Charlie Cox, protagonista di Daredevil: Rinascita, ha svelato un
dettaglio inedito sulla versione originale della prima stagione
della serie: Tom Hiddleston avrebbe dovuto dirigere
un episodio prima del profondo rinnovamento creativo del
progetto. L’attore ha anche condiviso alcune riflessioni sul futuro
del
suo personaggio nell’MCU e sul Daredevil del 2003 con Ben Affleck.
In origine, la stagione 1 della
serie Marvel era pensata come un
arco narrativo di 18 episodi su Disney+. Tuttavia, Marvel
Studios ha poi deciso di cambiare direzione,
ritenendo che un approccio troppo diluito non funzionasse per la
storia di Daredevil. Il progetto è stato quindi affidato a un nuovo
showrunner, Dario Scardapane, che ha sviluppato la
versione finale della serie.
Parlando del progetto iniziale, Cox
ha raccontato che Hiddleston era coinvolto in modo diretto nella
produzione, ma non come attore: “Quando la prima stagione di
Daredevil: Rinascita era ancora
prevista come una serie da 18 episodi, Tom avrebbe dovuto
dirigere uno degli episodi. Stavamo già collaborando al
telefono e scambiando idee. Sarebbe stato davvero bello.”
L’episodio in questione sarebbe
stato il numero 12, anche se Cox ha sottolineato
che molti dettagli sono andati persi con il cambiamento della
serie. Hiddleston, che ha già lavorato come produttore per Loki e The Night Manager,
avrebbe così fatto il suo debutto alla regia proprio con questo
progetto Marvel.
Nel corso
dell’intervista, Cox ha anche riflettuto sul film
Daredevil del 2003,
spiegando che secondo lui i limiti dell’epoca e l’uso
ancora acerbo della CGI hanno influenzato il risultato
finale. “Credo che con quel film siano successe due cose: da un
lato era appena arrivata la CGI e hanno voluto sperimentarla
subito; dall’altro hanno cercato di condensare l’intero universo
narrativo di Daredevil in due ore.” Allo stesso tempo, ha
riconosciuto che il film contiene comunque momenti diventati
iconici e si è detto curioso all’idea di lavorare in futuro con
Ben
Affleck in un possibile crossover Marvel.
Per quanto riguarda
il suo ruolo nell’MCU, l’attore ha preferito mantenere un
profilo basso, chiarendo che al momento la priorità resta
la serie: “Marvel mi ha detto chiaramente che per ora il
mio focus deve essere la serie. È questo l’obiettivo principale.
Poi si vedrà.”
Anche Vincent D’Onofrio, interprete di
Kingpin, ha commentato il futuro del franchise, sottolineando
come il rapporto tra i due personaggi resti centrale e
molto apprezzato dai fan, lasciando aperta la possibilità
di ulteriori sviluppi, anche al di fuori della serie: “Sembra che
le persone amino vedere questi due personaggi insieme. Non sono io
a decidere per quanto tempo resteremo. Ma se non sarà in questa
serie, lo faremo altrove.”
Dopo un finale che ha
lasciato più domande che risposte, Unchosen è rapidamente diventata una delle
serie più discusse su Netflix, spingendo molti spettatori a chiedersi se la
storia continuerà con una seconda stagione. Il successo della
serie, unito al forte interesse attorno ai suoi temi e ai suoi
personaggi, rende la domanda inevitabile: Unchosen 2 si farà davvero?
Al
momento, Netflix non ha ancora annunciato ufficialmente il rinnovo
della serie. Eppure, osservando il comportamento della piattaforma
e alcuni elementi legati alla produzione, emergono indizi che
permettono di fare una valutazione più concreta sul futuro dello
show.
Unchosen 2 non è ancora ufficiale:
cosa sappiamo sul possibile rinnovo
Foto Justin Downing/Netflix
La
situazione di Unchosen
rientra in una dinamica ormai tipica delle produzioni Netflix: il
rinnovo non arriva immediatamente, ma viene valutato nelle
settimane successive all’uscita, sulla base di alcuni parametri
chiave. Tra questi, il più importante è la capacità della serie di
mantenere una forte presenza nella Top 10 globale e generare
conversazioni online.
Nel caso di Unchosen, la
risposta del pubblico è stata significativa, soprattutto per quanto
riguarda il coinvolgimento emotivo e le discussioni legate al
finale. Questo è un segnale che Netflix osserva con grande
attenzione, perché indica non solo il successo immediato, ma anche
il potenziale di continuità narrativa.
Un altro elemento da considerare è la struttura stessa della serie.
Unchosen
non è costruita come una miniserie chiusa, ma lascia spazio
evidente a sviluppi futuri, suggerendo che una seconda stagione
fosse già prevista almeno a livello creativo. Questo tipo di
progettazione aumenta le probabilità di rinnovo, soprattutto quando
il pubblico dimostra interesse nel proseguire la storia.
Perché una seconda stagione è
probabile: indizi e strategia Netflix
Foto Justin Downing/Netflix
Anche senza un annuncio ufficiale, diversi fattori giocano a favore
di Unchosen 2. Il primo
è la natura seriale del racconto: il finale non chiude davvero
l’arco narrativo, ma apre nuove linee di sviluppo che difficilmente
resterebbero inesplorate.
Inoltre, Netflix tende a investire su titoli che riescono a
costruire un’identità forte e riconoscibile. Unchosen ha già dimostrato di avere un
posizionamento chiaro, capace di distinguersi all’interno di un
catalogo sempre più affollato. Questo tipo di serie, se performa
bene nelle prime settimane, viene spesso trasformato in un progetto
a più stagioni.
C’è poi un fattore strategico: la piattaforma ha bisogno di
contenuti che generino engagement costante, e le serie che spingono
il pubblico a cercare spiegazioni, teorie e approfondimenti (come
dimostra il successo delle ricerche sul finale) sono
particolarmente preziose.
Quando potrebbe uscire Unchosen
2: ipotesi realistiche sulla data
Foto Justin Downing/Netflix
Se il rinnovo dovesse arrivare nei prossimi mesi, è plausibile che
la seconda stagione di Unchosen venga distribuita tra la fine del 2026 e
l’inizio del 2027. Questo tipo di tempistiche è in linea con i
cicli produttivi standard delle serie Netflix, che richiedono
diversi mesi tra scrittura, riprese e post-produzione.
Molto dipenderà dalla rapidità con cui Netflix prenderà una
decisione ufficiale. Un rinnovo tempestivo potrebbe accelerare
l’intero processo, mentre un’attesa più lunga rischierebbe di
spostare ulteriormente la finestra di uscita.
Cosa potrebbe raccontare Unchosen
2 dopo il finale della prima stagione
Foto Justin Downing/Netflix
Il vero nodo resta narrativo: Unchosen ha costruito gran parte della sua forza
proprio sul mistero e sull’ambiguità, elementi che il finale ha
amplificato invece di risolvere. Una seconda stagione potrebbe
quindi approfondire le conseguenze delle scelte dei personaggi e
chiarire dinamiche rimaste volutamente sospese.
È
proprio questa apertura che rende la serie particolarmente adatta a
proseguire: il pubblico non cerca solo risposte, ma anche una
continuazione coerente di un universo narrativo che ha dimostrato
di funzionare.
In attesa di un annuncio
ufficiale da parte di Netflix, Unchosen 2 resta una possibilità concreta, sostenuta
sia dai dati di interesse del pubblico sia dalla struttura stessa
della serie. E, considerando quanto il finale abbia alimentato
curiosità e interpretazioni, è difficile immaginare che la storia
si fermi davvero qui.
In The
Boys 5, Firecracker ha svelato un’ultima bomba
prima che la sua devozione a Homelander le esplodesse in faccia, ma
il più grande rimpianto di Valorie Curry, dopo
aver lasciato la serie di Prime Video, non ha nulla a che vedere con le
azioni del suo personaggio nell’episodio
5.
Nonostante i crescenti dubbi
generati dall’autoproclamata ascesa a divinità di Homelander
(Antony
Starr), Firecracker ha mantenuto la linea del partito,
denunciando la sua stessa chiesa come un gruppo di blasfemi
sediziosi e devoti a Starlight. Il proselitismo pubblico, tuttavia,
non è bastato al malvagio autoritario, e la sua più fervente
sostenitrice ha trovato la morte per mano di una statua d’aquila,
per non aver creduto nel suo cuore che Homelander fosse il signore
e salvatore dell’America.
La potente interpretazione di Curry
ha reso impossibile non provare empatia per
Firecracker, anche se si trovava semplicemente in una
situazione difficilissima, frutto delle sue stesse azioni. Ma
sebbene l’attrice abbia subito precisato che il suo personaggio non
aveva molta scelta, è stata anche molto sincera riguardo
all’aspetto della vita di Misty Tucker Gray che
avrebbe voluto vedere esplorato più a fondo nella serie.
“Mi sarebbe piaciuto passare più tempo con Annie ed esplorare la
storia del loro rapporto. Se avessi passato più tempo con Annie,
forse avrei avuto più sangue in bocca!”
The Boys
4 ha introdotto una lunga inimicizia tra Annie
January/Starlight e Misty, le cui rispettive educazioni religiose
le hanno portate su strade molto diverse. Sebbene l’odio di
Firecracker per tutto ciò che Starlight rappresenta sia ancora
evidente nella propaganda che diffonde nella quinta stagione, non
c’erano più molte occasioni per un loro incontro. Nonostante ciò,
Curry ha spiegato che “quello è stato il background davvero
formativo per me nella creazione di quel personaggio”.
“La scena nell’appartamento
della quarta stagione è stata una delle scene del mio primo
provino.” Quella era la base di Firecracker, e penso che avere
un po’ più di tempo per approfondire quell’aspetto, o tornarci in
qualche modo, sarebbe stato davvero fantastico.
Uno sguardo più approfondito su
come The Boys ha rappresentato la fine di Firecracker
Forse l’elemento più tragico
dell’ultimo episodio di Firecracker è la sua scelta di rinunciare
ai propri valori piuttosto che tradire Homelander, e nonostante
questa scelta dolorosa paga comunque il prezzo del suo presunto
tradimento. Tuttavia, Curry ha rivelato che, secondo lei, non c’era
mai stata una scelta possibile.
Value Curry: Non credo che abbia scelto Homelander. Penso che si
sentisse totalmente impotente in quel momento. Quando si siede per
girare quella scena in “Truth Bomb”, non sa cosa farà. Non ha mai
creduto che Homelander fosse Dio, ovviamente! Ma ciò che capisce in
quella rivelazione è che è completamente pazzo. Quindi, cosa farà?
Perché ormai è troppo coinvolta.
Credo che uno dei momenti di pausa in cui non riesce a trovare
le parole sia quando si guarda intorno in quello studio. Lei pensa:
“Dove andrò? Cosa farò? Come farò a uscire da qui?”. Si sentiva
come se non potesse fare assolutamente nulla di diverso.
Ovviamente, noi spettatori sappiamo: “Beh, puoi”. C’è un prezzo da
pagare, ma puoi. Non appena cambia direzione e continua con quel
monologo, odia profondamente se stessa, odia tutti nella stanza e
odia Homelander.
Quell’odio ritrovato per
Homelander è proprio ciò che la porta alla morte,
nonostante i suoi disperati tentativi di tornare in vita. Forse
sarebbe potuta sopravvivere se avesse accettato il suo rifiuto in
silenzio, ma dopo tutto quello che ha perso, non c’è altra via
d’uscita senza il falso idolo che si è creata.
Valorie Curry: Lo dice con tutta se stessa quando guarda in
camera e afferma: “L’America si merita Homelander”. Sa esattamente
cosa intende quando lo dice. Ecco perché, quando entra nella stanza
da cui poi non uscirà più, è furiosa perché lui l’ha licenziata. Ha
scelto la sopravvivenza al posto delle sue convinzioni, e non solo,
conserva ancora la sua religione nel cuore, il che significa che
sta rinnegando Cristo. Andrà all’inferno! Ecco perché dice: “Ti ho dato la mia
anima”.
È arrabbiata e non riesce a trattenersi da quello sfogo, quando
avrebbe potuto andarsene e trovare un lavoro da Arby’s. Una volta
che lo sfogo attira la sua attenzione, entra in modalità
manipolazione. È in modalità manipolazione, e credo che funzioni
fin troppo bene. Gli ricorda troppo la sua umanità, e lui non la
sopporta.
La relazione con Soldier
Boy è stata divertente finché è durata
Jensen Ackles, che interpreta Soldier
Boy in The Boys, ha sottolineato la spietatezza del suo
personaggio quando ha detto a ScreenRant: “Onestamente, non
credo che gli importasse” della morte di Firecracker. Ma se
può essere di consolazione, sembra che anche a lei non importasse.
Curry ha raccontato che Firecracker ha iniziato una relazione con
lui solo perché “voleva solo sentirsi bene. Ha passato un
brutto periodo ed era molto sola”.
Value Curry: Teoricamente è dentro, ma in realtà è ancora
un’estranea. A questo punto, ha passato un anno a essere
maltrattata come un cane – anche se, chi maltratta i cani? Solo
gente cattiva come Homelander lo farebbe. Credo che in parte sia
una sorta di vendetta per aver fatto una cosa del genere a suo
padre. Dice: “Oh, è terribile. Chi farebbe una cosa del genere?”.
Ma in realtà, vuole solo sentirsi bene. Ero così felice per lei
quando ha avuto il suo orgasmo. Quando l’ho letto, ho pensato: “Sì,
ragazza, prendilo. Usalo e basta.”
Ma poi si crea una situazione in cui lei si sente un po’ troppo
a suo agio, un po’ troppo rilassata. Lui è molto libero di
esprimere non solo i suoi dubbi, ma anche il suo disprezzo e la sua
avversione per Homelander e per tutta questa storia di Dio. Per un
attimo, lei scivola e pensa: “Oh, quindi posso farlo anch’io.” Ma
no, non può.
