I cattivi sono spesso più interessanti degli eroi, perché la loro visione distorta della vita e le loro ambizioni oltraggiose riescono a coinvolgere di più rispetto alla classica coscienza pulita e la bussola morale dell’eroe. E’ vero che è gratificante vedere l’eroe trionfare alla fine di un film… ma non è sempre così.

Nel corso dei decenni, ci sono stati numerosi esempi di film in cui il cattivo ha la meglio sull’eroe. Che si tratti dei piani astuti del Joker, di un cecchino misterioso che tormenta la gente nelle cabine telefoniche, o di una zingara che lancia una maledizione a un’impiegata innocente, questi cattivi hanno sancito il successo di numerose storyline, come evidenzia Screenrant.

Joker (2019)

Il Joker ha trionfato in diverse occasioni e, ben prima che scegliesse come avversario Batman, Joker ha capitanato la rivolta sociale che lo ha reso l’iconico re dei clow. A pensarci bene, ciò è ironico, dato che Arthur Fleck viene rappresentato nel corso del film come un debole scarto della società, vessato da giovani e ragazzi per le strade e maltrattato dai conduttori di talk show notturni in diretta TV.

Ma Arthur ha avuto l’ultima risata. Si è vendicato di tutti quelli che hanno riso di lui, ha iniziato un ammutinamento, ed è stato letteralmente raffigurato in maniera cristologica, in piedi su una macchina della polizia con le braccia aperte.

Watchmen (2009)

Prima che il regista Zack Snyder capeggiasse il DCEU, si occupò in principio di un altro prodotto DC che riguardava una squadra di eroi: Watchmen. In realtà, la trama di Watchmen vira attorno a un vigilante mascherato che viene a conoscenza di un sinistro complotto volto a screditare ed eliminare i supereroi che difendono il pianeta.

I protagonisti di Watchemn erano come i Beatles dei supereroi: una volta eroe, Ozymandias divenne il cattivo del film, mettendo il mondo contro Doctor Manhattan e costringendolo a fuggire dalla Terra e, quando Rorschach tenta di smascherarlo, viene completamente annientato. Anche se molti pensavano che si trattasse di un’impresa infattibile e Watchmen sfuggisse a malapena all’inferno dello sviluppo narrativo, il finale è stato comunque piuttosto fedele al materiale di partenza.

Arancia Meccanica (1971)

Arancia Meccanica segue l’eccentrico criminale Alex, che si ritrova in prigione dopo aver commesso indicibili violenze assieme ai Drughi. Il governo lo sottopone a una nuova terapia sperimentale e, attraverso iniezioni ed esposizione a immagini di estrema violenza, gli impedisce di fare ancora del male a qualcuno.

Tuttavia, dopo essere stato oggetto di così tante aggressioni, il governo si scusa e inverte la terapia, rilasciando Alex di libero di riappropriarsi del suo vecchio sé cattivo, violento e volgare. Il rilascio di Alex porta a una delle battute finali più iconiche e ironiche del cinema: “Sono stato curato, va bene“.

Drag Me To Hell (2009)

Sam Raimi è una delle migliori menti del genere horror: ne sono prove la serie da lui ideata Evil Dead, e la sequenza dell’intervento chirurgico in Spider-Man 2, una delle sequenze più terrificanti tra i film non horror. E Drag Me To Hell ha sancito la sua ultima, grandiosa incursione nel genere.

La trama del film segue Christine, una giovane donna che viene maledetta dalla signora Ganush, un’anziana zingara. Per i giorni successivi, viene sottoposta a un tormento senza fine e affronta persino la zingara stessa. Ma, dopo tutta la sofferenza patita, riesce a sconfiggere la maledizione e seppellisce la zingara; tuttavia, in un twist finale inaspettato, la donna viene trascinata all’inferno e vi brucia per tutta l’eternità.

Il silenzio degli innocenti (1991)

Per molti versi, Hannibal Lecter si configura come un antieroe, dato che ha aiutato Clarice per interesse personale, ma il cannibale per eccellenza è uno dei cattivi più letali del cinema. Non solo è un assassino che si nutre di carne umana, ma è anche un cattivo superbamente astuto.

In uno dei finali più inquietanti di sempre, Hannibal chiama Clarice dalle Bahamas, notificandole la sua fuga e dicendole che “ha un vecchio amico a cena“. Poi scompare tra una folla di persone, regalandoci una delle inquadrature finali più iconiche della storia del cinema.

The Social Network (2010)

Mark Zuckerberg è certamente dipinto come un cattivo nella versione romanzata della nascita di Facebook diretta da David Fincher. The Social Network ha visto il miliardario invischiato in molteplici cause legali, sia che si trattasse dei Winklevi che sostenevano di aver creato la piattaforma, o di Eduardo che sosteneva di essere stato cacciato a forza dalla società.

In fin dei conti, indipendentemente da quanti soldi abbia perso, si è trattato di una singola goccia in un oceano di potere, e nessuno degli eventi narrati ha lontanamente colpito Zuckerberg. Benchè abbia perso alcune amicizie durante il processo, ne è uscito vincitore. E con la privacy degli utenti in discussione e l’intero scandalo Cambridge Analytica, il personaggio potrebbe diventare ancora più cattivo nel richiestissimo Social Network 2.

Nightmare – Dal profondo della notte (1984)

Come ben sappiamo, se Freddy uccide un personaggio nei suoi sogni allora questi morirà effettivamente nella reale; ben presto si scopre che Freddy stava in realtà ercando la madre di Nancy per tutto il tempo, dato che è stata lei ad ucciderlo anni prima.

Anche se Nancy riesce a uccidere Freddie e tutto torna alla normalità, la sequenza finale di Nightmare è memorabile, nonché considerabili uno dei più famosi jump scares della storia. Freddy sfonda una finestra con il suo iconico guanto ad artiglio e afferra la madre di Nancy per il collo, trascinandola in casa e ottenendo la dolce vendetta che ha sempre desiderato.

Funny Games (1997)

Il regista austriaco Michael Haneke è meglio conosciuto per i suoi film dalla venatura romantica e ha anche vinto la Palma d’Oro al Festival di Cannes per Amour, ma c’è una patina oscura che attraversa alcuni dei suoi altri film. Uno dei più scioccanti della sua filmografia è Funny Games, che segue le vicende di una famiglia in vacanza, tenuta in ostaggio non da un solo cattivo, bensì da due giovani psicotici e annoiati.

La famiglia finisce per essere torturata brutalmente dai due e, anche se Haneke prende in giro il pubblico stesso tramite astuti riferimenti intertestuali, i due ragazzi uccidono la moglie, il marito e il figlio per poi poter proseguire la loro giornata. Ciò che rende il film ancora più sconcertante è che gran parte della violenza avviene fuori dallo schermo, il che significa che il pubblico è lasciato a immaginare cosa sta succedendo unicamente attraverso l’incedere di urla e sonorità macabre fuori campo.

Il cavaliere oscuro (2008)

Ne Il cavaliere oscuro, assistiamo all’uccisione di Due Facce e alla cattura di Joker  quindi nessuno dei due villain ha letteralmente trionfato alla fine del film del 2008. Tuttavia, il Joker ha vinto figurativamente, poiché il film è tutto incentrato sull’idea perseguita da Joker che anche le persone dalla forte morale possano essere spezzate.

Tutto inizia con la sequenza iconica in cui Batman sta interrogando Joker: il gioco di corruzione del “Cavaliere di Gotham” prende piede, aizzando successivamente tutta Gotham contro Batman. Joker gioca la carta dell’inganno psicologico, mostrando un perverso divertimento nel vedere il giustiziere trasformarsi lentamente in carnefice.

In linea con l’assassino (2002)

Un manager di terz’ordine di New York è tormentato per tutta la durata del serrato In linea con l’Assassino, poiché cade nei trucchi di un misterioso assassino quando risponde ad una telefonata casuale. Il mondo di Stuart crolla in un secondo, è costretto ad ammettere la sua relazione infedele alla moglie e tutte le sue malefatte ai clienti mentre è tenuto sotto tiro dall’assassino.

Il pubblicitario non verrà ucciso, ma il cecchino non viene nemmeno catturato. In linea con l’assassino è quasi una versione PG-13 di Saw, poiché il cattivo non uccide il protagonista ma lo avverte che non tarderà a tornare, se la sua ritrovata onestà non continua.

I sequel di film permettendo alle storie di evolversi al di là del modo in cui sono state presentate per la prima volta al pubblico. Infatti, sebbene i generi siano utili per classificare i film nel corso della storia, possono limitare la portata e il potenziale delle premesse e dei franchise più promettenti. Un modo per risolvere questo problema è il fatto che i registi a volte sviluppano sequel che si discostano pesantemente da temi, generi o caratterizzazioni precedentemente stabiliti. Solo nel corso degli anni i sequel hanno raggiunto l’apice e la loro genialità si è rivelata solo dopo un po’ di riflessione. Questi 10 film hanno finito per stabilire dei punti d’appoggio per i loro franchise in nuovi generi e direzioni creative sorprendenti.

Fast Five (2011)

Il quinto film della saga Fast, Fast Five, aveva in particolare una sola scena in cui comparivano le corse clandestine, la cultura su cui si basa l’intero franchise. Tuttavia, poiché questo allontanamento dalla premessa originale è avvenuto in modo organico per la storia – e anche per l’evoluzione delle sequenze d’azione – Fast Five ha permesso al franchise di passare senza problemi a concentrarsi maggiormente su altri temi come per esempio le rapine. Il film del 2011, sequel dell’iconico franchise, ha visto anche la prima apparizione del Luke Hobbs di Dwayne Johnson e ha gettato le basi per l’arco finale della saga Fast. Soprattutto, Fast Five è ancora oggi probabilmente il miglior film di rapine della Saga Fast.

Aliens (1986)

Mentre Alien di Ridley Scott era una combinazione oscura, misteriosa e lunatica di horror e fantascienza, Aliens di James Cameron era un film d’azione che espandeva abilmente la storia, dando alla premessa iniziale lo spazio necessario per crescere in un franchise. Un esempio popolare tra i grandi sequel di film che hanno abbandonato la premessa originale, Aliens era quasi una svolta completa rispetto al precedente, ma l’introduzione delle fazioni, della regina e l’ambientazione bellica più ampia del sequel si adattavano perfettamente alla visione di Scott. In effetti, Sigourney Weaver è stata candidata all’Oscar come miglior attrice per la sua interpretazione dell’unica sopravvissuta della Nostromo del primo film, Ellen Ripley.

C’era una volta in Messico (2003)

Terzo e ultimo film della trilogia messicana di Robert Rodriguez, C’era una volta in Messico ha fatto più incassi degli ultimi due messi insieme. Sebbene il sequel abbia distolto l’attenzione da El Mariachi di Antonio Banderas, la critica non ha potuto ignorare la straordinaria interpretazione di Johnny Depp nei panni di Sheldon Jeffrey Sands della CIA e il modo in cui il film ha concluso la contorta storia di Desperado. Per essere stato il punto di incontro tra la regia hollywoodiana e la visione indipendente di Rodriguez, C’era una volta in Messico si è assicurato un posto accanto ai grandi sequel di film che hanno abbandonato la premessa originale.

