) è uno dei più potenti imprenditori edili della Capitale, il classico palazzinaro, che grazie al favore di amici politici ha potuto mettere le mani su un terreno in periferia dove sviluppare l’ennesimo progetto molto remunerativo. Non prima di aver sgomberato – e abbattuto – l’unica costruzione che ancora ritarda l’inizio dei lavori. Un compito che l’esperto speculatore affida al figlio, architetto coinvolto con due amici in tutt’altre attività, nella speranza che ‘si faccia le ossa’ e inizi a capire come va il mondo. Il loro mondo.

Per caso, durante un sopralluogo, Davide conosce Ursula (Scarano), la giovane donna non vedente che vive nell’ultimo appartamento occupato della palazzina malandata, l’ostacolo al piano del padre che lui dovrebbe rimuovere. Approfittando della condizione della ragazza, Davide si finge un’altra persona e come tale inizia a entrare in confidenza con Ursula, e a empatizzare con il dramma che sarebbe per lei il dover lasciare la casa e il quartiere nei quali vive da anni. Ma le bugie hanno le gambe corte, e la verità non tarda a emergere, portando con sé conseguenze che nessuno dei personaggi coinvolti – compresi i poco presentabili compagni del truce “Re Bibbia” (Tognazzi) – avrebbe potuto immaginare.

Tra favola morale e critica sociale

Questo sulla carta, ché in realtà la maggior parte degli spettatori più smaliziati un’idea di dove la vicenda andrà a parare se la saranno già fatta: un ‘problema’ forse inevitabile, che intelligentemente il film sembra scegliere di non porsi, più preoccupato di raccontare una sorta di favola morale nella quale il possibile intreccio sentimentale e l’indagine dell’umanità dei protagonisti conviva con la critica sociale e la denuncia. Un obiettivo che tutto sommato il film riesce a raggiungere, a modo suo. E dopo un incipit piuttosto didascalico, che mentre presenta molto chiaramente personaggi, ruoli, rapporti, necessità e conflitti, conferma di sapere cosa sta facendo, fotografando il contesto in cui tutto si svolge e disegnando una gerarchia urbana nella quale chi vive ai margini, nei ‘palazzoni’, non si mescola con chi quei ‘mostri’ costruisce e su quei margini guadagna (emblematica la scritta che appare su una saracinesca, chissà se vera o opera dello scenografo).

“È tutto LORO quello che luccica”

Il conflitto di classe è evidente, ma forse è l’unico aspetto sul quale Chiesa sceglie di non insistere troppo, spostando l’attenzione su tutt’altro conflitto, quello interiore, che caratterizza il personaggio di Davide, reso molto bene da D’Amore, ma inevitabilmente troppo ‘scoperto’, nelle premesse e nello sviluppo. E che non a caso dà il meglio nell’interazione con la Ursula della Scarano, il carattere più forte, più riuscito e probabilmente l’unico in grado di generare empatia nello spettatore, senza nulla togliere al palazzinaro di Colangeli, sua moglie (una rediviva Mariangela D’Abbraccio, da tempo più attiva a teatro), il Max di Pierluigi Gigante, tra i più sopra le righe, e i brutti e buoni guidati dal sempre più cupo Gian Marco Tognazzi.

Elementi di una coralità sulla quale il film vorrebbe puntare, ma che risulta discontinua. Con gli ex detenuti, i reietti, capaci di far emergere il paradosso più interessante per il loro inatteso rispetto della legalità, e molti degli altri comprimari sottoutilizzati e a tratti ‘colpevoli’ di abbassare la credibilità del racconto riportando il tutto verso cliché che il film sembrava voler evitare.

Lo stesso scontro padre-figlio, con il bisogno di emancipazione che produce e l’intrigo che ne deriva, assume – anche coerentemente – i modi goffi e incerti di Davide, al quale la storia chiede quel minimo di sincerità necessario a tenere alta la tensione e la verosimiglianza. Anche a costo di qualche eccesso retorico (soprattutto relativamente agli effetti dell’esempio ricevuto da Ursula), figlio di una emotività che a tratti sembra prendere il controllo anche sullo script.

Le parole sono importanti

Una storia da raccontare, delle buone idee, che a tratti emergono nel modo giusto, ma che non sempre vediamo sostenute nel modo adeguato. Anche da dialoghi che sembrano cercare ruvidità e naturalezza, ma spesso danno l’impressione di esser scritti per apparire spontanei, o da musiche in alcuni casi chiamate a sostituirsi alle immagini e guidare le emozioni, ribadendole o suggerendole forse più di quanto dovrebbero.

Un peccato che il film declini in varie forme questa sua debolezza, questa tendenza a spiegare, accompagnare, anche ammorbidire, proprio quando vorrebbe – e sarebbe il caso fosse – più secco, più crudo. Una tendenza che incide anche sul ritmo, visto che il film continua a procedere per strappi, con buoni momenti, nei quali la vicenda sembra prendere l’abbrivio giusto, e frenate brusche, nelle quali si avverte la cucitura tra le diverse anime (dramma sociale, sentimentale, generazionale, crime) e qualcosa si inceppa.

Bisogna credere nei miracoli

Al netto di fragilità e forzature, però, per quanto non convinca pienamente, Piccolo miracolo resta un film con una bella storia di partenza, interessanti intuizioni sul rapporto tra spazio urbano e rapporti di classe, alcune buone idee, due interpreti solidi (soprattutto Greta Scarano) e alcune apparizioni ben spese. Peccato per le scorciatoie cui si appoggia, i dialoghi non sempre convincenti, alcuni personaggi non completamente caratterizzati e la retorica diffusa che lo condizionano e finiscono per limitarne la presa. Che avrebbe potuto essere decisamente maggiore, come il senso di verità che forse si voleva trasmettere attraverso la ‘favola’, concentrandosi più su alcuni punti di forza e meno su certi meccanismi.

Coyote vs. Acme: il trailer italiano

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Coyote vs. Acme: il trailer italiano

Dopo una vicenda produttiva a dir poco burrascosa, Coyote vs. Acme arriverà al cinema, anche in Italia, distribuito da Lucky Red. Warner Bros. ha infatti diffuso un nuovo trailer dell’attesissima commedia che mescola live action e animazione, confermando l’arrivo del film nelle sale il 2 settembre.

Per generazioni di spettatori, Willy il Coyote è stato il più ostinato dei sognatori. Da decenni insegue Beep Beep senza mai riuscire ad acchiapparlo, finendo puntualmente vittima dei marchingegni più improbabili prodotti dalla Acme. Tra esplosioni, precipizi, razzi impazziti e invenzioni difettose, è diventato uno dei simboli più universali, divertenti e romantici del fallimento, ma anche e soprattutto della perseveranza. E infatti Willy cade, si rialza e riprova sempre. È forse proprio questa ostinazione ad averlo reso un personaggio così amato, capace di ispirare artisti, fumettisti, autori e sognatori di ogni età. Willy non vince, ma non smette mai di tentare. Tratto dal racconto breve Coyote v. Acme di Ian Frazier, pubblicato sul New Yorker nel 1990, il film parte da una domanda semplicissima: e se Willy il Coyote decidesse finalmente di chiedere conto alla Acme di tutti quei prodotti difettosi? La risposta è una clamorosa causa legale contro l’azienda che per anni gli ha venduto razzi, trappole e gadget tanto ingegnosi quanto disastrosi. Diretto da Dave Green, scritto e prodotto anche da James Gunn, che ha co-firmato il soggetto, Coyote vs. Acme è una commedia divertentissima che mescola live action e animazione con Will Forte nel ruolo dell’avvocato che decide di affiancare Willy nella sua battaglia legale, mentre John Cena interpreta l’ambizioso e spietato legale difensore della Acme. Nel film non potevano mancare anche tutti gli iconici protagonisti dei Looney Tunes: specialmente Bugs Bunny e Daffy Duck avranno un ruolo di primo piano nella vicenda, affiancando Willy nella sua incredibile sfida. Coyote vs Acme porta al cinema due rivincite: quella di Willy contro la Acme e quella di un film che tutti davano per spacciato e che invece è riuscito ad arrivare nelle sale. Dopo anni di rincorse, ostacoli e cadute nel vuoto, il Coyote è tornato, ma questa volta corre dietro alla Acme. Beep Beep per un attimo dovrà aspettare.

Coyote vs. AcmeNel 2023 Warner Bros. scelse di non distribuire il film, nonostante la produzione fosse stata completata e i test screening avessero fatto registrare un gradimento superiore al 90%. La decisione provocò dure reazioni, alimentando il dibattito sul destino dei film completati sacrificati per ragioni contabili anziché distribuiti al pubblico. Alla fine però, Ketchup Entertainment è intervenuta acquistando i diritti del film, permettendogli così di arrivare nelle sale.

Ispirato al racconto di Ian Frazier pubblicato sul New Yorker nel 1990, il film fa leva sulla classica rivalità tra Willy il Coyote e Beep Beep che spinge il protagonista a portare l’azione dal titolo in tribunale, in pratica il film è una brillante commedia giudiziaria.

Coyote vs. Acme è diretto da Dave Green e vede protagonisti in carne e ossa Will Forte, John Cena, Lana Condor.

The Bear: l’albero genealogico della famiglia Berzatto. In che modo sono “tutti parenti”?

L’amore porta con sé strane valute, e con ogni nuova stagione di The Bear arrivano nuovi membri per il clan Berzatto. La quarta stagione dell’acclamata serie è finalmente uscita e, ormai, ci sentiamo tutti parte della famiglia più caotica di Chicago. Nel corso della seconda e terza stagione, abbiamo imparato molto di più su di loro, e l’eccellente episodio natalizio della seconda stagione, “Pesci”, ci offre un’ottima panoramica sulle folli dinamiche dei Berzatto e sul perché sono fatti così. Ma la vita va avanti e, alla fine della quarta stagione, la famiglia – “gli orsi”, come vengono affettuosamente chiamati – si è allargata parecchio.

È facile perdersi tra i vari membri della famiglia Berzatto, perché non sono solo parenti di sangue. C’è la dinastia principale dei Berzatto, ma poi ci sono i numerosi cugini non ufficiali di altre linee, come i Jerimoviche, i Fak, i Kalinowski e così via. Tra i consanguinei, parenti acquisiti e gruppi, ci sono più di una dozzina di Berzatto che si aggirano per Chicago, e la maggior parte di loro si può spesso trovare (o meglio, sentire) a urlarsi contro in The Bear. Alcuni li conosciamo, mentre altri ci vengono presentati come parte del cast stellare in continua espansione della serie. Quindi, chi è imparentato con chi nell’albero genealogico dei Berzatto di The Bear?

La famiglia principale dei Berzatto: Carmy, Sugar, Mikey e Donna

the bear Queste sono forse le persone più ovvie da identificare. Quando si parla dei “Berzatto”, ci vengono in mente quattro persone. Innanzitutto, c’è il protagonista di The Bear, Carmen “Carmy” Berzatto (Jeremy Allen White), uno chef maniaco del lavoro, depresso e ansioso, nonché il più giovane di tre fratelli. Poi c’è la sorella di mezzo, Natalie “Sugar” Berzatto (Abby Elliott), una donna sensibile che adotta un approccio eccessivamente prudente con tutti i membri della famiglia (compresi i parenti più lontani) ed è la manager di The Bear. Infine, Michael “Mikey” Berzatto (Jon Bernthal) era il maggiore dei fratelli, che, nonostante il suo atteggiamento affascinante e sicuro di sé, aveva una personalità complessa, che lo ha portato al suicidio. Era incredibilmente orgoglioso della sua famiglia, anche se non lo dava a vedere.

I tre fratelli Berzatto hanno tutti le loro complicazioni, principalmente a causa della loro educazione. Sono stati cresciuti dalla madre, Donna Berzatto (Jamie Lee Curtis), che ha dovuto occuparsene quasi completamente da sola. Ha molti problemi di autostima e, proprio come il figlio minore, si sente indegna dell’amore e dell’affetto che i suoi figli cercano di dimostrarle, cosa che l’ha portata ad allontanarsi dalla famiglia dopo la morte di Mikey. Questo si manifesta nella sua riluttanza a permettere alle persone di avvicinarsi, nonostante i continui tentativi di aiutarla. Ha anche difficoltà a perdonare gli errori altrui, ed è probabilmente da qui che Carmy ha ereditato lo stesso comportamento. Il rapporto tra Donna e Sugar è particolarmente complicato, anche se alcuni aspetti vengono appianati con delicatezza nell’episodio “Ice Chips” della terza stagione. Scopriamo anche che Donna è conosciuta come “zia DD” tra gli amici dei ragazzi, un dettaglio divertente e dolce.

A causa dei problemi di salute mentale di Donna e dell’abbandono da parte del padre, i fratelli Berzatto sono cresciuti facendo affidamento principalmente l’uno sull’altro e sui loro amici, ed è per questo che sono così uniti e la casa dei Berzatto è così piena durante le festività. Alla fine, Carmy si stancò dei problemi familiari e decise di trasferirsi a New York per diventare un vero chef, viaggiando anche a Copenaghen per il suo apprendistato con Luca (Will Poulter) al Noma, e tornando a Chicago solo per Natale. Contrariamente a quanto si credeva, partecipò al funerale di Mikey, ma non riuscì a trovare il coraggio di incontrare la sua famiglia, quindi rimase in macchina. Circa quattro mesi dopo, Carmy tornò definitivamente per rilevare il ristorante di Mikey, The Original Beef of Chicagoland, dando inizio agli eventi della serie.