Sebbene la loro relazione sullo
schermo lasci un retrogusto agrodolce, Curry e Ackles si sono
divertiti molto insieme dietro le quinte. “Ci siamo
divertiti”, ha aggiunto l’attrice. “La scena con la
pistola è stata assurda!”
Adoro avere un momento del genere
con Firecracker perché penso che sia una parte fondamentale di lei,
e il modo in cui si sente potente e sicura di sé deriva dalla
facilità con cui riesce a sedurre un uomo. Per lei è facile. Lei lo
guarda e pensa: “È una cosa semplice, e lui la porterà a
termine.”
Netflix si prepara ad accogliere una nuova
serie sci-fi dai toni misteriosi e soprannaturali:
The Boroughs, un progetto in otto
episodi che segna il ritorno dei Duffer Brothers come produttori esecutivi.
Dopo il successo globale ottenuto con Stranger Things e altri progetti recenti,
il duo torna con una storia che mescola complotti, creature
inquietanti e dinamiche umane in un contesto decisamente
insolito.
La
serie, prodotta da Upside Down Pictures, debutterà il
21 maggio e porterà sullo schermo una comunità
apparentemente perfetta, presto sconvolta da presenze oscure e
inspiegabili.
La
trama
Ambientata nel deserto del New Mexico, la storia ruota attorno a
The Boroughs, una tranquilla comunità per
pensionati che promette serenità e benessere ai suoi
abitanti. Tuttavia, dietro questa facciata idilliaca si nasconde
qualcosa di molto più inquietante.
“La vasta distesa soleggiata del deserto del New Mexico ospita The
Boroughs, una pittoresca comunità per pensionati che promette ai
suoi residenti il periodo migliore della loro vita. Ma per il nuovo
arrivato Sam Cooper, il paradiso sembra più una
prigione. Tutto cambia quando un terrificante incontro
notturno rivela che qualcosa di mostruoso si aggira tra i curati
viali residenziali.”
Il
protagonista, Sam Cooper, interpretato da Alfred Molina, è un ingegnere aeronautico in
pensione che, dopo aver perso la moglie, cerca un nuovo inizio. Ma
il suo arrivo nella comunità segna l’inizio di una serie di eventi
inspiegabili che lo porteranno a mettere in discussione tutto.
“Liquidato dalle autorità come l’ennesimo anziano confuso, Sam
trova alleati improbabili in un gruppo di eccentrici vicini: un’ex
giornalista brillante, una ricercatrice spirituale, un manager
musicale cinico e un medico geniale a corto di opzioni. Ignorati e
sottovalutati, questi improbabili eroi dovranno
unirsi per svelare la verità oscura al centro di The Boroughs prima
che il tempo a loro disposizione finisca.”
Un cast corale e una nuova sfida per i Duffer Brothers
Accanto ad Alfred Molina, il cast include nomi di primo piano come
Geena Davis, Alfre Woodard,
Denis O’Hare, Clarke Peters e
Bill Pullman, oltre a Carlos
Miranda, Jena Malone, Seth
Numrich e Alice Kremelberg. Un ensemble
variegato che contribuirà a dare profondità a una storia corale
fatta di misteri e relazioni.
I
Duffer Brothers hanno raccontato come il progetto sia nato
quasi per caso, dopo aver apprezzato il lavoro dei
creatori Will Matthews e Jeffrey Addis.
Ross Duffer: “Eravamo fan della precedente serie televisiva di Will
e Jeff, Dark Crystal – La resistenza. Ci piaceva
moltissimo, quindi volevamo incontrarli, e così è stato. Ci
siamo trovati subito in sintonia. È stato uno di quegli
incontri in cui non viene presentata nessuna idea. Abbiamo detto:
‘Se un giorno avrete qualcosa, ci piacerebbe lavorare con voi.’ E
una settimana dopo ci hanno mandato una breve descrizione, che poi
è diventata The Boroughs. E abbiamo detto: ‘Dobbiamo farlo.’”
Matt Duffer ha aggiunto: “Ci hanno inviato sostanzialmente un paio
di frasi. Era una versione molto iniziale dell’idea, ma coinvolgeva
un gruppo di personaggi anziani che vivono in una
casa di riposo — e dei mostri. Inutile dire che era perfettamente
nelle nostre corde. Siamo tutti fan, Jeff, Will e noi, di Cocoon, e
ci chiedevamo perché nessuno avesse mai fatto qualcosa di simile
prima. Ci è sembrato subito il progetto giusto. Ed è il primo
progetto che siamo riusciti a realizzare con Upside Down
Pictures.”
Non mancano i richiami alle
atmosfere di Stranger
Things, con un gruppo di outsider
chiamato a fronteggiare una minaccia più grande di loro. Come
sottolineato dallo stesso Matt Duffer: “Condivide sicuramente
alcuni elementi con Stranger Things, nel senso che c’è un gruppo
di eroi improbabili e amici inaspettati che combattono qualcosa di
più grande di loro, qualcosa di straordinario e
soprannaturale.”
Con queste premesse, “The
Boroughs” si presenta come una delle uscite più intriganti della
stagione televisiva, pronta a mescolare fantascienza, tensione e
dramma umano in un contesto decisamente originale.
È stato diffuso oggi il trailer
ufficiale di Dutton Ranch, la nuova serie originale di
Paramount+ che espande l’universo
narrativo di Yellowstone. Lo show debutterà sulla
piattaforma venerdì 15 maggio con i primi due episodi, riportando
al centro della scena due dei personaggi più amati: Beth Dutton e
Rip Wheeler, interpretati ancora una volta da Kelly Reilly e Cole Hauser.
Accanto a loro, il cast si
arricchisce di nomi di grande peso, tra cui i candidati all’Oscar
Ed
Harris e Annette Bening, che contribuiscono a
dare alla serie un respiro ancora più ampio e ambizioso.
Beth e
Rip tra passato e nuovi conflitti: cosa aspettarsi da Dutton
Ranch
Ambientata nel Sud del Texas,
la serie segue Beth e Rip mentre cercano di costruire una nuova
vita lontano dalle tensioni del passato legate allo Yellowstone
Ranch. Ma il tentativo di ricominciare si scontra rapidamente con
una realtà ben più dura: a Rio Paloma, il loro nuovo punto di
riferimento, il potere si conquista e si difende con ogni
mezzo.
La coppia dovrà affrontare un
ranch rivale senza scrupoli, pronto a tutto pur di proteggere il
proprio dominio. In questo contesto, il sangue e le alleanze
contano più di qualsiasi legge, mentre il perdono diventa un lusso
raro e la sopravvivenza rischia di avere un prezzo altissimo, anche
sul piano morale.
Il trailer anticipa un
racconto carico di tensione, in cui il tono epico e drammatico di
Yellowstone viene
mantenuto, ma declinato in un ambiente nuovo, ancora più brutale e
spietato.
Photo Credit: Emmerson Miller/Paramount+
La prima stagione sarà
composta da nove episodi e vedrà nel cast anche Finn
Little, Juan Pablo Raba, Jai
Courtney, J.R. Villarreal, Marc Menchaca e Natalie Alyn
Lind.
Prodotta da Paramount
Television Studios e 101 Studios, Dutton Ranch nasce
sotto la guida dello showrunner Chad Feehan ed è basata sui
personaggi creati da Taylor Sheridan e John Linson, gli stessi
dietro il successo globale di Yellowstone. Tra i produttori esecutivi figurano anche
David C. Glasser, Art Linson, Ron Burkle, David Hutkin, Bob Yari,
Christina Alexandra Voros, Michael Friedman, Cole Hauser, Kelly
Reilly e Keith Cox.
Christina Alexandra Voros
firma inoltre la regia di diversi episodi, inclusi il pilot e il
finale di stagione, affiancata da Greg Yaitanes, Jessica Lowrey e
Phil Abraham.
Con queste premesse, Dutton Ranch si prepara a essere uno dei
titoli più attesi del catalogo Paramount+, pronto a conquistare sia
i fan storici della saga che nuovi spettatori in cerca di un
western moderno e carico di conflitti.
La profonda amicizia tra Deep
(Chace Crawford) e Black Noir (Nathan
Mitchell) sembra essere giunta al termine, con le tensioni
che raggiungono il culmine nel
quinto episodio di The Boys 5.
Sebbene l’ultima stagione della
serie di Prime Video fosse iniziata con una trama comica
incentrata su un podcast di genere “manosphere”, in cui Noir poteva
comunicare solo premendo dei pulsanti per fingere di non poter
parlare, il terzo episodio ha ribaltato le loro dinamiche. Deep ha
rubato la scena al suo amico e compagno di squadra, attribuendosi
il merito della cattura di Stan Edgar, guadagnandosi così la stima
di Homelander mentre Noir è rimasto nell’ombra.
Un simile tradimento del
codice d’amicizia ha scatenato la reazione di Noir, che
però si è limitato a “rispondere male” nel podcast e a umiliare
Deep di fronte a Oh Father. Ma
alla fine di “One-Shots”, Deep uccide il regista di Noir con
un’anguilla, e la loro amicizia, un tempo solida, finisce. In una
recente intervista con ScreenRant, Crawford ha spiegato
nel dettaglio cosa si cela dietro l’animosità di Deep.
Homelander è alla radice delle
insicurezze di Deep nei confronti di Noir
Se la rivalità tra Deep e Noir è di
natura fraterna, come Crawford ammette senza esitazione, è
Homelander a fungere da figura paterna per entrambi.
Chace Crawford: Penso che Deep abbia difficoltà a mantenere e
coltivare amicizie profonde in generale. Ogni volta che si avvicina
a qualcuno, si crea una sorta di rivalità fraterna, capisci cosa
intendo? Finisce per odiare le persone che ama e per ferirle.
E si irrita tantissimo con Black Noir! Ora che lavorano insieme
al podcast, c’è questo legame fraterno, e probabilmente non
sopporta nemmeno che respiri. Stanno cercando di riavvicinarsi un
po’, finché la situazione non precipita.
Se la rivalità tra Deep e Noir è di
natura fraterna, come Crawford ammette senza esitazione, allora è
il leader dei Sette a fungere da figura paterna per entrambi. E
sebbene Homelander sia più potente che mai in The
Boys 5, grazie al suo autoproclamato status di
Dio, è anche più distante che mai dalla sua cosiddetta squadra e
più bisognoso di approvazione.
L’approvazione non è
qualcosa che cerca da Deep, che chiaramente considera inferiore,
lasciando quest’ultimo a cavarsela da solo. Crawford ha
approfondito questo punto con entusiasmo:
Deep si aggrappa disperatamente ai Sette, e lo fa da tre
stagioni. Cerca di compiacere Homelander e di essere un adulatore.
Si aggrappa alla vita frenetica che si è concesso e cerca di non
perderla.
In effetti, il rapporto di
Homelander con suo padre è un punto dolente sottovalutato che ha
lasciato Deep un po’ spaesato con il progredire della stagione.
Come ha sottolineato Crawford, vedere i due interagire deve essere
sconcertante per chi è costretto a prostrarsi ai piedi del proprio
leader. Potrebbe non essere giusto o ovvio che i favori di
Homelander si ripercuotano sui suoi seguaci, ma questa è la
famiglia.
Vedere Homelander quasi adulare Soldier Boy è strano per lui, in
un certo senso. È come dire: “Amico, pensavo fossi solo una figura
di rappresentanza…”. Vedere le crepe in Homelander è probabilmente
un po’ spaventoso.
Sebbene sembri piuttosto sconfitto
dopo The Boys 5 episodio 5, è improbabile che
la rivalità tra lui e Deep cessi di essere rilevante negli ultimi
tre episodi della serie. Che si riconcilino o che diventino ancora
più aggressivi, la strada da percorrere è ancora lunga.
A24 sta portando sul grande schermo
la storia di Anthony Bourdain. Per chi non lo
conoscesse, Bourdain era uno chef e conduttore televisivo della CNN
che si iscrisse a una scuola di cucina nel 1978 e divenne famoso
dopo la pubblicazione del suo libro di memorie Kitchen
Confidential: Adventures in the Culinary Underbelly nel 2000.
Purtroppo, lo chef e autore si è suicidato nel 2018 all’età di 61
anni in Francia. Nel corso della sua carriera ha vinto sei Emmy
Awards per progetti come Parts Unknown.
È stato diffuso il primo trailer
del biopic di A24 a lui dedicato e intitolato
Tony, che anticipa un’intensa storia sull’ascesa
di Bourdain nel mondo della gastronomia. La sinossi ufficiale del
film recita: “Un Anthony Bourdain diciannovenne si reca a
Provincetown e si imbatte nel mondo caotico della cucina di un
ristorante, dando inizio a un’estate che segnerà il corso della sua
vita”. Guarda il trailer qui sotto:
La famiglia di Bourdain ha
rilasciato una dichiarazione in merito al film biografico in
arrivo, realizzato in onore del compianto chef e autore:
“L’eredità di Anthony Bourdain
è significativa per milioni di persone. Era un uomo che dava valore
all’autenticità sopra ogni altra cosa e sarebbe stato al tempo
stesso commosso e perplesso dalla curiosità del mondo nei confronti
della sua vita.
Abbiamo scelto di sostenere
TONY perché non è un film biografico convenzionale e non cerca di
riassumere una vita. Guidato dalla visione del regista Matt
Johnson, il film racconta un’estate trasformativa del 1975 a
Provincetown, nel Massachusetts. È un’interpretazione, poiché
quella parte della vita di Tony rimarrà sempre in parte
sconosciuta.
Apprezziamo la rappresentazione
della complessità di Tony, della sua sete di conoscenza e della sua
determinazione: qualità che lo hanno portato in giro per il mondo e
lo hanno reso caro a così tante persone. Ci auguriamo che questo
film serva a ricordare che ogni viaggio ha un inizio e che il
pubblico possa vedere gli inizi dell’uomo che ci ha insegnato a
essere esploratori migliori sui nostri percorsi.”
