Åremorden – Gli omicidi di
Åre è una nuova serie thriller poliziesca in
streaming su Netflix che
si concentra su due casi di omicidio, svelando il mistero in modo
molto avvincente. Adattata dalla serie di romanzi
di Viveca Sten, la serie Netflix di cinque
episodi copre i contenuti dei suoi primi due libri. Segue un’agente
di polizia di nome Hanna Ahlander, che arriva nella città di Are in
Svezia, proprio mentre una ragazza adolescente scompare in
circostanze misteriose. Siamo poi testimoni di eventi di un paio di
mesi dopo, quando viene trovato il corpo smembrato di un uomo, e
Hanna deve indagare anche su questo caso.
Di cosa
parla Åremorden – Gli omicidi di Åre?
Åremorden – Gli omicidi di
Åre inizia con scene di una festa che si tiene a casa
di un’adolescente di nome Ebba Niemi, dove un’altra ragazza della
sua età la tiene d’occhio in modo sospettoso. La ragazza chiama
quindi il padre, ma invano, perché lui è troppo impegnato per
accorgersi che il telefono sta squillando. L’uomo è impegnato con
una donna, probabilmente la sua amante segreta, mentre sono in
intimità in macchina, e la ragazza decide di lasciare un messaggio
vocale, affermando che vuole lasciare la festa e che vuole che lui
venga a prenderla.
Viene poi vista camminare lungo le
strade desolate, apparentemente diretta a casa, quando arriva
un’auto e le suona ripetutamente il clacson. È chiaro che l’autista
vuole parlarle, e quando finalmente cede e si avvicina all’auto, la
scena sfuma nel nero, a simboleggiare come questa sarà in realtà
l’ultima volta che verrà vista viva. Quella stessa notte, una donna
di nome Hanna Ahlander guida verso la città di Are, dove sua
sorella, Lydia, ha una baita dove in genere la famiglia va in
vacanza. Tuttavia, Hanna si sta dirigendo lì per prendersi una
pausa dallo stress della sua vita, derivante principalmente dalla
sua professione di agente di polizia, e vuole solo prendersi
qualche giorno di pausa da qualsiasi crimine serio da risolvere.
Tali piani non durano a lungo, tuttavia, poiché Hanna si imbatte in
un messaggio la mattina successiva, condiviso tra gli impiegati
delle forze dell’ordine, che annuncia che una ragazza di 17 anni di
nome Amanda Halvorsen è scomparsa da quasi un giorno. Considerando
l’età della ragazza scomparsa e pensando agli innumerevoli
potenziali pericoli in cui potrebbe trovarsi, Hanna decide di
unirsi alla squadra di ricerca organizzata per trovarla. Qui
incontra un altro agente di polizia di Are, Daniel Lindskog, e vede
anche i genitori addolorati di Amanda, Harald e Lena.
L’intera scena tocca una corda
nella mente di Hanna, e le viene nuovamente ricordato il motivo per
cui si era unita alle forze di polizia. Quindi, decide di tirarsi
indietro dai suoi piani per le vacanze e incontra il commissario di
polizia di Are per parlare. Hanna chiede un trasferimento
temporaneo in città dal suo incarico abituale a Stoccolma e accetta
di iniziare a lavorare mentre la documentazione è ancora in fase di
preparazione. Presto si associa a Daniel per indagare sul caso
della scomparsa di Amanda, e decide persino di restare una volta
risolto.
Cosa è successo a Hanna a
Stoccolma?
Quando Hanna chiede di lavorare per
il dipartimento di polizia di Are e le viene anche concesso un
incarico, Daniel non è molto contento della decisione. Affronta il
commissario e gli parla in merito sulla necessità di effettuare
controlli dei precedenti penali sulle persone, anche se sono
ufficiali di polizia in altre parti del paese, e gli viene concesso
il permesso di controllare Hanna. È Daniel a scoprire che è in
corso un’indagine contro la stessa Hanna, perché è stata accusata
di aver molestato un collega e forse è stata anche temporaneamente
sospesa dal servizio. Questa informazione, insieme all’introduzione
un po’ insolita del suo personaggio, rende Hanna piuttosto
sfuggente all’inizio, sebbene le sue esperienze a Stoccolma vengano
rivelate più avanti nella serie.
Hanna è sempre stata un’agente di
polizia appassionata e dedita che voleva aiutare le persone
attraverso il suo servizio e si è opposta con veemenza all’idea
della corruzione della polizia. Pertanto, quando un collega agente
di polizia è stato accusato di aver ucciso la propria moglie, Hanna
è rimasta scioccata e arrabbiata e voleva che l’uomo venisse
punito. Tuttavia, poiché la corruzione sistemica e la cecità delle
amicizie maschili vanno di pari passo, altri due poliziotti hanno
immediatamente testimoniato il falso in tribunale a favore
dell’ufficiale accusato, fornendogli un falso alibi. Di
conseguenza, l’uomo colpevole se l’è cavata con l’omicidio della
moglie, e questo ha fatto infuriare Hanna a tal punto che ha
affrontato direttamente l’uomo alla stazione di polizia.
Sembra probabile che Hanna abbia
ripetutamente affrontato l’ufficiale, il che lo ha portato a
sporgere denuncia ufficiale contro di lei, ed è per questo che è
stata avviata un’indagine contro di lei. A peggiorare le cose,
c’era stata una triste svolta anche nella sua vita personale,
perché la sua relazione con il suo fidanzato storico, Christian, si
era interrotta, molto probabilmente a causa dell’indagine contro di
lei. Forse a Christian non piaceva il fatto che lei difendesse
sempre ciò che era giusto, e alla fine ci fu una lite importante
tra loro, che si concluse con la cacciata di Hanna
dall’appartamento. Dopo essere arrivata ad Are e aver controllato i
social media, scopre che Christian ha già avuto una relazione con
un’altra donna, il che le conferma che non ha mai provato veri
sentimenti per lei. La vita personale e professionale di Hanna
prende una piega positiva nel corso di Åremorden – Gli
omicidi di Åre, poiché l’indagine contro di lei alla fine
viene archiviata e lei sviluppa anche un forte legame con il suo
partner, Daniel.
Perché Ludde, il cane, deve morire?
Una delle morti più sfortunate in Åremorden – Gli
omicidi di Åre è quella del cane degli Halvorsen,
Ludde, che è coinvolto nelle gelosie di umani imperfetti senza
alcuna colpa da parte sua. Ludde è visto sempre scappare di casa a
ogni occasione ed è riluttante a rientrare perché ama correre in
giro ed essere inseguito dai membri della famiglia. Tuttavia, anche
prima che il cadavere di Amanda venga trovato sulla funivia, Ludde
viene ucciso da qualcuno e il suo corpo viene lasciato proprio
dietro la casa degli Halvorsen, quasi come un avvertimento per la
famiglia. Harald è comprensibilmente molto turbato da questo
omicidio dell’innocente cane di famiglia, ed è anche piuttosto
spaventato, temendo che ognuno dei membri della sua famiglia possa
essere ferito da qualche aggressore sconosciuto. Ma l’intera
questione è in realtà legata alla sua relazione extraconiugale con
una dipendente della sua azienda, Mira, con la quale ha avuto
rapporti intimi quasi ogni giorno, nonostante sia sposato con
Lena.
Si suggerisce che Amanda probabilmente sapesse che suo padre
aveva una relazione con Mira, sebbene nessun altro ne fosse a
conoscenza. Ma quando lasciò il suo telefono nell’auto di Mira la
notte stessa della scomparsa di Amanda, fu trovato dal marito di
Mira, Fredrik, che sospettò immediatamente che sua moglie lo
tradisse. Fredrik aveva già qualche sospetto che sua moglie e
Harald stessero tramando qualcosa, e il telefono dell’uomo nella
macchina della moglie fu una prova sufficiente per lui, sebbene non
la affrontò con la verità.
Qualche tempo dopo, dopo che il corpo di Amanda fu trovato,
Fredrik visita Harald e gli offre le sue condoglianze per la sua
perdita, ma poi lo mette anche in guardia dal non avvicinarsi a
Mira, rivelando che in realtà conosce la verità. Questo fa
insospettire Harald del fatto che deve essere stato Fredrik a
uccidere Amanda per punirlo per aver dormito con sua moglie, e
l’uomo attacca persino Fredrik sul posto di lavoro. È allora che
Fredrik ammette di aver ucciso l’amato animale domestico di Harald,
Ludde, ma dice che non ha fatto nulla ad Amanda. Semplicemente
coinvolto in tutta la situazione solo per il fatto di esistere ed
essere l’amato amico del suo padrone, Ludde doveva morire perché
Fredrik voleva vendicarsi dell’uomo che stava cercando di rubargli
la moglie.
In che modo la serie commenta lo stigma sociale contro
l’omosessualità?
Nella seconda metà di Åremorden – Gli omicidi di
Åre, che è un adattamento di “Hidden in the Shadow” di
Sten, la serie commenta lo stigma che esiste ancora contro
l’omosessualità, in una certa misura, soprattutto se un agente di
polizia è gay. Uno degli ufficiali del dipartimento dei vigili del
fuoco, Anton Lundgren, è un uomo gay represso che sviluppa un
interesse romantico per un giovane di nome Carl Wilner, che
incontra in uno dei club della città. Ma anche prima che la loro
storia d’amore nascente possa prendere forma, Carl si rivela essere
parte del mistero che circonda l’omicidio di Johan Andersson.
Sciatore di professione in pensione, Johan gestisce attualmente
un’azienda di sport d’avventura, ma il suo corpo smembrato è stato
trovato in un campo vicino ai binari della ferrovia. Sebbene
inizialmente sembrasse che l’uomo fosse stato ucciso da un treno in
corsa, l’autopsia ha confermato che era stato assassinato con un
corpo contundente prima di essere gettato davanti al treno.
Sfortunatamente per Anton, Carl si rivela essere uno dei primi
sospettati del caso, e quindi non può corteggiare l’uomo a causa
del possibile conflitto di interessi. Tuttavia, quando il pastore
della chiesa locale, Ole, sembra essere il sospettato più probabile
per aver commesso l’omicidio, Anton si mette immediatamente in
contatto con Carl e gli racconta lo sviluppo, anche se non fa il
nome del sospettato. Anton evidentemente compie questo passo molto
rischioso perché è disperato e vuole una storia. Come ammetterà in
seguito ad Hanna, Anton ha bisogno di nascondere la sua
omosessualità perché verrebbe ridicolizzato dal resto delle forze
di polizia e potrebbe persino portarlo a perdere il lavoro.
Tuttavia, il genuino interesse per Carl gli fa ignorare la normale
procedura per informarlo che possono di nuovo uscire insieme.
Le cose prendono una piega ancora più sinistra quando si scopre
che il furgone guidato da Carl è stato usato per scaricare il corpo
di Johan vicino ai binari ferroviari, e per un attimo sembra che
l’amante di Anton sia l’assassino. È lo stesso agente di polizia a
notare l’indizio cruciale sul furgone di Carl, e si confida
immediatamente con Hanna su tutto ciò che è accaduto nella sua vita
personale. Ciò conferma che, indipendentemente da ciò che accade
nella sua vita personale, Anton è più dedito ai suoi obblighi
professionali e non metterà mai a rischio la vita degli altri solo
per la sua convenienza. Alla fine, quando si scopre che Carl in
realtà non ha avuto nulla a che fare con l’omicidio, Anton trova
anche il coraggio di fare coming out e inizia ufficialmente una
relazione con Carl.
Gli assassini vengono infine arrestati?
Poiché Åremorden – Gli omicidi di
Åre ha due storie separate, tecnicamente ha anche due
finali, uno nell’episodio 3 e l’altro alla fine, nell’episodio 5.
Nel caso dell’omicidio di Amanda Halvorsen, viene rivelato che il
vero motivo della sua morte era che aveva scoperto una vasta rete
di tratta di esseri umani e sfruttamento. Un uomo d’affari di nome
Bosse Lundh aveva gestito un’organizzazione di beneficenza
attraverso la quale aveva fatto entrare rifugiati indifesi e li
aveva intrappolati sottraendo loro i passaporti. Sua moglie,
Annika, gestiva un’azienda di servizi di pulizia e molti di questi
rifugiati erano costretti a lavorare per questa azienda con un
compenso molto basso. Anche la domestica di Amanda, Zuhra, era
stata vittima di questa trappola di sfruttamento e quando la
ragazza lo scopre, vuole ottenere giustizia. Ecco perché affrontò
Bosse la sera della festa e l’uomo la seguì in macchina per fingere
di avere solo una conversazione. Ma quando Amanda entrò in
macchina, Bosse la strangolò a morte e poi lasciò il suo corpo
nella funivia per evitare ogni sospetto.
Il secondo caso di omicidio, quello di Johan Andersson, si
rivela essere una questione di complicate relazioni familiari e
problemi nella sua vita personale. Sposato con una donna di nome
Marion da un po’ di tempo, Johan all’improvviso voleva lasciarla e
sistemarsi con il suo nuovo amore, Rebecka. Ciò provocò una
discussione accesa tra i due a casa loro, che il loro figlio, Leo,
ascoltò. Sebbene Leo non fosse il figlio biologico di Johan e fosse
nato dal primo matrimonio di Marion con un uomo di nome Jens
Wenolf, lui amava il ragazzo e lo aveva cresciuto come se fosse suo
figlio. Tuttavia, quando Johan annunciò che voleva lasciare la
famiglia, Leo non riuscì a sopportare di vedere sua madre così
ferita, e così colpì il suo patrigno con una pala, uccidendolo
all’istante. Marion chiese quindi aiuto a Jens per ripulire il
pasticcio e coprire l’omicidio che il figlio aveva appena commesso,
e lasciarono intenzionalmente il corpo di Johan sui binari per far
sembrare la sua morte un incidente ferroviario. Alla fine, tutti e
tre i membri della famiglia vengono arrestati, anche se Leo forse
non sapeva che avrebbe finito per commettere un omicidio, e i suoi
genitori hanno fatto essenzialmente del loro meglio per proteggerlo
a tutti i costi.
Il Marvel Cinematic Universe
è riuscito a fare ciò che sembrava impossibile: Marvel Zombies, nuova uscita del franchise,
vede morire più eroi che in Avengers: Infinity War. Non è
un segreto che i film di Avengers dell’MCU siano la parte più
importante dell’universo condiviso. Sono i grandi eventi che
riuniscono diversi eroi dell’MCU contro una minaccia.
Avengers: Infinity
War ha fatto la storia con uno dei finali più
scioccanti della storia del cinema. Gli eroi sono stati
sconfitti da Thanos, con il Titano Pazzo che ha usato il Guanto
dell’Infinito per sterminare metà della popolazione dell’universo.
Sebbene diversi personaggi siano poi tornati nei prossimi progetti
dell’MCU, diversi eroi sono morti. Ora, una nuova serie TV dell’MCU
supera il bilancio delle vittime di Infinity War.
Come Marvel Zombies uccide più eroi MCU di
Avengers: Infinity War
Dato che Thanos ha ucciso metà
dell’universo, il numero totale di morti di Avengers: Infinity War
è maggiore di quello di Marvel Zombies, dato che l’apocalisse è stata
contenuta sulla Terra dai Nova Corps. Tuttavia, per quanto riguarda
le morti di eroi MCU, la serie animata ha visto più eroi morire
rispetto al film MCU. In Avengers: Infinity War,
sono morti 16 eroi MCU.
Questo numero è suddiviso tra
personaggi polverizzati dallo schiocco di Thanos e quelli morti
prima. Tra questi ultimi ci sono Gamora, Visione, Loki e Heimdall.
Mentre il film Avengers ha avuto un numero considerevole di morti e
un finale scioccante, Marvel Zombies è riuscito a superarlo come il
progetto MCU con il maggior numero di morti di eroi nei suoi
quattro episodi.
In Marvel Zombies, muoiono oltre 20
eroi MCU. Questo numero varia a seconda che gli eroi trasformati in
zombie vengano conteggiati o meno, dato che vengono uccisi nel loro
stato zombificato. Anche se non fosse così, almeno 17 eroi muoiono
in Marvel Zombies, inclusi personaggi principali come Yelena
Belova, Blade, Thor, Rocket, Groot, Red Guardian, Black Panther e altri.
Marvel Zombies rende le morti degli
eroi dell’MCU più cupe
Oltre a uccidere più eroi dell’MCU
rispetto ad Avengers: Infinity War, le morti di
Marvel Zombies hanno un impatto maggiore rispetto a quelle del film
MCU, in un certo senso. Sebbene nulla possa superare lo shock di
vedere così tanti eroi morire in un film live-action, Avengers: Endgame risolve il problema
riportandoli in vita quando gli eroi ottengono tutte le Gemme
dell’Infinito. In Marvel Zombies, gli eroi dell’MCU muoiono per
sempre.
Avengers: Infinity
War è stato classificato PG-13, come la maggior parte dei
progetti MCU. Ciò differisce da Marvel Zombies, che è TV-MA,
consentendo quindi che le morti degli eroi dell’MCU siano più
sanguinose e raccapriccianti. La nuova serie Marvel è d’impatto e
non ha paura di vedere eroi amati morire in modi terribili. In
quanto tale, Marvel Zombies supera le morti degli eroi di
Infinity War.
Genie, Make a Wish è la più
recente commedia romantica fantasy scritta da Kim
Eun-sook, celebre autrice di successi come Guardian:
The Great and Lonely God e Mr. Sunshine. In questa
serie, la sceneggiatrice spinge al massimo i suoi temi preferiti,
mescolando comicità, tragedia e mitologia. La
storia unisce elementi di fantasia millenaria, amore maledetto e
riflessioni sulla natura umana, costruendo un racconto che sfugge a
qualsiasi categoria classica del K-drama.
Il protagonista è
Iblis (Kim Woo-bin), un genio satanico esiliato
all’inferno dopo essersi ribellato a Dio e rifiutato di
convivere con gli uomini. Prima della condanna, stipula un patto
divino: potrà dimostrare la corruzione dell’umanità concedendo
tre desideri ai mortali. Ogni desiderio egoista
condannerà un’anima, ma se Iblis incontrerà un essere umano davvero
altruista, svanirà per sempre.
Per secoli, il piano di Iblis
funziona: tutti i suoi “padrone della lampada” si rivelano avidi.
Finché una ragazza schiava del regno di Goryeo, in
punto di morte, usa i suoi tre desideri solo per aiutare gli altri,
condannando così il genio a un sonno eterno. Dio lo rinchiude nella
lampada per 983 anni.
Un incontro
millenario
Quasi mille anni dopo, Iblis
incontra Ki Ka-young (Suzy), un’abile meccanica
d’auto con disturbi antisociali. È una psicopatica incapace
di provare empatia, ma grazie all’educazione della nonna e
al sostegno del suo villaggio, conduce una vita apparentemente
normale. Ka-young è la reincarnazione della
ragazza di Goryeo, ma nessuno dei due ricorda pienamente il
passato. Iblis, convinto che questa volta riuscirà a corromperla,
decide di metterla alla prova.
I cinque desideri del
villaggio
Offesa dalle parole di Iblis sul
fatto che “tutti gli esseri umani sono marci”, Ka-young lo sfida:
il genio dovrà concedere desideri ai prossimi cinque
abitanti del villaggio. Se la maggioranza si rivelerà
egoista, lei accetterà di morire e riconoscerà la vittoria di
Iblis; ma se la bontà prevarrà, sarà lui a essere distrutto.
La serie segue le storie dei cinque
“desideranti”.
1. Kang Im-seon – la
cassiera
Dopo trent’anni nello stesso
supermercato, Im-seon desidera un avanzamento di
carriera. Usa due desideri per ottenere promozioni, ma l’arroganza
le costa il lavoro e il rapporto con la figlia. Disperata, usa
l’ultimo desiderio per far dimenticare al genio le sue richieste,
ma Iblis è immune e la donna cade nell’alcolismo.
Esito: egoista.
2. Gu Bo-gyeong – l’ex
bullo
Ex compagna di scuola di Ka-young,
Bo-gyeong lavora in banca ed è piena di rancore.
Usa i suoi desideri per rubare la fortuna di Ka-young, ma dopo aver
perso dignità e carriera, comprende i propri errori e impiega
l’ultimo desiderio per salvare la vita di
Ka-young.