No, Richie non è imparentato con Carmy, ma lui, sua moglie e sua figlia fanno parte della famiglia

the bearPotrebbe sorprendere chi non lo sapesse, ma no, Richie Jerimovich (Ebon Moss-Bachrach) non è un parente di sangue dei Berzatto. Era invece il migliore amico di Mikey fin da bambino e frequentava sempre la casa dei Berzatto, venendo quindi considerato parte della famiglia – confessa persino che Donna è come una madre per lui. Seguiva sempre Mikey ovunque, ma mentre Mikey aveva un talento per la cucina, Richie non ne aveva alcuno, e il suo carattere irascibile spesso gli impediva di imparare. Inizia però a sviluppare le sue capacità, finché Carmy non lo manda a fare uno stage all’Ever con la chef Terry (Olivia Colman), dove finalmente scopre i suoi punti di forza lavorando nel servizio – e impara anche un po’ di disciplina.

Incontriamo sua moglie, Tiffany (Gillian Jacobs), nell’episodio “Pesci”, quando era incinta della loro figlia, Eva (Annabelle Toomey). Alla fine divorziano e Tiffany si fidanza con Frank (Josh Hartnett), ma lei e Richie rimangono in buoni rapporti per tutta la terza e la quarta stagione, non solo per il bene della figlia, ma perché si vogliono ancora bene nonostante la fine della loro relazione. Frank è un uomo di buon cuore, consapevole di tutto ciò, che fa del suo meglio per mettere tutti a proprio agio nonostante le stranezze delle nuove dinamiche familiari, e include Richie ogni volta che è possibile. Questa è anche la parte della famiglia Berzatto appassionata di Taylor Swift: Tiffany indossa una maglietta del 1989 quando la incontriamo, Richie porta Eva al concerto dell’Eras ​​Tour a Chicago e, nell’ottimo episodio “Forchette”, ascolta a tutto volume “Love Story” in macchina dopo la fine del suo apprendistato.

Il clan Jerimovich è anche responsabile di alcuni dei momenti più toccanti della serie. Nel finale della seconda stagione, Richie manda una banana ricoperta di cioccolato allo zio Jimmy (Oliver Platt) all’inizio di “The Bear”, un richiamo a quando Jimmy racconta a Tiffany, nell’episodio “Pesci”, la storia del chiosco di banane vicino alla casa dei Berzatto, e di come l’unica cosa che lei riuscisse a mangiare quel giorno, a causa del continuo vomito dovuto alla gravidanza, fosse una banana. Un altro esempio è la confessione di Tiffany allo zio Jimmy durante il suo matrimonio, in cui esprime la paura di perdere i Berzatto dopo il divorzio da Richie; menziona che i suoi parenti di sangue se ne sono già andati tutti, ma i Berzatto sono tutti lì con lei. Nel bene e nel male, anche lei e Frank sono membri a pieno titolo del clan.

Jimmy “Cicero” Kalinowski è uno zio non ufficiale per i figli dei Berzatto

the bearUn altro parente non di sangue dei Berzatto è Jimmy “Cicero” Kalinowski. Nonostante ciò, tutti i ragazzi della generazione dei Berzatto lo chiamano “zio” per via del suo stretto legame con la famiglia. Non è mai stato chiarito, però, come sia nato questo rapporto: a quanto pare, un tempo gestiva un’attività con il padre dei ragazzi, la KBL Electric. Con l’assenza del patriarca dei Berzatto, Jimmy è diventato più amico di Donna e si sente responsabile di aiutare i ragazzi, assumendo persino un ruolo paterno non ufficiale nelle loro vite. Pensa ancora di averli dovuti aiutare di più durante la loro infanzia. Prima che Carmy tornasse a Chicago, Jimmy aiutava Mikey economicamente, prestandogli denaro per mantenere a galla il locale “The Beef”.

Oltre ai Berzatto, Jimmy ha anche una vera famiglia: è sposato e ha un figlio. Nella prima stagione, Carmy e Richie si occupano del catering per la festa di compleanno del ragazzo e, inavvertitamente, servono a tutti i bambini una bevanda a base di Xanax, facendoli addormentare, con grande gioia di Jimmy. Nelle stagioni 2 e 3, Jimmy aiuta Carmy e Sugar investendo nel ristorante The Bear, assumendo il suo consigliere personale, il Computer (Brian Koppelman), per cercare di ridurre i costi del ristorante e compensare le spese esorbitanti di Carmy come capo chef. Nella quarta stagione, sembra che Jimmy si trovi in ​​difficoltà finanziarie, perché incarica Donna di vendere la stessa casa. Cerca di parlare con suo figlio attraverso la porta della sua camera da letto, senza successo. Alla fine della stagione, però, persino Sydney (Ayo Edebiri) lo considera uno zio.

Lo “zio” Lee Lane è un membro non ufficiale della famiglia Berzatto

the bearLee Lane (Bob Odenkirk) non è un parente di sangue dei Berzatto, ma è considerato parte della famiglia, in quanto fidanzato a intermittenza di Donna. È il tipo di persona che ama sentirsi superiore trattando gli altri con sufficienza e rubando loro la scena quando si divertono, cosa che spinge i ragazzi a evitarlo a tutti i costi. Il suo atteggiamento culmina in un’epica lite con Mikey al tavolo di Natale nell’episodio “Pesci”, durante la quale ripete più volte che non è “nessuno” e parla della sua dipendenza da droghe. Sembra che abbia lavorato anche con Jimmy e il padre dei ragazzi, come spiega Jimmy nella prima puntata della seconda stagione: “Kalinowski, io. Berzatto, tu. Lane, Lee.”

Lo zio Lee non compare nella terza stagione, ma è presente nella quarta, e riesce persino a riabilitare un po’ la sua reputazione. Incontra Carmy al matrimonio di Tiffany e rivela che, dopo quella disastrosa cena di Natale, si è effettivamente riappacificato con Mikey, che parlava sempre dei successi di Carmy. Menziona anche di aver visto Carmy al funerale di Mikey, ma di aver pensato fosse meglio non dirlo a nessuno, e che lui e Donna sono consapevoli dei loro molti difetti, ma stanno cercando di migliorare.

La famiglia allargata dei Berzatto include Michelle (Sarah Paulson) e Stevie (John Mulaney), che sono effettivamente cugini

the bearMichelle Berzatto (Sarah Paulson), cugina dei Berzatto, vive a New York. Ha una relazione con Stevie (John Mulaney), che la famiglia crede gay a causa del suo carattere accomodante. Spesso si comporta anche come la voce della ragione in famiglia, nonostante nessuno lo prenda sul serio, cosa che in realtà lo diverte. Michelle, d’altro canto, è pungente e arguta, una tipica Berzatto. Quando Carmy lavorava a New York, viveva nell’appartamento di Michelle e Stevie, dormendo sul loro divano; non si vedevano mai, però, a causa degli orari di lavoro folli di Carmy.

In un momento cruciale della festa di Natale in “Pesci”, Michelle si avvicina a Carmy per proporgli di trasferirsi a New York per lavorare come chef e “allontanarsi da queste persone”. Le sue intenzioni sono certamente buone, e nutre un affetto speciale per Carmy perché si rende conto che in realtà è una persona lucida, ma la loro conversazione non fa altro che rafforzare la sua mentalità da stacanovista, dicendogli di “tenere gli occhi puntati sull’obiettivo“. Nella quarta stagione, Michelle partecipa al matrimonio di Tiffany e parla persino con Donna (seppur in modo impacciato), anche se deve andarsene presto per prendere un volo. Stevie, invece, rimane fino alla fine, incoraggiando persino Frank a sposarsi con una donna del clan Berzatto.

I Fak, tra cui Francie, interpretata da Brie Larson, sono incredibilmente legati ai Berzatto

the bearUn altro clan di parenti non di sangue, i Fak sono solitamente la spalla comica in mezzo al caos del clan Berzatto. Nella serie ci sono due Fak ricorrenti, i fratelli Neil (Matty Matheson) e Teddy (Ricky Staffieri), entrambi infantili e decisamente sciocchi, ma allegri e sempre pronti ad aiutare. Neil ama i Berzatto come se fossero parte della sua famiglia e viene spesso trattato da tutti come un bambino, ma non in senso negativo (e di certo non si lamenta). Si considera il migliore amico di Carmy e lo incoraggia a corteggiare Claire “Bear” (Molly Gordon) nella seconda stagione. Inizialmente lavorava come tuttofare al The Beef e ora è un addetto alla sala al The Bear, con Teddy che ha assunto il ruolo di tuttofare.

I Fak sono un clan a sé stante, ma si integrano perfettamente con i Berzatto, anche se questi ultimi non sanno mai con certezza quanti Fak ci siano realmente. I fratelli Fak sono nove (anche se Neil si dimentica sempre di Avery), e tutti i ragazzi hanno Geoffrey come secondo nome, motivo per cui Richie chiama scherzosamente Neil “Neil Geoff”. Il clan è guidato da Neil Sr. (detto anche “Big Neil”), che non abbiamo ancora conosciuto, ma vediamo brevemente uno zio, Gary Fak, nella seconda stagione.

the bearNella terza stagione, incontriamo un altro membro della famiglia, Sammy Fak (John Cena), che si presenta per aiutare Neil e Teddy a lucidare il pavimento del pub The Bear e dirige l’azienda di famiglia, la Matter of Fak, specializzata in servizi di manutenzione. Nella quarta stagione, ci viene presentata la leggendaria Francine “Francie” Fak (Brie Larson), che era in disaccordo con Sugar dopo i nebulosi e disastrosi eventi di quella che sembra essere stata una festa in casa finita male. In seguito si riappacificano al matrimonio di Tiffany, anche se Teddy accenna al fatto che il marito di Sugar, Pete (Chris Witaske), “nega la relazione tra i due”. Né Sugar né Francie lo negano, rendendo il tutto ancora più confuso.

Il marito di Sugar, Pete, cerca di trovare il suo posto nella famiglia Berzatto

the bearOh, Pete… È il marito di Sugar e un faro di positività e gentilezza nel caos dei Berzatto. Può essere un po’ troppo gentile e a volte persino un po’ invadente, ma vuole solo essere benvoluto dalla famiglia, ed è proprio per questo che non lo prendono sul serio. Eppure è una parte importante della famiglia, e le sue scene con Donna nel finale della seconda stagione e in “Ice Chips” della terza stagione sono tra le più toccanti dell’intera serie. Sa che i Berzatto sono brave persone e comprende la loro tragedia, e quei momenti gli fanno sicuramente guadagnare il nostro rispetto. Il suo senso dell’umorismo è un po’ particolare, dato che raramente le persone capiscono le sue battute, ma va bene così.

La natura conciliante di Pete sta lentamente ricucendo molti rapporti incrinati all’interno del clan Berzatto, soprattutto per quanto riguarda Sugar. Ad esempio, è grazie al suo intervento (e a quello di Neil) che Sugar riesce finalmente a fare pace con Francie Fak al matrimonio di Tiffany; incontra Francie in palestra e le riferisce il suo messaggio: “Ciao”. Per quanto piccolo possa sembrare, questo gesto spinge Sugar a riconciliarsi con Francie, che, pur essendo una persona difficile, si è dimostrata disposta a venirmi incontro. Pete rappresenta davvero un’oasi di buon senso nella vita di Sugar e si occupa persino di tutelare gli interessi della famiglia quando si tratta di Orso.

La piccola Sophie è l’ultima arrivata nella famiglia Berzatto nella terza stagione di The Bear

the bearUn’altra rivelazione della quarta stagione è il nome della figlia di Sugar e Pete: Sophie. Avevamo appreso della gravidanza di Sugar alla fine della seconda stagione, ed è nella terza stagione che Sophie fa finalmente il suo ingresso trionfale nell’episodio “Ice Chips”. Come suo padre, Sophie sembra avere un tocco calmante e conciliante, perché riesce a convincere sua madre e sua nonna Donna a trascorrere del tempo insieme prima di nascere. Nella quarta stagione, riesce persino a convincere suo zio Carmy a smettere di lavorare per qualche minuto – un’impresa che pochi sono riusciti a compiere – e a tenerla in braccio mentre sua madre va in bagno. I geni metà Berzatto e metà Katinsky fanno miracoli.

La piccola Sophie si unisce ora a Eva (la figlia di Richie e Tiffany) come secondo membro della terza generazione del clan allargato Berzatto nella serie. Il suo arrivo coincide con un momento molto propizio per la famiglia, simboleggiando rinnovamento e guarigione per tutti coloro che la circondano. Carmy, in particolare, è quello che impiega più tempo a conoscerla, vedendo per la prima volta sua nipote attraverso una foto inviata da Sugar nella terza stagione con la didascalia “Selvaggia”. Solo quando Sugar la porta al The Bear per presentarla a tutti, Carmy riesce finalmente a tenere in braccio Sophie, e sembra che tra loro ci sia subito una bella intesa. Incontra anche i suoi innumerevoli zii e zie, ufficiali e non, da Sydney a Luca, con grande gioia di tutti.

Claire “Bear” è un’amica di lunga data della famiglia Berzatto

the bearPotrebbe essere persino meno ufficiale di Richie, dei Fak e di tutti gli altri, ma Claire Dunlap fa comunque parte della famiglia allargata del The Bear: è persino presente al matrimonio di Tiffany nella quarta stagione. Inizialmente, Claire è un’amica d’infanzia di Carmy, anche lei proveniente da una famiglia numerosa del South Side di Chicago, e in seguito diventa la sua ragazza dopo decenni di allontanamento. Tutto inizia quando, nell’episodio “Pesci”, Mikey e Richie accennano a Carmy di averla conosciuta e cercano di farli incontrare, ma Carmy rifiuta perché pensa che sia uno scherzo. Cinque anni dopo, si incontrano di nuovo per caso e inizia la loro relazione, che si conclude tragicamente con il crollo emotivo di Carmy nel finale della seconda stagione.

Nella terza stagione, Carmy dice che “Claire è pace”, come se non la meritasse, il che spinge Neil a cercare di convincere Claire a tornare con Carmy, ma lei rifiuta calorosamente e gentilmente. È davvero calma e lucida, qualità che sfrutta al meglio nel suo lavoro di infermiera. Nella quarta stagione, ad esempio, calma Sydney quando suo padre, Emmanuel (Robert Townsend), ha un infarto. A quanto pare, da quando Tiffany si è sposata, lei e Carmy si sentono regolarmente, quindi forse c’è una possibilità per loro, dopotutto. Tutta la famiglia Berzatto la adora e fa il tifo perché finiscano insieme. Come dice Neil nella seconda stagione, lei è la migliore e Carmy è la migliore. Speriamo che le due riescano a far funzionare le cose. Dopotutto, lei è già una degli orsi, no? Claire “Bear”.