L’armata delle tenebre (1992)

Mentre The Evil Dead introduceva i Deadites e gli altri orrori del Necronomicon, Evil Dead II dava all’Ash di Bruce Campbell la sua caratteristica mano a motosega e chiudeva la storia della capanna dove tutto era iniziato. L’armata delle tenebre, ha ripreso le radici comiche dell’horror soprannaturale del franchise e le ha iniettate con una necessaria dose di fantasy epico. Mentre i primi due film confinavano l’azione nell’iconica baita in mezzo al nulla, L’armata delle tenebre è il luogo in cui Ash si trasforma finalmente nell’iconico eroe riluttante che brandisce la motosega e viaggia nel tempo.

Mad Max 2 (1981)

Il primo Mad Max seguiva l’antieroe del titolo di Mel Gibson mentre lui e i suoi colleghi poliziotti lottavano per mantenere la pace in un’Australia distopica. Solo in Mad Max 2, noto anche come Il guerriero della strada, la visione post-apocalittica del regista George Miller è stata pienamente realizzata. Unico tra i grandi sequel cinematografici che hanno abbandonato la premessa originale, Il guerriero della strada ha inequivocabilmente superato l’impatto culturale del film iniziale. Mad Max ha dato il via a tutto, ma è stato Il guerriero della strada a diventare fondamentale per quasi tutti i film, le serie e persino i videogiochi western successivi sul tema della post-apocalisse.

Star Trek IV: Rotta verso la Terra (1986)

A differenza dei tre precedenti film originali di Star Trek, Star Trek IV: Rotta verso la Terra si svolge in gran parte sulla Terra. Invece di immergersi in un’avventura spaziale allegorica definita da elementi intensamente drammatici e di hard sci-fi, il sequel era un film spensierato con un messaggio diretto: proteggere le megattere in via di estinzione nel futuro. Sebbene fosse strano per il franchise, la premessa comica da pesce fuor d’acqua dell’equipaggio futuristico dell’Enterprise bloccato negli anni ’80 ha ampliato l’appeal di massa del franchise. Come altri grandi sequel cinematografici che hanno abbandonato la premessa originale, Star Trek IV è stato acclamato come il migliore del franchise.

10 Cloverfield Lane (2016)

Cloverfield è famoso per aver utilizzato abilmente l’horror found footage per creare un film kaiju davvero unico. Gli stessi kaiju hanno continuato a terrorizzare gli americani nel sequel, 10 Cloverfield Lane, che però si è discostato dal formato del found footage e si è svolto più come un thriller tradizionale. Sebbene il pubblico che aveva amato Cloverfield fosse inizialmente scettico riguardo ai cambiamenti, 10 Cloverfield Lane è stato alla fine acclamato dalla critica come un grande sequel cinematografico che ha abbandonato la premessa originale. Pur essendo completamente diverso dal primo film ha messo in luce il commento sociale di fondo del materiale e ha contribuito a gettare le basi per l’attuale franchise cinematografico di Cloverfield.

Nel fantastico mondo di Oz (1985)

Sequel non ufficiale dell’amato musical e film per bambini Il mago di Oz, Nel fantastico mondo di Oz è una rivisitazione molto più cupa della storia di Dorothy. Seguiva gli eventi de Il mago di Oz, il sequel fu erroneamente considerato un altro film per bambini, il che ne determinò il fallimento commerciale. Tuttavia, il sequel è in realtà molto più fedele ai libri di L. Frank Baum su cui si basa il franchise, ma è rivolto a un pubblico adulto. Rispetto ad altri grandi sequel che hanno abbandonato le premesse originali, Nel fantastico mondo di Oz è quello che si è discostato di più dalle sue radici cinematografiche.

Prey (2022)

Derivati dal franchise di Alien, i primi quattro film di Predator hanno visto gli ostili extraterrestri combattere contro soldati e mercenari moderni. Ogni film successivo è stato più grande del precedente in termini di puro spettacolo e di espansione della storia dei Predator. Prey ha poi adottato un approccio completamente diverso, lanciando un Predator nelle Grandi Pianure del Nord America all’inizio del 1700 e contrapponendo l’alieno a cacciatori Comanche e colonialisti francesi storicamente accurati. Pur essendo l’unico film d’epoca della serie, Prey si distingue per aver capitalizzato gli elementi horror e d’azione più importanti che hanno reso iconici i primi film di Predator e Alien.

Logan (2017)

Mentre i precedenti film sugli X-Men hanno stabilito e ampliato l’universo dei supereroi della Fox, Logan era ben lontano dall’essere un tipico film di supereroi. Basato sui fumetti Old Man Logan di Mark Millar e Steve McNiven, il sequel reimmaginava il mutante di Hugh Jackman come un ex eroe distrutto i cui poteri di guarigione stavano svanendo. Al posto dell’invulnerabile e feroce Wolverine, il protagonista di Logan è un antieroe neo-occidentale in rovina, con un passato oscuro e un futuro incerto. Per essere riuscito a sovvertire le convenzioni di genere all’apice della popolarità del franchise principale – pur rimanendo fedele al materiale di partenza – Logan è un esempio notevole tra i grandi sequel cinematografici che hanno abbandonato la premessa originale.

Il conto alla rovescia per Halloween è iniziato, e questo significa che è tempo di abbuffarsi di quanti più film horror possibile. Per l’occasione però in questa top 10 non troverete massacri, fiumi di sangue o morti agghiaccianti ma pellicole con sequenze terrificanti ben pensate e basate sulle paure umane e tanta suspense da cardiopalma.

Quindi, tirate fuori i popcorn e i tanti  gustosi e appetitosi dolcetti fatti in casa, e preparatevi a vivere i dieci più grandi film spaventosi dove però nessuno alla fine muore.

Ecco i 10 film horror dove non muore nessuno

Signs

Questa classifica si apre con Signs dove vediamo nel cast anche un giovane Joaquin Phoenix. L’attore Premio Oscar poi tornerà a lavorare con il regista M. Night Shyamalan per The Village. Il protagonista però di questa pellicola del 2002 è interpretato da Mel Gibson che recita il ruolo di Graham Hess, un pastore protestante e proprietario terriero in Pennsylvania. Lo stile di Shyamalan, sospeso fra mistero e paradosso, si colora in questo film di una spiccata tinta horror e che affronta il mistero dei cerchi del grano, che nel suo lungometraggio sono in realtà dei messaggi da decifrare mandati da una specie aliena estremamente ostile e feroce.

The Blair Witch Project

Costato appena 60 mila dollari The Blair Witch Project dopo ben venti anni dall’uscita è ancora uno degli esempi più riusciti di come si può realizzare un film spaventoso ma con pochi mezzi e senza nomi famosi. La storia racconta di tre amici Heather, Mike e Josh, che raggiungono Blair, una cittadina americana nel Maryland, dove con l’attrezzatura necessaria realizzano una serie di interviste agli abitanti locali e si inoltrano nei boschi per non tornare mai più. Di loro viene ritrovato solo il girato che, una volta visionato, rivela il terribile destino in cui i tre sono andati incontro. È interessante notare che, dove la maggior parte dei film horror sfrutterebbe la morte, la parte più spaventosa di The Blair Witch Project è quando invece uno dei protagonisti riappare in uno scantinato abbandonato.

L’evocazione – The Conjuring 

L’evocazione – The Conjuring è il primo capitolo della saga cinematografica horror omonima, diretto da James Wan, ha come protagonisti Vera Farmiga e Patrick Wilson, nei rispettivi ruoli di Lorraine e Ed Warren. La pellicola, ispirata a fatti realmente accaduti, è ambientata nel 1971, è forse il più spaventoso e offre una serie di eventi spaventosi che minano i cliché e le aspettative dell’horror classico ma scegliendo di non uccidere nessun personaggio di questo film pieno di possessioni e presenze demoniache.

Poltergeist – Demoniache presenze 

Potrebbe essere sorprendente sapere che il famigerato Poltergeist è classificato come PG, film per tutti, nonostante possiede alcune delle scene horror più celebri. Questa pellicola rimane quindi il perfetto “Spooky Movie” per tutta la famiglia. Diretto da Tobe Hooper e scritto da Steven Spielberg, questo lungometraggio è basato su una storia vera ed è pieno di autentiche paure accettabili per il pubblico più giovane. La trama riguarda una famiglia che vive in periferia e che la loro casa è posseduta da uno spirito maligno che rapisce poi la loro bambina.

The Others

The Others è un film di Alejandro Amenábar liberamente tratto da Il giro di vite di Henry James, romanzo che ha ispirato anche la serie The Haunting Of Bly Manor. Nicole Kidman è Grace Stewart una donna che vive sull’isola di Jersey, in Inghilterra e deve affrontare la malattia rara che ha colpito i suoi figli Anne e Nicholas, che li costringe a vivere in una perpetua oscurità e non devono mai esporsi al sole. Questa pellicola gioca tutta sull’effetto sorpresa e riesce a spaventare lo spettatore soprattutto grazie alla costruzione di un senso di attesa costante, con le inquadrature che sono piene di un senso di pericolo nascosto ma tangibile.

Babadook

Questo film della regista Jennifer Kent è stato presentato in anteprima al Sundance Film Festival 2014 ed uno spaventoso horror che ha stregato anche il maestro Stephen King. Dopo aver scoperto un libro di fiabe pop-up intitolato Mister Babadook, una madre single in lutto e suo figlio si ritrovano perseguitati da un demone malvaggio. La tensione diventa straziante man mano che il mostro uscito dalle pagine appare alla mamma e il suo bambino. Il finale è alquanto controverso dove si mostra che la creatura Babadook è  rinchiuso nel seminterrato.

Pesce d’aprile

La trama di questa commedia nera segue un gruppo di studenti universitari in vacanza durante il fine settimana del primo di aprile su un’isola, nella quale si infiltra un aggressore sconosciuto. Ben presto ognuno di loro diventa vittima di un killer sconosciuto e ucciso in modi sempre più brutali. Pesce d’aprile si distingue da tutti i titoli di questa lista per il fatto che continua a utilizzare una serie di scene d’omicidi, piuttosto che trasmettere un tono inquietante e una tensione generale. Tranne che, ovviamente, nessuna di queste morti è reale.

Annabelle 3

Annabelle 3 è il sesto film in assoluto nell’universo di The Conjuring. Mentre i precedenti due film di Annabelle presentavano scene di morte, questo prende spunto dal primissimo film The Conjuring, citato prima e si concentra invece sulla creazione di un tono spaventoso e di una tensione generale La protagonista ovviamente è la bambola posseduta rinchiusa in una teca di vetro sacra nella stanza degli artefatti dei demonologi Ed e Lorraine Warren.