Esito:
altruista.
3. Ppoppi – il cane
randagio
Un dolce meticcio chiede di essere
trasformato in un uomo affascinante — identico all’attore Daniel
Henney, che infatti lo interpreta. Dopo un periodo di curiosa vita
umana, Ppoppi decide di tornare cane per salutare
il bambino che lo amava.
Esito:
altruista.
4. Eom Sang-tae – il figlio
del ristoratore
Uomo violento e misogino,
Sang-tae usa i suoi desideri per coprire un
omicidio e tenta di uccidere di nuovo.
Esito: egoista.
5. Ko Young-hyeon – lo
youtuber fallito
Avido di fama,
Young-hyeon sta per sprecare tutto per diventare
virale, ma all’ultimo sceglie di salvare il suocero
morente.
Esito:
altruista.
Il bilancio finale è tre su
cinque altruisti. Contro ogni previsione, Ka-young
dimostra che l’umanità, pur imperfetta, possiede ancora
bontà e sacrificio.
Cameo celebri
La serie è ricca di
apparizioni a sorpresa di grandi star coreane.
Daniel Henney compare nell’Episodio 4 come
Ppoppi, l’uomo-cane, con accanto Kim Ji-hun
(Money Heist: Korea) nel ruolo del suo autista.
Nell’Episodio 8 entra in scena Song Hye-kyo
nei panni di Jinniya, un genio femminile e antica
amante di Iblis. È lei a rivelare il segreto dei vent’anni
cancellati dalla memoria del genio e la verità su due figure
mitiche, Shadi e Khalid.
Questa è la prima apparizione cameo nella carriera
di Song e la terza collaborazione con Kim Eun-sook
dopo Descendants of the Sun e The Glory.
Ejllael, Halmoni/Pan-geum e
Irem
Ejllael – l’angelo della
morte
Interpretato da Noh
Sang-hyun, Ejllael è il messaggero di
Dio, incaricato di vigilare sul patto di Iblis. In realtà
è divorato dalla gelosia verso il genio e attende
il momento in cui Ka-young dimostrerà la bontà umana, così da poter
eliminare per sempre il suo rivale. Tuttavia, le cose non vanno
come previsto.
Halmoni/Pan-geum – la
nonna
Kim Me-kyung
interpreta la nonna di Ka-young, unica persona ad averle dato amore
incondizionato. Con il secondo desiderio, Ka-young ridona
giovinezza alla donna, che diventa Lee
Mi-ju (interpretata da Ahn Eun-jin). Per un breve periodo,
Pan-geum vive una nuova vita felice, ma alla fine sacrifica
se stessa per proteggere Ka-young e l’amica Min-ji.
Kim Eun-sook ha spiegato che affidare lo stesso personaggio a due
attrici era rischioso, ma Ahn Eun-jin ha saputo “continuare la
dolcezza e vitalità della Pan-geum originale”.
Irem – la segretaria
gufo
Servitrice di Ejllael,
Irem (Woo Hyun-jin) è una civetta
divina che sembra obbedire agli ordini celesti, ma segue
la propria coscienza. Quando, alla fine, Ka-young perde la memoria
di Iblis, è Irem a restituirgliela per riparare
alle sue manipolazioni passate. Dopo questo gesto, ritorna alla sua
forma primordiale: un filo di fumo bianco.
La vera storia d’amore
tra Iblis e Ka-young
All’inizio della serie, Iblis
afferma di essere rimasto imprigionato per 983 anni, ma non ricorda
che Dio gli ha cancellato vent’anni di memoria.
Ka-young, dal canto suo, percepisce solo echi di déjà
vu, senza ricordare il genio né la vita precedente.
Durante un ballo, Iblis rivive il
passato e capisce che la ragazza di Goryeo non era morta subito
dopo il terzo desiderio. Sopravvissuta, era cresciuta e si era
innamorata di lui. Ma Dio, in risposta al suo ultimo desiderio —
“che io e il genio condividiamo ogni sofferenza” — aveva
interpretato la richiesta nel modo più crudele possibile:
innamorarsi e assistere alla morte della persona
amata.
Quando la donna morì per mano di un
uomo a cui Iblis stesso aveva concesso potere, il genio perse ogni
fiducia negli umani e supplicò Dio di rivederla. Dio acconsentì, ma
lo vincolò alla sua reincarnazione, cancellandogli
la memoria e condannandolo a un ciclo eterno di dolore e amore.
In questo modo, Iblis e Ka-young restano legati per
l’eternità dal terzo desiderio: proteggersi a vicenda fino
alla fine.
Suzy ha spiegato che per
interpretare Ka-young, “incapace di espressioni”, è stato
liberatorio interpretare la ragazza di Goryeo come un’anima pura e
generosa: “nei flashback ho potuto finalmente sorridere e mostrare
emozioni”.
Il bambino
misterioso
Nel villaggio appare un nuovo
bambino, apparentemente innocente. Si scopre che è
Hunbish, il ragazzino che la ragazza di Goryeo
aveva voluto salvare. In realtà, il suo corpo immortale ospita
l’anima di Khalid, figlio di
Shadi, fratello di Iblis. Mille anni prima, Shadi
aveva salvato il figlio malato trasferendone l’anima nel corpo di
Hunbish.
Khalid, metà umano e immortale, ha
trascorso secoli aspettando il risveglio di Iblis per
rubargli la lampada e il potere. Nella sua follia,
uccide il padre Shadi e anche la nonna di Ka-young, Pan-geum, che
muore proteggendo Min-ji. Anche Sade, il fedele
servitore di Iblis, muore difendendo le due donne.
Alla fine, Iblis distrugge il Fiore della Vita
Eterna — lo stesso che aveva piantato per donare
immortalità a Khalid — ponendo fine alla sua esistenza.
Il finale
Dopo la morte di Pan-geum, Ka-young
è devastata. Nonostante la sua incapacità di provare emozioni,
sente un dolore che non riesce a comprendere. Chiama Iblis, ma lui
si nasconde, temendo che lei possa usare il terzo
desiderio per salvarlo, rendendosi quindi egoista e
condannandosi.
Quando si ritrovano, Ka-young
esprime infine il suo ultimo desiderio: vuole
sentire pienamente le emozioni umane per un solo giorno
prima di morire. È un desiderio egoista, e quindi conferma
la teoria di Iblis sulla natura corrotta dell’uomo. Ma proprio
quell’atto, mosso dall’amore e dal desiderio di comprendere la
vita, rende Ka-young autenticamente umana.
Iblis, incapace di ucciderla,
accetta il desiderio e si inchina davanti a lei, rinunciando al suo
orgoglio e perdendo la scommessa con Dio. Viene
ucciso da Ejllael, mentre Ka-young vaga nel deserto, col cuore
spezzato e la memoria cancellata del genio. Quando Irem le
restituisce i ricordi, Ka-young muore di dolore, esausta e
sola. Le loro morti parallele compiono il terzo desiderio
della ragazza di Goryeo: proteggersi fino alla fine.
Il significato del finale e
la rinascita
Gli attori Kim
Woo-bin e Suzy hanno raccontato di
essersi commossi leggendo il copione finale. Kim ha spiegato: “Ogni
pagina aumentava l’intensità, e guardando Suzy sul set, la scena
finale mi ha colpito più di quanto immaginassi”. Suzy ha aggiunto
che il desiderio finale di Ka-young — provare emozioni — è “il più
bello”, perché le permette di comprendere l’amore
incondizionato che l’ha sempre circondata.
Nel finale simbolico, Ka-young viene
rinata come genio, una Jinniya, per il
suo millenario sacrificio e la devozione a Iblis. Pan-geum, ormai
spirito, rifiuta di entrare in paradiso finché Dio non acconsente a
far rinascere anche Iblis. Il suo desiderio viene esaudito, e il
genio rinasce insieme a Ka-young.
La storia si chiude con i due
nuovi geni immortali, uniti per sempre, pronti a
vagare per il mondo tra caos, amore e libertà.
Mr Cobbler e la bottega
magica (The Cobbler) è un film del 2014
diretto da Tom McCarthy, con protagonista Adam Sandler in cui l’attore statunitense
dimostra quanto il suo carisma, molto al di là del film in cui si
trova, riesce sempre a catturare l’attenzione degli spettatori,
tanto che il film si trova ora nella Top 10 di Prime Video trai titoli più visti delle ultime
settimane.
La trama di Mr Cobbler e la
bottega magica
Nel 1903, nel Lower East Side di New
York, il calzolaio ebreo Pinchas Simkin usa una
misteriosa macchina per cucire che gli permette di vivere la vita
dei suoi clienti indossando le loro scarpe. Anni dopo, il negozio
passa al suo pronipote Max, che vive con la madre
malata e ha perso ogni entusiasmo per il lavoro. Quando un
criminale, Leon Ludlow, porta le sue scarpe a
risuolare, Max scopre che, usando la vecchia macchina, può
trasformarsi in chiunque indossi le scarpe cucite
con essa. Inizia a sperimentare questa abilità, vivendo momenti
divertenti e imbarazzanti, ma anche rischiosi. Dopo la morte della
madre, Max si scontra con Ludlow e, durante una colluttazione, lo
uccide accidentalmente. Scosso, decide di usare il potere delle
scarpe per aiutare il quartiere e contrastare i
soprusi. Scopre poi che il suo amico barbiere
Jimmy è in realtà suo padre
Abraham, che aveva finto la propria scomparsa. Abraham gli
rivela la verità sulla macchina magica e insieme intraprendono un
nuovo viaggio, continuando la straordinaria eredità di
famiglia.
Le curiosità su Mr
Cobbler e la bottega magica
Questo è il decimo film insieme di
Adam Sandler e Steve
Buscemi, dopo Un weekend da bamboccioni 2 (2013), Hotel
Transylvania (2012), Un weekend da bamboccioni (2010), Io vi
dichiaro marito e moglie (2007), Mr. Deeds (2002), Un papà speciale
(1999), Prima o poi me lo sposo (1998), Billy Madison (1995) e
Airheads (1994). Hanno recitato insieme per l’undicesima volta in
Hotel Transylvania 2 (2015).
Quando Max si guarda per la prima
volta allo specchio e vede il riflesso di Leon (Method Man),
esclama “oh cavolo”, un omaggio alla battuta di Sam Beckett (Scott
Bakula) in “Quantum Leap – Un viaggio nel tempo” (1989), un
programma in cui anche il protagonista si trasforma in qualcun
altro.
Quando Max torna a casa dal lavoro
e apre il frigo per prendere una bevanda, ha due opzioni: una birra
o uno Yoohoo. Lo Yoohoo è un omaggio al film di Adam Sandler “Big
Daddy – Un papà speciale” (1999), quando spiega ai bambini al parco
giochi “Sapete cosa c’è di buono? Yoohoo con un po’ di rum”.
Dustin Hoffman è stato scelto per
il ruolo di Sam perché anni prima era stato scelto per interpretare
il padre di Sandler in “Little Nicky” (2000), ma era stato scartato
per Harvey Keitel. Quando questo film divenne uno dei film di
Sandler con il minor incasso, oltre a ricevere critiche negative,
Sandler e Ben
Stiller compensarono facendo interpretare nuovamente a Hoffman
il ruolo del padre in The Meyeroitz Stories (2017), un film
originale Netflix che ricevette recensioni decisamente migliori
e ottenne un discreto numero di spettatori. Hoffman interpretò il
padre di Stiller anche in Meet the Fockers (2004) e Little Fockers
(2010).
I genitori di Max si chiamano Sarah
e Abraham, un riferimento ai due importanti personaggi ebrei della
Torah e dell’Antico Testamento della Bibbia.
La trama prevede che il personaggio
di Adam Sandler “si trasformi” in altri personaggi. Ellen Barkin,
che appare anche nel film, aveva già recitato in un altro film
sullo scambio di corpi intitolato Switch (1991), dove interpretava
un donnaiolo che viene ucciso e torna nel corpo di una donna.
Il regista Tom McCarthy e Adam
Sandler sono entrambi nati nel 1966, ma a tre mesi di distanza
l’uno dall’altro. McCarthy è nato il 7 giugno e Sandler il 9
settembre.
Sono passati quasi tre anni da
quando i DC Studios hanno annunciato il programma “Capitolo
1: Dei e Mostri”. Progetti come The Authority,
Waller e Booster Gold sono tutti
in fase di stallo e non sappiamo ancora chi interpreterà Batman in
The Brave and the Bold. Il Cavaliere Oscuro ha fatto
una breve apparizione in Creature Commandos, ma il lavoro
sul suo team con Robin non sta procedendo così rapidamente come
molti fan vorrebbero.
Il co-CEO della DC Studios James Gunn ha ammesso di avere difficoltà a
capire come portare sul grande schermo il personaggio, cosa che
probabilmente non è stata aiutata dai piani (certamente molto
ritardati) di Matt Reeves per The Batman – Parte II. Con
quel film che sta però finalmente prendendo forma, Gunn potrebbe
ora avere più facilità a capire come differenziare il Batman della
DCU da quello interpretato da Robert Pattinson.
Ha detto che è stato ingaggiato uno
sceneggiatore, ma che ne sarà del regista Andy
Muschietti? Ci sono state notizie contrastanti sul fatto
che il regista di The Flash e It:
Welcome to Derry prenderà le redini di questa storia di
Batman e Robin, ma lo stesso Muschietti sembra aver chiarito la
questione. Un fan su X, @Gotham2739, ha infatti recentemente
pubblicato una foto di sé stesso e Muschietti.
L’utente ha così affermato di aver
ricevuto alcune piccole informazioni sui piani del regista per
The Brave and the Bold.
“È ancora impegnato nella regia del film”, ha scritto il
fan, aggiungendo: “Il film non entrerà presto in produzione,
soprattutto perché The Batman Part II entrerà in produzione il
prossimo anno”. “Ho chiesto ad Andy se fosse a conoscenza
del fatto che fosse stato ingaggiato uno sceneggiatore… lui ne è a
conoscenza e credo che conosca anche la trama”, ha aggiunto
l’utente.
Naturalmente, si tratta di una
notizia non riportata da fonti ufficiali bensì da un semplice
scambio di cui non vi è testimonianza effettiva, per cui non resta
che attendere conferme ufficiali. È probabile che, con la messa in
onda di It:
Welcome to Derry dal 27 ottobre e con l’inizio della
produzione di The Batman – Parte II prevista per
la primavera del 2026, sarà possibile iniziare anche ad avere
novità su The Brave and the Bold.
Tutto quello che sappiamo su
The Brave and the Bold
Parlando l’anno scorso dei piani dei
DC Studios per
The Brave and the Bold, James Gunn ha detto: “Questa è
l’introduzione del Batman del DCU. È la storia di
Damian Wayne, il vero figlio di Batman, di cui non conoscevamo
l’esistenza per i primi otto-dieci anni della sua vita. È stato
cresciuto come un piccolo assassino e assassina. È un piccolo
figlio di puttana. È il mio Robin preferito“. “È basato
sulla run di Grant Morrison, che è una delle mie run preferite di
Batman, e la stiamo mettendo insieme proprio in questi
giorni“.
Il co-CEO dei DC Studios, Peter
Safran, ha aggiunto: “Ovviamente si tratta di un lungometraggio
che vedrà la presenza di altri membri della ‘Bat-famiglia’
allargata, proprio perché riteniamo che siano stati lasciati fuori
dalle storie di Batman al cinema per troppo tempo“. Alla
sceneggiatura, oltre a Muschietti, dovrebbe esserci anche
Rodo Sayagues, noto per aver firmato le
sceneggiature di
La casa,
Man in the Dark e Alien:
Romulus.
Il regista e produttore esecutivo di
Monster: La storia di Ed Gein, Max
Winkler, analizza l’inquietante battuta finale della
serie. Dopo essersi concentrata in precedenza su Jeffrey
Dahmer e poi su Lyle ed Erik Menendez, la
terza stagione della serie antologica Netflix di Ryan
Murphy esplora il serial killer realmente esistito
Ed Gein.
In un’intervista con
Variety, a Winkler, che ha diretto sei degli otto episodi
della stagione, è stato chiesto come avesse scelto di sviluppare il
finale della serie. Winkler spiega che voleva che la battuta della
“madre” concludesse la serie perché è il momento “Rosebud” di Gein,
che sottolinea i problemi di fondo che hanno motivato le azioni del
personaggio.
Il regista Max
Winkler ha spiegato che l’inclusione di Ted
Bundy nella serie è servita per mostrare la
personificazione del male puro, in contrasto con
Ed Gein, che viene rappresentato come un uomo
profondamente disturbato, ma non completamente malvagio. Bundy, al
contrario, non aveva motivazioni o traumi alle spalle: era
semplicemente un mostro, e Winkler voleva mostrare chiaramente cosa
significa il vero male.
Winkler ha anche raccontato che la
scena finale sulla veranda, con la battuta
“Solo una madre potrebbe amarti”, è stata l’ultima
girata e non era prevista nel copione. È nata sul momento,
durante alcune riprese aggiuntive a Los Angeles. Il direttore della
fotografia, Michael Bauman, ha ricreato la luce mattutina in
studio, mentre gli oggetti di scena — come il limonataio e il
lavoro a maglia — sono stati improvvisati.
Riguardo al finale in stile All
That Jazz, Winkler lo descrive come un momento intenso e
surreale, girato senza musica e in toni molto cupi, per enfatizzare
la natura disturbante dei personaggi. Racconta che quella giornata
fu una delle più lunghe e faticose del set,
coincidente con il compleanno dell’attore Charlie, e che tutta la
troupe lavorò fino a tardi per ottenere la scena perfetta.
Il trauma di Ed
Glein
Il trauma di Gein era in gran parte
radicato nel modo in cui Augusta abusava di suo figlio e nel modo
in cui lui continuava a essere perseguitato da lei molto tempo dopo
la sua morte. Dato il ruolo centrale e inquietante che lei aveva
avuto nella sua vita, è appropriato che la scena finale lo veda
immaginare di essere seduto accanto a lei, mentre lei lo tormenta
fino alla fine con le sue parole.
Il rapporto contorto tra Gein e sua
madre, incluso il tentativo di dissotterrare il suo cadavere, ha
influenzato persino il film più importante di Alfred Hitchcock,
Psycho, in particolare la rappresentazione di
Norman Bates e del suo rapporto con la madre defunta.
Nonostante tutte le persone che
Ed Gein uccide prima di essere catturato, la serie
cerca di dipingerlo in una luce in qualche modo compassionevole, e
un elemento chiave di questo è il contrasto tra lui e Bundy, e
girare quelle scene senza musica e con luci soffuse.
Scary Movie di
Marlon Wayans sta scalando le classifiche
streaming ed è spuntato nella Top 10 di Netflix completamente a sorpresa! A oltre due decenni
dalla sua uscita, l’amato film parodia sta vivendo una rinascita,
con una nuova popolarità in streaming, ricordando al pubblico
l’eredità comica di Wayans e il motivo per cui il franchise di
Scary Movie rimane uno dei franchise parodia più
iconici di sempre.
Il rinnovato successo di
Scary Movie coincide anche con l’ultima uscita
cinematografica di Marlon Wayans, HIM. Il nuovo film è appena uscito nelle sale
e, sebbene abbia debuttato con il 30% di share su Rotten Tomatoes,
la performance di Wayans è stata ampiamente elogiata.
Secondo gli ultimi dati di FlixPatrol, Scary Movie è salito nella
top 10 dei film in streaming anche negli Stati Uniti, conquistando
il terzo posto nella top 10 su Paramount+.
Il culto di Scary
Movie
Uscito nel 2000, Scary
Movie è stato un fenomeno culturale, una parodia dei film
horror come Scream e So cosa hai
fatto che mescola umorismo slapstick con una satira
tagliente sul genere. Diretto da Keenen Ivory
Wayans, il film ha lanciato un franchise di successo che
ha generato cinque sequel e ha consolidato l’influenza della
famiglia Wayans nel genere comico.
Mentre HIM dimostra
la capacità di Wayans di spaziare in nuovi generi, la rinascita di
Scary Movie in streaming è un promemoria delle
fondamenta che ha costruito con la commedia che fonde i generi. Ciò
dimostra anche che la passione per la parodia e la commedia horror
rimane viva e vegeta. Mentre molti film parodia degli anni 2000
sono caduti nell’oblio, la commedia dei Wayans continua a
riscuotere successo tra il pubblico.