La calle pura: recensione del docufilm presentato al Taormina Film Festival

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Nonostante Cuba non si trovi sotto la lente dell’attenzione internazionale, a favore di altri conflitti più gravi o più vicini al mondo europeo, questa affronta da diversi decenni una condizione di crisi economica e sociale dovuta ai blocchi statunitensi. Questo tema però viene portato vivamente all’attenzione dello spettatore proprio in La calle pura. Diretto da Alfredo Chiarappa, il film segue le vicende di tra personaggi chiave per raccontare la Cuba di oggi, fatta di povertà, mancanza di risorse anche materiali e di tanta speranza per un futuro migliore. A figurare sul grande schermo troviamo tre figure, tre “attori” che mostrano al mondo le loro vicende di vita: si tratta del giovane Bryan e dei gemelli Toro, padre di Bryan, e Mio. Il documentario è prodotto da Mediterraneo Cinematografica (casa di produzione di Noi ce la siamo cavata).

La calle pura: la fuga dalla povertà

La storia è ambientata tra la capitale l’Avana e Alamar, quartiere di stile sovietico situato a est della città. Qui, i tre protagonisti cercano di fuggire al loro stato di precarietà economica, così da donare a se stessi e ai propri cari un futuro migliore. Ciononostante, tutti lo fanno in modo diverso. Bryan, ancora nella fase di transizione tra l’adolescenza e l’età adulta, ripone tante speranze nella musica, sperando un giorno di arrivare in America e di raggiungere la vita a cui ambisce, per se e per la propria fidanzata.

Toro, invece, ambisce ad aprire un bar: il problema principale della Cuba che vivono i protagonisti sembra essere proprio avere l’accesso a risorse e a prodotti primari, ma avere una licenza collegata a un’attività permette di acquistare i beni all’ingrosso. Ciononostante, questi progetti non saranno semplici da realizzare per Toro, e i problemi familiari si aggiungeranno presto a quelli lavorativi ed economici.

Mio sembra essere una figura meno prudente rispetto al fratello, e cerca di appoggiare il giovane Bryan nell’inseguire i propri sogni e costruirsi un futuro.

La calle pura: la Cuba dell’embargo

Il primo elemento che salta all’occhio dello spettatore guardando La calle pura è proprio la fedele rappresentazione di cos’è Cuba oggi. Infatti, se già Cuba si trovava in una condizione di grave crisi, questa si è ulteriormente inasprita dal blocco dell’import del petrolio venezuelano deciso dal presidente Donald Trump. Nonostante questo sia un risvolto ancora più recente rispetto alla produzione del film, qui già ritroviamo tanti esempi della condizione di crisi.

All’inizio de La calle pura, questo si può percepire dalle vendite di Bryan insieme alla giovane ragazza. I due vendono principalmente prodotti per l’igiene, probabilmente importati e venduti illegalmente: lascia molto riflettere soprattutto un pubblico occidentale la mancanza di beni di prima necessità come certe tipologie di saponi o gli assorbenti interni.

Altro esempio si ritrova nel momento della contrattazione tra dei giovani venditori e Toro, per l’acquisto di macchinari: Toro vuole detrarre dal prezzo totale la fetta di formaggio mangiata dal venditore, proprio perché si tratta di un prodotto importato e quindi molto costoso. In poche parole, si tratta di situazioni inimmaginabili in contesti come quello dell’Unione Europea.

Infine, la condizione economica cubana viene spiegata in maniera ancora più chiara dallo stesso Toro, parlando con dei possibili soci occidentali. In questo contesto, infatti, lui spiega le difficoltà di Cuba, legate alla scarsità di beni oltre che di capitale: non è possibile prelevare in valuta cubana più di una certa soglia, molto bassa, e che solamente le persone dotate di una licenza possono avere accesso all’acquisto di più beni. Anche le persone che riescono a guadagnare dentro i confini nazionali poi portano il denaro in altri stati.

Il contrasto con la tipica cultura occidentale

Altra tematica che emerge anche in maniera visiva in La calle pura è la differenza tra le persone del luogo e i turisti. Non si tratta naturalmente di una semplice differenza nell’aspetto fisico, ma proprio nei luoghi, nei sorrisi spensierati di chi vive Cuba come una meta esotica e non come un luogo senza opportunità da cui scappare.

Anche all’interno de L’Avana i luoghi in cui sono presenti turisti risultano essere molto più puliti, occidentalizzati, marcando fino all’estremo il contrasto con quella che è la vera Cuba.

A ciò si aggiungono anche delle chiare differenze culturali: queste vengono presentate allo spettatore in maniera più chiara a partire dalla seconda parte del film. In questo contesto, infatti, il regista da spazio anche agli antichi riti tradizionali che animano la cultura locale. Qui vediamo Bryan prima recarsi a un tempio, e poi farsi “predire il futuro” insieme alla fidanzata.

Fin troppo lunga sembra essere la scena dedicata al rito posto in essere da Toro: qui, infatti, non essendoci sottotitoli che traducono le formule pronunciate e non essendo queste usanze proprie di una più generica cultura occidentale, possono risultare difficili da comprendere. Sarebbe forse stato più interessante accorciarle, in modo da non perdere l’attenzione del pubblico, e cercare di spiegarle, anche con piccoli escamotage.

La calle pura si afferma così un documentario interessante, pronto a presentare una parte di mondo non sempre nota a tutti.

Furious, nuova serie Hulu, su Disney+ dal 27 luglio

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Furious, nuova serie Hulu, su Disney+ dal 27 luglio

Disney+ ha annunciato che Furious, la nuova serie drama originale Hulu, debutterà il 27 luglio su Disney+ a livello internazionale e su Hulu negli Stati Uniti con tre episodi, seguiti da nuovi episodi ogni settimana. Sono disponibili le prime immagini della serie.

Ideata da Elizabeth Meriwether, che ne è anche executive producer, Furious segue le vicende di Alice Black (Emmy Rossum), un’agente dell’FBI alla ricerca di una serial killer misteriosa e scaltra. Entrambe percorrono la propria strada verso la giustizia, ma quando le loro vite iniziano a intrecciarsi, il confine tra giusto e sbagliato comincia a sfumare.

Il cast della serie comprende Emmy Rossum, Lola Petticrew, Scoot McNairy, Quincy Tyler Bernstine e Jake Lacy. Furious è ideata e scritta da Elizabeth Meriwether, che ne è anche executive producer. Emmy Rossum è executive producer per Composition 8, insieme a Ronald Bass, Matt Olmstead e Sam Hoffman. Brian Kirk è executive producer per gli episodi 101 e 102, che ha anche diretto. La serie è prodotta da 20th Television e Searchlight Television.

The Bear, dove eravamo rimasti? Ecco cosa ricordare prima della quinta e ultima stagione

Quando The Bear debuttò nel 2022, il suo mix di commedia e dramma, ideato da Christopher Storer, e la sua rappresentazione incredibilmente realistica del mondo della ristorazione, lasciarono a bocca aperta pubblico e critica. Il talentuoso chef Carmen “Carmy” Berzatto (Jeremy Allen White) ha trascorso gran parte della sua carriera culinaria in ristoranti stellati Michelin come Noma, The French Laundry e Eleven Madison Park. Dopo la morte del fratello maggiore Mikey (Jon Bernthal), Carmy torna a Chicago per affrontare la sua missione culinaria più difficile: rilanciare la paninoteca di famiglia.

Nel corso di quattro stagioni, con l’aiuto del suo sous chef Sydney Adamu (Ayo Edebiri) e di sua sorella, Natalie “Sugar” Berzatto (Abby Elliott), Carmy trasforma completamente The Beef nel raffinato ristorante The Bear, scontrandosi occasionalmente con gli scettici come Richard “Richie” Jerimovich (Ebon Moss-Bachrach). Ma come Carmy si rende conto, gestire un ristorante richiede molta più logistica del semplice talento culinario. Con le finanze del ristorante in calo e le recensioni non particolarmente positive, la quinta stagione rappresenta l’ultima possibilità di successo per The Bear. Per chi avesse bisogno di rinfrescarsi la memoria su quanto accaduto, ecco tutto ciò che è necessario ricordare prima di guardare la quinta e ultima stagione di The Bear.

Carmy ha solo 1.440 ore per salvare il suo ristorante

All’inizio della quarta stagione di The Bear, il ristorante omonimo è in difficoltà dopo una recensione contrastante del Chicago Tribune che lo descrive come “[in difficoltà] a causa di una dissonanza culinaria”. A peggiorare le cose, lo zio di Carmy, Jimmy (Oliver Platt), e l’esperto di matematica Computer (Brian Koppelman) informano lo staff che restano solo 1.440 ore per salvare il ristorante prima della chiusura. Per migliorare il sistema e l’efficienza, Richie recluta personale dal ristorante Ever, ormai chiuso, e la maître d’ Jessica (Sarah Ramos) mette in riga la squadra con un sistema di lavoro più veloce, efficiente e conveniente.

Sydney si trova combattuta tra l’andarsene per unirsi alla nuova avventura culinaria dello chef Adam Shapiro o firmare un nuovo contratto che la renderebbe socia ufficiale di The Bear. Nel frattempo, Carmy ha una telefonata commovente con Sugar, che ricorda il giorno in cui lo accompagnò all’aeroporto di O’Hare per iniziare il suo percorso culinario a New York. Pur essendo stato abbastanza fortunato da trovare qualcosa che ama, non c’è problema se non lo ama più: un sentimento che preannuncia l’importante decisione di Carmy nel finale della quarta stagione.

Carmy finalmente si scusa con Claire

L’episodio 3 rivela che Ebraheim (Edwin Lee Gibson) vuole espandere la paninoteca che attualmente opera all’interno del The Bear, quindi chiede consiglio al suo mentore e consulente di ristorazione, Albert Schnur (Rob Reiner). Il pezzo forte della serata è Richie, che organizza una sorpresa speciale per un gruppo di assistenti sociali che cenano al ristorante, con tanto di neve finta. Ad assistere allo spettacolo c’è un cliente con gli occhiali di nome Mr. Clark, visibilmente commosso dagli sforzi di Richie, che sorride mentre torna a casa in silenzio. Continuando il suo percorso di scuse iniziato con la telefonata a Sugar, Carmy salta il solito tragitto di ritorno a casa e fa una deviazione per andare a casa di Claire (Molly Gordon). Mesi dopo la loro ultima conversazione, i due hanno un’intensa e vulnerabile chiacchierata a cuore aperto. Carmy ammette di aver sempre avuto paura di rovinare le cose belle della sua vita, inclusa la sua relazione con Claire. Claire, dal canto suo, confessa di essersi sentita come se si fosse intromessa nella sua vita e che lui volesse allontanarla. Il loro incontro si conclude con Carmy che grida in lacrime: “Mi dispiace” – un primo passo incerto ma significativo verso la riconciliazione.

L’episodio 4 si prende una pausa dal mondo della ristorazione per concentrarsi su Sydney durante il suo giorno libero. Finalmente riesce a dare un’occhiata al promettente locale di Shapiro, che Shapiro vanta essere molto più tranquillo e meno caotico di quello di Carmy. Sydney si fa anche acconciare i capelli dalla cugina Chantel (Danielle Deadwyler), che non vedeva da tempo. Quando Chantel esce per andare a prendere qualche treccia in più, Sydney approfitta del tempo libero per trascorrere del tempo con la giovane figlia di Chantel, TJ (Arion King). Sorprendentemente, TJ si dimostra molto più perspicace di quanto la sua età lascerebbe supporre. Dopo che Sydney si lancia in un lungo sfogo – usando la metafora delle case – sul fatto se rimanere al The Bear o unirsi alla nuova attività di Shapiro, TJ le offre un consiglio semplice ma saggio: Sydney dovrebbe lavorare dove vuole, anche se la scelta la spaventa.

Sydney è sconvolta da un’inaspettata crisi di salute

Nell’episodio 5, Carmy partecipa a una riunione di Al-Anon e ascolta il monologo di un’altra donna sulle ripercussioni della dipendenza di suo fratello. Un Carmy commosso è chiaramente colpito, considerando che ha perso il fratello a causa della tossicodipendenza e ha un rapporto teso con la madre alcolizzata, Donna (Jamie Lee Curtis). Tornato al ristorante, la situazione si fa sempre più preoccupante, con ingredienti che scarseggiano e personale limitato. Carmy decide di cambiare il menu per risparmiare ingredienti, cosa che turba ulteriormente Sydney, già esausta dalla sua imprevedibilità. L’episodio 5 vede il ritorno di un personaggio amatissimo dalla seconda stagione, Luca (Will Poulter), che aiuta un Marcus (Lionel Boyce) sopraffatto nel reparto pasticceria.

Alla fine dell’episodio, Sydney riceve la notizia che suo padre ha avuto un infarto. Questa trama prosegue nell’episodio 6, dove un’ansiosa Sydney viene confortata e aiutata da Claire, che lavora in ospedale. Il padre di Sydney si sveglia e lei si scusa per non essergli stata vicina. Tuttavia, quando gli propone di tornare a vivere con lui, lui rifiuta, sostenendo la sua attività di ristorazione.

Tutti fanno pace al matrimonio di Tiff e Frank

L’ex moglie di Richie, Tiff (Gillian Jacobs), finalmente sposa Frank (Josh Hartnett) e tutti sono invitati al ricevimento. Richie cerca di essere di supporto, ma è chiaramente nervoso per tutta la situazione. Come in ogni riunione di famiglia, il caos è inevitabile, soprattutto a causa di un alterco tra Sugar e Francine Fak (Brie Larson), durante il quale si scopre che le due hanno avuto una relazione in passato. Anche Carmy incontra finalmente Donna, il che porta a uno scambio imbarazzante ma stranamente tranquillo tra madre e figlio.