Freaks

Freaks è decisamente la pellicola più vecchia di questa lista di film horror visto che risale al 1932. Il film è ambientato in un circo dove si esibiscono i cosiddetti freaks, fenomeni da baraccone affetti da gravi malformazioni fisiche. Tra gli artisti figura l’attraente trapezista Cleopatra la quale seduce un nano di nome Hans tra l’amarezza e la preoccupazione della fidanzata di quest’ultimo, Frida, a sua volta affetta da nanismo armonico. Questo lungometraggio in bianco e nero del secolo è diretto da Tod Browning noto per la trasposizione di Dracula del 1931 con Bela Lugosi nei panni del conte vampiro.

1408

1408 è basato sull’omonimo racconto del “Re del terrore” Stephen King e descrive la vicenda di un investigatore del paranormale che rimane intrappolato nella leggendaria stanza 1408 dell’Hotel Dolphin a New York. La trama diventa lentamente sempre più inquietante, sfruttando appieno l’horror psicologico per trasmettere il suo tono terrificante. Interpretato da John Cusack e Samuel L. Jackson, è stato molto apprezzato per le loro interpretazioni e per il crescente senso di paura e reclusione. Rimane quindi un perfetto esempio di come l’horror non richieda secchiate di sangue o intricate scene di morte per essere davvero terrificante.

Capita a tutti di fare un passo falso, anche ai grandi attori, e di scegliere qualche volte un film e un contesto lavorativo che si rivela sbagliato per mettere in mostra il proprio talento. Ecco 10 grandi attori in altrettante terribili performance:

Chloe Moretz in Carrie

Nonostante sia molto giovane, Chloe Moretz ha già una filmografia bella nutrita e interessante, ma ha anche il suo primo ruolo di cui vergognarsi! Chiaramente è quello della protagonista nel remake di Carrie. Probabilmente lei stessa si pente di aver detto si a un tale film.

January Jones in X-Men L’Inizio

Chiunque abbia visto Mad Men sa che la Jones è un’attrice con i contro-fiocchi, peccato che sceglierla come Emma Frost non sia stato il massimo. Le sue doti vengono messe da parte per un ruolo che è principalmente basato sull’ostentazione del suo corpo. Un po’ riduttivo per un’attrice in grado di recitare molto bene.

Hayden Christensen in Star Wars 2

Magari non è un grandissimo attore, ma ha senza dubbio i suoi fan. Peccato che la sua interpretazione di un Anakin lamentoso e molesto in Star Wars l’Attacco dei Cloni lo abbia reso per lo più insostenibile ai più, con il risultato che, dopo La Vendetta dei Sith, dove in parte si riscatta, si è un po’ nascosto dal grande cinema.

Benedict Cumberbatch in Black Mass

Cumberbatch è un attore di Serie A, ma dovrebbe fare attenzione a scegliere i ruoli. In Black Mass l’attore inglese interpreta un americano di Boston, con il risultato che il suo accento è terribile. Per fortuna il film non ha incassato molto, quindi è probabile che lo abbiano visto in pochi.

Johnny Depp in La Fabbrica di Cioccolato

Il talento di Johnny Depp non potrebbe mai e poi mai essere messo in discussione, ma la sua capacità di scegliere i ruoli sì. La sua inquietante interpretazione di Willy Wonka è senza dubbio uno dei momenti più bassi della sua carriera.

Russell Crowe in Les Misérables

Les Misérables è uno dei migliori musical realizzati al cinema, ma le doti di cantante live di Crowe ne fanno una delle sue peggiori performance. L’attore è ingessato nel personaggio di Javert e perde miseramente il confronto con un ispirato Hugh Jackman nei panni di Jean Valjean.

Colin Farrell in Daredevil

Sono molti i motivi per deprecare Daredevil del 2003, ma il Bulleye di Colin Farrell è senza dubbio uno di questi. Il look ridicolo e le scelte attoriali sbagliate fanno del personaggio una macchia nera nel cv dell’attore irlandese che comunque ha dimostrato in più di un’occasione di essere molto dotato.

Nicolas Cage in Il Prescelto

I tempi in cui Nicolas Cage era un attore di serie A sono purtroppo lontani e ne Il Prescelto del 2006 l’attore premio Oscar ha dato il meglio, hops, il peggio di sé.

Halle Berry in Catwoman

Nel post Oscar Halle Berry aveva la carriera spalancata a grandi orizzonti, ma la partecipazione a Catwoman ha decisamente smorzato lo slancio preso con l’Academy Award. Sebbene sia un’attrice dotata, la Berry ha partecipato a quello che è ad oggi il peggior cinecomics mai realizzato e uno dei peggiori film della storia del cinema in assoluto.

Robert De Niro in Nonno Scatenato

Per quanto la sua carriera sia costellata di grandi performance, è indubbio che le ultime scelte di De Niro siano opinabili, e quella in Nonno Scatenato, in cui la traduzione italiana del titolo (Dirty Grandpa) ha fatto un maldestro tentativo di ricordare ben altre performance, è senza dubbio una delle scelte più infelici che il grande attore potesse fare.

10 grandi attori in altrettante terribili performance

Siamo sempre affascinati dal grande cinema e dai film che, per una ragione o per un’altra, rappresentano dei punti importanti nella storia di questo straordinario mezzo artistico. Ma qual è il processo che porta alla creazione dei grandi film? Di seguito ecco delle belle immagini dai backstage della storia del cinema che possono darci un’idea di quello che ci vuole per realizzare un grande film:

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Sicuramente Alice in Wonderland non può essere paragonato a Titanic, quanto a impatto nella storia del cinema, ma è senza dubbio un interessante esperimento realizzato da Tim Burton con gli effetti digitali. Stesso discorso, ad esempio, vale per Harry Potter e il Calice di Fuoco, che pur non essendo trai più grandi film della storia del cinema è comunque esempio di un progetto produttivo unico nel suo genere.

Quali di questi film avete amato di più?

L’horror è il genere per eccellenza che presenta immagini tanto violente ed inquietanti da lasciare turbato lo spettatore anche dopo la fine della visione di un film. Ma questo non è una regola: anche il dramma o il thriller possono rivelarsi talmente strazianti da lasciare un solco profondo nello spettatore più sensibile o suscettibile.

Alcuni film, al di là di quanto siano stati riconosciuti dalla critica o apprezzati dal pubblico, sono talmente inquietanti, disturbanti o sconcertanti che spesso è altamente improbabile che si decida di dedicare loro una seconda visione. Ecco 10 film carichi di suspense che la maggior parte del pubblico ha forse visto soltanto una volta nella sua vita, o che forse ha rivisto parecchio tempo dopo la primissima visione:

Requiem for a Dream

L’opera seconda di Darren Aronofsky è un film incentrato sulle speranze che sorreggono la vita di ognuno di noi, almeno fino a quando non si cade vittime di un baratro dal quale sembra impossibile fare ritorno (nel caso dei protagonisti, si parla di dipendenza da droga e psicofarmaci).

In Requiem for a Dream, attori del calibro di Jared Leto, Jennifer Connelly, Marlon Wayans e l’iconica Ellen Burstyn devono fare i conti con una dipendenza che finirà per annientare totalmente le loro esistenze, quando il loro unico desiderio era soltanto quello di sperare di riuscire a sfuggire da una realtà opprimente e miserevole.

Irreversible

Irreversible è uno dei film più controversi di Gaspar Noé: non soltanto per la struttura narrativa (la storia viene raccontata al contrario, giustificando così il titolo), ma anche per la sconvolgente scena che riguarda il brutale pestaggio e il conseguente stupro ai danni di Alex, il personaggio interpretato da Monica Bellucci.

Nel dettaglio, il film racconta la spietata ricerca di vendetta da parte del suo ragazzo e, oltre alla scena dello stupro, ce n’è anche un’altra parecchio disturbante in cui un uomo viene brutalizzato con un estintore.

Millennium – Uomini che odiano le donne

La versione americana dell’adattamento cinematografico del romanzo di Stieg Larsson ad opera di David Fincher ruoto attorno ad uno dei personaggi femminili più complessi che la recente storia della letteratura e del cinema abbiano mai conosciuto.

In Millennium – Uomini che odiano le donne, attraverso una serie di sequenze particolarmente crude, veniamo a conoscenza del passato di Lisbeth Salander, un passato fatto di violenze, ricoveri e perizie psichiatriche, al punto che la stessa venne riconosciuta incapace di badare a sé stessa e per questo affidata a un tutore. Ma la verità è che ognuno dei personaggi della storia sembra nascondere qualcosa di particolarmente oscuro e scabroso…

L’amore bugiardo – Gone Girl

Se per caso state facendo i conti con una relazione potenzialmente dannosa, allora L’amore bugiardo – Gone Girl non è il film che fa al caso vostro. Rosamund Pike veste i panni di Amy, donna vendicativa che scompare misteriosamente e gettando la figura del marito al centro di un vero e proprio circo mediatico. Ma qual è la verità? Chi ha ucciso veramente Amy?

Tratto dall’omonimo bestseller di Gillian Flynn e diretto ancora una volta da David Fincher: il ritorno del celebre regista nella nostra classifica sottolinea quanto è a lui che si devono alcuni dei thriller meglio riusciti degli ultimi tre decenni.

L’esorcista

Anche se non siete propriamente dei fan del genere horror, L’esorcista è uno di quei film che bisogna guardare almeno una volta nella vita. E forse, dopo la sua visione, non si avrà mai più voglia di rivederlo.

La storia della piccola Regan che inizia a manifestare segni di inspiegabile – all’apparenza – violenza e che solo in seguito – con l’aiuto di un prete che sembra aver perduto la fede – si capirà essere posseduta da un feroce demone, ha segnato l’immaginario collettivo e turbato i sogni di più generazioni a partire dall’inizio degli anni ’70. A cinquant’anni dalla sua uscita, il capolavoro di William Friedkin è ancora considerato il film più spaventoso di tutti i tempi.

Saw – L’enigmista

Nonostante abbia dato vita ad un franchise i cui vari capitoli non sono mai stati ritenuti all’altezza dell’originale, è innegabile quanto il primo film della saga di Saw sia una dei film più disturbanti della recente storia del cinema. Due uomini, incatenati, si svegliano in un bagno sporco e lurido, senza sapere minimamente come siano arrivati lì.

Una voce registrata inizia a dare loro alcune istruzioni per garantirsi la sopravvivenza: è solo l’inizio di un gioco a dir poco mortale, in cui uno dovrà uccidere l’altro per evitare che la propria famiglia venga massacrata. Entrambi cercano di capire come fuggire senza dover ricorrere al gesto più estremo di tutti, fino a quando la speranza abbandonerà entrambi…

American Psycho

Ambientanto alla fine degli anni ’80, in una nuova New York decadente, in American Psycho, ispirato  all’omonimo romanzo di Bret Easton Ellis, Christian Bale interpreta Patrick Bateman, un uomo alle prese con una sanità mentale precaria e con una doppia identità.