Informazioni sul biopic
Tony
Tony è diretto da
Matt Johnson, regista di
Blackberry (2023), e vede nel cast
Dominic Sessa, Emilia Jones,
Dagmara Dominczyk, Rich Sommers,
Stavros Halkias, Leo Woodall e
Antonio Banderas. Il biopic di A24 è
ambientato nel 1976 e racconta un momento cruciale e determinante
nella vita di Bourdain, quando visse e lavorò a Provincetown, nel
Massachusetts.
A quanto pare, la Jones
interpreterà un importante interesse amoroso, mentre Banderas
vestirà i panni di uno chef che gli farà da mentore. Il film sembra
esplorare non solo le passioni di Bourdain come scrittore e cuoco,
ma anche i suoi lati più oscuri, con Sessa che viene mostrato
mentre si azzuffa, beve pesantemente e prende a pugni un muro con
rabbia.
Per Sessa, Tony rappresenta
l’attesissimo seguito di The Holdovers (2023), che ha segnato il
suo debutto cinematografico. Dopo la sua acclamata interpretazione
nel film natalizio candidato all’Oscar, Sessa ha recitato in
Tow (2025), Now You See Me: Now You Don’t (2025)
e Oh. What. Fun (2025).
Il prestigio di A24 continua a
crescere e Tony potrebbe essere l’ultimo film a consolidare
ulteriormente lo status della società come peso massimo di
Hollywood. Sebbene il film non sembri avere un budget elevato come
le recenti produzioni A24 come Marty Supreme, costato circa 70
milioni di dollari, i biopic, se ben realizzati, possono essere
protagonisti della stagione dei premi. Dopo il successo di The
Holdovers, Sessa potrebbe essere sulla buona strada per una
nomination all’Oscar.
Un altro anno scolastico nella
famosa scuola di Filadelfia è giunto al termine, il che significa
che è tempo di guardare avanti alla sesta stagione di Abbott
Elementary. La sitcom di punta della ABC ha avuto un
ciclo televisivo 2025-2026 particolarmente interessante, ricco di
colpi di scena inaspettati e, naturalmente, di risate. Spingendosi
ulteriormente oltre i limiti di ciò che è possibile fare, la quinta
stagione di Abbott Elementary ha persino presentato un
episodio girato durante un evento sportivo dal vivo, consolidando
il suo posto nella cultura pop di Filadelfia.
Nel corso della
quinta stagione, la banda ha vissuto molte esperienze bizzarre,
tra cui il breve trasferimento della scuola in un centro
commerciale abbandonato, che, a dire il vero, ha generato molti
momenti divertenti. Ava ha iniziato l’anno sentimentalmente
coinvolta con O’Shon, ma gli episodi recenti hanno dato
l’impressione che si siano lasciati. Nel frattempo, anche la
principale coppia di innamorati di Abbott Elementary, Janine e
Gregory, ha vissuto alcuni momenti importanti, tra cui la
convivenza e la successiva rottura.
ABC ha ufficialmente confermato la
sesta stagione di Abbott Elementary.
A febbraio, ABC ha ufficialmente
rinnovato Abbott Elementary per una sesta stagione, segnando il
primo rinnovo per una serie in questo ciclo. Questo dimostra quanto
sia importante la sitcom per il palinsesto dell’emittente,
soprattutto considerando che la sua programmazione è dominata da
vari tipi di serie procedurali. Abbott Elementary è una rara
commedia pura nel suo palinsesto, almeno stando alla situazione
attuale.
Quando Abbott Elementary tornerà
per la stagione televisiva 2026-2027, supererà ufficialmente il
traguardo dei 100 episodi, un risultato che sta diventando sempre
più raro al giorno d’oggi, dato che le stagioni si accorciano e le
serie vengono cancellate più frequentemente. In ogni caso, il
rinnovo di Abbott Elementary per la sesta stagione non dovrebbe
sorprendere, considerando che è stato un successo sia di critica
che di pubblico per ABC, con una media di 6,16 milioni di
spettatori totali per episodio a gennaio, dopo una settimana di
visualizzazioni multipiattaforma.
Quando uscirà la sesta stagione di
Abbott Elementary?
L’ascesa delle serie in streaming
ha normalizzato i calendari di ritorno irregolari per le serie
rinnovate. Alcuni progetti aspettano più di un anno tra un episodio
e l’altro, poiché le piattaforme non hanno una programmazione
fissa. Questo non è un problema per la TV tradizionale, dato che le
emittenti hanno una programmazione prestabilita per ogni ciclo, il
che significa che ogni progetto confermato è confermato per tornare
ogni anno con nuovi episodi.
Guardando alla storia di Abbott
Elementary, di solito la serie è uscita in autunno, fatta eccezione
per la terza stagione a causa dei due scioperi di Hollywood del
2023. A meno che qualcosa di importante non sconvolga nuovamente il
settore o che ABC non decida di cambiare le carte in tavola per il
ciclo televisivo 2026-2027, è lecito supporre che la sesta stagione
di Abbott Elementary uscirà in autunno, forse tra metà settembre e
metà ottobre.
Quale sarà la trama della sesta
stagione di Abbott Elementary?
Considerata la varietà di intrecci
narrativi della quinta stagione di Abbott Elementary, è difficile
prevedere con esattezza cosa accadrà al suo ritorno l’anno
prossimo. Una cosa è certa, però: la serie continuerà a mettere al
centro della narrazione la storia d’amore in continua evoluzione
tra Janine e Gregory. Non è chiaro se Abbott Elementary tornerà a
puntare sulla dinamica del “si metteranno insieme o no?”, elemento
che ha caratterizzato le prime fasi della loro relazione, ma che
sarebbe un ottimo modo per ravvivare la tensione nella loro
storia.
Il capolavoro postumo di
Stanley Kubrick,Eyes Wide Shut,
ha incantato il pubblico al momento della sua uscita nel 1999,
affermandosi come uno dei più grandi canti del cigno nella storia
del cinema. Tra i tanti personaggi iconici diEyes Wide Shut
– tra cui Victor, Bill e sua moglie Alice – una figura spicca come
l’emblema dei segreti più gelosamente custoditi del film:
l’enigmatico leader di una setta conosciuto semplicemente come
“Mantello Rosso”.
Sebbene Kubrick abbia volutamente
mantenuto segreta l’identità di Mantello Rosso
e dei suoi seguaci, il film offre diversi indizi sulla vera
personalità del leader. Questi indizi, pur avendo sconcertato i fan
per anni – proprio come in altri film di Kubrick, comeShining
– rivelano una cospirazione ben più ampia che confonde il confine
tra sogno e realtà.
L’identità di Mantello Rosso viene
svelata da un giornale letto da Bill
Un indizio significativo
sulla vera identità di Mantello Rosso arriva nella seconda metà del
film, quando Bill (Tom
Cruise) si ferma in un ristorante e prende un
giornale, scoprendo che un’ex reginetta di bellezza – che in
seguito Victor (Sydney
Pollack) rivelerà essere la donna che si è sacrificata
per lui – è morta per overdose in una stanza d’albergo.
Tuttavia, ciò che è interessante di
questo articolo è la relazione che rivela tra l’ex reginetta di
bellezza – alias “Mandy” (Julienne Davis) – e lo
stilista londinese “Leon Vitali”, il quale, secondo l’articolo, si
sarebbe invaghito di lei “non per come indossava i suoi
splendidi abiti in pubblico, ma per come lo affascinava
spogliandoli in esibizioni private e seducenti”.
Per chi non lo sapesse, Leon Vitali
è il vero nome del collaboratore di lunga data di Kubrick, che
interpreta Mantello Rosso in Eyes Wide
Shut, il che suggerisce fortemente che lo stilista
sia l’uomo dietro la veste rossa e la maschera dorata. Inoltre,
questa rivelazione coincide anche con il sinistro accento inglese
di Mantello Rosso, rendendo ancora più plausibile che Vitali sia il
misterioso capo della setta.
Leon Vitali ha anche recitato nel
film di Stanley Kubrick del 1975, Barry Lyndon, nel ruolo
dell’arrogante e privilegiato “Lord Bullingdon”.
Chi altro potrebbe essere Mantello
Rosso in Eyes Wide Shut?
Leon Vitali non è l’unico
personaggio plausibile dietro la maschera di Mantello Rosso. Un
altro possibile colpevole è Victor, il ricco paziente di Bill, che
fin dalle prime scene del film mostra le stesse inclinazioni
sessuali dei membri mascherati della setta e ammette apertamente a
Bill di essere stato nella villa la notte in cui il curioso dottore
si è intrufolato durante il rituale erotico.
Per quanto riguarda il motivo per
cui Victor è un altro probabile candidato per la vera identità di
Mantello Rosso, tre indizi spiccano. Primo, Victor ha già una
relazione con Mandy, e ha quasi assistito alla sua overdose durante
la festa di Natale iniziale del film. Dato che Mandy ha un ruolo di
autorità all’interno della società segreta, questo legame
probabilmente non è una coincidenza.
Secondo, c’è la questione
dell’atteggiamento minaccioso di Victor durante la scena in cui
rivela di essere stato nella villa, quando afferma in modo
passivo-aggressivo a Bill che “qualcuno è morto, succede di
continuo”. Infine, nella scena in questione, Victor colpisce
abitualmente una palla da biliardo in un modo che ricorda i doppi
colpi rituali del bastone di Mantello Rosso.
Perché Eyes Wide Shut non rivela
mai esplicitamente l’identità di Mantello Rosso
Sebbene Victor e
Vitali siano entrambi candidati ideali per il ruolo di Mantello
Rosso, il film si sforza di lasciare la sua identità – e
quella dei membri della società segreta – completamente ambigua.
Questo è in linea con gran parte della filmografia di Kubrick,
poiché il regista credeva fermamente che l’ambiguità valorizzasse i
significati metafisici di una storia e, di conseguenza, agisse
maggiormente sul subconscio.
Inoltre, lasciando ambigue le
identità di Mantello Rosso e della società
segreta, la minaccia contro Bill diventa sempre più sinistra, sia
per la paura dell’ignoto, sia per l’idea che la natura enigmatica
della narrazione crei l’illusione di poteri ben più grandi e
onnipresenti in gioco in un mondo e in una narrazione altrimenti
finiti.
Infine, la natura onirica del film
è un ulteriore argomento a sostegno della sua ambiguità, poiché il
rituale riflette sia le ricorrenti visioni di Bill della fantasia
di Alice (Nicole
Kidman) con l’ufficiale di marina, sia – ancor più –
il sogno di Alice più avanti nel film, che enigmaticamente si
parallelizza con l’esperienza del marito nella villa e esemplifica
ulteriormente la natura paranoica dell’inconscio.
Perché Eyes Wide Shut risuona
ancora oggi nel pubblico
Oltre alla sua forte carica
sessuale, ciò che distingue Eyes Wide
Shut dal resto della filmografia di Kubrick è la sua
rappresentazione del potere e delle conseguenze dell’infedeltà: un
tema che risuona ancora oggi, 26 anni dopo, in una società che, pur
non essendo forse dominata in modo monoculturale come il panorama
sessualizzato mainstream della fine degli anni ’90, è comunque
pervasa da algoritmi che promuovono in massa immagini sessuali.
Eyes Wide
Shut è basato sul romanzo breve del 1926 “Doppio sogno” dello scrittore austriaco
Arthur Schnitzler.
Pertanto, il mistero, il surrealismo e l’ansia che circondano
l’ultimo progetto di Kubrick rimangono una testimonianza degli
interminabili cicli di tentazione e desiderio dell’umanità, con la
natura sfuggente di Mantello Rosso e del suo culto di seguaci
mascherati che funge da monito funesto per coloro che cercano
l’adulterio e da oscuro riflesso dei desideri sessuali più innati e
repressi della nostra specie, siano essi reali o
immaginari.
Dopo la conclusione del caso
Wellbrexa, tutti gli occhi sono puntati sulla terza
stagione di Matlock.
Sebbene i revival siano stati un espediente molto diffuso
nell’industria televisiva negli ultimi dieci anni per la scelta di
nuovi progetti, è risaputo che realizzarne uno di successo sia più
difficile di quanto si pensi inizialmente. Pertanto, quando la CBS
ha svelato il colpo di scena della prima stagione di Matlock, la
serie con Kathy Bates ha ricevuto un’ondata
immediata di reazioni positive, soprattutto considerando che
inizialmente era stata presentata come una semplice versione al
femminile del cult di Andy Griffith.
Con l’arrivo della stagione
televisiva 2025-2026, era logico che Matlock fosse tra le
serie più attese. La showrunner Jennie Snyder
Urman e il suo team hanno fatto un ottimo lavoro nel
preparare una seconda stagione più interessante, che non solo
avrebbe continuato il caso Wellbrexa, ma avrebbe anche approfondito
ulteriormente i personaggi. Alla fine della
seconda stagione di Matlock, il rapporto tra Madeline e Olympia
era più forte che mai, un ulteriore successo dopo l’arresto di
Senior e dei suoi complici per il caso Wellbrexa. Questi eventi
fungeranno da trampolino di lancio per gli sviluppi futuri della
serie.
La terza stagione di Matlock è
stata ufficialmente confermata dalla CBS
La buona notizia è che la CBS ha
già confermato il ritorno di Matlock per la terza stagione. Mentre
le altre emittenti, NBC e ABC, non hanno ancora svelato i loro
programmi per l’autunno 2026, la rete ha deciso in anticipo quali
serie in onda torneranno oltre questo ciclo e quali si
concluderanno. Oltre a risparmiare ai telespettatori e alle persone
coinvolte in questi progetti una lunga attesa, questo ha permesso
loro di inserire nuovi progetti nel loro palinsesto fin da
subito.