Frank dovrebbe ballare con Eva (Annabelle Toomey), la figlia di Richie e Tiff, durante il ballo padre-figlia. Tuttavia, lei si nasconde sotto un tavolo e si rifiuta di uscire. In un momento di vulnerabilità, Frank ammette a Richie di essere nervoso all’idea di diventare patrigno, soprattutto perché Eva parla spesso di suo padre. Carmy, Richie, Claire, Frank e il resto della famiglia Bear — tra cui Sugar, Francie, i fratelli Fak, Stevie (John Mulaney), Sydney e Tiff — si uniscono per convincere Eva a uscire allo scoperto, e ci riescono. Questo momento aiuta Sugar e Francie a riconciliarsi finalmente, mentre anche Carmy e Claire fanno pace.

Nell’ottavo episodio, Sydney rifiuta ufficialmente l’offerta di Shapiro, lasciandolo sbalordito dalla sua scelta di rimanere su quella che lui definisce “una nave che affonda”. Nonostante l’ansia che circonda le ultime 17 ore di attività del ristorante, gran parte dell’episodio si svolge al di fuori del servizio. Richie, che si è aperto di più con Jessica, riflette sul suo rapporto con Carmy, ammettendo di aver temuto che Carmy si vergognasse di lui. Nel frattempo, Computer comunica finalmente la brutta notizia a Sugar: nonostante il costante successo del ristorante, gli incassi non sono ancora sufficienti a coprire gli stipendi del personale.

Carmy lascia il Bear, abbandonando il ristorante a Syd, Richie e Sugar

Nell’episodio 9, Carmy non può più sfuggire al suo passato. Quando si presenta alla porta di sua madre, Donna lo invita ad entrare, segnando la prima volta che i due trascorrono del tempo insieme in modo significativo, al di fuori del matrimonio di Tiff. La loro ultima interazione risale all’episodio della vigilia di Natale della seconda stagione, “Fishes”, che rimane una fonte fondamentale del trauma di Carmy. Donna e Carmy sfogliano insieme delle foto di famiglia, imbattendosi infine in ricordi di Mikey. In un momento di vulnerabilità, Donna tira fuori una lettera di scuse e fa una lunga e sincera confessione al figlio, che un Carmy in lacrime accetta. I due si riconciliano finalmente condividendo un pasto a base di pollo.

Tornati al Bear, Ebra, incoraggiato da Albert a tentare di aprire un franchising della paninoteca, propone l’idea a Computer. Aprire tre punti vendita inizialmente sembra un rischio finanziario, ma dopo aver analizzato i numeri, Computer si rende conto che potrebbe effettivamente funzionare. Altre buone notizie arrivano quando la rivista Food & Wine inserisce Marcus nella sua lista dei migliori nuovi chef. Tuttavia, una telefonata di Pete rivela che l’accordo di partnership per The Bear include solo Sydney e Natalie; il nome di Carmy non compare da nessuna parte.

Nel finale della quarta stagione, Sydney affronta Carmy fuori dal ristorante a proposito dell’accordo di partnership. Crede che Carmy stia cercando di sfuggire alle sue responsabilità e di lasciare a lei il problema. Carmy, però, è convinto che il ristorante prospererebbe meglio senza di lui, essendo in mani più capaci sotto la guida di Sydney. Richie interviene e viene a conoscenza dei piani di Carmy, cosa che non lo fa piacere. Carmy porge a Richie le sue ultime scuse, probabilmente le più importanti di tutta la sua storia. Per molto tempo, Richie ha pensato che Carmy provasse risentimento nei suoi confronti per non essere riuscito a salvare Mikey. In realtà, Carmy era geloso del fatto che Richie avesse potuto trascorrere più tempo con Mikey e la famiglia Berzatto. Sydney e Richie finalmente capiscono che le intenzioni di Carmy sono sincere: ha bisogno di lasciare la cucina per ritrovare se stesso. Sydney accetta il nuovo accordo di collaborazione a una condizione: Richie deve esserne coinvolto.

L’episodio prequel di The Bear, “Gary”, riserva un altro colpo di scena per Richie.

The Bear Jon Bernthal Ebon Moss-Bachrach
FX

Due mesi prima della première della quinta stagione, The Bear ha pubblicato un episodio prequel autoconclusivo intitolato “Gary”, che segue Richie e Mikey in un caotico viaggio in auto verso Gary, Indiana, per una consegna da parte dello zio Jimmy. Al di là della dissolutezza alimentata da alcol e cocaina, l’episodio mette in luce anche il deterioramento dello stato mentale di Mikey anni prima del suo suicidio. Negli ultimi istanti dell’episodio, Richie ripensa al loro viaggio nel presente, prima di essere improvvisamente investito da un’auto a un incrocio, lasciando il suo destino incerto in vista della stagione finale.

Supergirl: recensione del film DCU con Milly Alcock

Supergirl: recensione del film DCU con Milly Alcock

A poco meno di un anno da Superman, il DC Universe ci dà nuovamente appuntamento al cinema con il secondo lungometraggio del franchise (quarto titolo, considerando anche le serie Creature Commandos e Peacemaker – Stagione 2). Parliamo di Supergirl, diretto da Craig Gillespie (Tonya, Crudelia) e con protagonista Milly Alcock, che dalla serie House of the Dragon passa a vestire il costume della supereroina cugina di Clark Kent. C’era grande attesa per il suo debutto, perché là dove il film dedicato all’Uomo del Domani è attraversato da un cuore buono e impossibile da scalfire, diametralmente opposto è il percorso che la Donna del Domani deve compiere per scoprirsi “buona”.

Già dal suo cameo nel finale di Superman, infatti, la Supergirl del DCU appariva aderente alla sua controparte a fumetti: una giovane disastrata, interessata a divertirsi e fare festa più che adempiere al destino che i suoi genitori avevano immaginato per lei. Con il film a lei interamente dedicato possiamo finalmente conoscere meglio la sua storia, le sue origini e allo stesso tempo entrare nel suo cuore. Non esente da incidenti di percorso, il film di Gillespie riesce così a trarre il meglio dai suoi elementi principali, a partire dall’interpretazione della protagonista.

La trama di Supergirl

Cugina di Clark Kent ma agli antipodi rispetto al più solare Superman, Kara Zor-El (Milly Alcock) è cresciuta circondata da sofferenza e violenza, lontana dall’amore familiare che ha plasmato l’Uomo d’Acciaio. Questa infanzia dura l’ha resa un personaggio più spigoloso, segnato e pronto a reagire con fermezza al male. Nel giorno del suo ventunesimo compleanno, Kara viaggia ancora attraverso la galassia insieme al fidato cane Krypto, senza avere una precisa meta.

Durante il suo percorso conosceperò la giovane Ruthye Marye Knoll (Eve Ridley), un incontro destinato a cambiare il suo cammino. Quando una tragedia inattesa colpisce entrambe, l’eroina kryptoniana si vedrà infatti spinta in una missione segnata dalla vendetta che la costringerà a interrogarsi sui confini tra giustizia e brutalità. Kara e Ruthye intraprendono così un viaggio cosmico epico, che metterà alla prova non solo le loro forze, ma anche l’identità stessa di Supergirl.

Milly Alcock in Supergirl
Milly Alcock in Supergirl. Foto di Warner Bros. Pictures ©

Trovare l’emozione dentro un percorso canonico

Superman si apriva con il supereroe del titolo mal ridotto a seguito di un pestaggio. Similmente, Supergirl si apre con la nostra protagonista in preda ai postumi di una sbornia, poco interessata ad avere cura di sé o a condurre una vita equilibrata. Le somiglianze, almeno per un po’, finiscono però qui. Mentre Superman, una volta recuperate le forze, torna subito in battaglia, Kara Zor-El al contrario le battaglie le evita quanto più possibile, lasciando il costume rosso e blu con la mitica S sul petto gettato in disparte. Insomma, ci troviamo davanti ad un’eroina riluttante, segnata dal passato e poco interessata a cercare un senso al proprio dolore.

Un percorso che possiamo immaginare avrà una parabola ascendente e che segue infatti un percorso piuttosto prevedibile, sia nelle sue cadute che nelle sue conquiste. Probabilmente troviamo proprio nella sceneggiatura il “limite” maggiore del film. Quella scritta da Ana Nogueira, ora chiamata a scrivere il film su Wonder Woman per il DCU, è una storia che non corre particolari rischi, seguendo un percorso canonico e già battuto. Tuttavia, in questo percorso che va per tappe notte, Nogueira e Gillespie riescono ad infondere vita e intrattenimento, riuscendo anche ad offrire una buona varietà di scenari, personaggi e creature che, si sa, suscitano sempre un certo interesse.

L’importante è che il film riesca a divertire ed emozionare e l’obiettivo si può dire raggiunto. Nonostante non si abbiano gli epici scontri presenti in Superman, le sequenze d’azione possiedono il giusto fascino e il giusto dinamismo – complice anche una colonna sonora frizzante – mentre tutta la sequenza relativa al passato di Supergirl risulta narrata con la giusta delicatezza, riuscendo così a dare più di qualche colpo al cuore. Quando la fragilità della protagonista emerge, oltre alla simpatia nei suoi confronti si affianca anche un certo affetto.

Milly Alcock e Matthias Schoenaerts in Supergirl
Milly Alcock e Matthias Schoenaerts in Supergirl. Foto di Warner Bros. Pictures ©

Milly Alcock è un’ottima Supergirl

Il merito è naturalmente anche dell’interprete, Milly Alcock, che si conferma una validissima scelta per il ruolo. Ha il volto giusto per portare su di sé la giovinezza, la caoticità interiore e la voglia di rivincita di Supergirl. È grintosa, simpatica, impossibile non volerle bene, soprattutto alla luce della sua imperfezione. Chi quindi si era trovato infastidito dall’eccessiva bontà di Superman, troverà in lei un ottimo contraltare. La affiancano poi Eve Ridley nel ruolo di Ruthye, giovane ma grintosa, e soprattutto Jason Momoa nel ruolo che aspettava da sempre di interpretare, Lobo, nonostante non abbia una presenza particolarmente estesa all’interno del film.

Ma ci sarà indubbiamente modo di rincontrarlo nel DCU e approfondire la sua storia. Ciò che al momento ci è stato presentato di lui diverte e convince, con Momoa evidentemente a suo agio in questi panni, divertendosi platealmente e di conseguenza divertendo anche noi che lo osserviamo. Meno convincente, purtroppo, è invece il villain, Krem delle Colline Gialle, interpretato dal bravo attore belga Matthias Schoenaerts. Il personaggio, inizialmente presentato come minaccioso e potente, sembra invece sgonfiarsi nel corso del film, divenendo sempre meno attraente e finendo con il ricordare i meno convincenti tra i villain Marvel.

Una supereroina che fa quel che le pare

In definitiva, Supergirl riesce ad essere un capitolo convincente di questo nuovo DCU, sebbene probabilmente non avrà un particolare peso nel più ampio contesto di questa fase nota come “Dei e Mostri”. Parliamo di una storia quasi a sé, che sembra avere l’obiettivo di condurci ad una riunione dei due cugini kriptoniani in vista di Man of Tomorrow. Sarà interessante scoprire come verrà gestita d’ora in avanti Supergirl, nella speranza che la sua natura casinista e “faccio come mi pare” non venga messa da parte. Dopo avergliela vista applicare così bene in questo film, è indubbiamente ciò che più ci lega a questo personaggio.

GUARDA ANCHE: Supergirl: intervista ai protagonisti Milly Alcock, Jason Momoa e al regista Craig Gillespie

Daredevil: Rinascita 3, le foto dal set confermano il ritorno di Elektra con un costume tutto nuovo

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Il Marvel Cinematic Universe continua a recuperare i personaggi della Defenders Saga. Le nuove foto dal set della terza stagione di Daredevil: Rinascita confermano infatti il ritorno di Élodie Yung nei panni di Elektra Natchios, mostrando per la prima volta l’attrice con un costume completamente rinnovato e molto più fedele alla versione dei fumetti.

Le immagini, diffuse mentre le riprese sono ancora in corso, rappresentano la prima conferma visiva del ritorno di Elektra dopo gli eventi di The Defenders. Marvel Studios non ha ancora ufficializzato il suo coinvolgimento, ma negli ultimi mesi i fan avevano già iniziato a sospettarlo, anche grazie ad alcuni post pubblicati da Élodie Yung sui social durante gli allenamenti, interpretati come possibili indizi del suo rientro nell’universo Marvel.

Il nuovo costume appare sensibilmente diverso rispetto a quello indossato dall’attrice nelle produzioni Netflix: il design richiama maggiormente l’iconografia classica del personaggio nei fumetti e conferma la volontà di Marvel Studios di valorizzare sempre di più l’eredità della Defenders Saga all’interno della continuità ufficiale dell’MCU.

Clicca qui per vedere le foto dal set della terza stagione di *Daredevil: Born Again* con Elektra interpretata da Elodie Yung.

Clicca qui per vedere il video dal set della terza stagione di *Daredevil: Born Again* con Elektra interpretata da Elodie Yung.

Il ritorno di Elektra completa la reunion dei Defenders e potrebbe finalmente risolvere un mistero rimasto aperto da anni

Daredevil: Rinascita - stagione 3
JoJo Whilden//Disney+

La presenza di Elektra nella terza stagione ha un significato che va ben oltre il semplice ritorno di un personaggio amato. Dopo l’esplosione del Midland Circle nel finale di The Defenders, infatti, la serie aveva chiarito soltanto la sopravvivenza di Matt Murdock, lasciando completamente irrisolto il destino di Elektra.