Ciò suggerisce anche che il pubblico
moderno è desideroso di altri progetti come il franchise di
Scary Movie. La capacità dei Wayans di parodiare
con successo l’horror offrendo al contempo una storia divertente ha
stabilito uno standard per ciò che i film parodia possono
realizzare. La loro continua rilevanza potrebbe persino ispirare
nuovi progetti parodistici nell’attuale panorama in continua
evoluzione dell’horror e della commedia.
Scary Movie 6 è attualmente in fase di
sviluppo presso Paramount e Miramax, con il ritorno di
Marlon e Shawn Wayans. L’uscita del film è
prevista per il 12 giugno 2026.
Dopo il grande successo dei due film
IT – Parte 1 del 2017 e IT – Parte
2 del 2019, la Warner Bros. ha dato il via libera a
un prequel per il piccolo schermo intitolato It:
Welcome to Derry, che vede il ritorno del clown
Pennywise. Ora, a poche settimane dalla messa in onda, su ThreadsStephen King ha espresso la sua
opinione sulla serie, basata sul suo celebre romanzo It.
Lo scrittore l’ha definita “fantastica” e ha detto che il
primo episodio della serie è “terrificante”.
Cosa significa per la serie prequel di IT l’elogio di Stephen
King a Welcome To Derry
It:
Welcome to Derry esplora il retroscena dell’entità
malvagia comunemente nota come Pennywise, che semina il caos nella
città di Derry, nel Maine. Poiché la serie è un prequel dei
due film It e si basa solo sui capitoli interludi del
romanzo originale, sarà più difficile stabilire se si tratti di un
adattamento buono o cattivo. Critici e fan dovranno invece
determinare se la serie prequel riesca a sviluppare in modo
eccellente la tradizione creata per il grande schermo e da King nel
suo libro del 1986.
Tuttavia, il fatto che King abbia
espresso il suo apprezzamento per It:
Welcome to Derry è molto significativo. In teoria,
sarebbe facile ignorare la reazione dell’autore a causa del suo
legame di lunga data con la storia di Derry e Pennywise. Ma King
non ha sempre dato recensioni positive ai film e alle serie TV
basati sui suoi mondi letterari. In passato, titoli come
Firestarter, L’acchiappasogni, La creatura del cimitero e
La Torre Nera hanno tutti ricevuto un giudizio
negativo da King.
Ha anche criticato l’adattamento
cinematografico di Stanley Kubrick di Shining, nonostante sia stato ampiamente acclamato
come uno dei film horror più iconici di tutti i tempi. Dunque non è
scontato che King dia il suo benestare ad uno degli adattamenti di
un suo romanzo. I produttori di It:
Welcome to Derry hanno però coinvolto l’autore horror
nella realizzazione della serie prequel, con King che ha approvato
la creazione dello show e le sceneggiature.
Sebbene non sia chiaro se King abbia
visto più della prima puntata della stagione di otto episodi, il
suo sigillo di approvazione per la premiere della serie è un ottimo
segno per la serie e per tutti i fan che potrebbero essere
diffidenti nei confronti della Warner Bros. che espande la storia
oltre il materiale originale.
Il cast di IT: Welcome to Derry
La serie, prodotta dalla Warner
Bros. Television e sviluppata per la televisione dai registi
Andy Muschietti e Barbara
Muschietti(IT,
The
Flash) e Jason Fuchs (Wonder
Woman), debutterà su HBO e sarà disponibile in streaming in
Italia grazie a Sky. Muschietti dirigerà quattro episodi della
serie di nove episodi. Bill Skarsgård ha descritto IT:
Welcome to Derry come “piuttosto hardcore” e ha
ammesso di aver avuto qualche esitazione nel riprendere quello che
è diventato forse il suo ruolo più iconico.
Ambientata nell’universo di
IT di Stephen King, la serie è
basato sul romanzo e amplia la visione creata dal regista
Andy Muschietti nei film
IT – Parte 1 e IT – Parte
2. Il cast è guidato da Taylour Paige,
Jovan Adepo, Chris Chalk,
James Remar, Stephen Rider,
Madeleine Stowe, Rudy Mancuso e
Bill Skarsgård. È stato anche confermato che
IT: Welcome to Derry sarà
trasmesso per la prima volta questo ottobre, il che significa che
dovremmo tornare a Derry in tempo per Halloween.ù
La produzione si è conclusa
all’inizio di quest’anno a Belfast, nell’Irlanda del Nord, e
HBO/Max ha ora pubblicato il primo poster ufficiale con
Peter Claffey nei panni di Ser Duncan l’Alto,
alias “Dunk”, e Dexter Sol Ansell nei panni del suo giovane
scudiero, il principe segreto Targaryen Aegon, alias “Egg”.
La serie vedrà anche la
partecipazione di Finn Bennett (True Detective: Night Country) nel ruolo di
Aerion Targaryen, Bertie Carvel (The
Crown) in quello di Baelor Targaryen, Tanzyn
Crawford (Tiny Beautiful Things) in quello di Tanselle,
Daniel Ings (The Gentlemen) in quello di Ser
Lyonel Baratheon e Sam Spruell (Fargo) in quello
di Maekar Targaryen.
Questa serie sarà molto più piccola
sia di Game of Thrones che di House
of the Dragon, e abbandonerà persino l’ironica
sequenza di apertura.
“Tutte le decisioni sono state
prese da Dunk, che ha cercato di trasmettere il tipo di persona che
è in ogni aspetto di questa serie, persino nella sequenza
iniziale”, ha dichiarato il co-creatore Ira Parker a
Entertainment Weekly. “Le sequenze dei titoli di testa
dell’originale [Game of Thrones] e di House of Dragon sono
grandiose, epiche e incredibili. La colonna sonora di Ramin Djawadi
è orchestrale, imponente e bellissima. Non è proprio il modus
operandi di Dunk. È semplice, sobrio e diretto. Non gli piace fare
mostra di sé.”
A Knight of the Seven Kingdoms, basato sulle storie di
George R.R. Martin Dunk and Egg, è attualmente in fase di
post-produzione. La serie arriverà nel 2026.
Nel frattempo, la
terza stagione di House of the Dragon sarà probabilmente
trasmessa per la prima volta nel giugno 2026, “appena fuori”
dalla finestra di eleggibilità per gli Emmy Awards 2026.
La star di Oppenheimer,
Cillian Murphy, rivela che c’è stata una nota
particolarmente significativa di Christopher Nolan sulla sua recitazione che
rimane la sua indicazione preferita di sempre. Uscito nel 2023, il
film biografico di Nolan su J. Robert Oppenheimer ha, come noto, segnato l’ultima (ad
oggi) di una lunga serie di collaborazioni tra l’attore e il
regista. Le recensioni entusiastiche di
Oppenheimer hanno aiutato il film a ottenere
ottimi risultati agli Academy
Awards del 2024. Su 13 nomination, il dramma storico ha vinto
sette Oscar, tra cui quello per il miglior regista e il miglior
film. Murphy ha anche vinto il suo primo Oscar come miglior
attore.
Ora, durante una recente intervista
con Jake’s Takes, Murphy ha rivelato che Nolan gli ha dato una
indicazione sottile ma potente che lo ha aiutato a svelare
veramente il personaggio di Oppenheimer. “Ho girato sei film
con Chris, ed è un regista generazionale. Lo sappiamo tutti. Uno
dei più grandi registi di sempre. Ricordo che all’inizio, quando
interpretavo Oppenheimer, ero un po’ troppo aggressivo in una delle
riprese. E lui mi disse: ‘Non è un pugile. È un giocatore di
scacchi’”, ha raccontato l’attore.
“Me lo sussurrò all’orecchio
proprio prima della ripresa successiva, e questo cambiò tutto. Fino
a quel momento non aveva detto nulla, poi disse quella frase, che
chiarì tutto e rese tutto più chiaro. Cambiò completamente il mio
approccio alla ripresa. Ha un talento incredibile, è
pazzesco“, ha aggiunto Cillian Murphy.
Di cosa
parla Oppenheimer con Cillian
Murphy
Scritto e diretto da Christopher Nolan, vincitore del premio
Oscar per la Miglior Regia,
Oppenheimer
è un thriller epico girato in IMAX che catapulta il pubblico
nell’adrenalinico paradosso dell’enigmatico uomo che per salvare il
mondo è costretto a metterlo a rischio. Il film è tratto dal libro
vincitore del Premio Pulitzer Robert Oppenheimer – Il Padre
della Bomba Atomica – American Prometheus: The Triumph and Tragedy of J. Robert
Oppenheimer di Kai Bird e del compianto Martin J. Sherwin, e
racconta la vita e il lascito del fisico teorico J. Robert
Oppenheimer, il cui epocale lavoro come direttore del Progetto
Manhattan al laboratorio di Los Alamos, ha portato alla creazione
della prima bomba atomica.
Il film vede Cillian Murphy, premiato con
l’Oscar come Miglior Attore
Protagonista, nel ruolo di J. Robert Oppenheimer ed
Emily Blunt nei panni di sua moglie, la
biologa e botanica Kitty Oppenheimer. Matt
Damon interpreta Leslie Groves, direttore del Progetto
Manhattan e
Robert Downey Jr., premiato con
l’Oscar come Miglior Attore Non
Protagonista, ha il ruolo di Lewis Strauss, membro
fondatore della Commissione per l’Energia Atomica degli Stati
Uniti. Florence Pugh veste i panni della psichiatra
Jean Tatlock, Josh Hartnett quelli del
pionieristico scienziato nucleare americano Ernest Lawrence e
Casey Affleck interpreta Boris Pash, capo del
controspionaggio dell’esercito al Presidio di San Francisco. Del
cast fanno parte anche Rami Malek nel ruolo di David Hill e Kenneth Branagh in quello del fisico Niels
Bohr.
Epica e avvincente, la storia di
Oppenheimer scorre
su due binari paralleli: da una parte scava in profondità nella
psiche di una mente americana pressoché unica – il brillante
scienziato dietro l’invenzione che ha sconvolto il mondo e che allo
stesso tempo ha rappresentato il culmine dell’ingenuità umana,
un’invenzione che avrebbe potuto rimodellare il concetto di civiltà
e allo stesso tempo minacciare definitivamente il futuro
dell’umanità; dall’altra viene raccontata l’eredità di Oppenheimer
negli anni successivi al Progetto Manhattan centrando il racconto
su Lewis Strauss, un altro dei protagonisti della politica nucleare
degli Stati Uniti dopo la Seconda Guerra Mondiale, al quale, nel
1959, è stato assegnato il ruolo di Segretario di Commercio dal
Presidente Dwight D. Eisenhower.
Street
Fighter è uno dei franchise di videogiochi più iconici
di sempre, quindi l’entusiasmo per il film in uscita è
comprensibilmente alto.
Non abbiamo ancora dato un’occhiata
approfondita a questo ultimo adattamento cinematografico, ma la
superstar della WWE Cody Rhodes ha recentemente
lasciato intendere ai fan cosa aspettarsi. L’attuale campione
indiscusso della WWE interpreterà Guile, un pilota
dell’Aeronautica Militare degli Stati Uniti il cui obiettivo è
distruggere Shadaloo, un’organizzazione criminale responsabile
della caduta del suo migliore amico, Charlie Nash.
Parlando con Pat McAfee (tramite
GameFragger.com), Rhodes, che molti di voi ricorderanno
per il suo ruolo del malvagio Derek Sampson in Arrow, ha esaltato quelle che sembrano scene
d’azione molto intense.“Ero fermamente convinto che qualsiasi
cosa fosse uno stunt, volevo farla”, ha detto l'”American
Nightmare”.“Se questo richiede che io sia in contatto
con questi fili, voglio farlo. Se metti un altro tizio all’angolo
che so che farà la scena dopo, voglio comunque provarci.”
“Noah
[Centineo], Callina [Liang] e [Andrew] Koji, che sono i tre
protagonisti, [sono] attori incredibilmente bravi, che prendono la
cosa sul serio e sono lì a lavorare ogni giorno”, ha aggiunto
Rhodes. “Poi ci sono io, 50 Cent, Andrew Schultz e Roman.
Abbiamo potuto recitare.”
Sebbene fosse prevedibile, il fatto
che Ryu, Ken e Chun-Li siano i protagonisti del film sarà
una gradita notizia per i fan. Oltre a ciò, la promessa di
scene di combattimento reali renderà sicuramente felici i fan di
Street Fighter; la storia sarà ovviamente
importante per questo film, ma per certi versi, non è nemmeno
lontanamente cruciale quanto le scene di combattimento del
film.
Ricreare la follia dei giochi non
sarà un’impresa facile, anche se sappiamo che è possibile dopo che
Mortal Kombat del 2021 ha portato con successo le
“Fatalities” del franchise sul grande schermo. Con un sacco di
acrobazie reali, tutti gli indizi indicano che Street Fighter sarà
il film di combattimento incisivo che deve essere per fare onore
alla longeva serie di videogiochi.
Cosa sappiamo di questa versione di
Street Fighter
Diretto dal regista Kitao
Sakurai, Street
Fighter porterà la battaglia dalle sale giochi al
grande schermo con hadouk, calci rotanti e tutti i vostri
personaggi preferiti.
Street Fighter vede
protagonisti Noah Centineo nel ruolo di Ken Masters,
Andrew Koji nel ruolo di Ryu, Callina
Liang nel ruolo di Chun-Li, Joe “Roman Reigns”
Anoa’i nel ruolo di Akuma,
David Dastmalchian nel ruolo di M. Bison, Cody Rhodes
nel ruolo di Guile, Andrew Schulz nel ruolo di Dan
Hibiki, Eric André nel ruolo di Don Sauvage,
Vidyut Jammwal nel ruolo di Dhalsim, con
Curtis “50 Cent” Jackson nel ruolo di Balrog e
Jason Momoa nel ruolo di Blanka.
L’uscita nelle sale di
Street Fighter è prevista per il 16 ottobre
2026.
Sembra che le riprese di Ahsoka –
Stagione 2 siano effettivamente terminate, e la star
Natasha Liu Bordizzo
ha condiviso su Instagram una foto che anticipa il suo ritorno nei
panni di Sabine Wren.
Sebbene non appaia effettivamente
nell’inquadratura, le ombre di Bordizzo e della co-protagonista
Rosario Dawson (Ahsoka Tano) rivelano che entrambe le attrici
indossano i costumi dei rispettivi personaggi. Anche la seconda
foto sembra confermare che Bordizzo abbia terminato le riprese.
Nel finale della prima stagione,
diversi personaggi sono rimasti bloccati su Peridia quando il
Grand’Ammiraglio Thrawn e le sue Sorelle della Notte sono fuggiti
con Ezra Bridger nascosto sulla loro nave. Con l’ex Jedi Baylan
Skoll (il defunto Ray Stevenson) partito da solo
per scoprire i segreti del pianeta, il suo apprendista Shin Hati è
stato lasciato a combattere Ahsoka e Sabine.
L’ultima volta che abbiamo visto
Hati, sembrava che si stesse arrendendo a un gruppo di banditi,
mentre Sabine tornava al fianco di Ahsoka per continuare il suo
addestramento Jedi.
“Ragazzi, è così bella. È COSÌ
bella”, ha detto di recente il regista Bryce Dallas Howard a proposito
della seconda stagione. “È bellissima; è emozionante; è
avventurosa; è romantica. È tutto ciò che si desidera da una storia
epica”.
Hayden Christensen ha annunciato che
tornerà nei panni di Anakin Skywalker per la seconda stagione
di 8 episodi durante il panel della Star
Wars Celebration della serie Disney+ a Tokyo, in Giappone. L’attore
ha ripreso il suo iconico ruolo nei prequel di Star Wars nella
prima stagione, apparendo alla sua ex Padawan Ahsoka Tano quando
rimase intrappolata nel “Mondo tra i Mondi” dopo un duello con la
spada laser con Baylan Skoll. Anakin ha svolto il ruolo di una
sorta di guida spirituale, costringendo Ahsoka a confrontarsi con
il suo passato e (potenziale) futuro.
Skywalker è tornato come Fantasma
della Forza nel finale di stagione, vegliando su Ahsoka su Peridea,
e abbiamo sentito dire che il personaggio avrà più cose da fare
nella seconda stagione.
Screen Rant ha rivelato in esclusiva
la prossima serie di giocattoli da collezione Avatar: Fuoco
e Cenere della McFarlane Toys.
La nuova collezione (la si può vedere qui) dà vita al mondo di
Pandora con una linea dettagliata di personaggi e creature ispirati
all’universo in espansione di Avatar di James Cameron. La linea McFarlane Collector
Edition da 7 pollici include i protagonisti Jake Sully
e Neytiri, che tornano in scena, e il nuovo personaggio Varang,
leader del clan Mangkwan. Ci sono anche diverse versioni di
Quaritch, insieme a due enormi Banshee.
Ciascuna action figure è progettata
con Ultra Articulation per un massimo di 22 punti di movimento,
offrendo ai collezionisti opzioni di posizionamento e esposizione
dinamiche. Ogni figura presenta poi dettagli e verniciatura
scolpiti di alta qualità, insieme a teste alternative, accessori
multipli, mani extra e una base espositiva. Alcune includono anche
decorazioni con vernice bioluminescente attivata dalla luce nera,
che riflette l’estetica luminosa di Pandora.
Per quanto riguarda i
Banshee, entrambi sono realizzati per i collezionisti che
desiderano un’esperienza a grandezza naturale. Dotati anch’essi di
Ultra Articulation per pose di volo e strisciamento, questi Banshee
imponenti e dettagliati includono code snodabili e supporti da
esposizione per collezionisti. Ogni figura di banshee ha
un’apertura alare impressionante di 76 cm ed è compatibile con le
figure di cavalieri in scala 7 cm di McFarlane (vendute
separatamente).
Ogni action figure cattura propone
dunque la bellezza dei Na’vi attraverso la maestria artigianale
della scultura e dei dettagli pittorici tipici di McFarlane. I
preordini per la collezione Avatar: Fuoco e Cenere
saranno disponibili dal 9 ottobre 2025 presso i principali
rivenditori, tra cui Amazon, GameStop, Walmart.com, McFarlane Toys
Store, BigBadToyStore, Best Buy ed Entertainment Earth.
Avatar: Fuoco e
Cenere è il prossimo capitolo della saga
di James Cameron
Con Avatar: Fuoco
e Cenere, James Cameron riporta il pubblico su Pandora
in una nuova avventura coinvolgente con Jake Sully
(Sam
Worthington), marine diventato leader dei Na’vi, la
guerriera Na’vi Neytiri (Zoe
Saldaña) e la famiglia Sully. Il film, con
sceneggiatura di Cameron, Rick Jaffa e
Amanda Silver e soggetto di Cameron, Jaffa,
Silver, Josh Friedman e Shane
Salerno, vede anche la partecipazione di Sigourney Weaver, Stephen
Lang, Oona Chaplin, Cliff
Curtis, Britain Dalton, Trinity
Bliss, Jack Champion, Bailey
Bass e Kate Winslet.
Si dice che il film rappresenterà
un’evoluzione importante della storia avviata con Avatar
(2009) e proseguita con
Avatar – La via dell’acqua (2022), espandendo
ulteriormente l’universo narrativo di Pandora e introducendo nuove
aree geografiche e culture Na’vi, con toni più cupi rispetto ai
precedenti capitoli. Cameron ha dichiarato inoltre che questo terzo
episodio segnerà un punto di svolta tematico per l’intera saga. Uno
degli aspetti più attesi riguarda l’introduzione del Popolo della
Cenere, una tribù Na’vi legata all’elemento del fuoco.
A differenza delle popolazioni Na’vi
viste finora, questi sono caratterizzati da una visione più
aggressiva e conflittuale del mondo, portando per la prima volta un
punto di vista Na’vi antagonistico. Questo consentirà alla saga di
esplorare dinamiche interne al mondo indigeno di Pandora,
complicando la tradizionale dicotomia tra Na’vi pacifici e umani
colonizzatori. Leader di questo popolo è la
temuta Varang, interpretata
da Oona Chaplin e di cui negli scorsi
giorni era state diffuse alcune
immagini ufficiali.