Va detto che la seconda stagione di
Matlock ha registrato un calo significativo di ascolti rispetto
alla prima. Ciò detto, continua ad essere popolare, per non parlare
del plauso della critica. Quindi, sebbene la seconda stagione sia
stata ordinata poco dopo la sua première, la CBS ha comunque deciso
il destino della successiva stagione con un certo anticipo, già a
gennaio 2026.
Dato che la CBS è stata in anticipo
sui tempi nella definizione ufficiale del palinsesto 2026-2027,
anche la data di uscita della terza stagione di Matlock è stata
confermata. Purtroppo, alla buona notizia se ne è accompagnata una
cattiva. Sebbene il ritorno di Madeline e Olympia sia ormai certo,
il pubblico dovrà aspettare più del solito per rivederle. Questo
perché la CBS ha deciso di posticipare la terza stagione di Matlock
a metà stagione, il che significa che non andrà in onda con nuovi
episodi fino all’inverno.
Non è ancora stata annunciata una
data precisa per il debutto della terza stagione di Matlock, ma in
genere le prime visioni invernali sono programmate intorno a
gennaio, dopo la pausa natalizia obbligatoria per le reti
televisive. Vale anche la pena notare che la CBS non ha ancora
deciso il numero di episodi della prossima stagione. Per fare un
confronto, le stagioni 1 e 2 di Matlock avevano rispettivamente 19
e 16 episodi.
Quale sarà la trama della terza
stagione di Matlock?
Dato che il finale della seconda
stagione di Matlock ha segnato anche la fine della premessa
originale della serie, la terza stagione offre un margine narrativo
più ampio. Ovviamente, la serie affronterà le conseguenze degli
arresti di figure chiave dello studio legale Jacobson Moore, ma non
è ancora chiaro se Senior e gli altri finiranno in prigione per le
loro azioni. A questo proposito, c’è anche il destino di Julian,
arrestato nonostante avesse avuto un ruolo importante
nell’operazione.
Urman ha confermato che ci sarà un
salto temporale significativo tra gli eventi del finale della
seconda stagione e l’inizio della terza. Si è anche parlato della
possibilità che Madeline e Olympia si mettano in proprio aprendo un
proprio studio legale, il che rappresenta probabilmente lo scenario
migliore sia per i personaggi che per la serie in generale, in
quanto permetterebbe di concentrarsi maggiormente sui casi
settimanali anziché dipendere da una trama generale.
ABC sta preparando un’interessante
terza stagione di High
Potential, che potrebbe rivelarsi persino migliore
della precedente. Con Kaitlin Olson come protagonista,
l’adattamento americano della serie francese HPI è stato un
successo immediato al suo debutto nel 2024. High Potential è riuscito a mantenere il suo
successo anche durante la seconda stagione, risultando uno degli
show più visti della stagione televisiva 2025-2026.
Comprensibilmente, c’è grande interesse per il futuro di questa
serie procedurale, al di là dell’attuale ciclo di trasmissione.
Come procedurale, la serie ABC
offre casi settimanali avvincenti con uno stile unico, grazie al
modo creativo in cui mostra come Morgan elabora le informazioni
nella sua mente. Oltre al suo lavoro nella divisione Crimini
Maggiori del Dipartimento di Polizia di Los Angeles, la seconda
stagione di High Potential ha approfondito anche le vicende
personali dei suoi personaggi, concentrandosi sul mistero della
scomparsa di Roman, così come sulle sue vicende sentimentali e
familiari. La seconda stagione della serie ha esplorato anche le
vicende personali di Karadec, Oz, Daphne, Soto e persino Wagner,
offrendo un’ottima base di partenza per la terza stagione di High
Potential.
La terza stagione di High
Potential è ufficialmente confermata da CBS
Visto il successo riscosso dalla
serie, non sorprende che ABC non abbia aspettato la
fine della stagione per
confermare il rinnovo di High Potential per una terza stagione.
La notizia è trapelata all’inizio di marzo 2026, quando la serie si
avviava alla fase finale della seconda stagione. Sebbene
prevedibile, si è trattato di un cambiamento significativo rispetto
all’anno precedente, in cui ABC si era presa del tempo prima di
decidere se rinnovare la serie con Olson.
La notizia del rinnovo di High
Potential per una terza stagione è stata però accompagnata da una
nota dolente. Pur essendo ora assicurata, la serie dovrà proseguire
senza lo showrunner originale Todd Harthan, che lascia il progetto
per concentrarsi sulla serie live-action di Disney+ Eragon, di cui sarà
co-showrunner insieme a Todd Helbing. Quando uscirà la terza
stagione di High Potential?
A differenza delle serie in
streaming e via cavo, la televisione tradizionale ha un palinsesto
fisso. Questo permette alle emittenti tradizionali di avere un’idea
abbastanza precisa di quando usciranno i nuovi episodi dopo la
pausa estiva annuale. In genere, la stagione inizia tra settembre e
ottobre e termina a maggio dell’anno successivo. La data esatta,
tuttavia, varia a seconda dell’emittente.
Considerando la storia di High
Potential con ABC, è probabile che la terza stagione venga
rilasciata prima piuttosto che dopo l’autunno. L’emittente sembra
aver finalmente trovato un palinsesto che ottimizza il suo successo
costante durante tutto il ciclo, il che include il rinvio di
The
Rookie e Will Trent, due delle sue serie più popolari, alla
première invernale. Questo permette a serie come High Potential e
Abbott Elementary di aprire la
stagione.
Quale sarà la trama della terza
stagione di High Potential?
Dato che High Potential è basato su
un’altra serie, è lecito supporre che alcuni degli elementi
principali saranno ancora ispirati alla versione francese. Detto
questo, la ABC ha dimostrato più volte di non basarsi
esclusivamente sull’originale per la sua narrazione, prendendosi
diverse libertà creative per rendere la versione di Olson sempre
avvincente e originale.
Passando alla terza stagione di
High Potential, è lecito supporre che il mistero della scomparsa di
Roman continuerà a dipanarsi. Non è ancora certo se la ABC
risolverà definitivamente il caso, ma dato che la seconda stagione
ha iniziato a rivelare indizi sostanziali su cosa gli sia successo,
è probabile che ci sarà una sorta di risoluzione narrativa nel
prossimo futuro.
Inoltre, aspettatevi che la terza
stagione di High Potential continui a sviluppare la relazione tra
Morgan e Karadec. La seconda stagione ha reso più evidente la loro
storia d’amore, che si è sviluppata lentamente, e sebbene la ABC
possa prolungarla ulteriormente, è probabile che la coppia si
avvicinerà sempre di più nella prossima stagione. Forse al momento
non sembra, ma abbiate fiducia che High Potential sta lavorando per
farli incontrare.
Se l’anno in corso è un indicatore
attendibile, la nona stagione di The Rookie si
preannuncia un altro anno entusiasmante per la serie poliziesca.
Dato che ABC ha iniziato l’anno in anticipo, con alcune delle sue
serie che hanno avuto meno pause tra un episodio e l’altro, il suo
ciclo televisivo 2025-2026 si concluderà prima di quello di NBC e
CBS. Dopo la fine della seconda stagione di High Potential e della quinta di Abbott Elementary, The
Rookie ha l’opportunità di chiudere l’anno e gettare le basi
per il futuro di MidWilshire.
La serie creata da Alexi Hawley ha
subito fatto colpo quest’anno con l’ambiziosa première dell’ottava
stagione, ambientata a Praga. Gli episodi girati all’estero sono
una rarità per la televisione generalista, ma il fatto che ABC
abbia investito in questa location dimostra la sua fiducia nello
show. In seguito, l’ottava stagione di The Rookie ha offerto un mix
di casi avvincenti e sviluppi personali per i personaggi di
MidWilshire, alcuni dei quali avranno probabilmente un impatto sul
futuro della serie.
ABC ha ufficialmente confermato la
nona stagione di The Rookie
Mentre ABC iniziava a decidere il
futuro delle sue serie, ci è voluto del tempo per definire il
destino del poliziesco con Nathan Fillion. La notizia del rinnovo per la
nona stagione di The Rookie è arrivata solo nell’aprile del 2026,
il che è comunque meglio che lasciarlo cadere nel baratro della
cancellazione prima del finale.
Considerato il successo della
serie, è stato davvero sorprendente che la rete abbia impiegato
così tanto tempo per confermarne ufficialmente il ritorno nella
stagione 2026-2027. Pur non essendo un grande successo in termini
di ascolti in diretta e in differita, è molto popolare in
streaming, così come tra il pubblico più giovane.
Quando uscirà la nona stagione di
The Rookie?
Se ABC manterrà il suo approccio
consolidato con la serie, la nona stagione di The Rookie debutterà
ancora una volta a metà stagione. Ciò significa che i nuovi episodi
inizieranno a essere trasmessi dopo le festività natalizie, intorno
a gennaio. Nonostante l’attesa più lunga, questa impostazione
funziona bene sia per ABC che per The Rookie, soprattutto perché
riduce le frustranti mini-interruzioni a metà ciclo.
Vale la pena notare, tuttavia, che
Hawley sta anche cercando di lanciare un altro spin-off, The
Rookie: North di Jay Ellis. Se ABC lo confermerà, potrebbero
esserci delle modifiche al palinsesto della nona stagione di The
Rookie per adattarlo a questo nuovo progetto.
Quale sarà la trama della nona
stagione di The Rookie?
Con la morte di Monica, la nona
stagione di The Rookie si trova ad affrontare solo due antagonisti
storici: Oscar Hutchinson e Liam Glasser. Non è certo se ABC
concluderà anche le loro rispettive storie nel corso della prossima
stagione, ma potrebbe essere giunto il momento per Hawley di
introdurre nuovi cattivi. Sul piano personale, ci sarà un crescente
interesse per il futuro di Tim Bradford e Lucy Chen, dopo un’ottava
stagione quasi fiabesca.
Infine, supponendo che la ABC
acquisti The Rookie: North, ci sarà almeno un crossover nel corso
dell’anno. Hawley ha già confermato di aver girato l’evento
speciale, anche se non è ancora chiaro come si inserirà in entrambe
le serie e quando verrà trasmesso. Il crossover tra The Rookie:
North e The Rookie stagione 9, tuttavia, stabilirà di fatto un
collegamento tra le due serie, oltre ad avere i rispettivi
protagonisti.
Sembra incredibile che ci sia stato
un tempo in cui i fan della Marvel pensavano di aver perso per
sempre Charlie Cox nei panni di Matt
Murdock quando la serie NetflixDaredevil è stata
cancellata. Ora che è ufficialmente entrato a far parte dell’MCU,
sembra che non riescano più a liberarsene! Ecco cosa sappiamo sulla
terza stagione di Daredevil: Rinascita,
confermata al 100%, con Vincent D’Onofrio, Deborah Ann
Woll e lo stesso Cox.
Quindi, Daredevil: Rinascita è
stato rinnovato per la terza stagione?
Proprio così. Disney+ ha annunciato la terza stagione
nel settembre 2025, prima ancora che uscisse il trailer della
seconda. Non solo, ma le
riprese della terza stagione di Daredevil:
Rinascita sono già iniziate. È tutto deciso. Il treno,
come si suol dire, è già partito.
Di cosa tratterà la terza stagione
di Daredevil: Rinascita?
Ovviamente, la trama sarà tenuta
sotto chiave. Si tratta di una serie Marvel! È top secret! Non
vogliono che sappiamo nulla. Tuttavia, vi consiglio di stare
attenti sui social media se volete evitare le foto dal set. Dato
che la serie viene girata in esterni a New York City, è molto
facile che qualcuno si avvicini e scatti una foto. Anche se le
immagini di per sé non rivelano molto, le persone tendono a
formulare ipotesi così azzardate che potrebbero finire per
spoilerare accidentalmente semplicemente buttando lì ogni
possibilità.
Personalmente, spero che il ritorno
di Krysten Ritter nei panni di Jessica Jones in
Daredevil: Born Again Stagione 3 significhi che il resto dei
Defenders della Marvel e i loro amici seguiranno presto. Per me,
questo deve includere Mike Colter nei panni di
Luke Cage, Finn Jones nei panni di Danny Rand, Jessica
Henwick nei panni di Colleen Wing e Rosario Dawson nei panni di Claire
Temple. Non direi di no nemmeno a Simone Missick che riprende il
ruolo di Misty Knight o a Rachael Taylor che torna nei panni di
Trish Walker.
Molti fan sono ansiosi di vedere
anche il ritorno di Elodie Yung nei panni di
Elektra. Su Netflix c’era un intero mondo di eroi di strada che
farebbe bene a incrociarsi presto. Riportateli indietro!
Di cosa parlerà la terza stagione
di Daredevil: Rinascita?
Ovviamente, la trama sarà tenuta
segreta. È una serie Marvel! È top secret! Non vogliono che
sappiamo nulla. Tuttavia, vi consiglio di andarci piano sui social
media se volete evitare di imbattervi in foto dal set. Dato che
la serie viene girata a New York, è molto facile che qualcuno si
presenti e scatti una foto. Anche se le immagini in sé non rivelano
molto, la gente tende a fare ipotesi così fantasiose da rischiare
di rovinare la sorpresa con uno spoiler, semplicemente ipotizzando
ogni possibile scenario.
Personalmente, spero che il ritorno
di Krysten Ritter nei panni di Jessica Jones nella terza stagione
di Daredevil: Born Again significhi che anche il resto dei Marvel’s
Defenders e i loro amici seguiranno presto. Per me, questo dovrebbe
includere Mike Colter nei panni di Luke Cage, Finn Jones in quelli
di Danny Rand, Jessica Henwick in quelli di Colleen Wing e Rosario
Dawson in quelli di Claire Temple. Non mi dispiacerebbe affatto
rivedere Simone Missick nei panni di Misty Knight o Rachael Taylor
in quelli di Trish Walker.