La vita da consulente finanziario freddo e distaccato, ossessionato dalla cura del corpo, si alterna a quella da killer psicopatico che cerca in tutti i modi di nascondere alle persone che lo circondano la sua vera natura.

Seven

Anche una volta David Fincher, regista capace di mescolare costantemente le carte in tavola ad ogni nuovo film che realizza. In effetti, tutto ha avuto inizio con Seven, considerato uno dei più bei thriller mai realizzati, con uno dei finali più strazianti di tutti i tempi.

Interpretato da Brad Pitt e Morgan Freeman, il film vede il detective William Somerset e il giovane collega, impulsivo ed istintivo, David Mills sulle tracce di un pericoloso serial killer che sta punendo con la morte i colpevoli dei sette vizi capitali: avarizia, gola, accidia, invidia, superbia, ira e lussuria.

Assassini nati – Natural Born Killers

Sesso, droga, rock & roll, omicidi e caos sono alla base del celebre film di Oliver Stone su come i media e la violenza si alimentano a vicenda secondo una logica perversa.

Basato su un soggetto di Quentin Tarantino, in Assassini nati – Natural Born Killers Woody Harrelson e Juliet Lewis interpretano Mickey e Mallory Knox, entrambi segnati da un’infanzia problematica, che si incontrano, si innamorano e decidono di uccidere insieme, in una storia in cui la violenza più brutale si mescola a dialoghi brillanti.

American History X

A volte, i film più inquietanti sono quelli che ispirati a fatti che potrebbero tranquillamente accadere nella realtà. American History X di Tony Kaye racconta la storia di Derek Vinyard, sostenitore del suprematismo bianco, che viene scarcerato dopo aver scontato tre anni di carcere per aver ucciso due ragazzi di colore che stavano tentando di rubargli l’auto.

Tornato a casa, cerca di salvare il fratello minore Danny, che a quanto pare ha intrapreso la sua stessa strada. Il film, dedicato al tema delle tensioni sociali e del razzismo negli Stati Uniti, è valso a Edward Norton una candidatura all’Oscar come miglior attore protagonista.

Fonte: Screen Rant

Nell’industria dell’intrattenimento, non è raro avere a che fare con film mal accolti, seppur con un cast eccezionale. Gli utenti Reddit hanno espresso le loro opinioni su film terribili ma con grandi attori, con una variegata selezione di commedie, drammi e musical che compongono la lista.

BloodRayne (2005)

Gli utenti Reddit non rimproverano nemmeno un po’ l’apparizione di Sir Ben Kingsley in BloodRayne, pur considerandolo un film scadente: “Ben Kingsley ha dichiarato pubblicamente di aver accettato il ruolo in BloodRayne perché voleva prendersi una pausa dai film seri e fare qualcosa di campy e stupido e fare il vampiro, e penso che questa scelta sia molto valida”.

L’adattamento cinematografico del videogioco hack-and-slash del 2002 è uscito con scarse critiche, nonostante il cast stellare. Insieme a Kingsley, il film presenta anche Kristanna Loken, Michael Madsen, Michelle Rodriguez, Billy Zane, e anche la star della musica Meat Loaf.

Super Mario Bros. (1993)

Alcuni utenti Reddit hanno messo in evidenza i grandi interpreti che recitano in Super Mario Bros: “Il film del 93 Mario Brothers aveva Bob Hoskins, John Leguizamo e Dennis Hopper“.

Hoskins ha ricevuto una nomination all’Oscar per il suo ruolo nel film Mona Lisa del 1986, che è uno dei suoi migliori film. È un po’ sorprendente vederlo, insieme ad altri attori affermati come Leguizamo e Hopper, in un film così poco apprezzato. Tuttavia, le loro performance sono uno dei motivi per cui il film non era poi così male.

Cats (2019)

Su Reddit, nessuno poteva preoccuparsi di elencare tutti gli attori dell’adattamento cinematografico del famoso musical Cats, difatti molti si sono limitati a scrivere semplicemente: “Tutti in Cats“. Aggiungendo, però: “Tranne James Corden. Mi aspetterei pienamente che James Corden recitasse in qualcosa come Cats“.

Infatti, uno dei principali punti di forza del film era il suo cast stellare, che comprendeva anche Taylor Swift, Dame Judi Dench, Sir Ian McKellan, Idris Elba e Jennifer Hudson. Nonostante la potente combinazione di talenti musicali, comici e drammatici, il film è generalmente considerato pressoché terribile. Il suo misero punteggio IMDB lo classifica come uno dei peggiori film di animali di tutti i tempi.

Comic Movie (2013)

La pellicola è stata definita “un vero e proprio incubo” dagli utenti Reddit, che affermano: “Ci sono tutti in Comic Movie“. “La maggior parte del cast era presente per pochi giorni di riprese grazie al fatto che doveva un favore ai registi. Inoltre, è stato girato in un periodo di qualche anno quando alcuni di loro non erano così famosi“.

L’eminente critico cinematografico Roger Ebert ha definito Comic Movie come “il Citizen Kane del terribile“. Il film sembra quasi un esperimento bizzarro per testare quanto male possa andare un film nonostante abbia un cast incredibile. Star famose come Elizabeth Banks, Gerard Butler, Halle Berry, Hugh Jackman, Kate Winslet, e molti altri possono essere incolpati per quello che è stato considerato un capolavoro di disordine, uno dei pochi film “così brutti che non avrebbero mai dovuto essere realizzati“.

Tiptoes (2003)

Gli utenti Reddit hanno fatto notare che Tiptoes presentava attori con pedigree impressionanti: “Tiptoes. Due vincitori dell’Oscar“. Aggiungono: “La vista di Gary Oldman, metà del suo corpo che spunta da un divano con un paio di gambe finte davanti a sé, è una cosa bellissima“.

Matthew McConaughey, Kate Beckinsale e Oldman recitano in questa “commedia” dove la gag principale è il disagio di confrontarsi con il nanismo. Peter Dinklage, molto prima di raggiungere il successo come Tyrion Lannister, appare anche in un memorabile ruolo di supporto. Tuttavia, non è sicuramente tra i suoi migliori ruoli cinematografici.

Garfield (2004)

Ecco come gli utenti Reddit raccontano il modo in cui Bill Murray si sia trovato a lavorare in Garfield: “Hanno preso Bill Murray per dare la voce a Garfield perché ha confuso il regista per qualcun altro più talentuoso“.

Questo piegherebbe certamente come uno dei più rispettati interpreti comici in circolazione sia finito in questo film malvisto. Il fatto che possa avere scambiato Joel Coen per un Joel Cohen è più divertente di qualsiasi cosa sia successa nel film.

Street Fighter (1994)

Gli utenti Reddit hanno osservato che Street Fighter aveva almeno un grande attore: “Raul Julia in Street Fighter“. Altri utenti hanno risposto: “Ha detto che era il videogioco preferito di suo figlio e voleva fare un film che potessero vedere tutti insieme”. Purtroppo, è morto prima che uscisse...”.

Raul Julia può essere meglio conosciuto per la sua interpretazione di Gomez Addams de La famiglia Addams, ma ha anche accumulato premi dai Golden Globes, Primetime Emmys, e Screen Actors Guild per molte altre grandi performance. La rappresentazione di Julia del dittatore maniacalmente presuntuoso, Master Bison, è l’equivalente recitativo di filare la paglia in oro.

Dark Crimes (2016)

Dark Crimes è considerato uno dei film peggiori visti dagli utenti Reddit “È un noir polacco con Jim Carrey nel ruolo di un detective caduto in disgrazia… Più il film andava avanti, meno aveva senso. L’ultima volta che ho controllato, aveva uno 0% su Rotten Tomatoes“.

In effetti, è uno dei film più recenti a raggiungere lo 0% su Rotten Tomatoes. Mentre Carrey è stato lodato come un formidabile attore drammatico per le sue performance in film come The Truman Show e Eternal Sunshine of the Spotless Mind, è stato stroncato per quello che ha fatto con questo ruolo.

Money Plane (2020)

Un utente di Reddit chiaramente non ha apprezzato Money Plane, ma ha apprezzato uno dei suoi attori: “Kelsey Grammer in… Money Plane“. Un altro utente ha risposto con quella che è forse la quintessenza di Grammer nel film: “Vuoi scommettere su un tizio che si s**** un alligatore? Money Plane“.

Money Plane sta in bilico sulla linea sottile tra l’essere talmente-brutto-che-in-realtà-è-bello oppure totalmente terribile, dato che c’è almeno una qualità auto-consapevole nel film che gli conferisce ua quantità decente di divertimento smielato. Si può pensare che ricordi il film Con Air, dato che ha una miscela simile di concetti selvaggi e ritratti seriosi di personaggi leggermente cartooneschi.

Lo squalo 4 (1987)

Su Reddit è stato condiviso un aneddoto divertente sull’apparizione di un attore leggendario nel laborioso quarto capitolo del franchise Jaws: “Michael Caine in Lo Squalo 4, ma ha ammesso di averlo fatto solo per la paga. Non ha mai visto il film, ma ha visto la casa che si è comprato con quei soldi“.

A sentirlo dallo stesso Caine, sembra certamente contento della sua decisione. Con un punteggio dello 0% su Rotten Tomatoes, il film era apparentemente irrecuperabile, anche per Caine. Speriamo che la casa che ha comprato abbia spazio per i suoi molti riconoscimenti di recitazione, e un posto dove rilassarsi e ricordare alcuni dei migliori film in cui ha recitato.

Guardare film storici o su un fatto storico o ispirato a un evento davvero accaduto o ancora ambientato all’interno di un contesto storico ben preciso può essere senza dubbio più divertente del leggere un libro di storia.

Tuttavia la trappola è dietro l’angolo, considerando che spesso i film ad ambientazione storica non sono affatto accurati nella ricostruzione degli eventi.

Film storici da vedere ce ne sono come Titus, Elizabeth e molti altri, ma ecco 10 film storici che in realtà non lo sono affatto.

Pocahontas

Quando salvò la vita di Smith, Pocahontas aveva solo 10 o 11 anni, una storia d’amore era decisamente improbabile all’epoca.

Pocahontas è il film d’animazione del 1995, considerato il 33° classico Disney secondo il canone ufficiale, basato sulle vicende reali della nativa americana Pocahontas, nonché il primo lungometraggio d’animazione Disney ispirato ad un fatto veramente accaduto.

Shakespeare in Love (1998)

L’ispirazione pr Romeo e Giulietta non venne da una vicenda personale ma da The Tragical History of Romeus and Juliet.

Shakespeare in Love è il noto film del 1998 diretto da John Madden, e racconta l’amore dello scrittore William Shakespeare (1564-1616) per una nobildonna, Lady Viola, durante la preparazione di Romeo e Giulietta. I due s’innamorano durante la preparazione dell’opera, che sarà poi un trionfo, coronato dalle lodi della regina Elisabetta I.

Il film ha vinto molti riconoscimenti cinematografici, tra cui 3 BAFTA, 3 Golden Globe e 7 Oscar su 13 nomination.