Cameron ha anche anticipato che
Avatar: Fuoco e Cenere conterrà un importante
sviluppo narrativo che ricollegherà alcuni eventi ai futuri
capitoli già in lavorazione. La tecnologia continuerà a giocare un
ruolo centrale: Cameron ha promesso nuove innovazioni visive, in
particolare nella resa degli ambienti vulcanici e nelle sequenze
incentrate sul fuoco. Questo terzo film si preannuncia dunque come
un capitolo chiave per l’espansione tematica, politica e visiva
dell’universo di Avatar.
Avatar: Fuoco e
Cenere sarà al cinema il 19 dicembre
2025.
Il famoso regista Ridley Scott lamenta l’attuale modello di
business più popolare di Hollywood e la mediocrità diffusa dei film
che vengono prodotti. Il regista di Alien
e Il gladiatore è un’autorità rispettata su ciò che
rende un film di qualità. Tuttavia, rivela che in questo momento si
è dedicato principalmente a rivedere i propri film, anziché
scoprirne di nuovi.
Durante un’intervista al BFI
Southbank di Londra domenica, Scott ha commentato la rapida
produzione di contenuti che sono, nella migliore delle ipotesi,
scadenti: “La quantità di film che vengono realizzati oggi,
letteralmente a livello globale, è di milioni. Non migliaia,
milioni… e la maggior parte sono feccia”. Scott ha continuato
dicendo che Hollywood sta “affogando nella
mediocrità”.
Alla domanda su quali siano i suoi
film preferiti in questo momento, Scott ha quindi risposto con il
suo solito humor britannico, affermando che sta rivedendo la sua
vecchia filmografia e che è ancora soddisfatto di ciò che ha
prodotto. “Stiamo affogando nella mediocrità. Quindi quello che
faccio, ed è una cosa orribile, è che ho iniziato a riguardare i
miei film, e in realtà sono piuttosto buoni! Inoltre, non
invecchiano. L’altra sera ho guardato Black Hawk Down e ho pensato:
‘Come diavolo ho fatto a riuscirci?’”.
“Ma penso che ogni tanto ne esca
uno buono, ed è un sollievo sapere che c’è qualcuno là fuori che
sta facendo un buon film”, conclude Scott, lasciando così una
nota di speranza. I prossimi film di Ridley Scott includono The Dog Stars e molti altri che
intende dirigere lui stesso. Rimane produttore delle serie
Alien e Blade Runner, per le quali sono
previsti ulteriori sequel. Anche Il Gladiatore 3 è in
lavorazione, dopo essere stato in qualche modo preparato da
Il Gladiatore 2 del 2024.
Indipendentemente dall’epoca, dalla
nazione o dagli eventi, i
film storici epici sono sempre piacevoli da guardare,
specialmente se sono belli come William Tell di Nick Hamm,
ambientato nella Svizzera medievale, che racconta la violenta
rivolta degli svizzeri contro il dominio asburgico austriaco sotto
la guida del leggendario Guglielmo Tell. Inutile
dire che ci sono alcune evidenti inesattezze storiche, poiché i
realizzatori si sono presi alcune libertà creative per soddisfare
il pubblico moderno. A parte la caratterizzazione stereotipata dei
personaggi e il trattamento narrativo poco originale, il film
potrebbe infastidire gli appassionati di storia. Tuttavia, c’è un
innegabile fattore di intrattenimento che garantisce agli
spettatori due ore di coinvolgimento.
Qual è stato il ruolo di
Baumgarten nella rivolta svizzera?
La dinastia asburgica d’Austria (di
origine svizzera) iniziò a governare la parte centrale e
settentrionale della Svizzera durante l’XI secolo e, quando Alberto
I salì al trono nell’ultima fase del XIII secolo, i cantoni
agricoli del paese cominciarono a soffrire sotto l’oppressione
della famiglia reale. All’epoca, i signori della guerra e i baroni
svizzeri non avevano la forza militare o economica per opporre
resistenza agli invasori e, con il sostegno del re Alberto, il
temuto viceré Gessler si era costruito una reputazione piuttosto
famigerata. I nobili svizzeri come il barone Attinghausen volevano
che suo nipote Rudenz unisse il popolo per formare un’alleanza di
cantoni contro gli oppressori stranieri. Tuttavia, Rudenz è
innamorato di Bertha e, con grande disappunto di lei, ha giurato
fedeltà agli Asburgo nella speranza di conquistare la sua mano. La
madre di Bertha appartiene alla nobiltà svizzera e vuole che il suo
amante combatta per la sua terra e il suo popolo. Alberto ha
pianificato di dare Bertha in sposa a Gessler contro la sua
volontà.
Il film inizia con Wolfshot, un
esattore delle tasse che lavora per Gessler, in visita a una
comunità di contadini nell’Unterwalden. Ubriaco del potere e del
controllo che deriva dagli Asburgo, Wolfshot stupra e uccide la
moglie di un contadino locale, Baumgarten, e per vendetta il
contadino lo uccide brutalmente per ottenere la sua sanguinosa
vendetta. Questo episodio è realmente accaduto e non è un
espediente narrativo inventato per dare il via alla trama.
Baumgarten fugge per salvarsi la vita e incontra Guglielmo Tell, un
abile cacciatore con la balestra ed ex crociato, che accetta di
aiutarlo nella fuga, rischiando di attirare l’ira dell’esercito di
Gessler, che ha già iniziato a saccheggiare i villaggi nel
tentativo di dare la caccia al fuggitivo.
La notizia dell’azione di
Baumgarten giunge al re Alberto, che teme che l’incidente possa
fungere da scintilla per innescare una possibile ribellione
svizzera contro la sua dinastia. La storia del coraggio di un
contadino contro un governo tirannico si stava già diffondendo
rapidamente nelle valli dei cantoni svizzeri, e intraprendere una
rivolta su larga scala nel difficile territorio svizzero non era
mai stata un’opzione praticabile per i governanti. Alberto invia
Gessler ad affrontare la situazione prima che le cose sfuggano di
mano.
Perché Guglielmo non voleva
entrare in guerra contro gli Asburgo?
William porta Baumgarten a Svitto,
a casa del suo fidato collaboratore Werner Stauffacher e di sua
moglie Gertrude, per nascondersi per un po’. Seguendo le tracce di
Baumgarten, anche Gessler arriva lì e, anche se il viceré non
riesce a identificare il suo obiettivo, tiene d’occhio William come
possibile sospettato di collusione con Baumgarten.
Gertrude e Stauffacher vogliono che
Guglielmo guidi una ribellione contro gli Asburgo, ma avendo
sperimentato l’orrore della guerra, Guglielmo è consapevole della
sua futilità, di come essa porti sempre allo spargimento di sangue
di innocenti. Durante la crociata, il giovane Guglielmo aveva
cercato di salvare vite umane e aveva protetto Suna, una donna che
apparteneva alla fede contro cui combattevano i suoi compagni.
Guglielmo aveva preso le armi contro i propri compagni per
proteggere Suna. In preda al senso di colpa, ha lasciato la sua
vita passata per condurre un’esistenza tranquilla, sposando Suna e
crescendo il loro figlio, Walter. È quindi comprensibile che
William detesti la guerra e sia disposto a tutto pur di evitarla,
nonostante sia consapevole della miserabile situazione del popolo
svizzero. Tuttavia, porta Stauffacher e Baumgarten ad Altdorf,
occupata dagli austriaci, per chiedere aiuto al sacerdote Furst,
che sta già usando il suo ordine per incitare segretamente il
popolo contro gli Asburgo.
Come è diventato Guglielmo il
volto della ribellione?
La famiglia di Guglielmo, sua
moglie e suo figlio, arriva ad Altendorf e Gessler decide di
giocare un gioco crudele per infliggere un colpo devastante alle
forze ribelli in crescita. Gessler fa piantare un palo con sopra
l’elmo degli Asburgo al centro della piazza del paese, dove i
cittadini devono rendere omaggio inginocchiandosi. Poiché William
si rifiuta di inchinarsi e di partecipare a questa beffa, viene
costretto a sparare a una mela posizionata sulla testa di suo
figlio Walter, in cambio della sua vita. Baumgarten, che era stato
una fonte di ispirazione per i ribelli, si arrende per salvare il
suo salvatore da un destino così crudele. Ma Gessler lo giustizia
in pubblico e continua con la sua farsa. Questo incidente rafforza
immediatamente la determinazione di Guglielmo, che si prepara a
fare tutto il necessario per ribellarsi alla tirannia degli
Asburgo.
William riesce a colpire la mela
con una precisione incredibile e confessa di aver pianificato di
uccidere Gessler se le cose fossero andate diversamente, il che
fornisce al viceré una scusa per imprigionarlo. Tuttavia, William
sa di aver già fatto ciò che doveva, poiché gli abitanti del paese
iniziano a ribellarsi contro le forze degli Asburgo. Va detto che
Bertha e Rudenz hanno assistito alle azioni vili di Gessler. Rudenz
finalmente rinsavisce e rinuncia alla sua fedeltà agli Asburgo, il
che gli costa l’imprigionamento. Tuttavia, Rudenz riesce a fuggire
e torna dal barone Attinghausen per scusarsi delle sue azioni, solo
per rendersi conto che è troppo tardi, poiché suo zio esala
l’ultimo respiro. Rudenz unisce il suo popolo per affrontare gli
invasori. D’altra parte, Bertha viene imprigionata dopo aver
respinto le avance di Gessler.
William è riuscito a condurre
il suo paese alla libertà?
I due prigionieri William e Bertha
vengono inviati in Austria attraverso le vie navigabili, ma
entrambi riescono a fuggire dopo essersi liberati quando la nave si
capovolge a causa del maltempo. Mentre William si prepara a
sconfiggere Gessler dopo aver scoperto la sua possibile ubicazione,
Bertha gli consiglia di non agire per vendetta personale e di
cercare invece un modo per unificare il popolo e lottare per la
libertà. Mentre si separano, William chiede a Bertha di trovare un
modo per impedire ad Albert di inviare ulteriori forze a Gessler,
altrimenti la possibilità di una ribellione verrà stroncata sul
nascere.
D’altra parte, sotto la guida di
Suna e Gertrude, vari leader cantonali si uniscono e anche Rudenz
si unisce alla loro coalizione per infiltrarsi ad Alterdorf in
assenza di Gessler. Tuttavia, un traditore finisce per rivelare il
loro piano a Gessler, il che porta alla scoperta dei ribelli e, nel
conflitto che ne segue, Gertrude perde la vita. William perde
l’occasione di sconfiggere Gessler e, dopo essersi riunito con le
forze ribelli, viene a conoscenza della tragica notizia. Il
sacrificio di Gertrude alimenta lo spirito guerriero di William,
che, liberandosi finalmente dei suoi dubbi, raduna i ribelli per
sollevarsi contro le forze di Gessler. Tuttavia, sapendo che un
furfante come Gessler userà gli abitanti svizzeri di Alterdorf come
ostaggi, William manda Furst e un paio di alleati a infiltrarsi
nell’insediamento attraverso un passaggio segreto per
destabilizzare l’opposizione.
Nel frattempo, gli sforzi di Bertha
per dissuadere suo zio dal lanciare un attacco totale contro i
ribelli falliscono e lei viene imprigionata per tradimento contro
la famiglia reale. Bertha riesce a fuggire dalla prigionia con
l’aiuto di uno dei suoi cugini e assassina il re Alberto. Mentre la
guerra tra le forze di Gessler e i ribelli ha inizio ad Alterdorf,
Rudenz e Stauffacher trovano la morte per mano di Gessler. Ancora
una volta, Gessler cerca di assicurarsi la sua posizione tenendo in
ostaggio le donne della città e Walter, e sembra che la fortuna gli
sorrida, dato che le truppe di Alberto si radunano intorno alla
città. Tuttavia, grazie alle azioni di Bertha, le truppe decidono
di ritirarsi dopo aver appreso la notizia della morte del re e,
vedendo le forze aggiuntive ritirarsi, l’esercito di Gessler lo
abbandona immediatamente. William, avendo finalmente il tiranno
alla sua mercé, decide di giustiziarlo in pubblico come atto di
vendetta, ma Walter ferma suo padre. Durante la fase iniziale del
film, William aveva insegnato a suo figlio la differenza tra un
cacciatore e un selvaggio durante una lezione di caccia, e lo
stesso consiglio viene ora ribadito da Walter quando chiede a suo
padre di non seguire quella strada. Sono abbastanza sicuro che
questa moralità idealistica non si applichi alla guerra, e nella
vita reale William uccise effettivamente Gessler per incoraggiare
il morale dei ribelli svizzeri, ma i realizzatori hanno deciso di
prendersi delle libertà creative nel film per soddisfare il
pubblico, immagino.
Qualche giorno dopo, mentre
Guglielmo piange la morte dei suoi compagni caduti, Bertha gli si
avvicina per comunicargli che, dopo la morte di Alberto, sua
figlia, la neoincoronata regina Agnese, ha giurato vendetta contro
i ribelli. Ciò significa che la lotta per la libertà continuerà,
con Guglielmo che guiderà i suoi compatrioti alla conquista della
tirannica Casa d’Asburgo. In realtà, le leggendarie azioni di
Guglielmo Tell portarono alla creazione della Confederazione
Svizzera, che riprese il controllo dalla Casa d’Asburgo attraverso
diverse guerre che durarono fino alla fine del XV secolo.
È
online il trailer ufficiale di Squali, il nuovo film diretto da
Daniele Barbiero
che segna l’incontro tra due generazioni di cinema:
Lorenzo Zurzolo, uno dei volti più promettenti del
panorama italiano, e James Franco,
star internazionale di lungo corso. Il film arriverà nelle sale
italiane il 16 ottobre
2025, distribuito da Eagle Pictures, e promette di essere uno dei titoli
più interessanti dell’autunno cinematografico.
La trama del film
Squali
Tratto liberamente dal romanzo Gli squali di Giacomo Mazzariol, Squali racconta la storia di Max, un ragazzo di diciannove anni che vive
in una cittadina di provincia, sospeso tra sogni e inquietudini
tipiche della sua età. La sua vita cambia radicalmente con l’arrivo
di Robert Price
(James Franco), un imprenditore di successo e
fondatore di una start-up americana interessata a un’app che Max ha
ideato. Quell’incontro diventa la scintilla che lo costringe a
confrontarsi con il mondo degli adulti, con l’ambizione e con le
regole di un universo competitivo e spietato.
Il trailer mostra fin da subito un’atmosfera sospesa, estiva ma
carica di tensione emotiva. Barbiero sembra voler costruire un
coming-of-age intimo e
visivamente potente, dove il mare e gli spazi aperti
diventano metafora di libertà e pericolo, di crescita e
smarrimento. La fotografia, curata con toni caldi e naturali, e le
musiche evocative contribuiscono a restituire una sensazione di
attesa e di vertigine.
Il film è una coproduzione internazionale tra Italia, Spagna e
Polonia, realizzata da Camaleo, Eagle Pictures, Neo Art Producciones e Agresywna Banda, con una sceneggiatura
firmata da Mauro
Graiani. Oltre ai due protagonisti, nel cast figurano
anche Chiara
Bordi e Antonio
Zavatteri, in un intreccio che promette di esplorare le
contraddizioni di una generazione in cerca di senso.
Con Squali, Daniele
Barbiero sembra voler indagare il rapporto tra tecnologia e identità, successo e
fragilità, attraverso lo sguardo di un giovane che tenta
di emergere senza perdere se stesso. Il trailer lascia intuire un
film emozionante, visivamente curato e capace di toccare corde
profonde: un ritratto sincero delle paure e delle speranze di chi
si affaccia alla vita adulta.
La serie Netflix
Monster: La storia di Ed Gein mostra il famigerato
serial killer e ladro di tombe mentre aiuta l’FBI nel caso Ted
Bundy, sollevando dubbi sulla veridicità di queste scene.
Nonostante le richieste di interrompere la serie, la serie Netflix
Monsters è tornata con la terza stagione incentrata su Ed
Gein.
Mentre i primi sei episodi della
controversa serie si concentrano sulla vita di Ed Gein prima della
sua cattura, gli ultimi due episodi lo mostrano in un istituto
psichiatrico, poiché ritenuto non idoneo a sostenere un processo.
Ciò corrisponde alla
storia vera di Ed Gein, che fu ritenuto legalmente incapace di
intendere e di volere.
Durante questa parte della serie,
la vita di Gein prende una piega interessante quando l’FBI si
presenta per interrogarlo in quello che può essere descritto solo
come un davvero pessimo remake di Mindhunters. Si suppone
che lui sia la chiave per risolvere il caso di Ted Bundy, il che
non corrisponde alla storia reale.
Ed Gein aiuta l’FBI con il caso
Ted Bundy nella terza stagione di Monster
Nella terza stagione di
Monsters, Ed Gein inizialmente rifiuta di incontrare l’FBI
per il loro progetto di intervistare noti serial killer, con
l’obiettivo di comprendere meglio le loro menti. Tuttavia, in stile
Mindhunter, accetta di incontrarli dopo che si è
presumibilmente stabilizzato grazie a nuovi farmaci.
Mindhunters era in realtà
basato su una storia vera di due investigatori dell’FBI che hanno
lavorato per migliorare il profilo dei serial killer.
Egli fornisce loro informazioni
chiave sul modus operandi di Ted Bundy, il suo obiettivo, il tipo
di auto e il suo nome. Più tardi, Ed si emoziona quando vede il
notiziario che annuncia la cattura di Ted Bundy, attribuendosene il
merito.
Il vero Ed Gein non ha aiutato
a catturare Ted Bundy (o altri serial killer)
Zac Efron interpreta Ted Bundy
In realtà, Ed Gein non ha aiutato a
identificare o catturare Ted Bundy, che è stato arrestato per la
prima volta durante un normale controllo stradale perché sospettato
che la sua auto fosse rubata. Ha eluso l’arresto e possedeva un kit
per scassinare, che ha dato loro un motivo per arrestarlo. Poi,
Carol DaRonch, sopravvissuta al suo tentativo di rapimento, lo ha
identificato.
Dopo essere saltato dalla finestra
della prigione, è stato catturato di nuovo durante un altro
controllo stradale. È fuggito di nuovo. L’ultima volta che la
polizia lo catturò, fu nuovamente scoperto grazie alla sua auto
rubata. Ed Gein non ebbe nulla a che fare con la cattura di Bundy o
di qualsiasi altro serial killer. Questa trama fittizia fu invece
creata per la serie TV, apparentemente nel tentativo di sfruttare
l’interesse per Ted Bundy.
Il coinvolgimento di Ed Gein
con altri killer faceva parte di un colpo di scena più
grande
All’inizio sembrava che stessero
cercando di dare a Ed Gein un’occasione di redenzione facendogli
catturare dei serial killer. L’introduzione di più serial killer
sembrava una strategia per rendere la storia più salace. Tuttavia,
ha anche uno scopo narrativo ben preciso.
Alla fine, alla
conclusione di Monster: La storia di Ed Gein, diventa chiaro
che il coinvolgimento di Ed Gein con gli altri assassini e l’FBI
era solo frutto della sua immaginazione. In base al modo in cui
Monster scrive gli ultimi due episodi, Gein non aveva
una comprensione delle cose che accadevano realmente nella sua
vita, quindi i suoi pensieri sono diventati la sua realtà. È
comunque una scelta romanzata scomoda, ma almeno non cerca di
trattare Ed Gein come un santo redento.
Ilse Koch è una figura di spicco in
Monster: La storia di Ed Gein, e molti si chiedono chi
fosse. Sebbene la Monster – stagione 3 sia piena di inesattezze storiche e
drammatizzazioni, gran parte della trama è basata su fatti storici
reali. Tuttavia, gli episodi abbracciano diverse linee temporali e
ruotano attorno a diversi personaggi storici e culturali, il che
può rendere difficile seguire tutto.
L’attrice Vicky Krieps interpreta
Ilse Koch nel cast della terza stagione di Monster, La storia di Ed
Gein, contribuendo alla serie con la sua
interpretazione di uno degli esseri umani più malvagi del XX
secolo. La serie spiega come Ed Gein sia stato influenzato da Ilse
Koch, ma non approfondisce i dettagli specifici, e un argomento
così serio merita una ricerca approfondita.