Molti fan non vedono l’ora di
rivedere anche Elodie Yung nei panni di Elektra. C’era un intero
mondo di eroi di strada su Netflix che spero tornino presto.
Riportateli indietro!
Quando potrò vedere la terza
stagione di Daredevil: Rinascita?
Questa serie è già una macchina ben
oliata. Le riprese della seconda stagione sono iniziate subito dopo
la première della prima, all’inizio di marzo dello scorso anno.
Quindi sembra plausibile che la terza stagione arriverà a marzo, o
al massimo all’inizio di aprile, del 2027. Stanno facendo un lavoro
fantastico!
Inoltre, non dimenticate che il 12
maggio 2026, alla fine della seconda stagione di Daredevil: Born
Again, andrà in onda un episodio speciale dedicato al Punitore,
intitolato “One Last Kill”. È un momento fantastico per essere un
fan di Matt Murdock e della sua famiglia allargata di vigilanti
disadattati.
Con
la conclusione della seconda stagione di Daredevil: Rinascita, i fan Marvel si pongono subito una
domanda inevitabile: quale sarà la prossima serie del MCU e quando
arriverà su Disney+? Dopo settimane di attesa e
sviluppo narrativo, il finale segna non solo la chiusura di un
arco, ma anche il passaggio verso una nuova fase televisiva
dell’universo Marvel. La prossima serie Marvel dopo
Daredevil: Rinascita è
VisionQuest. Non
ha ancora una data ufficiale, ma è attesa tra fine 2026 e inizio 2027.
Subito dopo Daredevil, il
calendario Marvel non resta vuoto: tra progetti già annunciati e
altri in sviluppo, il prossimo tassello è già definito, anche se
con alcune incognite sulle tempistiche.
Quando esce
VisionQuest
VisionQuest riporterà al centro Vision,
interpretato da Paul Bettany, riprendendo direttamente
gli eventi di WandaVision. In particolare, la serie
seguirà il percorso del cosiddetto White Vision, la versione ricostruita del
personaggio che, dopo aver recuperato i ricordi del passato, è
scomparsa senza lasciare traccia.
Le
riprese della serie sono già concluse, un elemento che suggerisce
come l’uscita non sia troppo lontana, anche se Marvel Studios non
ha ancora ufficializzato una data precisa. L’ipotesi più concreta
resta quindi una finestra compresa tra la fine del 2026 e i primi
mesi del 2027, in linea con la nuova strategia del MCU, che sta
rallentando il ritmo delle uscite per dare maggiore peso ai singoli
progetti.
Dal punto di vista narrativo, VisionQuest potrebbe avere un ruolo chiave nel futuro
dell’universo Marvel. Il ritorno di personaggi legati al passato di
Vision – tra cui Ultron, già anticipato da diverse indiscrezioni –
e il tema dell’identità del protagonista potrebbero collegarsi
direttamente agli eventi più ampi della saga, soprattutto in vista
dei nuovi capitoli degli Avengers.
Le prossime serie
Marvel in arrivo dopo Daredevil
Dopo Daredevil: Born
Again, il calendario Marvel per le serie TV resta ricco, anche
se con meno certezze sulle date ufficiali. Tra i titoli più attesi
troviamo:
Con la fine di Daredevil, quindi, il MCU televisivo entra in una nuova
fase di transizione, e VisionQuest si prepara a diventare uno dei progetti più
importanti per collegare il passato di WandaVision al futuro della saga Marvel.
Il
finale della stagione 1 di Star Wars: Maul – Shadow
Lord è stato un episodio ricco d’azione,
pieno di promesse intriganti per il futuro e con un enorme cameo di
Star
Wars. La conclusione dell’episodio 8 ha lasciato i
personaggi principali della serie in una posizione difficile,
mentre cercavano di sfuggire all’Impero. Nel finale di stagione,
questo ha portato tutta la potenza degli Imperiali a scatenarsi
contro di loro, dagli Inquisitori fino a qualcosa, o qualcuno,
ancora più forte.
L’episodio 9 di Star Wars:Maul – Shadow
Lord si è concentrato sugli Inquisitori, prima che il suo
finale sospeso introducesse nientemeno che Darth Vader
come minaccia per Maul, Devon, Daki, i Lawson e la loro fragile
alleanza. Il più potente Signore dei Sith, Darth
Sidious, a parte, si è dimostrato più
pericoloso di qualsiasi cosa questi personaggi avessero affrontato
fino a quel momento, mentre cercavano di superare un’ultima prova
per fuggire da Janix.
Questo ha portato a spettacolari duelli con le spade laser, fuoco
di blaster, l’inclusione di Dryden Vos, sacrifici
e oscuri percorsi futuri, mentre Star Wars: Maul – Shadow
Lord stagione 1 giungeva alla sua conclusione.
Ciò che rende lo scontro tra Maul e Darth Vader ancora più
entusiasmante è il peso narrativo che ha per il personaggio del
primo. Sì, è stato un duello atteso da tempo e ha certamente
mantenuto le aspettative. Tuttavia, ha anche ridefinito ciò che
Maul pensava del suo vecchio maestro e dell’oggetto della sua
vendetta, Darth Sidious.
Il finale della stagione 1 di Maul – Shadow Lord
ha dimostrato che Maul non era a conoscenza dell’esistenza di
Vader, nonostante sapesse dei piani di Sidious per Anakin Skywalker
prima dell’Ordine 66. Maul ignorava che Sidious avesse preso un
nuovo apprendista dopo Conte Dooku, rendendo
la minaccia dell’Impero molto più grande di quanto persino lui
immaginasse. Questa minaccia è stata ulteriormente amplificata dal
potere di Vader.
Vader ha avuto poca difficoltà ad affrontare Maul, anche con
l’aiuto di Devon e Daki. Solo quest’ultimo è riuscito a infliggere
qualche danno a Darth Vader, mostrando a Maul che ha ostacoli molto
più grandi e potenti da superare se vuole raggiungere il suo
obiettivo finale: distruggere definitivamente Darth Sidious.
Sebbene Daki sia riuscito a ferire leggermente Darth Vader, questo
è avvenuto a un costo personale estremo. Daki implorava che lui e
Maul potessero sconfiggere Vader insieme. Maul, tuttavia, sapendo
che probabilmente non era vero e avendo bisogno di Devon come
propria apprendista, ha tradito Daki spingendolo verso Vader e
lontano da qualsiasi aiuto. Purtroppo, il Signore Oscuro dei Sith
si è rivelato troppo potente per l’ultimo sopravvissuto dell’Ordine
66, portando alla morte di Daki.
Devon ha assistito a tutto in prima persona, venendo travolta dalla
rabbia contro l’Undicesimo Fratello. Questo ha compiaciuto Maul,
che fin dagli episodi 1 e 2 ha cercato di spingerla verso la sua
ira. Alla fine, Devon ha ceduto alla rabbia, accettando di
diventare l’apprendista di Maul e di cercare vendetta contro Vader,
gli Inquisitori e Darth Sidious stesso nella stagione 2 di
Maul – Shadow Lord.
Naturalmente, come noto da Star Wars
Rebels, Maul non ha un ruolo determinante
nella sconfitta di Sidious. Ciò che sarà interessante, però, è
vedere come procederà l’addestramento di Devon e dove quest’ultima
finirà dopo gli eventi della serie. Inoltre, Maul – Shadow
Lord potrebbe includere un retcon per renderlo più
centrale nella caduta dell’Impero.
In ogni caso, la stagione 2 avrà tutte le risposte ora che Devon ha
perso il suo maestro, ne ha trovato un altro, ha ceduto alla rabbia
e ha iniziato il suo cammino verso il lato oscuro della Forza.
La spiegazione del destino del
Capitano Lawson: cosa significa per Rylee?
Una delle parti più ambigue del finale della stagione 1 di
Maul – Shadow Lord è stato il destino di Brander
Lawson. Dopo essere stato messo alle strette dalle forze
dell’Impero, Dryden Vos e la sua nave di Crimson Dawn sono
intervenuti in loro soccorso. Rylee, Two-Boots e Vario sono
riusciti a raggiungere la sicurezza della navetta, ma solo dopo
essersi separati da Brander.
Per assicurarsi che suo figlio fosse al sicuro, Lawson si è
avventurato nella nebbia della giungla di Janix con un cannone
imperiale, attirando il fuoco lontano da Rylee e Two-Boots. In modo
interessante, la serie ha seguito un classico trope televisivo: non
abbiamo visto Brander morire, il che significa che probabilmente è
ancora vivo. La stagione 2 potrebbe spiegare cosa gli è accaduto,
aprendo una nuova linea narrativa per lui.
Inoltre, la presunta morte di Brander potrebbe spingere Rylee su un
percorso più oscuro, proprio come quella di Daki ha fatto con
Devon. Rylee potrebbe ora essere influenzato da Maul, Dryden Vos e
Vario, con Two-Boots come unico elemento di equilibrio. Two-Boots
ha il compito di portare Rylee da sua madre, che a sua volta lavora
per l’Impero. Qualunque sia il suo destino, il futuro di Rylee
sembra più oscuro del suo passato.
Marrok e l’Undicesimo Fratello sono stati antagonisti chiave nella
stagione 1 di Maul – Shadow Lord e il finale della
serie, insieme agli eventi futuri della timeline di Star Wars che
coinvolgono Ahsoka Tano, conferma che
torneranno. Entrambi gli Inquisitori sopravvivono abbastanza a
lungo da affrontare Ahsoka, e nessuno dei due ha avuto una scena di
morte definitiva qui.
Sebbene Marrok sia stato gettato da un ponte nella nebbia di Janix
da Daki, è improbabile che questo lo abbia ucciso. L’Undicesimo
Fratello è stato invece mostrato mentre si ritirava dopo che Devon
ha ceduto alla rabbia, lasciando l’ex Jedi a Vader. Con Maul e
Devon ancora una minaccia per l’Impero, è difficile immaginare che
Marrok e l’Undicesimo Fratello non tornino nella stagione 2.
Come il finale prepara la
stagione 2
Oltre a tutti gli elementi di trama già citati, il finale della
stagione 1 di Star Wars: Maul – Shadow Lord ha
preparato
una seconda stagione molto intrigante. Naturalmente, il più
grande indizio è rappresentato dall’inclusione di Dryden Vos.
Dryden ha dichiarato che aiuterà Maul a fuggire da Janix, a patto
che quest’ultimo uccida il suo capo e attuale leader di Crimson
Dawn, Rintero. Come sappiamo dal finale di Solo: A Star Wars
Story, Maul diventerà in seguito il capo
nell’ombra della stessa organizzazione.
Pertanto, la stagione 2
probabilmente si concentrerà sul piano di Maul per uccidere Rintero
e prendere il controllo di Crimson Dawn. Sarà interessante vedere
come Devon si inserirà in questo contesto durante il suo
addestramento, così come i destini di Rylee, Two-Boots, Vario e
degli altri personaggi secondari. Alcuni, come Daki e Icarus, si
sono sacrificati per la loro famiglia. Tuttavia, l’ombra del lato
oscuro incombe su coloro che restano, preparando Star Wars:
Maul – Shadow Lord a una continuazione avvincente.
Il
nuovo capitolo del DCU,
Man of Tomorrow, è già in lavorazione e James Gunn ha iniziato a
disseminare indizi sul futuro della saga. Ora, una nuova foto
condivisa sui social (la si può vedere qui) suggerisce
il possibile ritorno di Mr. Handsome, la
disturbante creatura legata a Lex Luthor. Un
dettaglio apparentemente marginale che però potrebbe avere
implicazioni narrative profonde per l’evoluzione del villain e
dell’intero universo condiviso.
Il
riferimento arriva da una storia Instagram del regista, che ha
mostrato un’immagine dietro le quinte con un richiamo diretto alla
creatura. Gunn aveva già chiarito in passato l’origine del
personaggio: “Lex ha creato Mr. Handsome in una capsula di
Petri quando aveva 12 anni: stava cercando di creare un essere
umano. Il risultato non è stato un granché, ma potrebbe essere
l’unica persona al mondo per cui Lex provi un vero affetto, come
dimostra la foto sulla sua scrivania”. La creatura, quindi,
non è un alieno né una variazione marziana, ma un esperimento
fallito che rappresenta l’unico legame emotivo autentico di Luthor.
Secondo quanto già anticipato, il destino di Mr. Handsome dopo il
collasso dell’universo tascabile di Lex sarebbe stato esplorato nei
progetti successivi.
Questo teaser, per quanto ambiguo, indica una direzione precisa:
Gunn sta costruendo una mitologia più stratificata attorno a Lex
Luthor, spostandolo da semplice antagonista a figura ossessionata
dal controllo della vita stessa. Il ritorno di Mr. Handsome
potrebbe diventare la chiave per comprendere le motivazioni più
intime del personaggio e preparare il terreno per sviluppi più
estremi, come la creazione di Ultraman.
Mr. Handsome e Ultraman: il lato
più oscuro di Lex Luthor nel nuovo DCU
Nel contesto del nuovo DC Universe, Mr. Handsome non è solo un
elemento grottesco, ma un simbolo narrativo. La sua esistenza
anticipa la deriva scientifica e morale di Lex Luthor, già
suggerita con la creazione di Ultraman, un clone di Superman privo di volontà
propria e controllato tramite istruzioni informatiche. Se il DCU
seguirà questa traiettoria, Man of Tomorrow potrebbe segnare il
passaggio definitivo da una rivalità ideologica tra Superman e
Luthor a uno scontro più radicale sul concetto stesso di
umanità.