JFK (1991)

Non c’è mai stata nessuna confessione in merito al delitto di Kennedy, che ancora oggi resta misterioso.

JFK – Un caso ancora aperto (JFK) il  film del 1991 diretto da Oliver Stone.

Il film racconta i fatti precedenti all’assassinio del Presidente degli Stati Uniti John Fitzgerald Kennedy  e le successive indagini per opera del procuratore distrettuale di New Orleans (Louisiana) all’epoca dei fatti, Jim Garrison, che dubita della tesi ufficiale successiva all’indagine della Commissione Warren, la quale stabilì che Lee Harvey Oswald fu il solo esecutore materiale dell’attentato. Si tratta del più celebre e di successo dei tre film di Stone dedicati alle figure di Presidenti americani (gli altri sono Gli intrighi del potere – Nixon con Anthony Hopkins nella parte del Presidente omonimo e W. con Josh Brolin nel ruolo di George W. Bush).

Gladiator (2000)

Gladiator (2000) – Il generale Massimo è un personaggio inventato, per non parlare delle iscrizioni latine sbagliate e del personaggio di Commodo, completamente stravolto. Il Gladiatore per molti è considerato uno dei maggiori film storici da vedere, peccato che proprio storico non è.

Il gladiatore (Gladiator) è il film colossal del 2000 diretto da Ridley Scott, interpretato da Russell Crowe, Joaquin Phoenix, Connie Nielsen, Richard Harris, Oliver Reed e Tomas Arana.

La storia del generale Custer (1941)

Il film è basato sulla memoria edulcorata di Custer, tramandta dalla moglie dello stesso.

La storia del generale Custer (They Died with Their Boots On) è il film del 1941 diretto da Raoul Walsh.

La pellicola statunitense è un western biografico interpretato da Errol Flynn e Olivia de Havilland. Nonostante le numerose inesattezze storiche, fu una delle più importanti produzioni del 1941, anche per il fatto che fu l’ultima collaborazione del duo Flynn-De Havilland.

Il Patriota (2000)

Il Patriota – Il nobile protagonista è ispirato a un sanguinario guerrigliero della lotta di indipendenza, non a un amorevole e onorevole padre. E’ trai film film storici più belli del recente passato.

Il patriota (The Patriot) è il film storico del 2000 diretto da Roland Emmerich e interpretato da Mel Gibson e Heath Ledger.

Il film si svolge durante tutto il periodo della Guerra di indipendenza americana, narrando la storia di un eroe americano che, insieme a combattenti volontari, riesce a ribaltare le sorti del conflitto a favore delle colonie. Nel corso delle battaglie, vengono evidenziati tutti i temi che caratterizzeranno la storia statunitense: dagli schiavi di colore che combattono per essere liberati, all’efferatezza e crudeltà degli inglesi e degli stessi americani durante il conflitto.

300 (2006)

300 è uno dei film storici recenti di maggior successo, ma che è  storicamente inaccurato prevalentemente per la rappresentazione dell’esercito persiano.

300 è il film del 2007 diretto da Zack Snyder con il supporto di Frank Miller, adattamento cinematografico del graphic novel 300; quest’ultimo è stato a sua volta ispirato a un altro film, The 300 Spartans, un racconto semi-storico della battaglia delle Termopili svoltasi nel 480 a.C.

Il film è stato girato con la tecnica del chroma key per riprodurre le immagini dell’originale fumetto.

Braveheart (1995)

Il film è pieno di inaccuratezze a partire dall’anno in cui è ambientato.

Braveheart – Cuore impavido (Braveheart) è il film colossal del 1995 diretto da Mel Gibson. La pellicola narra la storia, romanzata, del patriota ed eroe nazionale scozzese William Wallace. Il film, seconda regia di Gibson dopo L’uomo senza volto (1993), ha vinto 5 Oscar su 10 candidature nel 1996 e lo stesso Gibson è stato premiato con il Golden Globe per la miglior regia.

Fuga di mezzanotte (1978)

Le violenze più crude subite dal prigioniero Hayes sono state inventate.

Fuga di mezzanotte (Midnight Express) è un film del 1978 diretto da Alan Parker. Brutale evocazione dell’universo carcerario in Turchia, la pellicola narra la storia realmente accaduta dello studente universitario Billy Hayes, arrestato all’aeroporto di Istanbul per possesso di hashish, condannato inizialmente a quattro anni di reclusione e in seguito all’ergastolo nel carcere di Sagmacilar. Prodotto da Alan Marshall e David Puttnam e tratto dall’omonima autobiografia di Hayes, adattata per il grande schermo da Oliver Stone, il film venne acclamato per le sue scene di forte realismo e di notevole impatto emotivo,distinguendosi da subito come uno dei thriller più notevoli degli anni settanta e consacrando il talento registico di Alan Parker.

Il ponte sul fiume Kwai (1957)

Il vero eroe della storia, nella vita reale, utilizzò anche le termiti per poter minare il ponte ‘protagonista’ della storia.

Il ponte sul fiume Kwai (The Bridge on the River Kwai) è il film del 1957 diretto da David Lean. Tratto dall’omonimo romanzo di Pierre Boulle, è un film epico che si propone di dimostrare la follia della guerra e l’assurdità dell’etica militare.

Nel 1998 l’American Film Institute l’ha inserito al tredicesimo posto della classifica dei migliori cento film statunitensi di tutti i tempi, mentre dieci anni dopo, nella lista aggiornata, è sceso al trentaseiesimo posto.

Diretto da Steve Carr, Buon Natale-Ex (A Merry Little Ex-Mas) di Netflix racconta la storia di Kate (Alicia Silverstone) ed Everett Holden (Oliver Hudson), una coppia di mezza età di Winterlight, nel Vermont, sull’orlo del divorzio. Dopo aver cresciuto i loro figli, Gabriel e Sienna, nella loro città, il loro matrimonio è diventato monotono, portandoli a pianificare la separazione. Con l’avvicinarsi del Natale, la coppia separata intende trascorrere un’ultima vacanza insieme come famiglia, mentre cerca di gestire i propri sentimenti complicati e quelli dei figli.

Tuttavia, nonostante le loro intenzioni, potrebbero scoprire che andare avanti è molto più difficile di quanto avessero previsto. La commedia romantica natalizia esplora con attenzione i temi della famiglia, dell’amore e della lealtà. I temi romantici del film, combinati con gli elementi visivi festivi del Natale, aggiungono sapore alla narrazione. Questi film, simili a Buon Natale-Ex, presentano storie commoventi e saranno degni di essere aggiunti alla vostra lista di film da vedere.

Christmas with the Campbells (2022)

“Christmas With the Campbells” di AMC+ segue le avventure di Jesse (Brittany Snow), che si imbatte in una complicazione inaspettata prima di Natale, quando il suo amante Shawn Campbell (Alex Moffat) la lascia. Nonostante la rottura della relazione, i genitori di Shawn, Robert (George Wendt) e Liz Campbell (Julia Duffy), vogliono trascorrere del tempo con Jesse durante le vacanze di Natale. Durante il soggiorno dai Campbell, Jesse incontra David (Justin Long), il cugino di Shawn, e si innamora di lui. Quando Shawn torna a casa, Jesse deve affrontare emozioni complesse nei suoi confronti e decidere se continuare la sua vita con David. Diretto da Clare Niederpruem, questo film commedia romantica celebra lo spirito natalizio e la complessità delle relazioni sentimentali come “A Merry Little Ex-Mas”, pur contenendo elementi visivi simili.

Il tuo Natale o il mio? (Your Christmas or Mine?, 2022)

In “Your Christmas Or Mine?” di Prime Video, gli amanti Hayley (Cora Kirk) e James (Asa Butterfield) si salutano in una stazione ferroviaria di Londra, due giorni prima di Natale, incapaci di sopportare l’idea di stare lontani durante le vacanze. In un momento di spontaneità, entrambi decidono di sorprendersi a vicenda scambiandosi i treni, con l’obiettivo di festeggiare il Natale a casa del proprio partner. Questa decisione simultanea li porta invece ad arrivare alle rispettive residenze familiari. La famiglia di James è benestante, mentre quella di Hayley proviene da un umile background della classe operaia.

Mentre si immergono nella vita familiare dei rispettivi partner, l’esperienza spinge i due amanti ad approfondire questioni più profonde sulla natura della loro relazione. Simile a “A Merry Little Ex-Mas”, la commedia romantica britannica diretta da Jim O’Hanlon esplora i legami familiari e le sfide dell’amore, ambientata durante il periodo natalizio. Entrambe le storie presentano vacanze caotiche e personaggi eccentrici.

Dear Christmas (2020)

“Dear Christmas” di Lifetime, diretto da Emily Moss Wilson, è la storia di Natalie Morgan (Melissa Joan Hart), conduttrice del popolare podcast “Holiday Love”, che racconta storie d’amore natalizie. I suoi ascoltatori e il mondo la considerano un’esperta in materia. Tuttavia, nonostante la sua immagine pubblica, lei stessa non ha mai provato l’amore. Mentre è tornata nella sua città natale per Natale, si ritrova inaspettatamente attratta dal pompiere locale Chris Massey (Jason Priestley), dando vita a un’avventura natalizia all’insegna dell’amore e dell’intesa. Il film drammatico romantico, grazie alla sua rappresentazione di relazioni complesse, al tema del Natale e alle storie d’amore inaspettate, è spiritualmente legato al mondo di “A Merry Little Ex-Mas” e ai suoi personaggi.

Holidate (2020)

Diretto da John Whitesell, “Holidate” di Netflix è la storia di Sloane Benson (Emma Roberts), che incrocia Jackson Piretti (Luke Bracey) in un negozio durante il periodo natalizio. Essendo entrambi single, escogitano un piano insolito, ovvero fingere di essere amanti l’uno dell’altra fino alla fine delle vacanze. Sperando di costruire un’immagine falsa di felicità davanti agli altri, le loro vite si complicano quando iniziano a provare sentimenti l’uno per l’altra. Sulla falsariga di “A Merry Little Ex-Mas”, questa commedia romantica presenta una dinamica complessa tra i due personaggi principali. Nelle storie, i personaggi hanno difficoltà ad attenersi a piani meccanicamente progettati a causa delle complessità dell’amore.

Il diario segreto di Noel (The Noel Diary, 2022)

Basato sull’omonimo libro di Richard Paul Evans, “The Noel Diary” è la storia di un autore di nome Jacob Turner (Justin Hartley). Tornato a casa dopo vent’anni, deve sistemare il patrimonio della madre recentemente scomparsa prima di Natale. Mentre smista due decenni di disordine nella tenuta, scopre un vecchio diario appartenente a una donna di nome Noel Ellis (Essence Atkins), che potrebbe contenere segreti sul suo passato. Proprio mentre entra in possesso del diario, incrocia Rachel Campbell (Barrett Doss), la figlia di Noel. Diretto da Charles Shyer, il film romantico-comico-drammatico natalizio di Netflix tratta di amore, famiglia e segreti. Come “A Merry Little Ex-Mas”, celebra il tema del Natale, ma allo stesso tempo esplora le emozioni e le relazioni familiari attraverso le esperienze dei personaggi principali.