Ilse Koch era una criminale di
guerra nazista conosciuta come la “strega di Buchenwald”
Ilse Koch era la moglie di
Karl-Otto Koch, comandante del campo di concentramento di
Buchenwald. Come menzionato nella serie, la Koch non era un
soldato, né aveva alcuna affiliazione tecnica con il partito
nazista, eppure riuscì a diventare una delle figure più famigerate
e terrificanti associate al Terzo Reich.
Ilse Koch si distingue come
criminale di guerra che andò ben oltre la crudeltà generale della
seconda guerra mondiale. È stata accusata di aver fatto tatuare i
prigionieri giustiziati e mutilati, con la loro pelle tagliata per
essere utilizzata per oggetti domestici, come ad esempio un
paralume.
Questo specifico episodio di
intollerabile crudeltà non può essere completamente provato, ma lei
è stata senza dubbio responsabile dell’uso di manodopera
schiavizzata e ha aggredito personalmente i prigionieri. Ha anche
ordinato alle unità delle SS di picchiare i prigionieri, con un
episodio confermato in cui uno di questi pestaggi ha portato alla
morte di un prigioniero.
Come i crimini di Ilse Koch
hanno ispirato Ed Gein
Sebbene le storie dei crimini di
Ilse Koch non siano state confermate nel suo processo, i media
americani e la popolazione in generale hanno continuato a
diffondere la notizia. Tra le tante
storie violente che Ed Gein leggeva sulle riviste c’erano
quelle degli orribili crimini di Koch. In seguito iniziò a scavare
tombe e utilizzò la pelle umana per i suoi vari scopi.
Cosa accadde a Ilse
Koch
Prima della fine della seconda
guerra mondiale, le SS avviarono una propria indagine su Buchenwald
a causa delle accuse di corruzione e appropriazione indebita di
fondi rivolte a Karl-Otto Koch. Nell’agosto 1943, sia Karl che Ilse
furono arrestati e processati. Karl fu condannato a morte, mentre
Ilse fu assolto dalle accuse nel 1944. In seguito fu nuovamente
arrestata dalle autorità statunitensi.
Ilse Koch fu nuovamente processata
per crimini di guerra a Buchenwald e nel 1947 fu dichiarata
colpevole. Essendo incinta, Koch evitò la pena di morte e fu
incarcerata. A un certo punto, prima di essere nuovamente
processata, la sua pena fu quasi ridotta, ma alla fine morì suicida
nel 1967. Monster: La storia di Ed Gein sfiora appena
la superficie della sua vita.
La terza stagione di
Monster, La storia di Ed Gein è finalmente approdata su
Netflix e, sebbene la controversa serie sia
incentrata questa volta sul famigerato assassino Ed Gein, la serie
esplora anche la scomparsa di Evelyn Hartley. Sebbene non sia
chiaro esattamente
quante persone Ed Gein abbia ucciso, le sue due vittime
confermate, insieme alle sue inquietanti mutilazioni, lo hanno
collegato a diversi altri crimini.
Uno di questi casi è quello di
Evelyn Hartley. La quindicenne studentessa liceale è scomparsa
mentre faceva da babysitter a La Crosse, nel Wisconsin, un fatto
che Monster: La storia di Ed Gein riporta
correttamente. Tuttavia, la serie indica che lei era una delle
vittime di Gein, con l’assassino che ha perseguitato e alla fine
ucciso la ragazza per avergli portato via il lavoro.
A loro merito, il
cast di Monster: La storia di Ed Gein fa senza
dubbio un ottimo lavoro nel rendere questa scena tragica
inquietante ed emozionante come lo show intende, ma la vera storia
riguardante il destino di Evelyn è molto diversa.
Ed Gein era sospettato della
scomparsa di Evelyn Hartley
La terza stagione di Monster
conferma quasi che Ed Gein abbia ucciso Evelyn Hartley, ma questo
non è mai stato confermato, poiché non sono state trovate prove
conclusive. Detto questo, era effettivamente collegato alla sua
scomparsa. Durante la notte in cui Evelyn è scomparsa, Gein avrebbe
fatto visita a dei parenti che vivevano vicino alla casa dei
Rasmussen, dove Evelyn faceva da babysitter.
C’erano diversi indizi che Evelyn
fosse effettivamente entrata nella casa e si fosse presentata al
lavoro, poiché sul posto sono stati trovati capi di abbigliamento e
libri di testo, rendendo Gein un possibile sospettato data la sua
posizione. Tuttavia, durante l’interrogatorio, Gein ha negato
qualsiasi coinvolgimento e la polizia non è riuscita a collegarlo
alla scomparsa della ragazza, nonostante la sua reputazione.
Sebbene molti credano ancora che
Gein sia il probabile colpevole, è emersa una registrazione in cui
Clyde “Tywee” Peterson affermava che Evelyn era stata rapita e
successivamente uccisa, implicando se stesso, Jack Gaulphair e una
terza parte non identificata. Purtroppo, nonostante le autorità
avessero promesso di approfondire questi dettagli, non ci sono
stati ulteriori sviluppi.
Il fatto che la serie Netflix
ritragga Gein come l’assassino confermato in questo caso è
esattamente il motivo per cui alcuni ritengono che Monster –
stagione 3 non avrebbe dovuto essere realizzata, poiché dipinge un
quadro falso degli eventi reali. Tuttavia, almeno porta
l’attenzione su questa tragedia straziante che rimane irrisolta
ancora oggi.
La scomparsa di Evelyn Hartley
nel 1953 rimane un mistero
Nonostante ciò che suggerisce
Monster: La storia di Ed Gein, la scomparsa di Evelyn
Hartley rimane un mistero a distanza di oltre 70 anni. Oltre agli
oggetti appartenenti a Evelyn trovati all’interno della casa dei
Rasmussen, c’erano anche segni di effrazione sulla finestra e
macchie di sangue nel giardino.
Inoltre, sono stati successivamente
trovati indumenti insanguinati corrispondenti a quelli di Evelyn e
la polizia ritiene che sia stata rapita prima di essere portata in
auto, poiché i cani da traccia hanno perso le sue tracce. Tutte le
prove indicano un rapimento di qualche tipo, ma il suo corpo non è
mai stato ritrovato e, senza un’arma del delitto o un assassino
definitivo, il caso non è mai stato risolto.
Di conseguenza, la versione dei
fatti di Monster: La storia di Ed Gein è pura
finzione e rappresenta solo una delle possibili teorie su ciò che è
accaduto. È impossibile escludere Gein come sospettato, dato che
era un killer attivo al momento della scomparsa, ma nonostante una
lunga indagine, non c’è mai stata una risposta definitiva su ciò
che è realmente accaduto a Evelyn Hartley.
Il
film horror francese The Deep Dark (2023),
diretto da Mathieu
Turi, si inserisce in una tradizione cinematografica
che ha visto la Francia produrre opere di genere capaci di
coniugare tensione psicologica e atmosfere cupe. Questo film si
distingue per la sua ambientazione claustrofobica e l’elemento
sovrannaturale, richiamando alla mente pellicole come
The Descent (2005) di Neil
Marshall e As Above, So
Below (2014), ma con un’impronta più marcatamente francese,
caratterizzata da un ritmo teso e una narrazione concentrata sui
personaggi.
Ambientato nel 1956 nel nord della Francia, The Deep
Dark segue un gruppo di minatori che, durante una missione
sotterranea, scoprono una cripta antica e risvegliano una creatura
mostruosa. Il film esplora temi come la paura dell’ignoto, la lotta
per la sopravvivenza e la tensione tra la modernità e le leggende
ancestrali. Turi, noto per il suo precedente lavoro Meander (2020), continua dunque a
esplorare il tema della claustrofobia, ma in questo caso lo
arricchisce con elementi horror lovecraftiani, creando un’atmosfera
di terrore psicologico e fisico.
Il
film ha ricevuto recensioni contrastanti: se da un lato è stato
apprezzato per la sua capacità di creare suspense e per
l’originalità della trama, dall’altro è stato criticato per la
mancanza di profondità nei personaggi e per alcune scelte narrative
che non hanno pienamente soddisfatto le aspettative. Nonostante
ciò, The Deep Dark ha ottenuto riconoscimenti in
festival internazionali, tra cui il Fantastic Fest, dove è stato
premiato come miglior film horror. Nel resto dell’articolo, si
fornirà una spiegazione dettagliata del finale del film e del suo
significato simbolico.
La trama di The Deep Dark
Il film è ambientato nel Nord della
Francia nel 1956. Amir (Amir El
Kacem), un giovane immigrato marocchino in cerca di
fortuna, viene assunto come manovale in una miniera di carbone.
Incaricato di unirsi a una squadra esperta guidata
da Roland Neuville (Samuel Le
Bihan), Amir partecipa a una missione insolita. Deve
accompagnare il misterioso Professor
Berthier (Jean-Hugues Anglade) a
oltre mille metri di profondità per eseguire delle rilevazioni
geologiche. Ma qualcosa nel comportamento del professore non
convince la squadra. Berthier insiste per scavare in un punto
preciso della miniera, ignorando ogni protocollo di sicurezza.
Quando una frana improvvisa li intrappola nel sottosuolo, i
minatori cercano disperatamente una via di fuga.
Durante l’esplorazione, si imbattono
però in una grotta antichissima: la cripta dei Dannati di Saint
Louis, teatro di un misterioso crollo avvenuto esattamente cento
anni prima, che aveva sepolto vivi decine di uomini. Tra resti
umani, iscrizioni oscure e reliquie dimenticate, la squadra scopre
un sarcofago sigillato appartenente a una civiltà arcaica. Spinti
dalla curiosità, alcuni membri profanano la tomba, risvegliando una
creatura primordiale, assetata di sangue, decisa a tornare a
regnare sulla superficie. Intrappolati nei cunicoli bui e senza
possibilità di comunicare con l’esterno, i minatori devono
affrontare non solo le insidie del sottosuolo, ma anche la furia
sovrannaturale che hanno inconsapevolmente scatenato.
La spiegazione del finale del film
Nel
terzo atto di The Deep Dark, la tensione raggiunge
il suo apice quando Amir e il gruppo di minatori sopravvissuti
affrontano le conseguenze delle loro scelte e dell’avidità che li
ha spinti a cercare il tesoro nascosto. Dopo aver scoperto la
cripta custodita da Moknorot, la creatura
mostruosa legata alla leggenda della miniera, il gruppo si trova
intrappolato tra crolli, passaggi labirintici e trappole
ancestrali. La creatura, risvegliata dalla profanazione della
tomba, inizia a eliminare i minatori uno ad uno, generando una
serie di inseguimenti claustrofobici e mortali all’interno dei
tunnel, con la paura e il senso di colpa che crescono in modo
palpabile.
Il
climax del film si sviluppa con Amir e i suoi compagni costretti a
fare scelte drastiche: seguire percorsi sconosciuti o affrontare
direttamente Moknorot. L’esplorazione della cripta rivela camere
sacrificali e simboli misteriosi, lasciando intravedere l’arrivo
imminente di un’entità ancora più grande, un “Grande Antico” alla
maniera lovecraftiana. Berthier, il professore, spinto dalla sua
ossessione per il tesoro e dal desiderio di controllo, si lascia
sorprendere dalla creatura, trovando una morte cruenta. Intanto,
Amir deve affrontare un gioco mortale in cui la sopravvivenza passa
attraverso l’ingegno, la collaborazione e il sacrificio, mentre la
creatura continua a seminare terrore tra i superstiti.
Il
finale del film vede Amir e Roland affrontare Moknorot in un
confronto diretto, utilizzando il detonatore lasciato a
disposizione come ultima risorsa per fermare la creatura.
Nonostante le numerose perdite tra i compagni, i due protagonisti
riescono a sacrificarsi, facendo esplodere la miniera e
distruggendo il mostro. Questa conclusione chiude la narrazione
principale con una risoluzione fisica e simbolica, in cui
l’avidità, la curiosità e la sete di potere vengono punite, mentre
il coraggio e il sacrificio emergono come valori centrali.
L’epilogo sottolinea il costo umano di affrontare l’ignoto e il
sovrannaturale.
Il
finale mette dunque in luce come The Deep Dark
completi i temi principali del film: la claustrofobia, la lotta per
la sopravvivenza e il confronto tra l’uomo e l’ignoto. La morte dei
protagonisti e dei minatori meno cauti rappresenta la punizione per
l’avidità e per la mancanza di rispetto verso forze antiche e
incomprensibili. La scelta di far sopravvivere Amir fino all’ultimo
momento utile, pur sacrificandosi, riflette il tema della
redenzione personale attraverso il coraggio e la collaborazione.
L’orrore diventa quindi anche morale, oltre che fisico, e
sottolinea la tensione psicologica costruita lungo tutto il
film.
Infine, The Deep
Dark lascia al pubblico un messaggio complesso: la
curiosità e il desiderio di possesso senza rispetto per le regole e
per l’ambiente possono portare a conseguenze devastanti, mentre il
coraggio, l’ingegno e il sacrificio personale emergono come
strumenti di salvezza, anche a costo della vita. La narrazione
enfatizza come l’uomo debba misurarsi con forze che lo sovrastano,
rispettando la memoria storica e le leggende che custodiscono
insegnamenti antichi. In questo senso, il film unisce l’horror
fisico a una riflessione più profonda sulle responsabilità
individuali e collettive.
I Mercenari
3(qui
la recensione), uscito nel 2014, rappresenta il terzo capitolo
della saga action ideata da Sylvester Stallone, confermando il tono
esplosivo e l’elevata intensità di combattimenti che hanno
caratterizzato i precedenti due film. Il franchise, noto per il suo
stile diretto e spettacolare, porta in scena un gruppo di mercenari
d’élite impegnati in missioni impossibili, combinando azione ad
alto tasso adrenalinico e un approccio volutamente nostalgico agli
action movie
anni ’80 e
’90. Questo terzo episodio si inserisce nella saga come un
punto di svolta, puntando a rendere ancora più grandi le scene
d’azione e a intensificare i conflitti interni tra i
protagonisti.
Rispetto ai primi due film, I Mercenari 3
introduce alcune novità significative sia sul piano narrativo sia
visivo. La trama si concentra maggiormente sui tradimenti e sulle
alleanze all’interno della squadra, ampliando il livello di
tensione e creando un’atmosfera di suspense più marcata. L’azione
diventa ancora più spettacolare, con sequenze di combattimento
elaborate, esplosioni e sparatorie che superano per intensità
quelle dei capitoli precedenti. Inoltre, il film gioca sulla
dinamica tra veterani e nuove reclute, mostrando un mix di
esperienza e impeto giovanile che rinfresca il ritmo della saga
senza tradirne lo spirito originale.
Il cast di I
Mercenari 3 si conferma come uno dei punti di forza del
franchise, arricchendosi di volti noti del cinema d’azione e di
star emergenti. Oltre a Stallone, tornano Jason Statham, Jet Li,
Dolph Lundgren, Randy Couture,
Terry Crews e Arnold Schwarzenegger, mentre nuovi ingressi
come Harrison Ford, Wesley Snipes e Mel Gibson offrono nuove dinamiche e ulteriori
tensioni tra i personaggi. Questa combinazione di veterani e nuovi
attori garantisce al film un impatto scenico notevole e un senso di
leggenda del genere action. Nel resto dell’articolo verrà proposta
una spiegazione dettagliata del finale, analizzando come si risolve
la storia e quali temi vengono sollevati nella conclusione.
In questo terzo capitolo i valorosi
mercenari liberano Doc, amico di vecchia data di
Barney Ross, dalla prigionia per convincerlo ad
unirsi alla loro nuova missione. Il gruppo, infatti, ha intenzione
di intercettare una nave carica di bombe a scopo militare diretta
in Somalia. Giunti sul luogo, tuttavia, si imbattono in
Conrad Stonebanks e rimangono coinvolti in una
feroce sparatoria. Conrad ha intenzione di vendicarsi di Ross che
anni prima tradì il loro legame per venderlo al governo. Tornati
negli Stati Uniti, Ross ha un incontro con l’agente della CIA
Max Drummer, che gli concede una seconda occasione
per catturare Stonebanks e farlo processare per i sui atroci
crimini di guerra.
Spaventato però dall’idea di perdere
uno dei suoi uomini, in quella che si preannuncia una missione
impossibile, Ross riunisce i mercenari e gli comunica la volontà di
voler continuare da solo l’inseguimento di Stonebanks. Giunto a Las
Vegas, Ross chiede all’amico Bonaparte di formare
un nuovo team composto da reclute giovani e scaltre. Mentre
Bonaparte arruola l’ex-marine John Smilee e
rifiuta l’ex soldato spagnolo Galgo, a causa della
sua età avanzata, Ross incontra Trench Mausser e
lo coinvolge nella cattura di Stonebanks. Il loro piano sembra
inizialmente funzionare, ma Stonebanks può avvalersi dell’aiuto di
molti alleati e riuscirà ben presto a ribaltare la situazione.
La spiegazione del finale del
film
Nel
terzo atto de I Mercenari 3, la tensione raggiunge
il suo apice quando Barney Ross e la nuova squadra di giovani
mercenari si ritrovano faccia a faccia con Conrad Stonebanks nella
base azmenistana. La situazione è critica: Stonebanks ha catturato
i membri più giovani del team e ha piazzato esplosivi con un conto
alla rovescia di 45 secondi. La costruzione è sorvegliata
dall’esercito locale e da veicoli corazzati, mentre Stonebanks
cerca di mettere uno contro l’altro i mercenari veterani e i nuovi
arrivati. Barney riesce a convincere tutti a collaborare e, con
l’ausilio del jammer di Thorn, guadagnano tempo prezioso per
organizzare l’attacco e pianificare la fuga.
La
battaglia finale è un turbinio di combattimenti corpo a corpo,
sparatorie e azione ad alta tensione. I veterani e i nuovi membri
del gruppo si muovono con coordinazione, abbattendo gli uomini
di Stonebanks mentre Drummer e Trench forniscono supporto dall’alto
con l’elicottero. Barney affronta personalmente Stonebanks in un
duello fisico intenso, dimostrando la sua superiorità sia
strategica sia fisica. Nonostante la parità iniziale, Barney riesce
a mettere Stonebanks al tappeto, e, di fronte all’ennesima
provocazione del nemico, lo uccide freddamente. Subito dopo, i
dispositivi esplosivi si attivano, ma tutti i membri sopravvivono
grazie al tempestivo intervento e alla fuga tramite
l’elicottero.
Il
finale di I Mercenari 3 evidenzia chiaramente i
temi di lealtà, collaborazione e redenzione che attraversano
l’intero film. L’unione tra veterani e nuovi membri sottolinea come
esperienza e giovinezza possano integrarsi, superando rivalità e
diffidenze iniziali. Barney, scegliendo di non cedere all’impulso
di vendetta immediata nei confronti di Stonebanks in precedenza,
dimostra autocontrollo e leadership, elementi chiave per il
successo della missione. La conclusione enfatizza inoltre l’idea di
una squadra che, se coesa, può affrontare sfide impossibili, anche
quando il nemico sembra avere il totale controllo della
situazione.
Questo finale permette anche di chiudere il tema della giustizia
personale e professionale: Barney consegna Stonebanks alla morte
come atto definitivo di punizione, senza compromessi né esitazioni.
L’azione combinata di tutti i membri della squadra evidenzia come
la forza collettiva e la fiducia reciproca siano essenziali per
superare pericoli apparentemente insormontabili. La sequenza
esplosiva finale diventa metafora della purificazione e della
conclusione di vecchi conflitti, sancendo la vittoria dei valori
fondamentali della saga: coraggio, lealtà e onore tra uomini
d’azione.
Il messaggio finale del
film ribadisce l’importanza della collaborazione tra generazioni e
dell’equilibrio tra esperienza e innovazione. La squadra rinnovata
dei Mercenari dimostra che, pur affrontando sfide estreme e nemici
formidabili, il lavoro di squadra, la fiducia reciproca e il
coraggio individuale possono garantire il successo. La celebrazione
finale al bar rappresenta non solo il sollievo per essere
sopravvissuti, ma anche la continuità della leggenda dei Mercenari,
pronti ad affrontare nuove missioni, simbolo di un ethos che lega
veterani e nuovi arrivati in un’unica, indissolubile
fratellanza.