La nuova stagione sembra voler colmare proprio questo vuoto narrativo. Oltre a Élodie Yung, torneranno infatti anche Krysten Ritter nel ruolo di Jessica Jones, Mike Colter come Luke Cage e Finn Jones nei panni di Danny Rand, ricomponendo per la prima volta il team dei Defenders nell’era Disney+.

Il finale della seconda stagione di Daredevil: Rinascita ha inoltre lasciato Matt Murdock in una situazione completamente nuova, dopo aver rivelato pubblicamente la propria identità come Devil of Hell’s Kitchen e aver concluso lo scontro con Wilson Fisk. In questo contesto, Elektra potrebbe assumere un ruolo centrale nella nuova fase della storia, soprattutto considerando che lo showrunner Dario Scardapane ha più volte dichiarato di ispirarsi alle celebri run fumettistiche di Frank Miller, nelle quali il rapporto tra Matt ed Elektra rappresenta uno degli elementi più importanti.

Le riprese della terza stagione dovrebbero concludersi entro l’estate, mentre il debutto su Disney+ è previsto nel corso del 2027. Al momento Marvel Studios non ha ancora annunciato una data ufficiale, ma il ritorno di Elektra conferma che il progetto punta sempre di più a riunire l’intero universo street-level nato sulle serie Netflix.

Ghostbusters: Night Shift, Netflix mostra le prime immagini e conferma quando sarà ambientata la nuova serie

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Dopo quattro anni di sviluppo, Netflix ha finalmente svelato i primi dettagli ufficiali di Ghostbusters: Night Shift, la nuova serie animata dedicata agli Acchiappafantasmi. In occasione dell’Annecy International Animation Film Festival, la piattaforma ha pubblicato la prima immagine promozionale, alcune concept art e ha confermato che la serie sarà ambientata nel 1994, con debutto previsto nel 2027.

Il progetto era stato annunciato per la prima volta nel 2022 ed è sviluppato da Jason Reitman e Gil Kenan, già autori dei recenti Ghostbusters: Legacy e Ghostbusters: Minaccia Glaciale. Alla sceneggiatura e alla produzione esecutiva lavora Elliott Kalan, vincitore di quattro Emmy, mentre l’animazione è affidata allo studio Flying Bark Productions, già impegnato sulla serie Stranger Things: Tales From ’85.

Le prime immagini mostrano una nuova squadra di giovani Acchiappafantasmi alle prese con una gigantesca entità infuocata che minaccia New York. Il tono visivo appare più cupo e realistico rispetto alle precedenti serie animate del franchise, pur mantenendo lo spirito avventuroso che ha sempre caratterizzato la saga.

 

L’ambientazione nel 1994 potrebbe collegare Ghostbusters: Night Shift alla storia originale della saga

La scelta di ambientare la serie nel 1994 rappresenta uno degli aspetti più interessanti dell’annuncio. Finora i film della saga hanno raccontato principalmente eventi contemporanei oppure sono tornati al passato soltanto attraverso flashback, come accaduto in Ghostbusters: Legacy e Minaccia Glaciale. Night Shift si inserirà invece in un periodo quasi inesplorato della cronologia ufficiale.

Si tratta infatti degli anni in cui il team originale degli Acchiappafantasmi è destinato a sciogliersi. In Ghostbusters: Legacy viene spiegato che, con il progressivo calo delle attività paranormali, il gruppo si separò e Egon Spengler lasciò New York portando con sé l’attrezzatura per prepararsi al ritorno di Gozer. Ambientare la nuova serie proprio in questo periodo apre quindi la possibilità di raccontare gli ultimi anni di attività del team storico.

Questo dettaglio potrebbe anche creare un ponte narrativo con le storiche serie animate The Real Ghostbusters ed Extreme Ghostbusters, quest’ultima ambientata nel 1997. Sebbene questi prodotti non siano mai stati confermati come parte del canone cinematografico, Night Shift potrebbe recuperarne alcuni elementi e integrarli nella continuità costruita da Jason Reitman e Gil Kenan.

La collocazione temporale lascia inoltre aperta la porta a possibili cameo dei protagonisti originali, come Peter Venkman, Ray Stantz e Winston Zeddemore, ancora operativi in quegli anni. Se ciò dovesse accadere, la serie potrebbe diventare uno dei tasselli più importanti dell’espansione dell’universo di Ghostbusters, unendo la nuova generazione agli storici protagonisti che hanno reso iconico il franchise.

Snowfall torna con uno spin-off: FX annuncia la data d’uscita di The Drop: A Snowfall Saga

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L’universo di Snowfall è pronto a espandersi. FX ha annunciato ufficialmente The Drop: A Snowfall Saga, lo spin-off dell’acclamata serie crime andata in onda per sei stagioni, confermandone anche la data di debutto. La nuova serie arriverà l’8 settembre 2026 su FX negli Stati Uniti, con distribuzione su Hulu e, a livello internazionale, su Disney+.

Creata da Malcolm Spellman e prodotta dallo stesso team che ha realizzato Snowfall, la serie seguirà il ritorno di due personaggi molto amati dai fan: Wanda Bell (Gail Bean) e Leon Simmons (Isaiah John). Dopo gli eventi del finale della serie madre, i due proveranno a ricostruire la propria vita nella Los Angeles degli anni Novanta, una città ancora segnata dalle conseguenze dell’epidemia di crack ma ormai attraversata dall’esplosione della scena hip-hop della West Coast.

Secondo quanto rivelato da FX, Wanda cercherà di ritagliarsi un ruolo nell’industria musicale, formando un’improbabile squadra composta dai cugini Lamar Kinsey (Asante Blackk) e James Kinsey (Peyton Alex Smith), oltre al rapper emergente Artillery (Simmie “Buddy” Sims III), alle prese con problemi giudiziari. Il cast comprenderà anche Mykelti Williamson, Nicki Micheaux, Brandon Mychal Smith, Isidora Goreshter, Eric Balfour, Richard Portnow, Zaire Adams, Demetrius Grosse e Quincy Chad.

The Drop raccoglie l’eredità di Snowfall esplorando una nuova fase della storia di Los Angeles

Andata in onda dal 2017 al 2023, Snowfall è stata una delle serie crime più apprezzate degli ultimi anni grazie al suo racconto dell’esplosione del traffico di cocaina nella Los Angeles degli anni Ottanta. Attraverso personaggi come Franklin Saint (Damson Idris), l’agente CIA Teddy McDonald e il lottatore Gustavo “El Oso” Zapata, la serie ha mostrato come il narcotraffico abbia trasformato profondamente la città e le vite dei suoi protagonisti.

Con The Drop il focus si sposta su un momento storico diverso. Gli anni Novanta rappresentano infatti una fase di cambiamento, in cui la cultura hip-hop diventa uno dei principali motori sociali ed economici della West Coast. È proprio questo contesto che offrirà nuove opportunità, ma anche nuovi conflitti, ai protagonisti della serie.

La scelta di riportare al centro Wanda e Leon appare significativa: entrambi sono stati tra i personaggi che hanno vissuto la trasformazione più profonda nel corso di Snowfall e il loro tentativo di costruire un futuro lontano dalla criminalità potrebbe offrire un punto di vista differente rispetto alla serie originale. Se Snowfall raccontava la nascita dell’epidemia del crack, The Drop sembra voler esplorare cosa resta dopo il crollo di quel sistema e come una nuova generazione provi a reinventarsi.

La serie debutterà negli Stati Uniti martedì 8 settembre 2026 su FX e Hulu, mentre il pubblico internazionale potrà seguirla su Disney+, con pubblicazione settimanale degli episodi.

Dept. Q 2: Netflix avvia ufficialmente le riprese e annuncia il cast della nuova stagione

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Netflix ha ufficialmente dato il via alla produzione della seconda stagione di Dept. Q, il crime thriller tratto dai romanzi bestseller di Jussi Adler-Olsen. Contestualmente all’annuncio dell’inizio delle riprese, lo streamer ha confermato il ritorno del cast principale e svelato una lunga lista di nuovi interpreti che entreranno a far parte della serie.

Secondo quanto comunicato da Netflix, le riprese sono già in corso in Scozia, con la nuova stagione che sarà ancora una volta ambientata a Edimburgo. Tornerà Matthew Goode nei panni dell’ispettore Carl Morck, affiancato da Alexej Manvelov (Akram Salim), Leah Byrne (Rose Dickson) e Jamie Sives (James Hardy), ricomponendo così il nucleo investigativo protagonista della prima stagione. L’aggiornamento arriva dopo l’ottima accoglienza ricevuta dalla serie, diventata rapidamente uno dei thriller polizieschi più apprezzati del catalogo Netflix.

Oltre ai protagonisti già conosciuti, Netflix ha confermato anche il ritorno di Mark Bonnar, Kate Dickie, Aaron McVeigh e Sanjeev Kohli. La vera novità riguarda però il ricco gruppo di nuovi ingressi, composto da Aisling Franciosi, Greg Wise, Nicholas Rowe, Tony Curran, Hamish Clark, Alex Ferns, Ross Anderson, Rebecca Root, Isla Johnston e Amy Brenneman, destinati ad ampliare il mondo della serie nella nuova indagine.

La seconda stagione conferma le ambizioni di Netflix per Dept. Q e prepara l’adattamento dei romanzi successivi

Dept. Q serie tv

L’annuncio delle riprese rappresenta un segnale importante per il futuro del franchise. Dept. Q nasce infatti da una delle serie letterarie crime più popolari degli ultimi anni: i romanzi di Jussi Adler-Olsen sono dieci e seguono le indagini dell’Unità Q, un reparto speciale dedicato ai casi irrisolti, guidato dall’ispettore Carl Morck.

La prima stagione ha adattato il materiale originale spostando l’ambientazione da Copenaghen a Edimburgo, mantenendo però intatto il cuore della storia: un detective brillante ma problematico che, insieme a una squadra fuori dagli schemi, affronta cold case apparentemente impossibili da risolvere. La nuova stagione continuerà a sviluppare sia le indagini sia le vicende personali dei protagonisti, uno degli elementi che hanno distinto la serie rispetto ad altri crime procedurali.

L’investimento di Netflix conferma inoltre la volontà di trasformare Dept. Q in una saga di lungo periodo. Oltre alla serie principale, l’universo tratto dai romanzi di Adler-Olsen continuerà infatti a espandersi con nuovi adattamenti televisivi già annunciati, tra cui The Scarred Woman, Victim 2117, The Shadow Murders e Locked In. Al momento non è stata comunicata una data d’uscita per la seconda stagione, ma l’avvio delle riprese lascia pensare che Netflix stia accelerando lo sviluppo di uno dei suoi thriller europei di maggior successo.

Mi dispiace, George R.R. Martin, ma i cambiamenti apportati al canone di House of the Dragon stanno dando i loro frutti

L’adattamento di Fire & Blood continua a dividere i fan. Da una parte c’è George R.R. Martin, che negli ultimi mesi ha espresso pubblicamente diverse perplessità sulle libertà creative prese da House of the Dragon. Dall’altra c’è lo showrunner Ryan Condal, convinto che alcune modifiche siano necessarie per trasformare una cronaca storica in una serie televisiva coinvolgente. La première della terza stagione offre però un argomento sorprendentemente convincente a favore della visione di Condal.

Il primo episodio della nuova stagione dimostra infatti che modificare il percorso, pur mantenendo intatti gli eventi principali, può migliorare l’esperienza anche per chi conosce perfettamente il romanzo. L’episodio dedicato alla Battaglia del Gullet costruisce la tensione sfruttando proprio l’incertezza creata dalle precedenti deviazioni rispetto al libro. Per qualche minuto persino i lettori di Fire & Blood non possono più essere certi di sapere cosa accadrà davvero, ritrovando quella sensazione di sorpresa che aveva reso Game of Thrones un fenomeno mondiale.

La Battaglia del Gullet dimostra che cambiare il percorso senza alterare il finale può rendere House of the Dragon ancora più coinvolgente

House of the Dragon

Chi aveva letto Fire & Blood sapeva già che la Battaglia del Gullet avrebbe rappresentato uno dei momenti più tragici della Danza dei Draghi. Eppure Ryan Condal riesce a trasformare un evento apparentemente prevedibile in una sequenza ricca di tensione.

Per diversi minuti la serie lascia intendere che la storia possa prendere una direzione completamente diversa. Prima sembra essere Rhaenyra a intervenire direttamente nello scontro. Successivamente è Rhaena a modificare una situazione che nel romanzo conduce immediatamente alla morte di Jacaerys Velaryon, facendo pensare che HBO possa addirittura riscrivere uno degli eventi più importanti della guerra civile dei Targaryen.

Alla fine, però, il risultato rimane sostanzialmente identico a quello raccontato da Martin. È il viaggio a cambiare, non la destinazione. Ed è proprio questa scelta a rendere l’episodio così efficace: i lettori vivono nuovamente la sensazione dell’imprevedibilità senza che venga realmente tradita la struttura narrativa dell’opera originale.

L’adattamento di Fire & Blood ha un vantaggio che Game of Thrones non possedeva

House of the Dragon

La differenza fondamentale rispetto a Game of Thrones riguarda proprio la natura del materiale di partenza. Fire & Blood non è un romanzo tradizionale, ma una cronaca storica scritta da diversi narratori interni all’universo di Westeros. Molti eventi vengono raccontati attraverso testimonianze discordanti, voci, interpretazioni e documenti incompleti.

Questa impostazione offre alla serie televisiva uno spazio creativo molto più ampio rispetto a quello disponibile per Game of Thrones, che invece adattava direttamente i romanzi della saga principale. Ryan Condal può quindi espandere dialoghi, motivazioni e dinamiche mai descritte nel dettaglio da Martin senza entrare necessariamente in contraddizione con il canone.

È proprio questa caratteristica che rende House of the Dragon un caso quasi unico nel panorama degli adattamenti televisivi. Le discrepanze possono essere interpretate come il risultato di cronache storiche incomplete o di narratori inaffidabili, mantenendo così una certa coerenza con la natura stessa dell’opera originale.