Non ti presento i miei (Happiest Season) (2020)

“Happiest Season” di Hulu, una commedia romantica diretta da Clea DuVall, racconta la storia di due amanti, Abby Holland (Kristen Stewart) e Harper Caldwell (Mackenzie Davis). Il legame tra le due si complica quando Harper invita Abby alla vacanza di Natale della sua famiglia, avendo tenuto segreta la sua identità sessuale. Questo segreto, mantenuto dalla sua amante, porta il caos nella vita di Abby e costringe entrambe le donne ad affrontare problemi di fiducia e altre difficoltà. Come “A Merry Little Ex-Mas”, il film esplora le sfide romantiche impreviste affrontate dai personaggi principali. I concetti di famiglia e lealtà giocano un ruolo fondamentale nelle narrazioni, entrambe ambientate durante il periodo natalizio. Anche le scelte visive dei film li collegano a livello spirituale.

Love Hard (2021)

In “Love Hard” di Netflix, una giornalista di Los Angeles di nome Natalie Bauer (Nina Dobrev) crede che la sua fortuna in amore sia cambiata dopo aver conosciuto un bel ragazzo di nome Tag (Darren Barnet) su un’app di incontri. Impulsivamente, vola a New York per fargli una sorpresa durante le vacanze, solo per scoprire di essere stata ingannata da Josh Lin (Jimmy O. Yang), che ha usato l’identità di Tag online. Questo porta a emozioni complesse, connessioni inaspettate e caos nella vita della protagonista e dei due uomini in questa commedia romantica diretta da Hernán Jiménez. Sulla falsariga di “A Merry Little Ex-Mas”, la storia presenta dinamiche caotiche tra i personaggi e descrizioni stratificate del romanticismo, completate dal sapore del Natale.

Last Christmas (2019)

Diretto da Paul Feig, “Last Christmas” segue Kate Andrich (Emilia Clarke), una giovane donna che lavora come elfo in un negozio natalizio a Londra. Messa alla prova dalla sua tendenza a prendere decisioni sbagliate, Kate sta attraversando una fase caotica, ma spera comunque di raggiungere il successo come musicista. La sua vita cambia inaspettatamente quando incontra Tom Webster (Henry Golding), un uomo affascinante e misterioso che la spinge ad affrontare il suo passato e a riscoprire la gioia. Ispirato alla musica di George Michael e degli Wham!, questo film commedia romantica britannico approfondisce l’intrigante relazione tra Kate e Tom mentre affrontano sfide impreviste. Grazie al suo commento sulle relazioni, all’utilizzo di temi natalizi e ai complessi personaggi principali, il film è collegato al mondo di “A Merry Little Ex-Mas” e ai suoi personaggi.

An Unexpected Christmas (2021)

In “An Unexpected Christmas” della Hallmark, per evitare di turbare la sua famiglia durante il Natale, Jamie (Tyler Hynes) convince la sua ex fidanzata Emily (Bethany Joy Lenz) a fingere che siano ancora una coppia dopo un incontro casuale alla stazione ferroviaria della sua città natale. L’ex coppia trascorre una settimana a casa della sua famiglia, impegnandosi in varie attività festive come parte della loro elaborata bugia. Tuttavia, continuando a partecipare all’inganno, potrebbero scoprire di provare ancora qualcosa l’uno per l’altra. Questo porta a dinamiche caotiche e inaspettate tra i due. Diretto da Michael Robison, questo film drammatico romantico ricorda “A Merry Little Ex-Mas” per la sua rappresentazione delle dinamiche familiari, delle situazioni caotiche, delle storie d’amore inaspettate e per i toni visivi simili.

EXmas (2023)

“EXmas” di Amazon Freevee è la storia di Ali Moyer (Leighton Meester) e Graham Stoop (Robbie Amell), due persone che in passato erano fidanzate. Nonostante la separazione, Ali ha ancora un rapporto sano con la famiglia del suo ex fidanzato. Quando Graham torna a casa per Natale, rimane scioccato nel vedere che Ali è l’ospite d’onore e una parte fondamentale dei festeggiamenti. Questo porta a una situazione difficile per entrambi, poiché devono affrontare contemporaneamente i sentimenti passati e quelli presenti. Mentre Graham spera di convincere Ali ad andarsene in qualche modo, lei intende affermare la sua presenza. Man mano che le festività natalizie diventano caotiche, i personaggi principali affrontano situazioni che potrebbero cambiare i loro sentimenti reciproci.

Il film commedia romantica, diretto da Jonah Feingold, presenta delle somiglianze con “A Merry Little Ex-Mas”, poiché è ambientato in un contesto familiare durante il periodo natalizio. Le due storie sono fortemente collegate, poiché entrambe trattano di una coppia che si è separata. Nelle narrazioni sono comuni i temi dell’amore perduto, delle nuove relazioni e degli elementi caotici della trama.

Gli anni Duemila hanno rappresentato una vera età dell’oro per il cinema adolescenziale. Mentre titoli come Mean Girls, Superbad o American Pie sono entrati stabilmente nell’immaginario collettivo, molte altre produzioni dello stesso periodo sono finite progressivamente nell’ombra. Alcune non riuscirono a imporsi al botteghino, altre furono accolte con freddezza dalla critica, altre ancora vennero semplicemente sommerse dall’enorme quantità di teen movie che Hollywood produceva in quegli anni.

Eppure, riguardando oggi quel periodo, emerge chiaramente come molte di queste opere abbiano saputo intercettare lo spirito della loro generazione con una sensibilità che meriterebbe una nuova rivalutazione. Tra adattamenti shakespeariani, satire sociali, commedie romantiche e racconti di formazione, questi film rappresentano una fotografia preziosa di un’epoca che il cinema contemporaneo sembra aver definitivamente abbandonato.

Get Over It (2001)

All’inizio degli anni Duemila Hollywood attraversò una vera e propria fase di riscoperta di William Shakespeare in chiave adolescenziale. Dopo il successo di 10 cose che odio di te, numerosi studios cercarono di replicarne la formula e Get Over It fu uno dei tentativi più interessanti, anche se oggi è probabilmente uno dei meno ricordati.

Il film racconta la storia di Berke Landers, uno studente disposto a tutto pur di riconquistare la sua ex fidanzata, arrivando persino a partecipare a un musical scolastico ispirato a Sogno di una notte di mezza estate. Ciò che rende il film particolarmente affascinante oggi è il suo cast: Ben Foster, Kirsten Dunst, Mila Kunis, Zoe Saldaña, Colin Hanks e Shane West condividono lo schermo in una sorta di capsula temporale della futura Hollywood. Nonostante il risultato deludente al botteghino e recensioni non particolarmente entusiaste, il film conserva una freschezza che molte produzioni più celebrate dell’epoca hanno perso nel tempo.

Non è un’altra stupida commedia americana (Not Another Teen Movie, 2001)

Nel panorama delle parodie cinematografiche degli anni Duemila, poche opere sono sopravvissute alla prova del tempo. La maggior parte di quei film si limitava ad accumulare gag e riferimenti senza costruire una vera narrazione. Not Another Teen Movie, invece, riuscì nell’impresa più difficile: prendere in giro il genere senza distruggerlo.

Il film smonta sistematicamente tutti i cliché delle commedie adolescenziali degli anni Ottanta e Novanta, dai quarterback popolari alle ragazze invisibili che diventano improvvisamente bellissime togliendo gli occhiali. Il risultato è una satira intelligente che funziona ancora oggi proprio perché nasce da una sincera conoscenza del materiale originale. La presenza di un giovane Chris Evans, molto prima del successo nel g, contribuisce ulteriormente al fascino di una pellicola che da semplice spoof movie è diventata negli anni un autentico cult generazionale.

She’s the Man (2006)

Prima che Amanda Bynes scomparisse progressivamente dalle scene, era una delle figure più riconoscibili del cinema adolescenziale americano. Tra i suoi lavori più riusciti c’è senza dubbio She’s the Man, una libera reinterpretazione della Dodicesima notte di Shakespeare.

La protagonista decide di fingersi il fratello per poter continuare a giocare a calcio in una squadra maschile dopo la chiusura della squadra femminile della sua scuola. Dietro l’apparente leggerezza della premessa si nasconde una riflessione sorprendentemente moderna sulle aspettative sociali e sugli stereotipi di genere. Inoltre il film rappresenta uno dei primi ruoli importanti per Channing Tatum, destinato pochi anni dopo a diventare una delle star più richieste di Hollywood. Alcune gag mostrano inevitabilmente il peso degli anni, ma il cuore del racconto continua a funzionare ancora oggi.

Il mio ragazzo è un bastardo (John Tucker Must Die) (2006)

Le revenge comedy hanno sempre trovato terreno fertile nel cinema adolescenziale, ma poche sono riuscite a combinare ironia e intrattenimento con la stessa efficacia di John Tucker Must Die. Il film parte da una premessa semplice: tre ragazze scoprono di essere state tradite contemporaneamente dallo stesso ragazzo e decidono di allearsi per vendicarsi.

Quello che avrebbe potuto trasformarsi in una commedia superficiale si rivela invece un prodotto estremamente consapevole del proprio pubblico. Jesse Metcalfe interpreta perfettamente il ruolo del seduttore narcisista, mentre Brittany Snow, Sophia Bush, Arielle Kebbel e Ashanti formano un gruppo di protagoniste capaci di dare ritmo e personalità alla storia. Il successo commerciale fu notevole, ma sorprendentemente il film viene citato molto meno rispetto ad altre commedie romantiche coeve che hanno avuto un impatto culturale inferiore.

La ragazza della porta accanto (The Girl Next Door, 2004)

A prima vista The Girl Next Door sembra una variazione sul tema della fantasia adolescenziale per eccellenza: il ragazzo modello che si innamora della nuova vicina di casa. Tuttavia il film riesce rapidamente a superare la propria premessa e a trasformarsi in qualcosa di più interessante.

Emile Hirsch offre una delle interpretazioni più convincenti della sua carriera nei panni di Matthew, mentre Elisha Cuthbert costruisce un personaggio molto più sfaccettato di quanto la trama lasci inizialmente immaginare. La scoperta del passato della ragazza come attrice pornografica diventa il punto di partenza per una riflessione sul pregiudizio, sulla maturazione emotiva e sulle scelte che definiscono l’identità individuale. Con il passare degli anni il film è stato spesso rivalutato e oggi viene considerato uno dei coming-of-age più sottovalutati dell’intero decennio.

Josie and the Pussycats (2001)

Quando uscì nelle sale, Josie and the Pussycats venne accolto come un fallimento commerciale e critico. Oggi, a distanza di oltre vent’anni, la percezione del film è radicalmente cambiata.