All’inizio del film del 2012
The Impossible (qui
la recensione), tutto procede alla perfezione per Maria
Bennett (Naomi
Watts), suo marito Henry (Ewan
McGregor) e i loro tre figli, Lucas
(Tom
Holland), Thomas (Samuel
Josin) e il piccolo Simon (Oaklee
Pendergast). Sono venuti in Thailandia per le vacanze di
Natale del 2004. Si stanno godendo il resort di lusso, partecipando
alle usanze locali e godendosi la compagnia reciproca. Girano
persino dei video della mattina di Natale, immortalando i ragazzi
esuberanti che scartano i regali e vivono l’emozione delle
vacanze.
Non sanno che il giorno seguente le
loro vite saranno sconvolte da uno dei peggiori disastri naturali
che abbiano mai colpito la costa sud-orientale dell’Asia.
The Impossible è
basato sulla storia vera dell’inaspettata tragedia dello tsunami
dell’Oceano Indiano del 2004 e della lotta per la sopravvivenza
della famiglia Belon-Alvarez, con gli eventi
raccontati nel film tratti dalle esperienze di persone reali. Il
finale del film è tanto sorprendente quanto improbabile, quindi
ripercorriamo tutto ciò che accade nell’emozionante conclusione del
film.
La famiglia Bennett viene travolta
da uno tsunami devastante
Dopo aver trascorso una giornata
perfetta in un resort di lusso, i Bennett subiscono un trauma che
la maggior parte di noi non potrebbe mai immaginare. Un’onda enorme
si abbatte rapidamente sulla costa e travolge tutto e tutti. Non
c’è tempo per mettersi al riparo o cercare un terreno più elevato,
perché l’onda li travolge in pochi secondi. Maria e Lucas,
incredibilmente, riescono a ricongiungersi dopo un’esperienza
orribile e straziante in cui rischiano di annegare, ma non hanno
idea di cosa sia successo a Henry e ai due bambini più piccoli,
entrambi di età inferiore ai dieci anni. La prima metà del film
segue le vicissitudini di Maria e Lucas.
Inizialmente, tutto ciò a cui
pensano i nostri protagonisti è la sopravvivenza. Le acque scorrono
impetuose e veloci, spazzando via la terra sottostante. Lucas e
Maria vengono trascinati via abbastanza vicini l’uno all’altra e
alla fine riescono a ricongiungersi, ma non prima che Maria sia
gravemente ferita dalla violenta corrente. Lei subisce un profondo
taglio alla gamba, che peggiora progressivamente con l’insorgere
dell’infezione. Spetta al giovane Lucas farsi avanti e salvarla.
Lucas si dimostra all’altezza del compito e riesce non solo a
trascinare Maria attraverso le rovine, ma anche a raccogliere un
bambino di nome Daniel che in qualche modo è riuscito a
sopravvivere allo tsunami.
Dopo aver portato Maria e Daniel in
un ospedale di triage fatiscente, invaso sia dai sopravvissuti
feriti che dai morti, Lucas si pone come missione non solo quella
di assicurarsi che Maria venga curata, ma anche quella di aiutare
le altre vittime a ricongiungersi con le loro famiglie. Ritroviamo
Henry a circa metà del film. È tornato a quello che resta
dell’hotel. Con grande sollievo del pubblico, anche Simon e Thomas
sono lì e stanno bene, tutti e tre praticamente illesi. Henry dice
a Thomas che manderà lui e il suo fratellino con un gruppo in un
rifugio sicuro sulle montagne, mentre lui continuerà a cercare Mari
e Lucas.
Il povero Thomas è comprensibilmente
terrorizzato all’idea di separarsi dal padre, ma Henry gli dice che
deve essere coraggioso e prendersi cura del piccolo Simon di cinque
anni. Dopo che i ragazzi se ne sono andati, un gentile sconosciuto
permette a Henry di usare il suo telefono per chiamare casa (dopo
che un americano maleducato glielo aveva negato). Questo porta a
una delle scene più emozionanti del film. Mentre è al telefono con
il padre di Maria, scoppia a piangere, ma ritrova la forza per
promettergli che troverà il resto della sua famiglia e li riporterà
a casa.
Come si riunisce la famiglia in
The Impossible?
È il giorno dopo e le condizioni di
Maria sono peggiorate notevolmente, al punto che sembra che possa
morire. Henry è arrivato all’ospedale dove sappiamo che si trovano
Lucas e Maria (ma Henry non lo sa). Quando Lucas intravede il padre
da un piano superiore, gli corre dietro ma alla fine lo perde di
vista, e mentre è in mezzo alla strada, inizia a gridare a
squarciagola il suo nome. Henry sta per andarsene credendo che non
siano lì, ma vede una palla rossa simile a quella con cui stavano
giocando all’inizio del film. Allo stesso tempo, il gruppo con
Tomas e Simon arriva all’ospedale con il camion malandato. Proprio
mentre il camion sta per partire, sentono le urla di Lucas e
corrono da lui, i tre fratelli finalmente riuniti.
Mentre si abbracciano, Henry vede i
ragazzi e chiama Lucas, riunendo il padre e i tre figli in una
delle scene più belle del film. Lucas li porta da Maria, che sta
ancora resistendo a stento. Mentre lei viene operata, i ragazzi
Bennett aspettano notizie, confortati solo dal fatto di essere di
nuovo insieme. Lucas riesce a dormire un po’ quando sogna sua madre
che riesce incredibilmente a superare l’onda brutale che sta per
annegarla, per poi riemergere trionfante in superficie. Si sveglia
con suo padre Henry che gli dice che sua madre è sopravvissuta
all’intervento. La famiglia riesce a organizzare il trasporto dalla
Thailandia a Singapore, dove lei riceverà le migliori cure
possibili.
La famiglia Bennett vola verso la
salvezza alla fine di The Impossible
Maria è ancora in condizioni
critiche quando viene messa su una barella e portata su un aereo
vicino che porterà la famiglia fuori dall’isola e a Singapore.
Lucas e Maria hanno uno scambio emotivo prima del decollo, e lui
riesce a dirle che il piccolo Daniel è sopravvissuto ed è con suo
padre. Hanno pochi secondi per rendersi conto di quanto siano
fortunati ad essere a bordo dell’aereo e ad allontanarsi dalla
devastazione causata dallo tsunami. Prima del decollo vediamo
diversi messaggi. Uno è il nome “Muriel Barnes” scritto
sull’avambraccio di Maria. Lei è una delle 230.000 persone morte
nel tragico tsunami causato dal terremoto nell’Oceano Indiano.
Henry trova un biglietto nella sua
tasca con scritto: “Siamo tornati alla spiaggia”. Si tratta di un
biglietto lasciato a Karl (Sonke Mohring) da sua
moglie, che purtroppo indica che la sua famiglia è morta. Karl è un
uomo tedesco che lo ha accompagnato nella ricerca della sua
famiglia. La scena finale ritrae una Maria malata ma circospetta
che guarda fuori dal finestrino dell’aereo, completamente
sopraffatta sia fisicamente che emotivamente. Piange mentre guarda
la costa distrutta e la devastazione mentre volano verso la
salvezza, concludendo così il film con una nota agrodolce.
Cosa ci lascia il film The
Impossible
Il film The
Impossible lascia dunque un messaggio potente e universale
sulla resilienza umana, l’amore familiare e la speranza in
situazioni disperate. Attraverso la vicenda dei Bennett, lo
spettatore assiste a una prova estrema della forza interiore
necessaria per sopravvivere a eventi traumatici come lo tsunami del
2004. La determinazione di Maria, Henry e dei loro figli nel
ricongiungersi, nonostante ferite fisiche e psicologiche, mostra
come la solidarietà, il coraggio e la fiducia reciproca possano
permettere di superare l’impossibile. Alla fine, il film celebra la
capacità di affrontare la tragedia, valorizzando l’umanità e i
legami familiari come ancora di salvezza.
Dall’iconico Sons of Anarchy a Rebel Moon, fino alle nuove sfide su
Apple
TV+, Charlie Hunnam è uno degli attori britannici
più versatili della sua generazione. Con il suo fascino ruvido e il
carisma da protagonista, ha saputo conquistare pubblico e critica
muovendosi con naturalezza tra cinema d’autore e grandi
blockbuster. Ecco 10
curiosità e fatti poco noti su Charlie Hunnam.
Charlie Hunnam: i film e
le serie in cui ha recitato
10. Ha partecipato a noti
lungometraggi. Hunnam debutta al cinema in
Che fine ha fatto Harold
Smith? (1999), ma si fa notare con Abandon – Misteriosi omicidi (2002),
Ritorno a Cold Mountain
(2003) e Hooligans (2005).
Seguono
I figli degli uomini (2006), Pacific
Rim (2013) e Crimson Peak (2015). Negli anni successivi
recita in Civiltà perduta
(2016), King Arthur – Il
potere della spada (2017), Papillon
(2017), Triple
Frontier (2019), The
Gentlemen (2020). e Rebel Moon – Parte 1 e 2 (2023–2024) di Zack Snyder. Sul
fronte seriale, ha conquistato la critica con Shantaram (2022), dramma Apple TV+ tratto dal
romanzo di Gregory David Roberts, e con Monster: La storia di Ed Gein (2025),
antologia true crime di Netflix. È inoltre impegnato nella nuova serie
Criminal (2026), sempre
per Apple TV+, ispirata ai fumetti di Ed Brubaker.
Charlie Hunnam in Sons of
Anarchy
9. È noto per le serie
TV. Prima di Hollywood, Hunnam si afferma in TV: dopo
Queer as Folk
(1999-2000) e Undeclared
(2001-2003), diventa una star mondiale con Sons of Anarchy (2008-2014), dove interpreta
Jackson “Jax” Teller. Il personaggio ribelle e tormentato gli
regala fama internazionale e una candidatura ai Critics Choice
Awards. Dopo quella esperienza, l’attore ha alternato cinema e
televisione, tornando sul piccolo schermo con ruoli più maturi e
complessi come in Shantaram e Monster: La storia di Ed Gein.
Charlie Hunnam: ha avuto una
moglie
8. È stato
sposato. Ancora sconosciuto, l’attore si presenta nel 1999
ai provini per la serie Dawson’s Creek. Pur non ottenendo
alcun ruolo, qui conosce l’attrice Katharine Towne, con la quale
dopo solo un mese convola a nozze. Tuttavia, la coppia non dura a
lungo, e nel 2002 annunciano il divorzio.
Charlie Hunnam ha una
fidanzata
7. Ha una relazione
sentimentale. Dal 2005 l’attore è legato sentimentalmente
a Morgana McNeils, designer di gioielli che vanta anche un proprio
marchio personale. Piuttosto riservati, i due non hanno mai
condiviso particolari aspetti della loro vita privata, limitandosi
a farsi vedere insieme durante particolari eventi di gala.
Charlie Hunnam e il suo
fisico
6. È noto per la sua forma
fisica. Nel corso degli anni l’attore ha ricoperto diversi
ruoli che richiedevano una forma fisica eccellente. L’attore ha
infatti dichiarato di essere particolarmente attento a riguardo,
praticando regolarmente esercizi fisici come anche molta attività
sessuale, a suo giudizio fondamentale per tenersi in forma.
Charlie Hunnam in King Arthur
5. Si è allenato
duramente. Per ricoprire il ruolo di Re Artù, l’attore
aveva promesso a sé stesso che avrebbe raggiunto la miglior forma
fisica possibile. Per raggiungere il suo scopo, Hunnam si impegnò
ad eseguire oltre 500 addominali ogni giorno. Alla fine, riuscì nel
suo intento, sfoggiando un fisico inedito e calzante per il
ruolo.
4. È l’unico film da cui
non ha sottratto nulla. L’attore è noto per essere solito
portarsi via con sé, come ricordo, abiti o oggetti dai set a cui
prende parte. Ha tuttavia dichiarato che quello di King
Arthur è l’unico da cui non ha sottratto nulla.
Charlie Hunnam in Papillon
3. Aveva rifiutato il
ruolo. Quando all’attore fu proposto il ruolo di Henri
Charrière nel film Papillon,
remake dell’originale con Steve McQueen, l’attore
rifiutò non convinto del progetto e intimorito dal paragone con
l’originale. Al suo posto venne scelto allora un altro attore,
mentre Hunnam cominciava a pentirsi della sua scelta. Nel momento
in cui l’attore scelto rinunciò al ruolo per altri impegni, Hunnam
si impose per avere il ruolo.
2. Ha perso molto
peso. Al momento delle riprese, l’attore aveva da poco
terminato il set di Civiltà perduta, per cui aveva perso
un totale di 18 chili. Per interpretare il suo ruolo in
Papillon ha dovuto poi perdere ulteriore peso attraverso
una dieta particolarmente stressante, arrivando ad un digiuno di
circa dieci giorni.
Charlie Hunnam: età e altezza
1. Charlie Hunnam è nato a
Newcastle upon Tyne, in Inghilterra, il 10 aprile 1980.
L’attore è alto complessivamente 183 centimetri.
I film horror sono tra i generi più
longevi e affascinanti della storia del cinema. Fin dalle origini,
quando Georges Méliès portò il soprannaturale sul
grande schermo con i suoi esperimenti pionieristici, il pubblico ha
imparato ad amare la paura come forma d’arte.Negli anni Venti e
Trenta, il cinema espressionista tedesco ha
definito l’immaginario del genere, con opere come Il gabinetto del
dottor Caligari di Robert Wiene e Nosferatu il vampiro di F.W. Murnau, gettando le
basi per tutto l’horror successivo.
Da allora, il genere ha
attraversato epoche, mode e linguaggi: dagli iconici mostri della
Universal agli slasher degli anni Ottanta, fino agli horror
psicologici e ai nuovi incubi digitali del cinema contemporaneo.In
questo approfondimento, ripercorriamo i film horror da
vedere assolutamente, dai classici che hanno fatto la
storia ai titoli più recenti che continuano a ridefinire il modo di
spaventare – e affascinare – gli spettatori.
Film horror da vedere
assolutamente: i classici che hanno fatto la storia del
genere
Nel corso della
storia del cinema, l’horror è stato spesso associato ai
b-movie e ai
bassi budget, ma
ha saputo trasformare i suoi limiti in libertà creativa. Dalle
pellicole indipendenti di culto ai capolavori d’autore, ecco i
film horror da vedere
assolutamente, quelli che hanno definito il linguaggio del
genere e continuano a influenzare registi di ogni epoca.
Halloween –
John Carpenter, 1978
Il
capolavoro che ha ridefinito il concetto di paura suburbana. La
notte di Halloween 1963 con
Jamie Lee Curtis, il piccolo Michael Myers uccide la
sorella e quindici anni dopo torna a colpire. Con un budget ridotto
e un tema musicale entrato nella storia, Carpenter crea il
prototipo dello slasher
moderno, dove la tensione psicologica sostituisce gli
effetti speciali.
La casa –
Sam Raimi, 1981
Un gruppo di ragazzi scopre un libro maledetto in una capanna
isolata. Da lì inizia l’incubo. La casa è un mix di artigianato, ironia e orrore puro,
realizzato con appena 90 mila dollari e diventato un
cult del cinema
indipendente. Il film lanciò la carriera di Raimi e ispirò
generazioni di registi.
Ring (Ringu) –
Hideo Nakata, 1998
Il film giapponese che ha rivoluzionato l’horror orientale e dato
origine a decine di remake. Una videocassetta maledetta, una
telefonata, e sette giorni di tempo prima della morte.
Ringu unisce folclore e
tecnologia in una delle storie più inquietanti mai raccontate.
Nightmare – Dal profondo
della notte – Wes
Craven, 1984
Freddy Krueger entra nei sogni e trasforma l’inconscio in campo di
battaglia. Con questo film, Craven crea una delle
icone più riconoscibili
dell’horror moderno, rendendo il sonno stesso un pericolo
mortale.
Paranormal
Activity – Oren
Peli, 2007
Girato con micro-budget e telecamere fisse, è il film che ha
rilanciato il found footage. Una giovane coppia filma la propria
casa infestata e scopre lentamente l’orrore. Il successo al box
office fu enorme, e il film divenne un fenomeno globale.
Saw –
L’enigmista – James
Wan, 2004
Due uomini si risvegliano incatenati in un bagno e scoprono di
essere parte di un gioco letale. Saw unisce thriller psicologico e body horror in un
meccanismo narrativo crudele e ipnotico, dando origine a una saga
di culto e al sottogenere del torture porn.
Psycho di Alfred Hitchcock
Non
sempre l’orrore nasce dal sangue o dal soprannaturale. Alcuni dei
film più inquietanti della storia del cinema preferiscono scavare
nella mente umana,
giocando con l’ambiguità, la follia e l’invisibile. Sono opere che
uniscono thriller, dramma e mistero, e che dimostrano come la paura
più autentica possa nascondersi dietro la normalità.
Psycho –
Alfred Hitchcock,
1960
Il
maestro del brivido firma uno dei film più influenti di sempre.
Psycho trasforma un semplice motel di
provincia nel palcoscenico della paranoia e del doppio. Marion
Crane fugge con una somma di denaro rubata, ma l’incontro con
Norman Bates, proprietario apparentemente gentile e ossessionato
dalla madre, la condurrà verso un destino spietato. Il celebre urlo
sotto la doccia rimane una delle sequenze più iconiche del cinema
mondiale.
Shining –
Stanley Kubrick,
1980
Tratto dal romanzo di Stephen King,
Shining è considerato da molti il miglior film horror
di tutti i tempi. Jack Torrance, scrittore in crisi, accetta di
sorvegliare un hotel isolato con la sua famiglia durante l’inverno.
Ma la solitudine, la follia e le presenze che infestano l’albergo
trasformeranno il soggiorno in un incubo. L’interpretazione di
Jack Nicholson e l’uso visionario dello
spazio e del suono fanno di Shining un capolavoro senza tempo.
The Others –
Alejandro Amenábar,
2001
Un horror raffinato e inquietante che mescola thriller psicologico e gotico
soprannaturale. Nicole Kidman interpreta Grace, madre
iperprotettiva di due bambini sensibili alla luce, in una grande
casa isolata nella campagna inglese. Quando iniziano a verificarsi
strani fenomeni, la linea tra vivi e morti si fa sempre più
sottile. The Others
sorprende per la sua atmosfera elegante e per un colpo di scena
entrato nella storia del genere.
Profondo rosso –
Dario Argento, 1975
Profondo Rosso di Dario Argento
Un pilastro del giallo-horror italiano. Dopo l’omicidio di una
medium, un pianista si ritrova coinvolto in un intrigo di morte e
mistero. Argento costruisce un film dallo stile visivo inconfondibile, dove la
musica dei Goblin, i colori saturi e i movimenti di macchina creano
un’esperienza sensoriale di pura tensione.
Rosemary’s Baby
– Roman Polanski,
1968
Tra paranoia e satanismo, Polanski realizza uno dei film più
disturbanti del cinema moderno. Rosemary, giovane moglie in attesa
di un figlio, inizia a sospettare che il suo vicinato e persino suo
marito facciano parte di una setta diabolica. Rosemary’s Baby è un capolavoro di
horror psicologico e
critica sociale, che riflette le paure dell’America
borghese e il controllo sul corpo femminile.
Film horror 2025: le uscite
recenti da brivido e da non perdere
Il 2025 conferma la vitalità del
cinema horror internazionale, capace di reinventarsi tra grandi
saghe, nuove registe emergenti e produzioni indipendenti dal forte
impatto visivo. Dai ritorni più attesi ai film rivelazione dei
festival, ecco i film
horror recenti da vedere nel 2025.
Weapons –
Zach Cregger
Dopo il successo di Barbarian, Zach Cregger torna con un horror corale
ambientato in una piccola cittadina americana, dove una serie di
eventi apparentemente scollegati convergono in un finale
disturbante. Tra tensione psicologica e violenza visiva, Weapons riflette sul rapporto tra paura
collettiva e cultura delle armi negli Stati Uniti.
The Conjuring – Il rito
finale – Michael
Chaves
Capitolo conclusivo della celebre saga horror prodotta da James
Wan. I coniugi Warren affrontano il caso più oscuro della loro
carriera, tra possessioni, eresie e segreti vaticani. The Conjuring – Il rito finale promette un
finale epico e terrificante per una delle serie più amate dagli
appassionati, con Patrick Wilson e Vera Farmiga ancora protagonisti.