Le modifiche funzionano soltanto se rispettano il destino dei personaggi

Tommy Flanagan As Lord Roderick Dustin
House of the Dragon – Stagione 3

Naturalmente questo non significa che qualsiasi cambiamento sia automaticamente positivo. Alcune modifiche introdotte nelle prime due stagioni hanno diviso il pubblico e continuano a essere oggetto di discussione tra i lettori di Martin. La terza stagione, però, sembra aver trovato un equilibrio più convincente.

La Battaglia del Gullet dimostra infatti che il vero obiettivo non dovrebbe essere cambiare gli eventi fondamentali, ma rendere il percorso narrativo più coinvolgente. L’incertezza costruita attorno al destino di Jacaerys permette anche ai lettori di vivere la scena con la stessa tensione degli spettatori che non conoscono il libro. È un risultato difficile da ottenere in qualsiasi adattamento, soprattutto quando la storia è già nota.

In questo senso, la serie sembra aver imparato una lezione importante: sorprendere il pubblico non significa necessariamente tradire il materiale originale. Basta modificare il modo in cui si arriva a un determinato evento, preservandone però il significato e le conseguenze narrative.

La stagione 3 potrebbe aver trovato il compromesso ideale tra fedeltà e libertà creativa

Annie Shapero As Alysanne Blackwood
House of the Dragon – Stagione 3

Il confronto tra George R.R. Martin e Ryan Condal probabilmente continuerà ancora a lungo. L’autore ha più volte ribadito di preferire adattamenti il più possibile fedeli, mentre lo showrunner rivendica la necessità di intervenire per adattare il linguaggio della televisione.

La première della terza stagione suggerisce però che le due posizioni non siano necessariamente inconciliabili. House of the Dragon dimostra che è possibile rispettare il cuore della storia pur introducendo variazioni capaci di sorprendere anche chi conosce ogni pagina di Fire &Blood. Se la serie riuscirà a mantenere questo delicato equilibrio fino alla conclusione della Danza dei Draghi, potrebbe trasformare una delle principali critiche rivolte all’adattamento in uno dei suoi punti di forza.

House of the Dragon: l’easter egg sul Re della Notte potrebbe risolvere un mistero di Game of Thrones rimasto aperto da otto anni

La première della terza stagione di House of the Dragon ha introdotto un dettaglio che molti spettatori potrebbero aver notato solo di sfuggita, ma che potrebbe avere conseguenze enormi per l’intero universo narrativo creato da George R.R. Martin. Nel primo episodio compare infatti un Green Man, una delle figure più misteriose della mitologia di Westeros, legata all’Isola dei Volti e agli antichi Figli della Foresta. La sua brevissima apparizione potrebbe finalmente dare una risposta a un interrogativo che accompagna i lettori di Fire & Blood fin dalla pubblicazione del romanzo nel 2018.

Il collegamento va ben oltre il semplice easter egg. La serie HBO ha infatti costruito gran parte della propria narrazione attorno alla profezia del Canto del Ghiaccio e del Fuoco, introdotta come il sogno di Aegon il Conquistatore e destinata, nelle intenzioni della serie, a condurre fino alla minaccia rappresentata dal Re della Notte. L’arrivo dei Green Men potrebbe essere proprio l’elemento mancante per dare maggiore profondità a quella profezia e, indirettamente, correggere una delle critiche più frequenti rivolte al finale di Game of Thrones.

L’incontro tra Addam di Hull e i Green Men potrebbe finalmente spiegare il ruolo della profezia nella Lunga Notte

Un uomo verde nella casa del drago - Stagione 3
© HBO

Nel primo episodio della stagione 3, Addam di Hull, insieme agli altri dragonseed Hugh Hammer e Ulf White, attraversa le terre attorno al Gods Eye in attesa dei movimenti di Aegon e Vhagar. Per pochi istanti uno dei misteriosi Green Men osserva il gruppo dalla vegetazione dell’Isola dei Volti. La scena dura pochissimo, ma per chi conosce Fire & Blood assume un’importanza enorme.

Nel romanzo di George R.R. Martin viene infatti raccontato che, in un momento successivo della Danza dei Draghi, Addam vola sull’Isola dei Volti con Seasmoke per chiedere consiglio proprio ai Green Men. Martin, però, non rivela mai cosa venga detto durante quell’incontro. È uno dei misteri lasciati volutamente irrisolti nel libro e che, a distanza di otto anni dalla pubblicazione, continua ad alimentare le teorie dei lettori.

La presenza del Green Man nella serie suggerisce che gli autori abbiano deciso di sviluppare proprio quel passaggio rimasto inesplorato. Se così fosse, House of the Dragon potrebbe finalmente mostrare una conversazione che il materiale originale lascia completamente fuori scena. Considerando il ruolo dei Green Men come custodi del patto tra i Figli della Foresta e i Primi Uomini, è plausibile che siano anche tra i pochi esseri viventi a conoscere davvero l’origine della profezia del Canto del Ghiaccio e del Fuoco e della futura minaccia degli Estranei.

Il riferimento al Re della Notte potrebbe rafforzare il collegamento tra House of the Dragon e Game of Thrones

A differenza dei romanzi di Martin, è la serie HBO ad aver collegato direttamente la profezia di Aegon al futuro Re della Notte. Fin dalla prima stagione Viserys affida a Rhaenyra il compito di custodire quel segreto, sostenendo che un giorno un sovrano Targaryen dovrà unire il continente contro il nemico proveniente dal Nord.

Proprio questa scelta narrativa rende oggi particolarmente significativa la possibile introduzione dei Green Men. Se Addam dovesse davvero incontrarli nei prossimi episodi, potrebbero essere loro a spiegare aspetti della profezia rimasti finora oscuri, offrendo un contesto storico molto più ricco rispetto a quello mostrato in Game of Thrones. Una simile aggiunta avrebbe anche il vantaggio di rafforzare retroattivamente una storyline che molti spettatori hanno ritenuto sottosviluppata nella serie madre.

Naturalmente resta da capire quanto HBO vorrà spingersi in questa direzione. I Green Men rappresentano uno degli elementi più enigmatici dell’intera mitologia di Westeros e potrebbero limitarsi a un semplice richiamo per i lettori. Tuttavia, la scelta di mostrarli già nel primo episodio della stagione difficilmente appare casuale.

Il destino di Addam di Hull rende questa teoria ancora più tragica

house of the dragon 2 episode 6
© HBO

Esiste poi un ulteriore elemento che rende questa possibile svolta narrativa particolarmente interessante. Nei prossimi episodi, come racconta Fire & Blood, Addam di Hull finirà coinvolto nelle conseguenze del tradimento di Hugh Hammer e Ulf White, i due dragonseed che passeranno dalla parte dei Verdi durante la Battaglia di Tumbleton.

Quel tradimento porterà Rhaenyra a diffidare profondamente anche di Addam, nonostante quest’ultimo rimanga fedele fino alla fine. Se davvero i Green Men dovessero rivelargli qualcosa riguardo alla profezia di Aegon e alla futura Lunga Notte, il suo sacrificio assumerebbe un significato ancora più tragico. Addam combatterebbe e morirebbe non soltanto per difendere la propria regina, ma anche per preservare la linea di sangue destinata, secoli dopo, a opporsi agli Estranei.

Sarebbe una rilettura coerente con la filosofia narrativa che House of the Dragon sta adottando fin dalla prima stagione: utilizzare i vuoti lasciati da Fire & Blood per espandere il mondo creato da George R.R. Martin senza contraddirne gli eventi principali. E se questa teoria dovesse trovare conferma nei prossimi episodi, uno dei misteri rimasti aperti dal 2018 potrebbe finalmente trovare la sua risposta.

Poseidon: spiegazione del finale del film del 2006 e il significato della scelta finale dei protagonisti

Il finale di Poseidon è molto più di una semplice corsa contro il tempo per sfuggire a una nave che affonda. Il remake diretto da Wolfgang Petersen, uscito nel 2006 e ispirato al romanzo The Poseidon Adventure di Paul Gallico, utilizza il disaster movie come cornice per raccontare il sacrificio, la responsabilità e la capacità dell’essere umano di scegliere gli altri prima di sé. Dietro le spettacolari sequenze d’azione si nasconde infatti una riflessione sul valore della leadership e sul prezzo che alcuni personaggi devono pagare affinché altri possano sopravvivere.

L’ultima parte del film concentra tutta questa filosofia nella figura di Dylan Johns, interpretato da Josh Lucas. È lui a guidare il gruppo quando ogni via di fuga sembra ormai impossibile, ma il suo percorso non si limita a quello dell’eroe d’azione. Il finale mostra come la vera vittoria non consista semplicemente nel salvarsi, bensì nell’accettare che ogni scelta comporta delle conseguenze. È proprio questa dimensione umana a distinguere Poseidon da molti altri disaster movie dello stesso periodo.

Il sacrificio di Dylan Johns spiega perché il finale di Poseidon rappresenta il vero compimento del viaggio dei protagonisti

Poseidon storia vera

Dopo aver attraversato l’intero transatlantico capovolto tra incendi, allagamenti ed esplosioni, Dylan e i superstiti raggiungono finalmente la sala macchine. È qui che scoprono come l’unica possibilità di uscire dalla nave sia utilizzare un gigantesco condotto ormai quasi completamente sommerso. Tuttavia, un’esplosione rende impossibile l’evacuazione immediata: una valvola deve essere aperta manualmente per liberare il passaggio e permettere agli altri di raggiungere la superficie.

Dylan comprende subito che chiunque rimanga ad azionare il meccanismo difficilmente riuscirà a salvarsi. Per questo decide di sacrificarsi senza esitazione, lasciando che Robert Ramsey, Jennifer, Christian, Maggie, Elena e gli altri superstiti proseguano verso l’uscita. Il gesto conclude perfettamente il suo arco narrativo. Fin dall’inizio Dylan era stato presentato come un uomo abituato a cavarsela da solo, diffidente verso le autorità e guidato principalmente dall’istinto di sopravvivenza. Nel corso del viaggio, però, quella stessa capacità di prendere decisioni rapide si trasforma progressivamente in senso di responsabilità verso il gruppo. Il suo sacrificio non appare quindi improvviso, ma rappresenta la naturale evoluzione del personaggio.

Il salvataggio finale non celebra soltanto la sopravvivenza, ma il passaggio dalla paura alla solidarietà

Poseidon film

Quando i superstiti emergono finalmente all’esterno dello scafo, ormai completamente rovesciato, vengono recuperati dagli elicotteri della Guardia Costiera. La scena potrebbe sembrare il classico lieto fine tipico del genere catastrofico, ma Wolfgang Petersen costruisce un epilogo molto più amaro. Nessuno dei sopravvissuti esulta davvero. Tutti sono consapevoli che la loro salvezza è stata possibile soltanto grazie ai sacrifici compiuti lungo il percorso.

Particolarmente significativo è il rapporto tra Robert Ramsey e la figlia Jennifer. All’inizio del film il padre tenta continuamente di proteggerla, mentre nel corso della fuga è costretto ad accettare che la sopravvivenza dipende dalle decisioni collettive e non dal controllo assoluto degli eventi. Anche Christian, inizialmente dipinto come un ragazzo impulsivo, cresce progressivamente assumendosi responsabilità sempre maggiori. Petersen mostra così come il disastro trasformi profondamente tutti i protagonisti, costringendoli ad abbandonare egoismi e paure individuali.

Chi è interessato all’origine del racconto può approfondire anche la storia vera che ha ispirato Poseidon, un elemento che aiuta a comprendere perché il film insista tanto sulla dinamica del ribaltamento della nave e sulle procedure di sopravvivenza adottate dai protagonisti.

Il significato simbolico della nave capovolta trasforma Poseidon in una riflessione sulla rinascita

Kurt Russell ed Emmy Rossum in Poseidon

Uno degli aspetti più interessanti del finale riguarda il valore simbolico della nave stessa. Per quasi tutto il film i protagonisti sono costretti a muoversi in un mondo letteralmente capovolto: soffitti che diventano pavimenti, scale inutilizzabili, corridoi trasformati in pozzi verticali. Non si tratta soltanto di una spettacolare scelta scenografica, ma di una metafora evidente. Ogni certezza viene ribaltata e chi sopravvive è costretto a reinventare continuamente il proprio modo di guardare la realtà.

L’uscita finale attraverso il fondo dello scafo assume così il significato di una vera e propria rinascita. I personaggi non escono semplicemente da una nave affondata: riemergono da un’esperienza che li ha cambiati profondamente. È un’immagine che richiama quasi un parto simbolico, con il gruppo che attraversa l’acqua per tornare alla luce dopo aver affrontato un lungo percorso nelle profondità della nave.

Wolfgang Petersen riprende la tradizione dei grandi disaster movie privilegiando i personaggi rispetto agli effetti speciali

Pur essendo ricordato soprattutto per i suoi effetti visivi e per le spettacolari sequenze d’azione, Poseidon mantiene una caratteristica tipica dei grandi disaster movie degli anni Settanta: il vero centro della storia non è la catastrofe, ma il comportamento umano di fronte alla catastrofe. Wolfgang Petersen, già autore di La tempesta perfetta, costruisce ogni scena spettacolare come conseguenza delle decisioni prese dai personaggi e non come semplice esercizio tecnico.

Il finale sintetizza perfettamente questa filosofia. Il pubblico non ricorda tanto l’ultima esplosione o il salvataggio in elicottero quanto il sacrificio di Dylan e il modo in cui ciascun superstite arriva a meritare la propria salvezza. È proprio questo equilibrio tra spettacolo e dimensione emotiva che continua a rendere Poseidon uno dei disaster movie più solidi degli anni Duemila, capace di utilizzare il genere per parlare di altruismo, responsabilità e speranza anche quando tutto sembra ormai perduto.