L’adattamento dei personaggi Archie Comics si è rivelato infatti una satira sorprendentemente lucida dell’industria musicale, del consumismo e della cultura del branding. Alan Cumming e Parker Posey interpretano due antagonisti memorabili, mentre il racconto anticipa temi che negli anni successivi sarebbero diventati centrali nel dibattito culturale. Rivederlo oggi significa scoprire un film molto più intelligente e profetico di quanto fosse stato riconosciuto nel 2001.

Saved! (2004)

Pochi film adolescenziali hanno osato affrontare temi religiosi con la stessa ironia corrosiva di Saved!. Ambientato in un liceo cristiano, il film utilizza la satira per mettere in discussione ipocrisie, moralismi e rigidità ideologiche.

Jena Malone guida un cast che comprende anche Mandy Moore, Macaulay Culkin e Patrick Fugit, dando vita a personaggi che sfuggono continuamente agli stereotipi. Le polemiche suscitate da alcune associazioni religiose contribuirono a limitarne la diffusione, ma col tempo il film è stato progressivamente rivalutato. Oggi appare persino più attuale rispetto alla sua uscita, grazie alla capacità di affrontare temi complessi senza rinunciare all’umorismo.

Nick & Norah – Tutto accadde in una notte (Nick & Norah’s Infinite Playlist, 2008)

Tra le commedie romantiche adolescenziali degli anni Duemila, poche riescono a catturare il senso di smarrimento e di possibilità della giovinezza quanto Nick & Norah’s Infinite Playlist. Ambientato nell’arco di una sola notte a New York, il film segue due ragazzi alla ricerca di un concerto segreto mentre imparano lentamente a conoscersi.

Michael Cera e Kat Dennings costruiscono una chimica naturale e credibile, lontana dalle convenzioni più artificiose del genere. La colonna sonora indie e l’atmosfera urbana contribuiscono a rendere il film un perfetto ritratto della generazione pre-social network. Nonostante le ottime recensioni e il buon successo commerciale, oggi viene citato molto meno di quanto meriterebbe.

Charlie Bartlett (2007)

Charlie Bartlett è uno di quei film che sembrano destinati a diventare classici e che invece, per ragioni difficili da spiegare, finiscono per essere dimenticati. La storia segue un ragazzo proveniente da una famiglia benestante che diventa una sorta di terapeuta clandestino per gli studenti del suo nuovo liceo.

Anton Yelchin offre una performance straordinaria, supportato da un Robert Downey Jr. particolarmente ispirato nel ruolo del preside. Il film affronta temi come l’alienazione adolescenziale, il bisogno di ascolto e la ricerca di identità con una maturità rara nel genere. Dopo la scomparsa prematura di Yelchin nel 2016, Charlie Bartlett assume inoltre un valore ulteriore come testimonianza del talento di uno degli attori più promettenti della sua generazione.

Ghost World (2001)

Se esiste un titolo di questa lista che merita davvero di essere riscoperto dalle nuove generazioni, quello è Ghost World. Diretto da Terry Zwigoff e tratto dal graphic novel di Daniel Clowes, il film racconta l’amicizia tra due adolescenti incapaci di trovare il proprio posto nel mondo dopo il diploma.

Thora Birch e Scarlett Johansson offrono due interpretazioni straordinarie, mentre Steve Buscemi regala una delle prove più memorabili della sua carriera. A differenza di molte commedie teen dell’epoca, Ghost World non cerca di rassicurare lo spettatore né di fornire facili risposte. È un racconto malinconico, ironico e profondamente umano sulla difficoltà di crescere. La candidatura all’Oscar per la sceneggiatura adattata e il successivo ingresso nella Criterion Collection confermano il suo status di autentico classico contemporaneo.

Spesso capita che film cinematograficamente parlando molto modesti siano dei veri e propri successi di pubblico, questo perché presentano scene, story line e dinamiche così assurde da diventare istant cult. Ecco di seguito 10 film orribili ma estremamente divertenti che non vorreste mai perdervi:

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Durante le feste di Natale la programmazione di film natalizi in televisione e al cinema regna sovrana ma perché non gustarsi una versione alternativa del Natale in uno di questi dieci film che vi proponiamo?

10 KISS KISS BANG BANG

Diretto da Shana Black che ama ambientare i propri film durante il natale, non coinvolge le feste direttamente ma possiamo gustarci Michelle Monaghan in un sexy abito da Babbo Natale.

9 GREMLINS

L’agghiacciante storia di Babbo Natale con risate e momento memorabili, vero e proprio cult.

8 IN BRUGES

Il divertente film che ha come sfondo il natale e tante grottesche scene con Colin Farrell, Ralph Fiennes e Brendan Gleeson.

7 EYES WIDE SHUT

L’ultimo memorabile film di Stanley Kubrick ambientato per la prima parte durante le festività natalizie in una New York diversa da quella tipica del Natale che conosciamo al cinema.

6 ROCKY IV

Probabilmente nessuno se ne è accordo ma l’incontro tra Rocky Balboa e Ivan Drago si svolge proprio il 25 di Dicembre.

5 BRAZIL

Terry Gilliam ci regala un natale molto alternativo e decisamente da gustarsi sotto l’albero.

4 Arma Letale

Classico dell’action ancora una volta scritto e diretto da Shane Black e ambientato durante il natale.

Una poltrona per due

Off topic perché da noi è diventato un cult natalizio per eccellenza grazie alla programmazione su Italia 1, ormai ventennale.

2 Spy

Acton movie divertente che si apre con l’allora giovane e sexy Geena Davis come Mrs. Claus

DIE HARD 2

Il sequel di Die Hard si svolte proprio durante la vigilia di Natale. Se avete fatto il pieno di zuccheri durante le feste, cosa c’è di meglio di un po’ del cinismo di John McClane.

I film elencati non sono da considerasi film natalizi ma sono ugualmente ambientati durante il natale, per qualcosa di alternativo e meno zuccheroso dei classici film.

L’elenco racchiude tanti film diversi e che ripercorrono la storia del cinema dagli anni 80 in poi, citando film cult a blockbuster di enorme successo. Basta citare Eyes Wide Shut del grande Stanley Kubrick, da tutti considerato il più grande regista della storia del cinema,  all’epico secondo episodio del franchise Die Hard con protagonista Bruce Willis nei panni del leggendario John McClane.

Il DCEU continua ad espandersi, con l’arrivo di film quali The Suicide Squad, The Flash e Black Adam. Tuttavia, nel corso degli anni sono stati numerosi i progetti dedicati alle proprietà DC che sono stati cancellati. Screen Rant ha raccolto 10 film mai realizzati che avrebbero potuto cambiare le sorti del DCEU:

The Batman di Ben Affleck

Subito dopo l’uscita di Batman v Superman, la Warner Bros. aveva confermato che Ben Affleck avrebbe co-sceneggiato, diretto, interpretato e prodotto un nuovo film da solista sul Cavaliere Oscuro intitolato The Batman. Come stabilito alla fine della Snyder Cut di Justice League, quel film avrebbe visto Batman scontrarsi con Deathstroke (Joe Manganiello) e anche con l’Enigmista.

Se quel film avesse visto la luce, oggi non avremmo avuto il film di Matt Reeves in uscita il prossimo anno e nemmeno la serie spin-off dedicata al Dipartimento di polizia di Gotham City.

Superman Lives

La tragedia dietro il riavvio di Superman negli anni ’90 è ben documentata. Dopo Batman – Il ritorno, Tim Burton venne assunto dalla Warner Bros. per un nuovo film di Superman con Nicholas Cage nei panni dell’Uomo d’Acciaio. Intitolato Superman Lives (ma noto anche come Superman Reborn), il film era vagamente ispirato agli eventi della popolare graphic novel “La morte di Superman” e avrebbe incluso anche personaggi come Brainiac, Lex Luthor e (forse) Doomsday.

Il film non ha mai visto la luce, e alla fine ha portato a Superman Returns, il cui flop portà lo studio a mettere in cantiere un nuovo riavvio, ossia L’uomo d’acciaio, che diede poi vita ufficialmente al DCEU. Se Superman Lives fosse uscito e fosse stato un successo, il DCEU forse non sarebbe stato quello che è oggi. 

Cyborg

Nel lontano 2014, la Warner Bros. rivelò i suoi ambiziosi piani per il DCEU dopo Batman v Superman. Questi piani comprendevano due sequel di Justice League e film da solista per tutti gli eroi protagonisti di quel film. Aquaman e Wonder Woman hanno effettivamente visto la luce, mentre The Flash arriverà il prossimo anno. Tuttavia, l’unico film ad essere stato totalmente cancellato è quello dedicato a Cyborg, forse perché la Warner Bros non aveva fiducia nel progetto, o forse a causa delle recenti accuse di Ray Fisher allo studio.

Se il film su Cyborg fosse stato completato, probabilmente avrebbe visto l’introduzione del principale avversario di Victor Stone, ossia Grid, ma sarebbe stato anche il primo film del DCEU ad avere come protagonista un attore nero.

Justice League Mortal

Intorno al 2007, prima dell’uscita de Il cavaliere oscuro di Christopher Nolan, la Warner Bros. tentò per la prima volta di realizzare un film sulla Justice League. Il titolo era Justice League Mortal, sarebbe dovuto uscire nell’estate del 2009 e sarebbe stato diretto dal creatore della serie di Mad Max, George Miller.

Maxwell Lord doveva il cattivo principale, mentre la Lanterna Verde di John Stewart sarebbe stata parte della squadra (interpretata da Common, che in seguito sarebbe apparso in Suicide Squad). Alla fine, la Writers Strike del 2007-2008 e il successo de Il cavaliere oscuro convinsero la Warner Bros. a cancellare il film. Ciò significa che la spinta a creare finalmente un film sulla Justice League avrebbe portato avanti il ​​DCEU.

New Gods

Poco dopo l’uscita di Justice League, la regista di Selma – La strada per la libertà Ava DuVernay ha firmato per dirigere un film basato sulla serie a fumetti New Gods, creata dal leggendario Jack Kirby (di cui Darkseid, Steppenwolf e Apokolips fanno tutti parte). In effetti, New Gods aveva lo scopo di espandere direttamente la backstory di Darkseid e il mondo accennato nel taglio originale di Justice League ad opera di Zack Snyder.

Poco dopo la recente uscita della Snyder Cut, tuttavia, la Warner Bros. ha annunciato che New Gods è stato ufficialmente cancellato, il che significa che non ci sono più film in produzione con al centro il più grande cattivo dell’universo DC, ossia Darkseid. 

Lanterna Verde 2

Intorno al 2010, il futuro sembrava essere molto promettente per il film Lanterna Verde con Ryan Reynolds. Non sarebbe uscito fino al 2011, ma la Warner Bros. era così fiduciosa nel suo successo che commissionò già un sequel, con piani per una vera e propria trilogia che avrebbe fatto partire un intero universo DC condiviso, che probabilmente si sarebbe poi connesso a L’uomo d’acciaio.