Smile 2 –
Parker Finn
Sequel del successo del 2022, Smile 2 amplia l’universo del primo
capitolo e sposta l’orrore dietro le quinte del mondo dello
spettacolo. Naomi Scott interpreta una popstar perseguitata dalla
stessa maledizione psicologica che aveva terrorizzato milioni di
spettatori. Tra trauma e ossessione, il film conferma Parker Finn
come una delle nuove voci più promettenti del genere.
The First Omen –
Arkasha Stevenson
Prequel del cult Il
presagio (1976), racconta la nascita dell’Anticristo
attraverso lo sguardo di una giovane suora americana trasferita a
Roma. Con The First Omen, la
regista Arkasha Stevenson realizza un horror elegante e viscerale,
che fonde religione, corpo e potere con un approccio da cinema
d’autore.
Immaculate –
Michael Mohan
Sydney Sweeney interpreta una suora americana
che si trasferisce in un convento isolato nelle campagne italiane,
dove scopre un oscuro segreto. Immaculate gioca con
i codici dell’horror religioso e la fisicità del corpo femminile,
mescolando erotismo e blasfemia in un racconto teso e
claustrofobico.
Longlegs –
Osgood Perkins
Interpretato da Nicolas Cage, è uno dei film più discussi
dell’anno. Longlegs racconta la caccia a un serial
killer misterioso che sembra agire secondo un disegno satanico. Il
film combina l’estetica anni ’90 di Seven con il terrore metafisico di Hereditary, in un crescendo di inquietudine
quasi insostenibile.
Heretic –
Scott Beck e Bryan
Woods
Dai creatori di A Quiet
Place, un
horror psicologico ambientato in una casa sperduta dove due
giovani missionarie vengono intrappolate da un misterioso
predicatore. Atmosfera minimale, ritmo crescente e
un’interpretazione intensa di
Hugh Grant, qui in un ruolo totalmente inedito e
disturbante.
Film Horror più spaventosi da vedere
Negli ultimi anni l’horror ha
vissuto una vera e propria rinascita. I registi contemporanei hanno
abbandonato i semplici jump scare per concentrarsi su paure più
sottili e profonde: il trauma, la perdita, la solitudine,
l’identità. L’orrore moderno è diventato emozionale e sensoriale, capace di
inquietare lo spettatore anche dopo i titoli di coda. Ecco una
selezione dei film horror
più spaventosi da vedere, dove tensione, estetica e
significato si fondono in esperienze cinematografiche uniche.
I Saw the TV
Glow – Jane
Schoenbrun, 2024
Prodotto da Emma
Stone e Dave McCary, il film racconta l’amicizia tra due
adolescenti che condividono la passione per una serie TV. Quando lo
show viene cancellato, la loro realtà inizia a confondersi con la
finzione. Un horror psicologico e queer che parla di identità e
alienazione, con una malinconia che lascia il segno.
Talk to Me –
Danny e Michael Philippou,
2023
Il fenomeno horror della A24. Un gruppo di ragazzi scopre un modo
per evocare gli spiriti usando una mano imbalsamata, ma il gioco
sfugge rapidamente al controllo. Talk to
Me combina l’energia del teen horror con la
tragedia del lutto, diventando uno dei film più terrificanti e
originali degli ultimi anni.
Infinity Pool –
Brandon Cronenberg,
2023
Figlio d’arte e visionario, Brandon Cronenberg firma un incubo sul
privilegio e la decadenza morale. In un resort tropicale, uno
scrittore e la moglie scoprono un sistema inquietante che permette
ai ricchi di eludere la punizione. Infinity Pool è un viaggio disturbante nel corpo e
nella colpa.
Birth/Rebirth –
Laura Moss, 2023
Un horror femminile, clinico e disturbante. Una dottoressa e
un’infermiera si confrontano con il confine tra vita e morte,
maternità e ossessione scientifica. Birth/Rebirth rilegge il mito di Frankenstein in chiave
contemporanea, con toni cupi e riflessioni etiche pungenti.
X – A Sexy Horror
Story – Ti West,
2022
Texas, 1979. Una troupe di giovani cineasti si reca in una fattoria
isolata per girare un film per adulti, ma i proprietari si rivelano
spietati assassini. X: A Sexy Horror Story è un omaggio al
cinema grindhouse e ai classici degli anni ’70, con una fotografia
densa e un ritmo da cult istantaneo.
Candyman –
Nia DaCosta, 2021
Rivisitazione intelligente del classico del 1992. Un artista in
crisi risveglia accidentalmente la leggenda di Candyman, spirito
vendicatore delle ingiustizie razziali. Prodotto da Jordan Peele,
il film unisce impegno
politico e terrore urbano.
Ultima notte a
Soho – Edgar Wright,
2021
Un viaggio allucinato nella Londra anni ’60, tra moda, musica e
incubo. Una giovane studentessa di design scopre che il suo idolo
del passato nasconde un terribile segreto. Ultima notte a Soho è un horror elegante
e malinconico, con un uso magistrale della colonna sonora.
L’uomo nel buio – Man in
the Dark – Rodo
Sayagues, 2021
Un veterano cieco vive isolato nei boschi con una ragazzina. Quando
un gruppo di criminali la rapisce, lui scatena tutta la sua
violenza.
Man in the Dark è un home invasion teso e
spietato, dove vittima e carnefice si scambiano continuamente
ruolo.
Antlers – Spirito
insaziabile – Scott
Cooper, 2021
Prodotto da Guillermo del Toro, fonde horror e leggenda nativa
americana. In una cittadina dell’Oregon, un bambino nasconde un
terribile segreto che divora tutto ciò che ama. L’atmosfera fredda
e la regia sobria lo rendono un piccolo gioiello di tensione
visiva.
A Quiet Place – Un posto
tranquillo – John
Krasinski, 2018
Un mondo ridotto al silenzio. Una famiglia deve sopravvivere senza
emettere suoni per non attirare creature letali. A Quiet Place è un
horror minimalista ma potentissimo, dove il silenzio diventa
l’elemento più spaventoso.
Hereditary – Le radici
del male – Ari
Aster, 2018
Forse il film più inquietante dell’ultimo decennio. Dopo la morte
della nonna, una famiglia scopre segreti occulti e un destino di
dannazione. Hereditary
– Le radici del malemescola tragedia familiare e
orrore esoterico in un crescendo devastante. Toni Collette offre una delle interpretazioni
più intense mai viste in un horror.
Smile (2022) – Una psicologa affronta
un’entità che si manifesta con un sorriso agghiacciante. Tra trauma
e possessione, uno degli horror più incisivi degli ultimi
anni.
Hush – Il terrore del silenzio (2016) –
Una scrittrice sorda viene perseguitata nella sua casa isolata.
Minimalista e claustrofobico, diretto da Mike Flanagan.
The Babadook (2014) – Il dolore della
perdita si trasforma in mostro. Una parabola sull’elaborazione del
lutto, inquietante e profonda.
Sinister (2012) – Ethan Hawke scopre inquietanti Super 8 che
nascondono rituali satanici. Uno degli horror più spaventosi
secondo gli studi scientifici sulla paura.
Insidious (2010) – James Wan firma un
viaggio nell’aldilà con atmosfere oniriche e terrore
crescente.
Extraterrestrial (2014) – Di Colin
Minihan, un gruppo di ragazzi si imbatte in un’invasione aliena in
una notte senza scampo.
Annabelle 2: Creation (2017) – Il
prequel più efficace del franchise The Conjuring, ambientato in un orfanotrofio infestato
da una bambola demoniaca.
Drag Me to Hell (2009) – Sam Raimi torna
alle origini con un horror grottesco, cattivo e ironico.
The Messagger – The Haunting in
Connecticut (2009) – Un classico moderno sulle case
infestate, ispirato a una storia vera.
La notte dei morti viventi
(film 1968) Il capolavoro di George A. Romero. La
notte dei morti viventi è un film del 1968 diretto, scritto,
fotografato, montato e musicato da George A. Romero e interpretato
da Duane Jones, Judith O’Dea e Karl Hardma
The Witch (2015) Opera prima di uno dei migliori talenti
emergenti Robert Eggers. Nel 1630, in Inghilterra, una famiglia di
contadini accusa la giovane figlia di stregoneria quando il figlio
più piccolo scompare misteriosamente.
Le streghe di Salem
(2012) Di Rob Zombie. Dopo aver suonato un disco del
gruppo ‘The Lords’, un DJ di una radio è tormentato da alcune
visioni da incubo con streghe come protagoniste.
It Follows (2014) Uno dei film rivelazione degli ultimi anni.
Diretto da David Robert Mitchell. In seguito a un incontro
sessuale, un’adolescente è tormentata da visioni terrificanti e si
convince di essere perseguitata da una presenza malefica.
Martyr diretto da Mazen
Khaled – La tragica morte di un giovane al mare di Beirut
fa sì che i suoi amici siano alle prese con la perdita e
partecipino ai riti e alle cerimonie della sua comunità,
smascherando gli scismi della città e le linee di frattura della
sua società.
The Descent – Discesa
nelle tenebre (2005) Diretto da Neil Marshall.Alcune
ragazze esplorando una grotta rimangono intrappolate all’interno e
devono fuggire da oscure creature.
The Orphanage è
un film del 2007 diretto da Juan Antonio Bayona, vincitore di sei
premi Goya, su quattordici candidature. Il film è stato presentato
come Proiezione Molto Speciale alla 46º edizione della Semaine de
la Critique all’interno del Festival di Cannes 2007.
Carrie – Lo sguardo di
Satana (1976) diretto dal regista Brian De Palma.
Tormentata da una madre nevrotica e tirannica, Carrie affrona una
difficile adolescenza. Inoltre la ragazza è oggetto di scherno
delle sue compagne di scuola, fino a quando scopre di possedere dei
poteri soprannaturali.
28 giorni dopo.
Un potente virus che trasforma le persone in assassini fuoriesce da
un laboratorio di ricerca inglese. In 28 giorni l’epidemia dilaga e
i sopravvissuti si riuniscono per fuggire dalla città.
The Ring (2002).
Quattro adolescenti muoiono in circostanze misteriose, esattamente
una settimana dopo aver guardato una videocassetta contenente
immagini terrificanti. Una giornalista coraggiosa decide di
scoprire la verità che si nasconde dietro questa serie di omicidi
spaventosi ed è disposta a mettere a rischio anche la propria
vita.
Alien
(1979). Dei marines devono scoprire perché la colonia del
pianeta Archeron abbia misteriosamente interrotto i contatti con la
base. Una volta atterrati, si trovano ad affrontare una creatura
mostruosa che si prepara a sferrare l’attacco decisivo.
Omen – Il presagio
(2006). In seguito alla morte del figlio, il diplomatico
Robert Thorn e sua moglie decidono di adottare un bambino. Dal quel
momento una serie di sinistri eventi sovrannaturali cominciano a
funestare la vita della coppia.
Il giorno degli zombie
(1985). Alcuni anni dopo il dilagare dei morti viventi
sulla terra, pochi superstiti si trovano asserragliati in una base
militare.
Il seme della
follia (1994). Un detective si mette alla ricerca di
un autore di romanzi dell’orrore e, sebbene confuso dalla vicenda
che alterna eventi reali e fantastici, lo ritrova in una cittadina
che non figura sulle carte geografiche.
The Blair Witch Project
(1999) Cinque amici si avventurano nella foresta delle
Black Hills, incuriositi dalla leggenda della strega di Blair.
Durante la notte assistono a strani fenomeni e il mattino dopo, al
risveglio, trovano la loro attrezzatura elettronica distrutta.
Il Sesto Senso
(1999). Malcolm è uno psicologo infantile molto
stimato e si trova doversi occupare del caso del piccolo Cole, un
ragazzino di nove anni, ossessionato da spaventose apparizioni di
spiriti.
Hostel (2005)
Hostel è un film di genere horror del 2005, diretto da Eli Roth,
con Jay Hernandez e Derek Richardson. Uscita al cinema il 24
febbraio 2006. Durata 90 minuti. Distribuito da Sony Pictures
Releasing Italia,.
Annabelle (2014)
I membri di una setta satanica assaltano la casa di una pacifica
coppia, John e Mia, e, invocando un demone, trasformano una bambola
d’epoca in un oggetto capace di diffondere il male supremo.
Unsane (2018) di
Steven Soderbergh. Costretta dai medici a rimanere ricoverata in un
istituto psichiatrico, una donna è convinta che uno dei membri del
personale sia l’uomo che la perseguita e fa di tutto per rimanere
al sicuro, cercando di uscire dalla clinica.
Non aprite quella porta
(1974) Due fratelli decidono di andare in Texas per
visitare la tomba del nonno insieme a tre amici. Sfortunatamente,
una volta giunti sul posto, il gruppo si ritrova a dover sfuggire
ad una famiglia di psicopatici.
L’esorcista di William
Friedkin (1974). Regan McNeil, una ragazzina di 12 anni,
viene posseduta dal demonio. Un giovane prete in crisi di fede,
aiutato dal proprio anziano mentore, affronta la presenza demoniaca
in un mortale duello.
Il silenzio degli
Innocenti (2001) Uno psicopatico assassino è il terrore di
giovani donne formose che aggredisce e scuoia. Solo Hannibal Lecter
può aiutare a risolvere il caso, ma è detenuto in cella di
isolamento in un manicomio criminale, essendo diventato uno
psicopatico cannibale. Una giovane aspirante agente dell’FBI,
Clarice Starling, prima ancora di completare il suo addestramento
viene incaricata da Crawford di contattare lo psichiatra, per
averne lumi intesi ad individuare e fermare il mostro.
The
Visit (2015). Due fratelli, Becca e Tyler, devono
passare una settimana nella fattoria dei propri nonni in
Pennsylvania, ma presto i ragazzi scoprono che la coppia di anziani
è coinvolta in qualcosa di inquietante.
Orphan (2009)
Quando la loro terzogenita Jessica viene alla luce senza vita Kate
e John, per superare il trauma, decidono di adottare una bambina
russa.
La mosca di David
Cronenberg (1987) Uno scienziato riesce a costruire un
avveniristico congegno in grado di teletrasportare la materia, ma
commette un errore durante un esperimento e si trasforma lentamente
in un disgustoso ibrido tra un umano e una mosca.
Film horror da vedere su
Netflix
Netflix continua a essere uno dei punti di
riferimento per gli amanti dell’horror. Nel suo catalogo convivono
grandi classici e produzioni più recenti, capaci di soddisfare ogni
tipo di spettatore: dai cult psicologici ai film sovrannaturali,
passando per lo slasher e il thriller paranormale. Ecco i
film horror da vedere su
Netflix oggi, una selezione che unisce paura, tensione e
qualità cinematografica.
Delirium
(2018)
Un
uomo con disturbi mentali viene rilasciato dagli ospedali
psichiatrici e confinato nella villa del padre recentemente
scomparso. Ma tra i corridoi della casa si nascondono presenze
inquietanti e segreti mai sepolti.
Split
(2016)
Dall’autore di The Sixth
Sense, M. Night Shyamalan, un thriller psicologico teso e
disturbante. James McAvoy interpreta un uomo con ventitré
personalità diverse che rapisce tre ragazze. Il film sfocia
nell’horror puro e apre la strada al crossover Glass.
The Conjuring 2 – Il caso
Enfield (2016)
I
coniugi Warren affrontano una nuova indagine paranormale nella
Londra degli anni ’70. James Wan firma un sequel impeccabile, con
atmosfera gotica e tensione costante.
Gothika
(2003)
Halle Berry interpreta una psichiatra che si
risveglia come paziente del manicomio dove lavorava, accusata di
omicidio. Un mystery-horror che gioca sul tema della mente e della
colpa.
1922 (2017)
Adattamento da Stephen King: un contadino confessa l’omicidio della
moglie, ma la sua colpa lo perseguita in modi sempre più spettrali.
Un horror rurale, cupo e psicologico.
Lo squalo
(Jaws, 1975)
Il capolavoro di Steven Spielberg che ha terrorizzato
generazioni. L’orrore nasce dal mare e dalla tensione dell’attesa.
Un classico senza tempo.
Il rituale
(The Ritual, 2017)
Quattro amici si inoltrano nei boschi svedesi per un’escursione
commemorativa, ma si imbattono in un antico male nordico. Un horror
mitologico e atmosferico da non perdere.
IT – Capitolo 1 e
2 (2017–2019)
L’adattamento più riuscito del romanzo di Stephen King. Il clown
Pennywise torna a Derry per terrorizzare una nuova generazione. Due
film intensi e visivamente grandiosi.
Scappa – Get Out
(2017)
Il film che ha reinventato l’horror sociale. Jordan Peele
costruisce una satira inquietante sul razzismo contemporaneo, tra
tensione psicologica e momenti da brivido.
Annabelle 3
(2019)
La bambola più famosa del cinema horror torna a seminare terrore
nella casa dei Warren. Un episodio carico di tensione e citazioni,
perfetto per i fan del franchise The Conjuring.
Dottor Sleep
(2019)
Il sequel di Shining
diretto da Mike Flanagan. Ewan McGregor interpreta Danny Torrance adulto,
ancora perseguitato dagli spettri dell’Overlook Hotel. Un horror
malinconico e visivamente maestoso.
La redenzione – The
Delivery Man (2023)
Un thriller-horror psicologico che racconta la redenzione
impossibile di un uomo tormentato dai sensi di colpa. Crudo,
realistico e sorprendentemente emotivo.
Malevolent
(2018)
Due fratelli truffatori fingono di indagare su case infestate, ma
durante un lavoro scoprono che gli spiriti sono reali. Una ghost
story britannica dal ritmo crescente.
Apostolo
(Apostle, 2018)
Diretto da Gareth Evans (The
Raid), è un horror storico e rituale ambientato su un’isola
isolata. Religione, violenza e fanatismo si fondono in un incubo
visivo.
Non aprite quella
porta (The Texas
Chainsaw Massacre, 1974)
Il cult di Tobe Hooper che ha ridefinito il genere. Leatherface e
la sua famiglia di cannibali rimangono tra le immagini più
disturbanti della storia del cinema.
Nightmare – Dal profondo
della notte (1984)
Freddy Krueger perseguita gli adolescenti nei loro sogni. L’idea di
Wes Craven rimane una delle più geniali e terrificanti mai portate
sul grande schermo.
Annabelle
(2014)
Il primo film dedicato alla bambola maledetta. Una coppia scopre
che l’oggetto ereditato dalla loro casa è infestato da una forza
demoniaca. Tensione crescente e atmosfere gotiche.
So cosa hai
fatto (I Know What
You Did Last Summer, 1997)
Slasher anni ’90 per eccellenza: un gruppo di amici è perseguitato
da un misterioso assassino dopo un incidente stradale. Tra i
classici del post-Scream.
Saw –
L’enigmista (2004)
Due uomini intrappolati in una stanza devono affrontare una serie
di prove mortali imposte da un serial killer. Il film che ha
reinventato l’horror sadico e psicologico.
Veronica
(2017)
Dal regista di REC, Paco
Plaza. Una seduta spiritica in una Madrid afosa si trasforma in un
incubo paranormale. Tra i film più inquietanti del catalogo
Netflix.
Insidious (2010)
e Insidious 2
(2013)
James Wan costruisce una saga di terrore sull’aldilà e le
dimensioni parallele. Due capitoli che uniscono jump scare,
tensione e dramma familiare con grande efficacia.
Creep
(2014)
Un filmmaker risponde a un annuncio online e si trova intrappolato
in un gioco perverso. Un found footage minimalista e disturbante
che sfrutta l’imbarazzo e la tensione quotidiana come vere armi di
paura.
Horror su Netflix: dove
la paura è sempre accesa
Che si tratti di case infestate, serial killer o incubi
psicologici, Netflix offre una panoramica completa dell’horror di
ieri e di oggi. Tra i grandi classici e i nuovi originali, è la
piattaforma ideale per esplorare le mille forme della paura — senza
mai sapere davvero cosa ti aspetta al prossimo play.