Supergirl debutta su Rotten Tomatoes con il miglior punteggio della sua storia al cinema

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A pochi giorni dall’uscita nelle sale, Supergirl ha ricevuto il suo primo responso dalla critica. Il nuovo film dei DC Studios, diretto da Craig Gillespie e interpretato da Milly Alcock, ha debuttato su Rotten Tomatoes con un punteggio del 61%, stabilendo un record storico per un film live-action dedicato a Kara Zor-El.

Il dato, basato sulle prime 75 recensioni pubblicate dalla critica specializzata, è destinato a evolversi con l’arrivo di nuovi giudizi nei prossimi giorni. Tuttavia, il risultato rappresenta già un netto miglioramento rispetto all’unico precedente cinematografico della supereroina: Supergirl del 1984 con Helen Slater, fermo al 19% di recensioni positive. La notizia conferma come il reboot del DC Universe firmato da James Gunn e Peter Safran stia cercando di costruire una nuova identità anche per i personaggi storicamente meno valorizzati sul grande schermo.

Secondo le prime recensioni, Milly Alcock viene indicata come uno dei principali punti di forza del film grazie a una versione di Kara intensa e carismatica, mentre alcune critiche riguardano soprattutto il ritmo e l’impatto complessivo della storia. Anche la recensione di ScreenRant sottolinea come il film non raggiunga il livello del precedente Superman, pur riconoscendo il potenziale del personaggio all’interno del nuovo universo condiviso.

Il debutto di Supergirl conferma la nuova direzione del DC Universe, ma il vero giudizio arriverà dal pubblico

Supergirl

Il risultato ottenuto su Rotten Tomatoes assume un valore particolare perché segna il ritorno cinematografico di Supergirl dopo oltre quarant’anni. Basato sul celebre fumetto Supergirl: Woman of Tomorrow di Tom King e Bilquis Evely, il film racconta il viaggio di Kara insieme alla giovane Ruthye Marye Knoll (interpretata da Eve Ridley) nella caccia a Krem delle Colline Gialle, interpretato da Matthias Schoenaerts, responsabile della morte della sua famiglia.

Il cast comprende anche Jason Momoa, che dopo aver interpretato Aquaman nel DCEU debutta nel ruolo di Lobo, oltre a David Corenswet, di ritorno nei panni di Superman, e David Krumholtz nel ruolo di Zor-El.

Al di là del punteggio iniziale della critica, sarà però il pubblico a determinare il reale successo del film. Rotten Tomatoes fotografa infatti soltanto le prime impressioni della stampa specializzata e il voto può cambiare sensibilmente con l’arrivo di nuove recensioni. Ancora più importante sarà la risposta al botteghino, dove Supergirl dovrà dimostrare di poter consolidare l’ottimo avvio del nuovo DC Universe.

Una cosa, però, è già certa: il futuro di Kara è già stato pianificato. Milly Alcock tornerà infatti nel 2027 in Man of Tomorrow, mentre il DC Universe proseguirà quest’anno con la serie Lanterns e successivamente con il film Clayface, confermando come Supergirl rappresenti uno dei pilastri della nuova fase costruita da James Gunn.

La mano di Dante: spiegazione del finale del film Netflix e il significato dell’ultima scena

La mano di Dante (In the Hand of Dante) non è un film che offre risposte immediate. Julian Schnabel costruisce un racconto che procede su due piani temporali – quello dello scrittore Nick Tosches e quello di Dante Alighieri (Oscar Isaac) – fino a farli convergere in un finale volutamente aperto, simbolico e ricco di richiami letterari. Chi si aspetta un thriller lineare sulla ricerca di un manoscritto della Divina Commedia rischia infatti di rimanere spiazzato: il film utilizza quell’indagine come punto di partenza per riflettere sul rapporto tra arte, fede, memoria e identità, trasformando l’ultima parte in un’esperienza quasi mistica.

Il finale ha già generato numerose discussioni proprio perché evita di spiegare esplicitamente il destino dei protagonisti e preferisce suggerire connessioni profonde tra passato e presente. La domanda che rimane allo spettatore non riguarda soltanto l’autenticità del manoscritto, ma soprattutto il significato del viaggio compiuto da Nick Tosches. È davvero diventato il nuovo Dante? Oppure il film racconta semplicemente come ogni grande opera finisca per trasformare chi decide di dedicarle la propria vita? È su questa ambiguità che si costruisce l’epilogo del film.

Il finale di La mano di Dante unisce definitivamente il presente di Nick Tosches e il passato di Dante Alighieri

Nella parte conclusiva del film, la caccia al manoscritto della Divina Commedia perde progressivamente la sua importanza materiale. L’oggetto che sembrava al centro della vicenda diventa infatti un simbolo, mentre l’attenzione si sposta sulla trasformazione interiore di Nick Tosches. Il protagonista comprende che il valore del manoscritto non risiede soltanto nella sua autenticità storica, ma nella capacità di mettere in comunicazione due uomini separati da sette secoli e uniti dalla stessa ricerca di verità.

Parallelamente, le sequenze dedicate a Dante raggiungono la loro naturale conclusione mostrando il poeta ormai vicino al completamento della Commedia. Julian Schnabel monta le due linee temporali come se appartenessero alla stessa esperienza spirituale: il passato influenza il presente e il presente restituisce nuova vita al passato. Non esiste un momento preciso in cui i due racconti si fondono, perché il regista preferisce suggerire che siano sempre stati parte dello stesso percorso. Per questo motivo il finale non offre una soluzione investigativa tradizionale, ma conclude il viaggio esistenziale del protagonista, lasciando intendere che l’opera di Dante continua a vivere attraverso chi è disposto a comprenderla davvero. Diverse analisi del film hanno evidenziato come proprio questa fusione tra le due epoche costituisca la chiave interpretativa dell’intero racconto.

Nick Tosches è davvero la reincarnazione di Dante? Il film suggerisce una risposta senza mai confermarla

Uno degli aspetti più discussi dell’epilogo riguarda il rapporto tra Nick Tosches e Dante Alighieri. Il film non afferma mai esplicitamente che lo scrittore sia la reincarnazione del poeta, ma dissemina numerosi indizi che rendono questa lettura plausibile. Più la storia procede, più Nick sembra attraversare un percorso identico a quello di Dante: affronta la violenza, la tentazione, il dubbio, l’amore e infine una forma di consapevolezza che trascende la semplice ricerca del manoscritto.

Schnabel mantiene volutamente questa ambiguità. La reincarnazione potrebbe essere reale all’interno dell’universo narrativo, ma potrebbe anche rappresentare una metafora del potere della letteratura. Chi entra davvero in contatto con un’opera come la Divina Commedia finisce inevitabilmente per esserne trasformato, fino quasi ad assumere lo sguardo del suo autore. È una lettura coerente anche con il romanzo di Nick Tosches, che ha sempre giocato sul confine tra realtà, finzione e autobiografia. Proprio questa scelta impedisce al finale di diventare una semplice spiegazione soprannaturale, lasciando invece allo spettatore il compito di decidere quale interpretazione accogliere.

Mephistopheles, Beatrice e il manoscritto spiegano che La mano di Dante parla soprattutto del potere dell’arte

L’ultima parte del film introduce inoltre una dimensione sempre più metafisica attraverso la figura di Mephistopheles, evidente richiamo al mito di Faust. Il personaggio rappresenta la tentazione di ridurre la conoscenza a possesso materiale, contrapponendosi invece alla visione spirituale incarnata da Dante. Anche il manoscritto assume così un significato completamente diverso rispetto a quello iniziale: non è più un reperto storico da autenticare o vendere, ma il simbolo di una verità che non può essere comprata né controllata.

Allo stesso modo le figure femminili richiamano inevitabilmente il ruolo di Beatrice nella Divina Commedia. Più che personaggi funzionali alla trama, diventano guide morali che spingono Nick verso una scelta definitiva: continuare a inseguire l’ossessione oppure recuperare la propria umanità. È proprio questa decisione finale a dare senso all’intero racconto. Le interpretazioni pubblicate dopo l’uscita del film hanno sottolineato come il vero conflitto non sia mai stato quello criminale legato al manoscritto, ma quello interiore del protagonista, chiamato a scegliere tra il desiderio di possedere e quello di comprendere.

Il finale conferma che Julian Schnabel realizza un film sull’eredità culturale più che un thriller letterario

Guardando l’ultima scena nel suo insieme, appare evidente come La mano di Dante non voglia essere ricordato principalmente come un thriller o un film storico. Julian Schnabel utilizza il linguaggio del noir, della ricerca investigativa e persino del racconto mafioso per accompagnare lo spettatore verso una riflessione molto più ampia sul significato dell’arte e sul modo in cui i grandi classici continuano a dialogare con il presente.

Per questo motivo il finale può lasciare una sensazione di incompiutezza a chi cercava una soluzione narrativa tradizionale, mentre risulta estremamente coerente con il percorso costruito dal regista. La vera risposta che il film offre non riguarda il destino del manoscritto né l’identità definitiva di Nick Tosches, ma il potere delle opere immortali di attraversare i secoli e trasformare chiunque decida di confrontarsi con esse. È un epilogo che privilegia il simbolo rispetto alla spiegazione e che invita lo spettatore a tornare sui propri passi per rileggere l’intera storia con uno sguardo diverso.

La mano di Dante: trama, cast, trailer, uscita e dove vedere in streaming il film con Oscar Isaac

La mano di Dante (In the Hand of Dante) è uno dei film più ambiziosi arrivati su Netflix negli ultimi anni. Diretto da Julian Schnabel, autore di opere come Lo scafandro e la farfalla e Van Gogh – Sulla soglia dell’eternità, il film adatta l’omonimo romanzo di Nick Tosches, trasformandolo in un’opera che fonde thriller criminale, dramma storico e riflessione filosofica. Il risultato è un racconto che si muove continuamente tra presente e Medioevo, intrecciando la figura di Dante Alighieri con quella dello stesso Tosches attraverso una narrazione ricca di simbolismi, ossessioni e riferimenti letterari.

A rendere ancora più interessante il progetto è un cast internazionale di altissimo livello guidato da Oscar Isaac, affiancato da Gal Gadot, Gerard Butler, John Malkovich, Al Pacino, Jason Momoa, Martin Scorsese, Sabrina Impacciatore, Claudio Santamaria e Franco Nero. Presentato fuori concorso alla Mostra del Cinema di Venezia 2025, il film è approdato su Netflix il 24 giugno 2026 dopo una lunga gestazione produttiva durata oltre quindici anni.

La trama di La mano di Dante intreccia due epoche e trasforma la Divina Commedia in un thriller tra mafia, arte e ossessione

La storia segue due linee narrative destinate a riflettersi continuamente l’una nell’altra.

Nel XXI secolo lo scrittore Nick Tosches entra in possesso della notizia dell’esistenza di un presunto manoscritto originale della Divina Commedia. Un potente boss mafioso gli affida il compito di autenticarlo e, successivamente, impossessarsene, trascinandolo in una spirale di violenza, ricatti e ossessioni.

Parallelamente il film segue Dante Alighieri nel XIV secolo durante la composizione della sua opera più importante. Le due vicende non procedono come semplici racconti paralleli, ma dialogano costantemente tra loro, suggerendo un legame spirituale e simbolico tra i protagonisti. Il manoscritto diventa così molto più di un oggetto prezioso: rappresenta la ricerca della conoscenza, dell’arte e della trascendenza, temi che Julian Schnabel porta al centro del racconto con uno stile fortemente autoriale.

Il cast stellare riunisce Oscar Isaac, Gerard Butler, Gal Gadot e Al Pacino in uno dei progetti più ambiziosi di Netflix

Il protagonista assoluto è Oscar Isaac, che interpreta un doppio ruolo: quello dello scrittore Nick Tosches e quello di Dante Alighieri, creando un ponte narrativo tra le due epoche raccontate dal film.

Accanto a lui troviamo Gerard Butler, Gal Gadot, John Malkovich, Al Pacino, Jason Momoa, Martin Scorsese, Louis Cancelmi, Sabrina Impacciatore, Claudio Santamaria, Franco Nero, Guido Caprino e numerosi interpreti italiani coinvolti nella ricostruzione delle vicende medievali e contemporanee. La regia è firmata da Julian Schnabel, che ha scritto la sceneggiatura insieme a Louise Kugelberg adattando il romanzo pubblicato da Nick Tosches nel 2002.

Dove vedere La mano di Dante in streaming e perché il trailer anticipa un film molto diverso dai thriller tradizionali

La mano di Dante è disponibile in esclusiva su Netflix dal 24 giugno 2026. La piattaforma ha distribuito anche il trailer ufficiale, che mette subito in evidenza la natura estremamente particolare del progetto.

Più che un classico thriller, il film alterna scene contemporanee legate alla criminalità organizzata a ricostruzioni storiche dedicate alla figura di Dante, utilizzando registri narrativi differenti e un linguaggio visivo fortemente autoriale. Il trailer lascia intuire che il pubblico non si troverà davanti a un semplice film d’azione o a un adattamento storico tradizionale, ma a un’opera che punta sulla contaminazione tra generi, sulla riflessione filosofica e sulla forza delle immagini. È proprio questa natura sperimentale ad aver diviso critica e pubblico sin dalla presentazione alla Mostra di Venezia, rendendo La mano di Dante uno dei titoli più discussi del catalogo Netflix del 2026.

La leggenda dei Vox Machina – Stagione 4, spiegazione del finale: che fine fa QUEL personaggio?

Il finale della quarta stagione di La leggenda dei Vox Machina (The Legend of Vox Machina) è ricco di battaglie, colpi di scena e morti clamorose, lasciando tutti con il fiato sospeso. Le recensioni della quarta stagione di The Legend of Vox Machina di Prime Video l’hanno definita la più cupa finora, e gli ultimi tre episodi ne sono la prova. Non solo la squadra protagonista si è avventurata nel regno del Sussurratore, animato con una cupa e minacciosa palette di colori viola, ma lo ha fatto dopo la perdita di Grog e Pike.