Il possibile ritorno della creatura apre anche a una riflessione
sul trauma e sull’isolamento del personaggio: Mr. Handsome
rappresenta un fallimento che Luthor non ha mai abbandonato, un
legame emotivo deviato che potrebbe spiegare la sua ossessione per
la perfezione. In questo senso, Gunn sembra voler costruire un
antagonista più complesso e disturbante, in linea con una visione
del DCU che punta a differenziarsi dai modelli più classici del
genere.
Resta da capire se l’immagine condivisa sia un semplice scherzo di
produzione o un vero indizio narrativo. Ma, nel linguaggio di Gunn,
anche i dettagli più marginali tendono a trasformarsi in elementi
chiave nel lungo periodo.
Il
nuovo film di Resident
Evil, diretto da Zach Cregger, punta a
fare qualcosa che nessun adattamento precedente è riuscito davvero
a ottenere: funzionare come esperienza cinematografica senza
inseguire a tutti i costi la fedeltà narrativa ai videogiochi. Una
scelta che divide i fan, ma che potrebbe rivelarsi la chiave del
successo.
Dalle prime anticipazioni, il film non seguirà i personaggi iconici
della saga come Leon o Chris, ma racconterà una storia parallela
ambientata durante gli eventi di Resident Evil 2. Il protagonista sarà un sopravvissuto
qualunque, alle prese con l’epidemia di Raccoon City. Lo stesso
Cregger ha spiegato l’approccio: “Mi piace pensare che mentre tutto
accade alla centrale di polizia, questa sia un’altra storia, con un
altro personaggio, dall’altra parte della città”. Il film sarà
distribuito nelle sale dal 18 settembre 2026.
La vera particolarità, però, sta nel modo in cui il regista ha
costruito il progetto: non adattare la lore, ma replicare le
sensazioni del gameplay. Esplorazione, gestione delle risorse,
progressione delle armi, enigmi ambientali — tutti elementi pensati
per tradurre sullo schermo l’esperienza del giocatore, più che la
trama dei capitoli originali.
Perché ignorare la storia dei videogiochi potrebbe essere la scelta
vincente
È
una decisione rischiosa, ma anche lucida. Gli adattamenti di
Resident Evil hanno
spesso fallito proprio nel tentativo di comprimere una mitologia
complessa dentro un racconto cinematografico lineare. Il risultato
è stato, nella maggior parte dei casi, una distanza sia dai fan che
dal pubblico generalista.
Cregger sembra invece partire da un presupposto diverso: ciò che
rende Resident Evil
unico non è la sua storia, ma il modo in cui viene vissuta. La
tensione, la scarsità di risorse, la paura dell’ignoto. Tradurre
questi elementi in linguaggio cinematografico potrebbe essere più
efficace di qualsiasi adattamento fedele.
Certo, ci sono già elementi che fanno discutere — come
l’ambientazione invernale o la presenza di zombie più veloci
rispetto ai giochi — che rendono difficile collocare il film
all’interno della timeline ufficiale. Ma è proprio questo il punto:
il film non vuole essere canonico, vuole essere coerente con se
stesso.
Se questa visione funzionerà, il nuovo Resident Evil potrebbe finalmente rompere la
“maledizione” degli adattamenti videoludici. Non perché è fedele,
ma perché ha capito cosa conta davvero del materiale originale.
Dopo oltre quattro decenni, Kurt Russell ha chiarito
il significato del celebre
finale di La Cosa (The
Thing), il cult horror diretto da
John Carpenter. Un
epilogo rimasto per anni tra i più discussi nella storia del
cinema, alimentato da teorie e interpretazioni contrastanti.
In
un’intervista, Russell ha spiegato: “Quando arrivi alla
fine, hai due uomini che hanno entrambi validi motivi per
sospettare l’uno dell’altro… è un film sulla paranoia, e quella
paranoia non se ne va”. L’attore ha sottolineato come l’ambiguità
fosse intenzionale fin dall’inizio: “Puoi andare in cento direzioni
diverse, ed è voluto. Più elementi presenti, più lo spettatore
inizia a dubitare e a interrogarsi”.
Il
film racconta di un gruppo di ricercatori in Antartide alle prese
con una creatura aliena capace di assimilare e imitare qualsiasi
forma di vita. Il finale, con MacReady e Childs seduti nel gelo
senza sapere chi sia umano e chi no, è diventato simbolo di un tipo
di narrazione che rifiuta risposte definitive, lasciando spazio
all’interpretazione.
Perché il finale di The Thing
funziona ancora oggi (e non doveva essere spiegato)
La vera rivelazione non è tanto “chi sia la Cosa”, ma il fatto che
non conta saperlo. Il cuore del film è proprio l’incertezza. Le
numerose teorie — dagli occhi alla respirazione, fino alla famosa
ipotesi della bottiglia di whisky — dimostrano quanto il pubblico
abbia cercato negli anni una risposta razionale a qualcosa che
nasce invece per restare irrisolto.
E
questo è il punto: The
Thing non è un enigma da risolvere, ma un’esperienza da
vivere. La paranoia che Russell descrive non è solo quella dei
personaggi, ma quella dello spettatore, costretto a dubitare di
ogni immagine, di ogni gesto, di ogni indizio.
In un’epoca in cui il cinema tende spesso a spiegare tutto, il film
di Carpenter resta un caso quasi unico: costruisce la propria forza
proprio sull’assenza di una verità definitiva. Ed è questo che lo
rende ancora oggi così potente.
Il chiarimento di Russell, quindi, non chiude il mistero — lo
rafforza. Perché conferma che il finale non è un puzzle, ma una
scelta narrativa precisa: lasciare il pubblico sospeso, esattamente
come i suoi protagonisti.
Star Trek: Strange New Worlds tornerà con la
quarta stagione su Paramount+, ed ecco tutto ciò che sappiamo sui
prossimi viaggi dell’astronave Enterprise comandata dal Capitano
Christopher Pike (Anson Mount).
Insieme a Star Trek: Starfleet Academy, Strange New
Worlds è una delle due serie di Star Trek ancora disponibili
su Paramount+. Strange New Worlds è un successo di pubblico e di
critica, con gli episodi della terza stagione che si sono
regolarmente posizionati nella Top 10 dello streaming di
Nielsen.
La terza stagione di Star Trek: Strange New Worlds
non è stata esente da polemiche. Le “grandi svolte” e le audaci
esplorazioni di genere, con una maggiore attenzione al romanticismo
e alla commedia, hanno suscitato reazioni negative da parte dei fan
di Star Trek online, dopo due anni di attesa per i nuovi episodi a
seguito degli scioperi di SAG-AFTRA e WGA del 2023.
Ciononostante, la terza stagione di
Star Trek: Strange New Worlds ha offerto
episodi di alto livello che hanno contribuito a ridefinire lo Star
Trek moderno, sviluppando il suo vasto cast di eroi della Flotta
Stellare in ambientazioni audaci e sperimentali. Aspettatevi che
questa tendenza continui nella quarta stagione di Star
Trek: Strange New Worlds.
Star Trek: Strange New Worlds –
Data di uscita e trailer della quarta stagione
La quarta stagione di Star
Trek: Strange New Worlds debutterà giovedì 23 luglio su
Paramount+. Con 10 episodi in uscita ogni giovedì, il finale di
stagione dovrebbe essere trasmesso il 24 settembre. Le prime
immagini della quarta stagione di Strange New Worlds offrono un
assaggio di ciò che attende le prossime avventure dell’astronave
Enterprise.
La quarta stagione di Star Trek:
Strange New Worlds sarà l’ultima a essere composta da 10 episodi.
Il trailer sembra riportare l’attenzione sull’esplorazione
spaziale, all’altezza del titolo Star Trek: Strange New Worlds. Tra
i “nuovi mondi strani” che la USS Enterprise visiterà ci sono un
pianeta preistorico popolato da dinosauri e un polveroso mondo in
stile western. Un pianeta addirittura esplode.
L’astronave Enterprise indagherà
anche su un buco nero che potrebbe nascondere più di quanto sembri.
Inoltre, c’è un’astronave precipitata che l’equipaggio del Capitano
Pike esplora, il che potrebbe dare origine a un episodio a tema
horror.
Nella quarta stagione, inoltre,
nuovi alieni salgono a bordo della USS Enterprise e non c’è traccia
dei Gorn, che erano i principali antagonisti di Star Trek: Strange
New Worlds nelle stagioni da 1 a 3.
Star Trek: Strange New Worlds –
Dettagli sul cast della quarta stagione
Il talentuoso cast di Star Trek:
Strange New Worlds tornerà per la quarta stagione, ad eccezione del
Capitano Marie Batel, interpretata da Melanie Scrofano, il cui
personaggio è uscito di scena nel finale della terza stagione.
Martin Quinn, che interpreta Scotty, è un membro fisso del cast,
mentre Carol Kane, che interpreta il Comandante Pelia, e Paul
Wesley, che interpreta il Tenente Comandante James T. Kirk, sono
accreditati come guest star.
Nella terza stagione di Star Trek:
Strange New Worlds sono state introdotte le guest star Rhys Darby
nel ruolo di Trelane, Cillian O’Sullivan in quello del Dottor Roger
Korby e Mynor Luken in quello di Beto Ortegas. Korby è il fidanzato
dell’infermiera Christine Chapel (Jess Bush), mentre Beto è il
fratello minore del Tenente Erica Ortegas (Melissa Navia) e
l’interesse amoroso dell’Alfiere Nyota Uhura (Celia Rose
Gooding).
Sebbene Korby e Beto non compaiano
nel trailer della quarta stagione di Star Trek: Strange New Worlds,
è logico aspettarsi il loro ritorno, visti i loro legami con tre
personaggi chiave della saga. Tuttavia, la quarta stagione di Star
Trek: Strange New Worlds introdurrà senza dubbio nuovi personaggi,
la cui identità è ancora avvolta nel mistero.
Dettagli sulla trama della quarta
stagione di Star Trek: Strange New Worlds
Al San Diego Comic-Con 2025,
Paramount+ e CBS Studios hanno anticipato che in un episodio della
quarta stagione di Star Trek: Strange New Worlds il Capitano Pike e
altri membri dell’equipaggio dell’Enterprise verranno trasformati
in pupazzi creati dalla Jim Henson Company. Paul Welsey ha anche
ammesso di essere invidioso di non essere presente nell’episodio
dedicato ai pupazzi.
La quarta stagione di Star Trek:
Strange New Worlds riserva anche delle sorprese.
Anche la terza stagione di Star
Trek: Strange New Worlds ha presentato diverse sorprese e
sperimentazioni in generi diversi. I produttori esecutivi e
co-showrunner Akiva Goldsman e Henry Alonso Myers hanno affermato
che anche la quarta stagione di Star Trek: Strange New Worlds
riserva “grandi colpi di scena” (come l’episodio con i pupazzi),
dato che l’hanno prodotta come se fosse l’ultima.
Rebecca Romijn ha lasciato
intendere che la quarta stagione di Star Trek: Strange New Worlds
sarà significativa per Numero Uno e che ha dovuto affrontare una
sfida mai vista prima nel ruolo del Tenente Comandante Una-Chin
Riley. La Romijn ha anche accennato alla possibilità che Una possa
tornare a cantare nella quarta stagione.
Star Trek: Strange New Worlds viene
spesso descritto come “storie d’amore nello spazio”. Resta da
vedere se le nuove coppie della terza stagione, come Chapel e
Korby, e il Tenente Spock e il Tenente La’an Noonien-Singh
(Christina Chong), sopravvivranno indenni alla quarta stagione di
Star Trek: Strange New Worlds, o se nasceranno nuove storie
d’amore.
Tuttavia, la “bromance” centrale di
Star Trek tra James T. Kirk e Spock continua nella quarta stagione
di Star Trek: Strange New Worlds, come mostra il trailer che li
ritrae abbracciati. L’eterna amicizia tra Kirk e Spock è iniziata
ufficialmente nell’episodio 6 della terza stagione di Star Trek:
Strange New Worlds, e si è intensificata dopo la fusione mentale
vulcaniana avvenuta nel finale della stessa stagione.
Star Trek: Strange New Worlds
Stagione 5: L’ultima stagione
Con una mossa a sorpresa,
Paramount+ ha rinnovato Star Trek: Strange New Worlds per una
quinta stagione prima ancora della première della terza.
Sfortunatamente, la quinta stagione di Star Trek: Strange New
Worlds sarà composta da soli 6 episodi, dopo che i produttori
esecutivi e co-showrunner Akiva Goldsman e Henry Alonso Myers hanno
negoziato un aumento rispetto all’offerta di Paramount+ di un film
di due ore per concludere Strange New Worlds.
La quinta e ultima stagione di Star
Trek: Strange New Worlds è entrata in produzione nell’autunno del
2025 e si è conclusa poco prima di Natale, quando è stato
annunciato l’ingresso nel cast di Thomas Jane nel ruolo del Dottor
Leonard “Bones” McCoy e di Kai Murakami in quello di Hikaru
Sulu.
A quanto pare, Bones e Sulu
appariranno solo nell’episodio finale di Star Trek: Strange New
Worlds, che narra il primo giorno di lavoro del Capitano Kirk al
comando dell’astronave Enterprise, dopo averne preso il posto dal
Capitano Pike.
Il piano di Star Trek: Strange New
Worlds per concludere la sua missione quinquennale era quello di
portare il prequel proprio all’inizio di Star Trek: The Original
Series. Sfortunatamente, le speranze di Goldsman e Myers di
realizzare uno spin-off con protagonista il Kirk di Paul Wesley,
intitolato Star Trek: Year One, sembrano essere state infrante
dalla demolizione dei set di Star Trek: Strange New Worlds e
dell’Accademia della Flotta Stellare a Toronto.
La quinta stagione di Star Trek:
Strange New Worlds rivelerà anche cosa accade ai personaggi che non
si uniscono all’equipaggio della USS Enterprise del Capitano Kirk,
come Numero Uno, La’an e il Tenente Erica Ortegas (Melissa
Navia).