Migliori film horror di sempre
Dalle ombre del cinema muto ai
capolavori moderni firmati da registi come Kubrick,
Polanski e Ari Aster, il genere horror ha attraversato
oltre un secolo di evoluzione senza mai perdere la capacità di
spaventare e affascinare. Al centro, un’unica grande verità: la
paura riflette il tempo in cui nasce. Ecco dunque una selezione dei
migliori film horror di sempre, quelli che hanno definito la storia
del genere e continuano a influenzare il cinema contemporaneo.
L’esorcista –
William Friedkin,
1973
L’archetipo dell’horror moderno. La possessione della giovane Regan
e il drammatico esorcismo affrontato da due sacerdoti restano tra
le immagini più forti mai viste al cinema. Un film che parla di
fede, colpa e male assoluto, con una messa in scena di potenza
ineguagliata.
Psycho –
Alfred Hitchcock,
1960
Con il suo montaggio e la celebre scena della doccia, Hitchcock
rivoluziona per sempre il linguaggio del cinema. Psycho è la nascita dell’horror
psicologico e del thriller moderno: la paura dell’altro che si
nasconde dentro di noi.
Shining –
Stanley Kubrick,
1980
Isolamento, follia e visioni sovrannaturali: Kubrick trasforma il
romanzo di Stephen King in una sinfonia visiva dell’orrore.
Jack Nicholson è leggendario in una delle
performance più disturbanti della storia del cinema.
Rosemary’s Baby
– Roman Polanski,
1968
Un incubo urbano in cui paranoia e maternità si intrecciano.
Polanski svela il lato oscuro dell’America borghese, costruendo una
tensione crescente senza mai mostrare esplicitamente l’orrore.
Halloween –
John Carpenter,
1978
Michael Myers e il suo respiro metallico segnano la nascita dello
slasher contemporaneo. Carpenter dimostra come la tensione possa
essere creata con semplicità, ritmo e una colonna sonora
iconica.
Profondo Rosso –
Dario Argento, 1975
Capolavoro del giallo italiano e simbolo dell’horror d’autore.
Musica dei Goblin, colori accesi e omicidi coreografici:
un’esperienza sensoriale che ha fatto scuola in tutto il mondo.
The Texas Chainsaw
Massacre – Tobe
Hooper, 1974
Realismo documentaristico e violenza viscerale. Non aprite quella porta è un pugno
nello stomaco che ha ridefinito il concetto di terrore. La figura
di Leatherface è ormai leggenda.
The Blair Witch
Project – Daniel
Myrick e Eduardo Sánchez, 1999
Il film che ha cambiato il modo di raccontare la paura. Girato con
pochi mezzi e grande ingegno, ha inaugurato il filone del
found footage,
terrorizzando il pubblico senza mostrare quasi nulla.
Hereditary – Le radici
del male – Ari
Aster, 2018
L’erede spirituale dei grandi classici. Hereditary unisce dramma familiare e orrore
occulto in un crescendo psicologico devastante. Toni Collette è da
antologia.
The Descent – Discesa
nelle tenebre – Neil
Marshall, 2005
Claustrofobico, feroce e pieno di adrenalina. Un gruppo di donne
intrappolate in una grotta si trova faccia a faccia con un orrore
primitivo. Potente metafora della paura del buio e dell’ignoto.
The Ring –
Gore Verbinski,
2002
Remake americano del giapponese Ringu, il film che ha rilanciato l’horror orientale in
Occidente. L’immagine del pozzo e della videocassetta maledetta è
entrata nell’immaginario collettivo.
Nightmare – Dal profondo
della notte – Wes
Craven, 1984
Freddy Krueger, l’assassino che uccide nei sogni, è una delle icone
più inquietanti del cinema pop. Un mix perfetto di fantasia, ironia
e pura paura.
I capolavori che hanno
fatto la storia
Da Nosferatu il vampiro
(1922) di Murnau a Il
gabinetto del dottor Caligari (1920), passando per
Frankenstein (1931) e
L’isola del dottor
Moreau (1932), i primi decenni del Novecento hanno gettato le
basi dell’immaginario horror. Ogni epoca ha poi avuto i suoi
maestri: Hitchcock,
Carpenter, Argento, Friedkin, Kubrick, Aster. Tutti
diversi, ma uniti dallo stesso scopo: trasformare la paura in arte.
Conclusione: la paura come specchio del nostro
tempo
Dai
cult del passato ai nuovi maestri dell’orrore, il cinema horror
continua a evolversi, riflettendo le paure, le ansie e le
contraddizioni di ogni epoca. Che si tratti di demoni interiori,
case infestate o mostri simbolici, ogni film nasconde qualcosa di
più profondo: la paura di
ciò che non comprendiamo, ma che riconosciamo dentro di
noi.
Guardare un horror, ieri come oggi, significa affrontare il buio —
sullo schermo e nella mente. Ed è forse proprio per questo che, più
di ogni altro genere, l’horror rimane vivo, necessario,
irresistibilmente umano.
Se
amate la tensione e l’adrenalina del genere, scoprite anche il
nostro approfondimento sui
film thriller da vedere: suspense, misteri e grandi classici
imperdibili.
Il nuovo trailer di
Predator: Badlands, il film
d’azione targato 20th Century Studios. Predator:
Badlands è diretto da Dan Trachtenberg (Prey,
10 Cloverfield Lane) e segna l’attesissimo ritorno del
franchise sul grande schermo con una storia che espande e
ridefinisce l’universo di Predator.
La trama
Predator: Badlands
Ambientato nel futuro su un pianeta
remoto e letale, Badlands segue le vicende di un giovane
Predator emarginato (interpretato dall’emergente Dimitrius
Schuster-Koloamatangi) che trova un’improbabile alleata in Thia
(Elle Fanning, candidata agli Emmy e ai Golden
Globe) mentre intraprende un viaggio insidioso alla ricerca del suo
avversario finale. Prodotto da John Davis, Dan Trachtenberg, Marc
Toberoff, Ben Rosenblatt e Brent O’Connor, Predator:
Badlands arriverà nelle sale cinematografiche italiane il 6
novembre.
Non abbiamo visto Freddy Krueger
(interpretato in origine da Robert Englund)
infestare lo schermo dal tanto bistrattato remake del 2010 di
Nightmare – Dal profondo della notte con
Jackie Earle Haley di Watchmen,
ma una recente indiscrezione affermava che potrebbe finalmente
esserci “qualche movimento” su un reboot del classico franchise
horror.
I diritti statunitensi di
Nightmare – Dal profondo della notte sono tornati
agli eredi dello sceneggiatore e regista Wes
Craven nel 2019, ma la New Line mantiene i diritti
internazionali. L’ultima volta che abbiamo sentito, gli eredi
stavano “accettando proposte“, ma hanno ancora bisogno
della New Line o di un accordo con un altro distributore nazionale
per procedere con un
nuovo film.
Se e quando uscirà un nuovo film di
Nightmare on Elm Street, è altamente improbabile che
rivedremo il Freddy Krueger originale Robert
Englund con il guanto a lama e il maglione a righe, ma
questo non significa che non sarebbe interessato a interpretare di
nuovo il personaggio in un mezzo diverso.
Durante un’intervista con
Fangoria, a Robert Englund è stato
chiesto se sarebbe disponibile a doppiare “Il figlio bastardo
dei mille maniaci” in un progetto animato. “Oh,
certo. Voglio dire, sono comunque molto impegnato con il
doppiaggio. Ho appena fatto Pinocchio: Unstrung, sono il grillo
cattivo. Mi piace l’idea. Quando partecipo alle convention e ai
festival cinematografici, mi trovo di fronte a così tante
fantastiche illustrazioni di Freddy Krueger, concepite in così
tanti modi, che si tratti di storyboard, di una grande e violenta
graphic novel, di un fumetto, di poster o persino di una versione
comica di Freddy. Le adoro.”
In un’intervista separata con
Bloody Disgusting, Robert Englund ha
discusso della possibilità che un altro attore prenda il posto di
Freddy, rispondendo anche a una voce secondo cui Kevin Bacon potrebbe essere stato preso
in considerazione per interpretare il sadico Demone dei Sogni.
“Penso che, per il bene del franchise, abbiano bisogno di
trovare qualcuno come Doug Jones. Anni fa, ho sentito che stavano
prendendo in considerazione Kevin Bacon per Freddy Krueger. Kevin
ha recitato in un paio dei miei film horror preferiti; adoro Stir
of Echoes e ovviamente Tremors. Adoro Kevin come attore. È un vero
caratterista, solo che è imprigionato nel corpo di un protagonista,
ma Kevin è anche molto fisico. Ho pensato che fosse un’ottima
scelta, ma questo è successo circa cinque anni fa. So che ora ha
tutti questi altri progetti e non sta ringiovanendo, quindi
probabilmente non sarebbe interessato.”
Se prima o poi dovessimo realizzare
un reboot di Nightmare, diremmo che lo studio sarebbe più propenso
a scegliere un attore relativamente sconosciuto per il ruolo di
Krueger.
Nel classico film slasher di
Wes Craven, diversi adolescenti del Midwest cadono
preda di Freddy Krueger (Robert Englund), un
maniaco notturno sfigurato che si impossessa degli adolescenti nei
loro sogni, uccidendoli poi nella realtà. Dopo aver indagato sul
fenomeno, Nancy (Heather Langenkamp) inizia a
sospettare che un oscuro segreto custodito dai genitori suoi e dei
suoi amici possa essere la chiave per svelare il mistero, ma
riusciranno Nancy e il suo fidanzato Glen (Johnny Depp) a risolvere l’enigma prima
che sia troppo tardi?
La direzione
artistica del Trailers FilmFest, formata da
Francesca Sofia Allegra e Alessandro De
Simone, è lieta di annunciare i nomi dei giurati che
assegneranno i premi dei diversi concorsi per l’edizione 2025.
La scelta è caduta su
professionisti di ogni settore, che giudicheranno i finalisti in
base ai parametri artistici, ma anche alla performance ottenuta
dalla campagna di promozione.
“Pitch
Trailer, Idee di film da realizzare” è il premio
che offre la possibilità ad aspiranti registi, ma anche a
professionisti già nel settore, di raccontare il loro progetto
attraverso un trailer. Ricordiamo che c’è ancora tempo fino al 15
ottobre per presentare il proprio progetto. Tutti i dettagli e il
regolamento del Pitch Trailer sono
disponibili a questo indirizzo: https://www.trailersfilmfest.com/pitch-trailer-2025/
Per il primo anno dalla sua nascita, il Trailers
FilmFest avrà una giuria che giudicherà anche il
Miglior Poster dell’anno, per dare maggior
pregio e professionalità a un premio che riconosce il lavoro di
professionisti e di interi team di creativi.
La giuria per il Premio al Miglior Poster
Luca Della
Grotta
David
Messina
Domenico
Prestopino
Ecco anche l’elenco dei trailer e dei poster finalisti:
Ecco il nuovo trailer italiano di
Bugonia, il film che Yorgos
Lanthimos ha presentato al Concorso di Venezia 82 e che
sigla la sua nuova fortunata collaborazione con Emma Stone.
La trama di Bugonia
Due giovani ossessionati dalle
teorie del complotto rapiscono l’influente CEO di una grande
azienda, convinti che sia un’aliena decisa a distruggere il pianeta
Terra.
Nella
nostra recensione, scriviamo di Bugonia: “Le tinte da thriller
cospirazionale, già parzialmente esplorate nel secondo segmento di
Kinds of Kindness, diventano in Bugonia spunto di
indagine emotiva: dietro a ogni complotto intravisto, a ogni
manipolazione effettuata, si nasconde in realtà un’enorme
sofferenza, almeno da parte di chi inizialmente avremmo solo
disprezzato.”
Bugonia esce nelle
sale italiane distribuito da Universal Pictures e vede nel cast, al
fianco di Stone, Jesse Plemons, Aidan Delbis, Stavros
Halkias, Alicia Silverstone
Venerdì 3 ottobre ha avuto inizio
la 5a edizione di DOCUSFERA, la rassegna con cui Sentieri Selvaggi
traccia le traiettorie del cinema documentario italiano
contemporaneo, realizzata con il contributo e il patrocinio della
Direzione generale Cinema e audiovisivo – Ministero della Cultura e
del Municipio 1 Roma Centro. La proiezione di Steve e il Duca e
l’incontro con Germano Maccioni ha dato il via anche alla
retrospettiva dedicata a Franco Maresco, le cui date sono state
svelate nella presentazione del palinsesto degli eventi autunnali
di Sentieri Selvaggi, tutti come sempre gratuiti su
prenotazione.
L’attesissimo incontro con
Franco Maresco è quindi in programma il 9
ottobre, dopo la proiezione delle 19:30 di Enzo, domani a
Palermo! (1999; 60’) che racconta l’organizzatore
cinematografico Enzo Castagna, collaboratore di celebri registi
come De Sica, Coppola e Pasolini. La retrospettiva continua sabato
11 ottobre, sempre a partire dalle 19:30, con due cortometraggi:
La mia battaglia (2016; 30’) di Maresco,
conversazione con la leggendaria fotografa e sua amica
Letizia Battaglia, e Apocalypsever –
Franco Maresco (2020; 30’) di Luis
Fulvio, che ripercorre frammenti di discorsi di Maresco
sul finire del lockdown. A seguire il regista Luis Fulvio
incontrerà il pubblico e la redazione di Sentieri Selvaggi.
Alle 21:00, continua DOCUSFERA con
Una storia d’acqua (2025; 69’) di Giacomo Caldarelli, che
incontrerà il pubblico dopo la proiezione del suo documentario,
incentrato sulla misteriosa tenacia di Marco Fratini nel tentare il
giro a nuoto del Lago di Garda.
Venerdì 3 ottobre è stato anche
presentato il palinsesto degli eventi di Sentieri Selvaggi, a
partire dai Premi Sentieri Selvaggi. Si tratta di Mario Martone,
con Fuori premiato come Miglior Film Italiano, Sidney Sibilia per
Hanno ucciso l’uomo ragno – La leggendaria storia degli 883 come
Miglior Serie TV, e Giovanni Tortorici, con Diciannove eletto
Miglior Esordio della stagione cinematografica.
Gli incontri tra i premiati e il
pubblico di Sentieri Selvaggi avranno luogo a partire da
novembre.
Altri due eventi completano il
palinsesto. Il 10 ottobre dalle 19:30 si terrà, infatti, la
presentazione delle ultime uscite editoriali di Sentieri Selvaggi,
ossia due lavori monografici e l’ultimo numero
della rivista cartacea SentieriSelvaggi21st. Presenteremo, quindi,
Tony Scott. Cinema a velocità massima di Alessio Baronci, che
affronta la carriera del regista di Una vita al massimo e Top Gun,
e Mike Flanagan. Liturgie del fantasma, tra cinema e tv di
Guglielmo Siniscalchi, pubblicazione incentrata su uno degli
esponenti di punta dell’horror contemporaneo e realizzata con il
contributo della Direzione Generale Educazione, Ricerca e Istituti
Culturali. Infine, spazio al n.21 del cartaceo
SentieriSelvaggi21st, con la cover story “Hideo Kojima – La
profezia del cinema” incentrata sul leggendario autore di Metal
Gear e Death Stranding.
Per il 25 ottobre è invece prevista la notte bianca diffusa delle
scuole d’arte del Lazio, con una serata speciale aperta a
tutti.
Nel 1993 le Sorelle
Sanderson cambiarono per sempre l’intrattenimento di
Halloween e, con la rinnovata popolarità di Hocus Pocus su Disney+, cogliamo ora
l’occasione per raccontarvi alcune curiosità sul film che ha dato
inizio a un vero e proprio franchise, con un sequel nel 2022 e un
terzo capitolo in lavorazione.
La trama di Hocus Pocus
(1993)
Nel 1693 a Salem, le streghe
Sanderson rapiscono la piccola Emily Binx per succhiarle la linfa
vitale. Il fratello Thackery tenta di salvarla ma viene trasformato
in un gatto nero immortale. Impiccate dagli abitanti, le streghe
lanciano una maledizione: un vergine che accende la Candela dalla
Fiamma Nera può riportarle in vita. Trecento anni dopo, Max, sua
sorella Dani e l’amica Allison risvegliano le streghe. Inseguimenti
e inganni seguono, con l’aiuto del gatto Binx e dello zombie Billy.
Max si sacrifica, e all’alba le streghe muoiono, Binx viene
liberato e i ragazzi tornano al sicuro.
La curiosità su Hocus
Pocus (1993)
Durante una proiezione per il
ventesimo anniversario di questo film, Doug Jones
ha rivelato che le falene che gli escono dalla bocca alla fine sono
reali, non frutto di CGI. In un’intervista del 2018 con Bloody
Disgusting, il truccatore ed effetti speciali Tony
Gardner ha affermato che l’attore indossava un “mouth
rig”, una tasca di lattice attaccata alla dentiera che bloccava la
gola di Jones per far uscire le falene. “C’era un piccolo foro
nella parte posteriore della tasca in modo che Doug potesse tossire
un po’ d’aria attraverso di essa… Un addetto alla manutenzione
degli animali infilava diverse falene nella tasca con delle
pinzette, poi i punti venivano incollati e noi facevamo uscire
l’inquadratura in modo che potessero arrivare alla ripresa il più
velocemente possibile”, ha detto Gardner.
Sarah Jessica Parker ha affermato di aver
trovato l’imbracatura della scopa volante così comoda che, invece
di essere calata a terra durante le lunghe pause tra una ripresa e
l’altra, si portava addosso una copia del New York Times per
leggerla mentre rimaneva sospesa in aria.
Il ruolo di Max Dennison fu
inizialmente offerto a Leonardo DiCaprio. Lui rifiutò per
apparire in Buon compleanno Mr. Grape (1993).
Durante un’intervista del 10
febbraio 2008 al programma della BBC “Breakfast”, Bette Midler dichiarò che questo era il suo
film preferito tra tutti. Il suo altro ruolo cinematografico
preferito, secondo la sua autobiografia “Bette Midler: Still
Divine”, era quello di doppiare la barboncino Georgette in Oliver &
Company (1988).
La città di Salem, Massachusetts,
ha utilizzato il film come tema per la parata di apertura degli
Haunted Happenings del 2018, in concomitanza con il 25°
anniversario del film. L’ufficio locale del National Parks Service
ha realizzato una bambola di Winifred vestita con una delle loro
uniformi, mentre la Saltonstall School ha realizzato un carro
allegorico ispirato a Thackery.
Sean Murray ha
interpretato la versione umana di Binx, e l’attore Jason Marsden ha
doppiato il personaggio, sia nella sua forma umana che in quella
felina. Nel 2017, Marsden ha dichiarato al Daily Beast che i
produttori hanno doppiato la sua voce sopra quella di Murray perché
l’attore suonava “contemporaneo” e pensavano che sarebbe stato più
realistico se Binx avesse avuto “un accento ricercato” dello stesso
periodo delle streghe.
Diverse scene compaiono nei vari
trailer originali che non sono incluse nella versione ufficiale del
film. Tra queste, Mary e Sarah che spingono Winnifred nella piscina
della scuola, le streghe circondate da bambini che chiedono
“dolcetto o scherzetto” e le streghe che incontrano Billy solo per
lamentarsi del suo “odore nauseabondo”, Mary e Winnifred che
ispezionano gli armadietti della scuola e Mary che fa uno spuntino
in un supermercato solo per essere trascinata fuori da
Winifred.
Il film uscì nel luglio 1993 per
sfruttare le vacanze estive dei bambini. Anche evitare la
concorrenza con Nightmare Before Christmas (1993),
l’altro film di Halloween della Disney di quell’anno, potrebbe aver
avuto un ruolo.
Contrariamente a quanto si dice, la
canzone che Sarah Sanderson canta dal cielo non è stata scritta da
Edgar Allan Poe, né ha lo stile o la metrica che
avrebbe usato. Fu scritta appositamente per il film da Brock Walsh
e composta da James Horner. Questa è l’unica
musica del film che non è stata composta da John Debney.
Quando Bette
Midler sale sul palco alla festa di Halloween in città,
dice “Ciao Salem, mi chiamo Winifred. E tu?“. Questa è una
parodia della famosa frase “Ciao a tutti, mi chiamo Rose, e
tu?” pronunciata da Madam Rose nel musical “Gypsy”. Midler ha
interpretato Madam Rose nella versione televisiva,
Gypsy (1993), lo stesso anno in cui è uscito
questo film.
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