Questo evento si ricollega direttamente al finale del nono episodio della quarta stagione di La leggenda dei Vox Machina (The Legend of Vox Machina), con Grog apparentemente morto e Pike sola a Thar Amphala. La situazione ha portato all’incontro con il Sussurratore, che ha convinto Pike a prestargli il suo sangue per completare la sua ascensione alla divinità, sfruttando il suo dolore e, di conseguenza, il suo desiderio di resuscitare Grog e Wilhand, nonché la sua disillusione nei confronti degli dei. Ciò che seguì fu la battaglia finale tra i Vox Machina, un Pike trasformato, i Cinque Non Morti e il Sussurratore in persona.

Con un membro del cast di La leggenda dei Vox Machina (The Legend of Vox Machina) apparentemente morto, un altro dalla parte del nemico e il resto disperso in un regno letale, il finale della quarta stagione è stato epico. Tuttavia, non si è concluso esattamente in modo idilliaco, soprattutto con l’ultimo capitolo della quinta stagione alle porte. Infatti, il finale della quarta stagione di La leggenda dei Vox Machina (The Legend of Vox Machina) ha presentato diversi colpi di scena, svolte inaspettate dei personaggi, grandi battaglie e morti clamorose, lasciando molti con il fiato sospeso e chiedendosi cosa questo significhi per il futuro.

Vax è davvero morto dopo la quarta stagione di La leggenda dei Vox Machina (The Legend of Vox Machina)?

Senza dubbio, il punto cruciale della trama rimasto irrisolto dopo il finale della quarta stagione di La leggenda dei Vox Machina (The Legend of Vox Machina) è il destino di Vax’ildan. Gli ultimi tre episodi hanno rivelato che la piaga di cui Vax aveva sofferto per tutta la stagione era in realtà un dono della Matrona dei Corvi, che stava preparando il suo campione per il viaggio a Thar Amphala. Lì, Vax ricevette dei potenziamenti extra, da un’armatura più resistente a dei pugnali di luce che, se usati nel punto giusto, potevano sconfiggere definitivamente gli accoliti del Sussurratore.

Fu così che i Vox Machina uccisero i Cinque Non Morti prima di affrontare il Sussurratore in persona. Il problema, però, era la rivelazione della Matrona secondo cui il destino di Vax sarebbe stato segnato dallo scontro con il Sussurratore, cosa che Keyleth credeva di aver evitato uccidendo il cattivo con Mythcarver. Ciononostante, nonostante un breve momento in cui credettero di aver vinto, i Vox Machina assistettero all’ascesa del Sussurratore, che li costrinse alla sottomissione minacciando Vax.

Tutti i membri dei Vox Machina si inginocchiarono davanti a lui, ma Vax sputò letteralmente in faccia al dio. Il Sussurratore scagliò quindi un dardo magico attraverso la fronte di Vax, disintegrandolo. Naturalmente, la domanda principale ora è se Vax sia davvero morto. Dopotutto, in La leggenda dei Vox Machina (The Legend of Vox Machina) ci sono state delle “morti” in passato, come quella di Vex nella seconda stagione, quella di Percy nella terza e persino quella di Grog nell’ultimo episodio, tutte poi annullate. Inoltre, Vax ha un legame diretto con una delle divinità di Exandria, la Matrona dei Corvi.

Tenendo conto di tutto ciò, e delle informazioni ricavate dalla campagna di Critical Role su cui si basa The Legend of Vox Machina, Vax tornerà nella quinta stagione. Se la serie seguirà fedelmente la campagna, Vax si risveglierà nel regno della Matrona dei Corvi, che lo rimanderà indietro un’ultima volta con la promessa di sconfiggere il Sussurratore. Se ci riuscirà, Vax dovrà poi tornare da lei in punto di morte. Pertanto, sebbene Vax tornerà dalla sua disintegrazione nel finale della quarta stagione di La leggenda dei Vox Machina (The Legend of Vox Machina), la sua missione per sconfiggere il nemico potrebbe essere l’ultima.

Il piano del Sussurratore spiegato in dettaglio

Vax in La leggenda dei Vox Machina - Stagione 4

Un’altra delle rivelazioni più importanti del finale della quarta stagione di La leggenda dei Vox Machina (The Legend of Vox Machina) è stato il piano del Sussurratore. Tutto è iniziato in modo semplice: il Sussurratore aveva bisogno del sangue celeste di Pike per ascendere alla divinità, dopodiché avrebbe instaurato un mondo senza morte, usando il potere dei suoi fedeli. Si diceva che Mythcarver fosse l’unica cosa in grado di fermarlo, e apparentemente ciò si è avverato quando Keyleth ha usato la Vestigia della Divergenza per uccidere il suo ospite mortale, Gideon, interpretato dalla leggenda del fantasy Andy Serkis.

Tuttavia, il Sussurratore è comunque risorto, rivelando secoli di manipolazione per portare a compimento il suo piano. Dopo aver ricevuto il sangue di Pike, al Sussurratore serviva solo una cosa: che il suo corpo mortale venisse distrutto. Oltre a manipolare Pike per allontanarlo dalla Luce Eterna usando Wilhand e Grog, il Sussurratore ha seminato il dubbio che Mythcarver fosse l’unica cosa in grado di ucciderlo. Questa era però una menzogna, per aumentare le probabilità che venisse ucciso in qualche modo.

Per aumentare ulteriormente queste probabilità, si scoprì anche che il Sussurratore era il motivo per cui Taryon Darrington aveva cercato i Vox Machina, il che portò alla riunione del gruppo. In questo modo, il Sussurratore si assicurò che, in quanto eroi del regno, avrebbero cercato di fermarlo, aumentando ulteriormente le sue possibilità di perdere il suo corpo mortale dopo aver ricevuto il sangue di Pike. Evidentemente, questi secoli di pianificazione diedero i loro frutti, con uno dei suoi numerosi piani di riserva che portò Keyleth a uccidere Gideon, permettendogli di trascendere nella forma divina del Sussurratore alla fine della quarta stagione di La leggenda dei Vox Machina (The Legend of Vox Machina).

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Perché Pike torna ad essere un’alleata nel finale della quarta stagione di Vox Machina

Pike è stata determinante per il finale della quarta stagione di La leggenda dei Vox Machina (The Legend of Vox Machina), a partire dalla sua decisione di unirsi al Sussurratore. Sola a Thar Amphala, Pike fu manipolata dal dio oscuro per unirsi a lui. Che si trattasse del dolore per la morte di Wilhand e Grog, del suo desiderio irrefrenabile di riportarli in vita, della recente perdita di fede nell’Eterna Luce, delle sue frustrazioni con i Vox Machina o del rifiuto di Scanlan, il Dio Sussurrante alimentò le più oscure insicurezze di Pike promettendole una vita senza morte né abbandono, spingendola a unirsi a lui e a donargli il suo sangue.

Come previsto, Pike non rimase una cattiva fino alla fine della quarta stagione di La leggenda dei Vox Machina (The Legend of Vox Machina). Dopo essere stata affrontata dai suoi amici, in particolare da un Grog resuscitato, Pike si riunì agli altri come membro chiave dei Vox Machina. Sebbene le parole di Vax, Vex, Percy e Keyleth avessero certamente avuto un effetto su Pike, fu il redivivo Grog a convincerla definitivamente a tornare nel gruppo. Immediatamente, nonostante fosse appena morto, Grog cercò di tornare a combattere contro il Sussurratore, sapendo che nessun dio che uccide innocenti in modo sprezzante può essere buono.

La visione semplicistica di Grog del bene e del male colpisce Pike, sebbene non abbastanza da scuoterla completamente dalla sua ritrovata fede nel Sussurratore. Solo dopo che Pike ferisce Grog, Pike si rende conto del suo errore. Grog le ricorda che deve lasciar andare le persone che ha perso e onorarle in altri modi, ricordandole che Wilhand gli aveva insegnato che “Una vita non ha alcun valore se viene spesa causando dolore”. Questo spinge Pike a rimanere indietro mentre gli altri partono per affrontare il Sussurratore.

A un certo punto dello scontro, Grog perde Mythcarver. Questo sancisce il ritorno di Pike, con la gnoma che recupera la Vestigia della Divergenza e si riunisce alla sua squadra. In seguito, tenta di scusarsi, ma la squadra le ricorda che l’importante è che sia tornata. Alla fine della quarta stagione di La leggenda dei Vox Machina (The Legend of Vox Machina), Pike è tornata al suo posto, probabilmente pronta insieme alla sua squadra a sconfiggere il Sussurratore una volta per tutte.

La resurrezione di Grog è definitiva?

Uno dei motivi principali per cui Pike si è inizialmente avvicinato al Sussurratore è stata la sua promessa di resuscitare Grog. Come accennato, la promessa si è avverata: Grog è tornato in vita, è sopravvissuto allo scontro e si trovava ancora in vita alla fine della quarta stagione di La leggenda dei Vox Machina (The Legend of Vox Machina). Tuttavia, è lecito chiedersi se la resurrezione di Grog verrà annullata, soprattutto considerando che è stata opera dello stesso Sussurratore. Ora che quest’ultimo è diventato una divinità, resta da vedere se manterrà la parola data.

Dopotutto, una delle principali fonti di fede nel Sussurratore tra i Figli della Verità è la sua capacità di impedire la morte; annullare la resurrezione di Grog minerebbe sicuramente questa fede. Inoltre, il Sussurratore ha affermato che la magia da lui concessa poteva essere revocata, il che implica che avrebbe potuto uccidere Grog con facilità. Tuttavia, alla fine della quarta stagione di La leggenda dei Vox Machina (The Legend of Vox Machina), Grog è ancora vivo, il che significa che qualsiasi domanda sul suo destino dovrà trovare risposta nell’ultima stagione della serie.

Quello è stato solo il momento “Infinity War” di Vox Machina

Sebbene il finale della quarta stagione di La leggenda dei Vox Machina (The Legend of Vox Machina) sembri adeguatamente culminante, questo è stato solo il momento “Avengers: Infinity War” della serie. Quel film si concludeva con gli Avengers sconfitti da Thanos, che di fatto diventava un dio, eliminando metà di tutta la vita nell’universo e lasciando i sopravvissuti a raccogliere i cocci. In un certo senso, la quarta stagione di The Legend of Vox Machina ha offerto esattamente questo.

Il Sussurratore ha vinto; la sua ascensione si è compiuta, i suoi Figli della Verità si sono infiltrati nelle aree più vaste di Exandria e hanno imprigionato i non credenti, Vax è stato ucciso e il resto dei Vox Machina sembrava senza speranza nei loro tentativi di reagire. Questo rende la quinta stagione di La leggenda dei Vox Machina (The Legend of Vox Machina) l’equivalente di Avengers: Endgame per la quarta stagione di Infinity War. La squadra deve unirsi, usare tutte le proprie abilità e i propri alleati e sconfiggere questa enorme minaccia per il loro mondo una volta per tutte nel capitolo finale della storia.

Taylor Sheridan spiega perché Lioness sembra prevedere il futuro: “Non sono profezie, ma analisi”

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Lioness continua a far parlare di sé non solo per il successo su Paramount+, ma anche per la sorprendente capacità di anticipare eventi che finiscono poi sulle prime pagine dei giornali. Il creatore della serie, Taylor Sheridan, ha affrontato direttamente questo tema, spiegando come alcune vicende raccontate nello spy thriller sembrino aver previsto sviluppi della politica internazionale e della sicurezza nazionale.

Intervenuto nel podcast The Joe Rogan Experience, Sheridan ha chiarito che non si tratta di “profezie” né tantomeno di informazioni privilegiate. Le storie di Lioness vengono infatti scritte e girate molti mesi prima della messa in onda, e le somiglianze con eventi reali sono il risultato di un’analisi delle dinamiche geopolitiche piuttosto che di una volontà di commentare l’attualità.

Tra gli esempi citati dall’autore c’è la seconda stagione della serie, in cui i cartelli della droga messicani vengono classificati come organizzazioni terroristiche. Sheridan ha raccontato di aver considerato quella scelta narrativa particolarmente audace quando la scrisse, salvo poi vedere il dibattito emergere realmente pochi mesi dopo, proprio mentre la stagione arrivava in streaming.

Perché Lioness riesce a sembrare così vicina alla realtà contemporanea

Lioness - stagione 2
Lynsey Addario/Paramount+

Secondo Sheridan, il motivo è semplice: Lioness nasce come una serie che osserva il funzionamento delle agenzie di intelligence e delle operazioni militari, cercando di immaginare gli scenari più plausibili nel breve termine.

L’autore ha ribadito che la serie non nasce con l’intenzione di sostenere una particolare agenda politica, ma vuole piuttosto esplorare il rapporto tra CIA, apparati militari e sicurezza internazionale attraverso una narrazione ispirata a programmi realmente esistiti. Proprio questo approccio rende credibili le situazioni raccontate e, talvolta, fa sì che gli eventi della fiction sembrino anticipare quelli del mondo reale.

La serie vede protagonista Zoe Saldaña nei panni dell’agente CIA Joe, affiancata da un cast di primo livello che comprende Nicole Kidman, Morgan Freeman, Laysla De Oliveira, Michael Kelly, Jill Wagner, Genesis Rodriguez e LaMonica Garrett.

Le dichiarazioni di Sheridan arrivano inoltre a poche settimane dal debutto della terza stagione, in programma su Paramount+ dal 2 agosto 2026. Dopo aver consolidato il proprio successo come uno dei titoli più seguiti dell’universo televisivo creato dall’autore di Yellowstone, la nuova stagione promette di affrontare nuove crisi internazionali mantenendo quell’equilibrio tra fiction e realismo che è diventato uno dei principali punti di forza della serie.

Se le precedenti stagioni hanno dimostrato qualcosa, è che Lioness non cerca tanto di raccontare il presente quanto di interrogarsi sulla direzione che il mondo potrebbe prendere. Ed è forse proprio questa capacità di leggere le tensioni contemporanee prima che diventino cronaca a renderla una delle produzioni più attuali firmate da Taylor Sheridan.