Per fortuna, i fan potranno
comunque godersi 10 episodi inediti con i loro personaggi preferiti
quando Star Trek: Strange New Worlds tornerà con la quarta stagione
il 23 luglio.
Si
chiude ufficialmente la lunga disputa legale tra
Blake Lively e Justin
Baldoni legata al film It Ends With
Us. Dopo 18 mesi di accuse, controaccuse e
battaglie giudiziarie, le due parti hanno raggiunto un accordo a
poche settimane dall’inizio del processo federale.
La
controversia era iniziata nel 2024, quando Lively aveva accusato
Baldoni di molestie sul set e di aver orchestrato una campagna
diffamatoria online contro di lei. Accuse sempre respinte
dall’attore e regista. In una dichiarazione congiunta, i due hanno
ora affermato: “Il film è motivo di orgoglio per tutti noi.
Riconosciamo che il percorso ha presentato sfide e che le
preoccupazioni sollevate meritavano di essere ascoltate. Restiamo
impegnati a garantire ambienti di lavoro rispettosi e sicuri. Ci
auguriamo che questo accordo permetta a tutti di andare avanti in
modo costruttivo e in pace”.
Il caso aveva attraversato diverse fasi legali, tra cui il deposito
di una denuncia presso il Dipartimento per i diritti civili della
California e una causa per diffamazione poi respinta. Più
recentemente, gran parte delle accuse civili di Lively erano state
archiviate, lasciando in piedi solo alcune contestazioni minori.
Nel frattempo, il dibattito pubblico aveva progressivamente
oscurato il successo commerciale del film, che aveva superato i 350
milioni di dollari al box office globale.
Perché la vicenda ha cambiato la
percezione di It Ends With Us
Il punto più rilevante non è solo la chiusura della causa, ma
l’impatto che questa ha avuto sul film e sulla sua ricezione.
It Ends With Us, tratto dal romanzo di
Colleen Hoover,
nasceva come un racconto sulle relazioni abusive e sulla
consapevolezza emotiva. Tuttavia, le accuse emerse dopo l’uscita
hanno inevitabilmente modificato il modo in cui il pubblico ha
percepito il progetto.
La sovrapposizione tra il tema del film e le dinamiche reali
denunciate ha creato un cortocircuito mediatico difficile da
gestire. Da un lato il successo al botteghino e tra il pubblico,
dall’altro una narrazione esterna che ha finito per ridefinire
completamente il dibattito attorno all’opera.
La chiusura dell’accordo non cancella quanto accaduto, ma segna un
punto di svolta. Permette agli attori coinvolti di voltare pagina,
ma soprattutto apre una riflessione più ampia sull’industria:
quanto le dinamiche produttive e i comportamenti sul set
influenzano oggi la percezione di un film?
In questo senso, il caso It
Ends With Us va oltre il singolo progetto. Diventa un esempio
di come, nel cinema contemporaneo, il contesto produttivo e quello
mediatico siano ormai inseparabili dalla narrazione stessa.
Tra
le nuove uscite più interessanti su Netflix arriva The WONDERfools,
una serie supereroistica che promette di mescolare due approcci
molto diversi al genere: quello familiare e nostalgico de Gli
Incredibili e quello satirico e dissacrante
di The
Boys. Un mix che punta a distinguersi in un
panorama ormai saturo di storie di supereroi.
La
serie, diretta da Yoo In-sik e
interpretata da Park Eun-bin, è
ambientata nel 1999, nel pieno della paranoia legata al Millennium
Bug. Al centro della storia c’è Eun Chae-ni, una giovane outsider
che, insieme a un gruppo di amici, acquisisce improvvisamente dei
poteri dopo un incidente. Il punto però è un altro: non sono eroi.
Sono completamente impreparati, goffi, e tutt’altro che adatti a
gestire ciò che gli è successo.
Questo ribalta immediatamente il paradigma classico del genere. Se
da una parte troviamo il tema della famiglia e dell’identità tipico
de Gli Incredibili,
dall’altra emerge una forte componente satirica che richiama
The Boys, dove il
concetto stesso di “eroe” viene messo in discussione.
Perché The WONDERfools può essere
una delle serie più originali tra i nuovi supereroi
Il vero elemento distintivo non è la presenza dei superpoteri, ma
il modo in cui vengono raccontati. I protagonisti di
The WONDERfools non
incarnano il classico modello “con grandi poteri arrivano grandi
responsabilità”: sono imperfetti, disfunzionali, e spesso incapaci
di controllare ciò che gli accade.
Questo li rende più vicini a una satira del genere che a una
celebrazione. Esattamente come in The Boys, il racconto sembra voler smontare l’idea
tradizionale di eroismo, ma lo fa con un tono diverso, più leggero
e nostalgico, legato anche all’ambientazione di fine anni ’90.
C’è poi un altro elemento chiave: il contesto Y2K. Ambientare la
storia nel 1999 non è solo una scelta estetica, ma un modo per
costruire un universo parallelo, in cui la paura del cambiamento e
dell’ignoto si riflette nei personaggi stessi. I poteri diventano
così una metafora dell’incertezza, più che un semplice elemento
spettacolare.
Resta da capire se la serie riuscirà a trovare un equilibrio tra
commedia, azione e critica al genere. Perché è proprio qui che si
gioca la partita: non basta essere “diversi”, bisogna anche
riuscire a essere coerenti. Se The WONDERfools riuscirà in questo, potrebbe diventare
una delle sorprese più interessanti dell’anno su Netflix.
Arrivano nuove anticipazioni su Star Trek: Strange New
Worlds le stagioni 4 e 5 saranno le più
ambiziose della serie, con il cast che parla apertamente di una
vera e propria “final boss energy”. La quarta stagione debutterà il
23 luglio con 10 episodi, mentre la quinta — più breve, da 6
episodi — è attesa nel 2027 e concluderà il percorso dello
show.
Durante un evento a CCXP Mexico, diversi protagonisti della serie
hanno raccontato cosa aspettarsi dai nuovi episodi. Celia Rose Gooding ha
spiegato che le stagioni finali spingeranno la serie “verso gli
estremi della stranezza e della novità”, aggiungendo che avranno
una vera “energia da boss finale”. Anche Rebecca Romijn ha
sottolineato come il cast sia ormai completamente a proprio agio
con i personaggi e le dinamiche, mentre Paul Wesley ha
evidenziato una scrittura più coesa, con episodi che si collegano
in modo più forte tra loro. La quinta stagione, inoltre, è stata
definita “celebrativa e ricca di riferimenti”, con un finale che
chiuderà gli archi narrativi principali.
Queste dichiarazioni arrivano dopo una terza stagione accolta in
modo più tiepido rispetto alle precedenti, e sembrano indicare una
chiara volontà di rilancio. Non solo più ambizione narrativa, ma
anche una costruzione più compatta e orientata verso una
conclusione forte.
Perché Strange New Worlds sta
preparando il passaggio diretto alla serie classica
Il vero elemento chiave è la direzione narrativa: le ultime due
stagioni non saranno solo un climax interno alla serie, ma un ponte
diretto verso Star Trek: The Original
Series. La presenza sempre più centrale del
Capitano Kirk (interpretato da Paul Wesley) e la chiusura degli
archi dell’equipaggio dell’Enterprise indicano chiaramente questa
transizione.
Questo cambia anche il modo in cui leggere le dichiarazioni del
cast. L’idea di “final boss energy” non riguarda solo l’intensità
degli episodi, ma il fatto che la serie sta portando i personaggi
verso il loro destino già noto nella cronologia di Star Trek. Non è quindi una conclusione
“chiusa”, ma un passaggio di consegne.
Anche la struttura delle due stagioni riflette questa scelta: una
quarta più ampia e narrativa, e una quinta più breve e celebrativa,
pensata per chiudere il cerchio. Un approccio che ricorda più una
costruzione in due atti che una semplice successione di
stagioni.
In questo contesto, Strange
New Worlds si carica anche di una responsabilità più ampia:
quella di chiudere, insieme ad altri progetti, un intero ciclo
produttivo di Star Trek
su Paramount+. Se le promesse verranno mantenute,
queste due stagioni potrebbero rappresentare uno dei finali più
strutturati e consapevoli dell’intero franchise.
Il
nuovo film ambientato
nell’universo di Longlegs con
Nicolas Cage ha
finalmente una data ufficiale: arriverà al cinema il
14 gennaio 2028,
una scelta strategica che potrebbe rivelarsi decisiva per il
successo del progetto.
A
confermarlo è stata Paramount Pictures, che distribuirà il film al
posto di Neon, segnando un cambio importante nella scala produttiva
dell’operazione. Il nuovo capitolo vedrà ancora una volta Cage nei
panni del serial killer satanico, con Osgood Perkins di
nuovo alla regia e alla sceneggiatura. Il film non sarà un sequel
diretto, ma espanderà l’universo narrativo introdotto nel
primo Longlegs, che
aveva incassato oltre 128 milioni di dollari a fronte di un budget
molto ridotto.
La
data scelta non è casuale: il 14 gennaio cade durante il lungo
weekend del Martin Luther King Jr. Day negli Stati Uniti, una
finestra che negli anni si è rivelata sorprendentemente favorevole
per il cinema horror. Titoli come Scream e Cloverfield hanno infatti ottenuto ottimi risultati
proprio in quel periodo, dimostrando che anche un mese
tradizionalmente “debole” può trasformarsi in un’opportunità.
Perché il nuovo Longlegs gioca
una partita diversa rispetto al primo film
Il vero punto è che questo progetto nasce in condizioni
completamente diverse rispetto al primo Longlegs. Il film del 2024 era un
outsider: budget contenuto, distribuzione indipendente e una
crescita costruita sul passaparola. Il suo successo è stato in gran
parte organico, legato all’atmosfera disturbante e alla performance
di Cage.
Ora, invece, siamo di fronte a un prodotto più strutturato. Il
passaggio a Paramount trasforma Longlegs in un vero e proprio franchise, con un
approccio più industriale e una maggiore pressione sul risultato.
Questo cambia anche le aspettative: non si tratta più di
sorprendere, ma di confermare.
La scelta della data di uscita riflette proprio questa
consapevolezza. Posizionarsi in un weekend lungo, con poca
concorrenza diretta e lontano dai grandi blockbuster, permette al
film di intercettare il pubblico horror senza scontrarsi
frontalmente con altri titoli. È una strategia che punta a
replicare — ma in modo controllato — il successo del primo
capitolo.
Resta però un’incognita: ciò che ha reso Longlegs speciale era anche la sua
imprevedibilità. Inserirlo in un universo narrativo più ampio
potrebbe ampliarne il potenziale, ma anche snaturarne l’identità.
Il nuovo film dovrà quindi trovare un equilibrio tra continuità e
innovazione, senza perdere quell’atmosfera unica che aveva
conquistato pubblico e critica.
Per
anni Yellowstone
ha dominato il panorama dei neo-western televisivi, rendendo
difficile trovare un vero sostituto. Eppure su Netflix c’è una miniserie che sta
tornando al centro della discussione: Territory, un
western in sei episodi che molti considerano l’alternativa più
vicina all’universo narrativo di Taylor Sheridan.
La
serie, ambientata in Australia invece che nel Montana, racconta la
storia della famiglia Lawson, proprietaria di uno dei più grandi
ranch del Paese. Dopo la morte del figlio designato alla
successione, si apre un conflitto interno che ricorda da vicino le
dinamiche viste nei Dutton. A questo si aggiunge la pressione
esterna delle grandi aziende, pronte a sfruttare le terre della
famiglia — un tema centrale anche in Yellowstone.
Ma il punto non è solo la somiglianza. Territory funziona perché prende quella
struttura — famiglia, eredità, potere — e la trasporta in un
contesto diverso, con un tono più compatto e concentrato. Sei
episodi, una narrazione più diretta, meno dispersione: un formato
che, almeno sulla carta, dovrebbe essere perfetto per il pubblico
streaming.
Perché Territory funziona come
sostituto di Yellowstone (ma non è riuscito a diventarlo
davvero)
Il paradosso è proprio questo: Territory ha tutti gli elementi giusti, ma non è
riuscito a imporsi davvero. Nonostante un buon riscontro della
critica (oltre l’80% su Rotten Tomatoes), la risposta del pubblico
è stata molto più fredda, portando Netflix a cancellare la serie dopo una sola
stagione.
Ed è qui che emerge la differenza chiave con Yellowstone. La serie di Sheridan non è solo
una storia di famiglia e potere: è un racconto dilatato,
stratificato, costruito sul lungo periodo. Territory, invece, condensa tutto in un
formato breve, sacrificando quella costruzione lenta che ha reso
Yellowstone un
fenomeno.
Anche i personaggi riflettono questa differenza. Figure come Emily
Lawson richiamano archetipi già visti (l’outsider che entra nella
famiglia), ma non hanno il tempo di evolversi con la stessa
profondità dei protagonisti della serie americana. Il risultato è
un prodotto solido, ma meno coinvolgente sul lungo periodo.
Alla fine, Territory
resta un esperimento interessante: dimostra che esiste spazio per
altri western contemporanei, ma anche che replicare il successo di
Yellowstone è molto più
complesso di quanto sembri. Non basta la formula — serve il tempo,
il respiro narrativo e, soprattutto, un pubblico disposto a
seguirti stagione dopo stagione.
Il finale della seconda stagione
di Monarch: Legacy of
Monsters ha riportato in scena uno dei
Titani più iconici del franchise: Rodan. Una rivelazione
sorprendente, ma anche problematica, perché la sua presenza nella
timeline del Monsterverse sembra entrare in conflitto con quanto
stabilito in Godzilla: King of the
Monsters.
Nell’ultima scena, il
personaggio di Lee Shaw (Kurt Russell) arriva in Thailandia
e si trova di fronte al cosiddetto “demone di fuoco”, chiaramente
Rodan, posizionato su un vulcano. Il problema è che la serie è
ambientata nel 2017, due anni prima degli eventi del film del 2019,
dove Rodan veniva risvegliato per la prima volta in epoca moderna
in Messico, sull’isola di Isla de Mara. Questo crea una discrepanza
evidente: non solo nella posizione geografica, ma anche nel
concetto stesso del suo “risveglio”.
Non si tratta quindi solo di
un cameo spettacolare, ma di una scelta narrativa che apre
interrogativi concreti sulla coerenza del Monsterverse. È un errore
di continuità o un indizio più profondo? Ed è qui che entra in
gioco un possibile collegamento con le origini del personaggio.
Il
segreto potrebbe essere nel Rodan del 1956 (e cambiare il futuro
della serie)
La chiave per interpretare
questa incongruenza potrebbe arrivare da Rodan, il film
originale giapponese in cui il mostro appariva per la prima volta.
In quella versione, infatti, non esisteva un solo Rodan, ma due
esemplari della stessa specie. Una soluzione che il Monsterverse
potrebbe riprendere per evitare qualsiasi retcon.
Se il Rodan visto in
Monarch non fosse lo
stesso di King of the
Monsters, ma un altro esemplare, molte delle incongruenze
verrebbero automaticamente risolte. E non solo: questa scelta
aprirebbe a nuove possibilità narrative, introducendo per la prima
volta nel Monsterverse l’idea di più Titani della stessa specie
attivi contemporaneamente.
Questo cambierebbe
radicalmente le dinamiche future. Rodan potrebbe non essere più
vincolato al percorso già visto — il confronto con Ghidorah, la
sottomissione a Godzilla — ma diventare un elemento autonomo della
storia, con un ruolo diverso, forse persino alleato.
In questo senso, il finale di
Monarch: Legacy of
Monsters non è solo un ritorno nostalgico, ma un potenziale
punto di svolta. Se la serie confermerà questa direzione nella
terza stagione, il Monsterverse potrebbe espandere la propria
mitologia in modo più libero e meno legato alla continuità dei film
precedenti.
George Lucas
ha annunciato ufficialmente una nuova grande installazione dedicata
a Star Wars:
si intitola “Star
Wars in Motion” e sarà una delle mostre principali del
Lucas Museum of Narrative Art, in apertura il 22 settembre 2026 a
Los Angeles.
L’esposizione farà parte delle prime 30 installazioni del museo e
includerà oggetti iconici provenienti dalla trilogia originale e da
quella prequel: costumi, oggetti di scena, illustrazioni e design
dei veicoli. L’annuncio è stato accompagnato da un teaser ufficiale
che anticipa l’approccio visivo dell’esperienza, confermando il
forte legame tra la saga e il concetto di “narrazione per immagini”
su cui si fonda l’intero museo.
Il
progetto, fondato da Lucas insieme a Mellody Hobson, si presenta
però come qualcosa di più ampio: oltre 1.200 oggetti esposti e un
percorso che attraversa la storia del racconto visivo umano, dalle
pitture rupestri al cinema contemporaneo. In questo contesto, la
scelta di dedicare una mostra inaugurale a Star Wars non è casuale, ma rivela la volontà
di posizionare la saga come uno dei pilastri della narrazione
moderna.
Perché “Star Wars in Motion” non
è solo una mostra ma una dichiarazione culturale
Il punto centrale non è l’esposizione in sé, ma il modo in cui
Lucas sta rileggendo Star
Wars. La mostra si concentrerà esclusivamente sui sei film
realizzati sotto la sua supervisione diretta, escludendo quindi
l’intera espansione successiva all’acquisizione da parte di
Lucasfilm da parte di
The Walt Disney
Company nel 2012.
È
una scelta significativa. In un momento in cui il franchise si è
espanso tra film, serie e spin-off, Lucas torna alle origini e
riafferma una visione precisa: Star Wars come opera autoriale e non solo come universo
seriale. Di fatto, “Star Wars in Motion” diventa anche una forma di
“curatela” della saga, un modo per stabilire cosa rappresenta
davvero nel panorama culturale.
Allo stesso tempo, l’apertura del museo arriva mentre il franchise
continua a evolversi, con nuovi progetti cinematografici e
televisivi già in sviluppo. Questo crea un doppio livello: da una
parte il presente industriale di Star Wars, dall’altra la sua canonizzazione come
patrimonio culturale.
Ed è proprio qui che la notizia assume un peso maggiore: Lucas non
sta semplicemente celebrando il passato, ma sta ridefinendo il modo
in cui Star Wars verrà
ricordato. Non solo come intrattenimento, ma come una delle forme
narrative più influenti della storia contemporanea.
La
serie Tracker con
Justin Hartley si
prepara a una svolta importante: dalla quarta stagione la
produzione si sposterà ufficialmente da Vancouver a Los Angeles.
Una decisione che segna il cambiamento più significativo per il
drama CBS dalla sua uscita nel 2024.
Secondo quanto riportato da Deadline, la produzione targata 20th
Television ha già avviato la ricerca delle strutture in California,
con le riprese della stagione 4 previste a breve. Il trasferimento
è stato reso possibile da un incentivo fiscale statale da circa 48
milioni di dollari, uno dei più alti mai concessi, superiore anche
a quello ottenuto da altre grandi produzioni recenti. Nonostante il
cambio di base operativa, la serie non sarà necessariamente
ambientata solo in California, dato che il protagonista Colter Shaw
continua a muoversi in tutto il territorio degli Stati Uniti.
Non si tratta però solo di una questione logistica. Il cambiamento
arriva in un momento chiave per la serie, che resta uno dei
prodotti più forti del palinsesto CBS, pur essendo stata
recentemente superata da altri titoli in termini di ascolti.
Spostare la produzione significa intervenire su uno degli elementi
più identitari dello show: il rapporto tra location e
narrazione.
Perché il trasferimento a Los
Angeles può cambiare davvero l’identità di Tracker
Lo showrunner Elwood Reid è stato chiaro: in Tracker le location non sono un semplice sfondo,
ma una componente centrale del racconto. E questo è il punto
decisivo. Cambiare città di produzione significa aprire nuove
possibilità visive e narrative, ma anche rischiare di alterare
l’equilibrio costruito nelle prime tre stagioni.
Il Vancouver style — più “neutro” e adattabile — ha permesso alla
serie di simulare diversi contesti americani con continuità visiva.
Los Angeles, invece, ha una presenza più riconoscibile, più
marcata. Questo potrebbe tradursi in una maggiore specificità degli
ambienti, ma anche in una perdita di quella flessibilità narrativa
che ha caratterizzato finora il viaggio di Colter Shaw.
D’altra parte, il personaggio interpretato da Hartley è per
definizione itinerante. E proprio questa natura potrebbe rendere il
cambiamento meno invasivo del previsto, trasformandolo anzi in
un’opportunità per espandere l’universo della serie verso nuovi
scenari e nuove dinamiche.
La vera domanda, quindi, non è dove verrà girata Tracker, ma come questo influenzerà il
modo in cui la storia viene raccontata. Se la serie saprà sfruttare
il cambiamento, la quarta stagione potrebbe rappresentare
un’evoluzione concreta del progetto. Se invece resterà solo un
adeguamento produttivo, il rischio è quello di un impatto minimo
sul piano narrativo.
La
terza stagione di House of the
Dragon si prepara a cambiare radicalmente le
regole del franchise: a differenza di quanto visto in
Game of Thrones, il
debutto non sarà costruito con un lento crescendo, ma inizierà
direttamente con uno degli scontri più attesi, la Battaglia del
Gullet. Una scelta narrativa che segna una rottura netta con la
tradizione consolidata della saga.
La
seconda stagione ha volutamente evitato di includere questo evento
chiave della Danza dei Draghi, nonostante fosse atteso come climax
finale. La Battaglia del Gullet — uno scontro navale cruciale tra
la flotta Velaryon e la Triarchia — è stata infatti spostata
all’inizio della stagione 3, trasformando quello che normalmente
sarebbe stato un finale in un punto di partenza. Una decisione che
coinvolge direttamente personaggi come Corlys Velaryon e
ridefinisce il peso delle dinamiche tra Neri e Verdi.
Questa scelta non è solo sorprendente, è strategica. Per anni, il
franchise ha costruito la propria identità su un modello preciso:
tensione politica crescente e payoff spettacolare negli ultimi
episodi (basti pensare alla Battaglia delle Acque Nere o alla
Battaglia dei Bastardi). Ribaltare questo schema significa cambiare
il ritmo della narrazione e, soprattutto, il modo in cui lo
spettatore viene coinvolto.
Perché iniziare con la Battaglia
del Gullet cambia completamente il ritmo della serie
Aprire con uno scontro di questa portata significa alzare
immediatamente la posta narrativa. Non c’è più attesa: la guerra è
già esplosa. Ed è qui che House of the Dragon prende una
direzione diversa rispetto a Game of Thrones, scegliendo di raccontare la Danza dei
Draghi non come un’escalation, ma come una spirale di conflitti
continui e sempre più distruttivi.
Dal punto di vista dei personaggi, questo approccio rafforza il
peso delle conseguenze. Figure come Rhaenyra e Aegon non sono più
pedine in costruzione, ma leader già immersi in una guerra totale.
E la presenza centrale di Corlys Velaryon suggerisce che il fronte
marittimo e strategico avrà un ruolo decisivo fin da subito.
C’è poi un elemento chiave: la Battaglia del Gullet non è il
culmine della storia, ma solo uno dei tanti punti di svolta. Se la
serie seguirà davvero gli eventi di Fire & Blood, il
pubblico può aspettarsi una stagione ancora più intensa, con eventi
come la caduta di Approdo del Re o la Battaglia di Tumbleton pronti
a ridefinire continuamente gli equilibri.
In questo senso, la scelta di HBO non è un rischio, ma una
dichiarazione di intenti: House of the Dragon non vuole più imitare
Game of Thrones, vuole
superarlo sul piano della struttura narrativa. E se questa
scommessa funzionerà, la terza stagione potrebbe diventare la più
spettacolare e imprevedibile dell’intero franchise.
Il
nuovo trailer di Odissea, il prossimo film di
Christopher Nolan, è
finalmente arrivato e offre uno sguardo più ampio sull’ambizioso
adattamento del poema epico di Omero. Protagonista è
Matt
Damon nei panni di Ulisse, al centro di
un viaggio lungo dieci anni dopo la guerra di Troia. Il film si
conferma come uno degli eventi cinematografici più attesi del 2026,
anche per l’imponente cast e l’approccio produttivo senza
precedenti.
Il
trailer, presentato durante il The Late Show with Stephen Colbert, introduce diversi
personaggi chiave: Robert Pattinson
interpreta Antinoo, pretendente al trono di Itaca e rivale diretto
di Ulisse, mentre Anne Hathaway è
Penelope. Tra le sequenze più significative troviamo anche
Charlize Theron nel
ruolo della ninfa Calipso, che interroga Ulisse sui suoi ricordi, e
Tom
Holland nei panni di Telemaco. Compaiono
inoltre Jon
Bernthal come Menelao, mentre restano
ancora avvolti nel mistero i personaggi interpretati da
Zendaya (Athena) e
Lupita Nyong’o.
Al di là dello spettacolo visivo — ciclopi, battaglie e scenari
mitologici — il trailer chiarisce subito una cosa: Nolan non sta
solo adattando un classico, ma sta cercando di ridefinire il modo
in cui il mito può essere raccontato oggi. E questo cambia il peso
dell’operazione. Non è un semplice blockbuster, ma un tentativo di
portare l’epica fondativa della narrazione occidentale dentro un
linguaggio contemporaneo e industriale, con un investimento
produttivo che il genere non ha mai avuto su questa scala.
Perché Odissea potrebbe
diventare il film più importante della carriera di Nolan
L’attesa è stata incredibilmente
alta: i biglietti per le proiezioni in IMAX 70 mm di. Odissea sono stati messi in vendita con un anno
di anticipo e sono andati esauriti in meno di un’ora. I film di
Nolan non solo si sono rivelati successi di critica e di pubblico,
ma suscitano anche un interesse diffuso nel viverli attraverso
formati cinematografici di alta qualità. Ciò vale a maggior ragione
per L’Odissea, poiché si tratta del primo film di
Nolan girato interamente con cineprese in 70 mm.
Nolan è il regista e sceneggiatore
di L’Odissea. Lo produce insieme alla moglie Emma Thomas,
che è stata produttrice di tutti i suoi film. Da Following del 1998
a Oppenheimer del 2022, l’incasso complessivo di
tutti i loro film supera i 6 miliardi di dollari in tutto il mondo,
cifra destinata ad aumentare ulteriormente dopo questa estate.
Come già annunciato, la giuria della 79ª edizione del Festival di Cannes sarà presieduta dal
regista, sceneggiatore e produttore sudcoreano Park
Chan-wook. Sarà affiancato dall’attrice e produttrice
statunitense Demi
Moore, dall’attrice e produttrice irlandese-etiope
Ruth Negga, dalla regista e sceneggiatrice belga
Laura Wandel, dalla regista e sceneggiatrice
cinese Chloé Zhao, dal regista e sceneggiatore
cileno Diego Céspedes, dall’attore
ivoriano-americano Isaach De Bankolé, dallo
sceneggiatore scozzese Paul Laverty e dall’attore
svedese Stellan Skarsgård.
La giuria avrà l’onore di assegnare
la Palma d’oro a uno dei 22 film in concorso, dopo che nel 2025 il
premio fu assegnato a Un semplice
incidente di Jafar Panahi,
presentato dalla giuria presieduta da Juliette Binoche. I vincitori
saranno annunciati sabato 23 maggio durante la cerimonia di
chiusura, trasmessa in diretta da France Télévisions in Francia e
da Brut. a livello internazionale.