Lanterna Verde aveva anticipato diversi personaggi che sarebbero poi stati importanti per l’attuale DCEU, tra cui Amanda Waller (Angela Bassett) e Sinestro (Mark Strong) che brandisce l’anello della Lanterna Gialla. Sfortunatamente, il film è stato un fallimento sia di critica che di pubblico. Per questo, Lanterna Verde non è mai diventato l’inizio del DCEU che conosciamo oggi. 

Harley Quinn vs The Joker/Gotham City Sirens

Sulla scia del successo di Suicide Squad, diversi film con Harley Quinn come protagonista sono stati annunciati dalla Warner Bros, con l’ipotesi che anche Suicide Squad 2 fosse in cantiere.

Birds of Prey di Cathy Yan è stato il primo ad arrivare, ma altri due erano in fase di sviluppo: Gotham City Sirens, diretto da David Ayer (regista di Suicide Squad), e Harley Quinn vs The Joker, che avrebbe riportato sul grande schermo il Clown Principe del Crimine di Jared Leto. Se questi film fossero stati realizzati, l’imminente The Suicide Squad di James Gunn forse non avrebbe mai visto la luce. 

Batman vs Superman

Tra Batman & Robin (1997) e Batman Begins (nel 2005), non sono stati rilasciati film DC importanti, ma diversi progetti erano stati pianificato. Il più grande messo in cantiere all’epoca è stato Batman vs Superman, che sarebbe dovuto uscito prima di Batman Begins e Superman Returns, e circa dieci anni prima di Batman v Superman: Dawn of Justice.

Il film era ambientato dopo la morte di molti dei più stretti alleati di Batman e Superman, con Lex Luthor che aveva escogitato un complotto per convincerli a combattere tra di loro. Christian Bale era stato effettivamente considerato il ruolo di Batman, mentre Josh Hartnett per quello di Superman. Ironia della sorte, la Warner Bros. alla fine ha cancellato il film perché considerato “troppo dark”.

The Flash di Phil Lord & Chris Miller

Anche se Cyborg è stato cancellato senza che venisse neanche ingaggiato un regista, nessuno dei membri della Justice League ha avuto un percorso così difficile per arrivare sullo schermo come il film The Flash con Ezra Miller. Anche ignorando il fatto che la Warner Bros. stava cercando di portare un film su Barry Allen nei cinema dalla fine degli anni ’80, la versione del DCEU è passata nelle mani di tantissimi registi ed era originariamente prevista per marzo 2018, pochi mesi dopo l’uscita di Justice League.

Inizialmente destinato a essere diretto da Phil Lord & Chris Miller, il duo dietro The LEGO Movie e Spider-Man: Un nuovo universo alla fine abbandonò il progetto. Ora, anni dopo, The Flash si è trasformato in un film totalmente folle che potrebbe riavviare l’intero DCEU. 

Justice League 2

Di gran lunga la più grande vittima del DCEU – e quella di cui i fan della Justice League di Zack Snyder lamentano la perdita – è il sequel del cinecomic uscito in origine nel 2017. La Warner Bros. aveva incaricato Zack Snyder di guidare il DCEU, e ciò comprendeva almeno due film sulla Justice League. Tuttavia, a seguito della tiepida accoglienza riservata a Batman v Superman, lo studio ha cambiato i suoi piani e ha optato per un solo film dedicato alla Justice League.

Piano piano, la WB iniziò a smantellare l’idea di uno SnyderVerse, soprattutto dopo che Snyder abbandonò Justice League nel bel mezzo della produzione. La Snyder Cut e gli storyboard emersi nel corso degli anni hanno anticipato quella che sarebbe dovuto essere una storia davvero epica che avrebbe collegato tutti i film del DCEU. Purtroppo, è qualcosa che non vedremo mai… 

Ci sono film che hanno raggiunto il successo globale e sono diventati dei blockbuster nonostante i loro protagonisti. A volte la storia, il cast secondario, la fotografia, la mano di un grande regista superano la star che dovrebbe essere al centro dell’azione. Ciò accade in ogni genere, dai drammi sentimentali ai film d’azione. Il fatto che alcuni eroi non abbiano un vero e proprio impatto sulla narrazione non è per forza un problema, anzi. Ci sono lungometraggi costruiti attorno ad un protagonista debole che funzionano proprio per questo motivo. Vediamo 10 grandi titoli!

I predatori dell’arca perduta (1981)

Un film cult d’avventura è I predatori dell’arca perduta. In questo capitolo della saga di Indiana Jones però, il protagonista (Harrison Ford) non fa nulla di essenziale per il funzionamento della storia.

Ogni possibile sviluppo della trama del film sarebbe rimasto invariato anche senza Indy. Tutti vedono lui come l’eroe della storia, ma in realtà è solo uno spettatore che assiste con Marion (Karen Allen) alla risoluzione finale del film. Sono i nazisti stessi che, aprendo l’Arca dell’Alleanza, si uccidono inavvertitamente.

Terminator 3: Le macchine ribelli (2003)

Terminator 3: Le macchine ribelli non è il film più apprezzato della saga. Per molti è il primo di una serie di pessimi sequel, ma in ogni caso va riconosciuto che il finale è davvero d’impatto. Dopo aver tentato di fermare la distruzione nucleare, John Connor (Arnold Schwarzenegger) scopre che non c’è modo di prevenirla: deve solo lasciare che accada.

Questa conclusione non sarebbe possibile senza l’inutilità di Terminator. Il protagonista si arrende di fronte alla minaccia nucleare, perdendo tutte le sue qualità eroiche. Un gran finale per un brutto film, che però banalizza l’intero ruolo di John nel film, qui ben lontano dalla centralità dei primi due film.

The Batman (2022)

Il film sul Cavaliere Oscuro di Matt Reeves racconta un nuovo aspetto dell’eroe. The Batman è un dramma poliziesco in cui il protagonista viene rappresentato come ”il più grande detective del mondo”. È la prima volta che questo aspetto di Batman viene esplorato in un film. Va però detto che in realtà le abilità investigative di Robert Pattinson hanno poco effetto sugli eventi.

Anche se Batman capisce che una bomba dell’Enigmista (Paul Dano) potrebbe essere posizionata nelle Wayne Towers, non riesce a fermare l’attacco. Inoltre, l’eroe non è in grado di salvare Gil Colson (Peter Sarsgaard) quando è intrappolato né di impedire l’allagamento di Gotham. L’unica cosa che Batman riesce a fare nelle tre ore di film è aiutare un paio di persone minacciate dai seguaci dell’Enigmista.

Con Air (1997)

Nel film cult Con Air, un gruppo di prigionieri viene trasportato da un penitenziario all’altro con un aereo. Su quell’aereo c’è anche Poe Cameron (Nicolas Cage), che è stato ingiustamente condannato per un crimine che non ha mai commesso. Quando i prigionieri dirottano l’aereo, Poe semplicemente osserva come uno spettatore ciò che accade attorno a sé: tutto quello che vuole è essere riunito con la sua famiglia.

Poe è la bussola morale del film ma, nel grande schema della narrazione, è inutile se non dannoso. Infatti, la maggior parte delle azioni compiute dal protagonista hanno conseguenze terribili: a causa sua viene ucciso un poliziotto sotto copertura e un serial killer riesce a fuggire.

Bastardi senza gloria (2009)

I protagonisti di Bastardi senza gloria di Quentin Tarantino forse non sono stati sfruttati al massimo. Alcuni Bastardi non hanno nemmeno una battuta e, a parte i principali Brad Pitt e Christoph Waltz, rimangono complessivamente per poco tempo sulla scena.

Anche a livello narrativo, alla fine i Bastardi si rivelano poco importanti. L’enorme complotto messo in piedi per uccidere Adolf Hitler nel cinema era già stato pianificato da Shosanna. Donny spara senza pietà a Hitler con una mitragliatrice, ma il dittatore è già morto. Inoltre, siccome si trattava di una missione suicida, Donny e Omar finiscono per uccidersi per niente.

La guerra dei mondi (2005)

La guerra dei mondi di Steven Spielberg riprende una storia già nota ma, come accade in molti film del regista, Spielberg trasforma il materiale originale. Da una storia su un’invasione aliena esce fuori un dramma sul rapporto padre (Tom Cruise) e figlia (Dakota Fanning).

Nonostante ciò, il finale del film non dipende minimamente dalle azioni di Ray nei confronti di Rachel. Anche se i due fossero stati uccisi nelle prime scene del film, La guerra dei mondi sarebbe finita, come sempre, con gli alieni che muoiono a causa di un raffreddore.

Chinatown (1974)

I parallelismi tra The Batman e questo film cult del 1974 sono numerosi. Il protagonista di Chinatown, il detective Jake Gittes, è assunto per seguire un uomo accusato di avere una relazione clandestina. Come in tutti i grandi film polizieschi, la ricerca conduce Gittes in una tana molto più minacciosa. Proprio come Batman di Matt Revees, Gittes è sempre un passo indietro: per lui è impossibile fermare qualcosa che è già troppo grande prima ancora dell’inizio del film.

Watchmen (2009)

Watchmen è uno dei film di supereroi più lunghi di sempre, ma nelle sue due ore e mezza di durata non succede molto. Nonostante il cast vasto e la narrazione stratificata, per la maggior parte del tempo la cinepresa segue Gufo Notturno II (Patrick Wilson) e Rorschach (Jackie Earle Haley), rendendoli i protagonisti del film.

Durante tutto Watchmen, i due supereroi tentano di sabotare un enorme complotto terroristico, ma falliscono nel loro intento. Quando finalmente si trovano faccia a faccia con Ozymandias, il cattivo rivela che il suo piano è già stato realizzato, stava semplicemente giocando con i suoi ex partner.

Eternal Sunshine Of The Spotless Mind (2004)

Questo non è un film di supereroi o d’azione, ma anche nel dramma sentimentale Eternal Sunshine of the Spotless Mind – Se mi lasci ti cancello il protagonista non ha alcun effetto sulla narrazione. Dopo essersi lasciato con Clementine (Kate Winslet), Joel Barish (Jim Carrey) decide di affidarsi ad un medico per cancellare qualsiasi ricordo della sua ex. Non appena prende parte all’operazione, Joel si pente della scelta fatta e, per tutto il fllm, cerca invano di aggrapparsi ai ricordi che via via sfuggono.

Sempre parlando di Jim Carrey, c’è un altro film in cui l’eroe protagonista è letteralmente un burattino privo di scampo: The Truman Show. Questa volta però, il finale dà una svolta alla condizione del personaggio principale.

Kick-Ass (2010)

Kick-Ass segue l’avventura di un adolescente (Aaron Taylor-Johnson) che decide di diventare un eroe e combattere il crimine per proteggere le strade di Staten Island. Anche se il protagonista riesce a salvare un paio di bambini e insegna agli uomini come difendersi, all’interno della narrazione principale Kick-Ass è del tutto inutile.

L’eroe non influisce sulla trama perché il conflitto centrale è tra Big Daddy (Nicolas Cage) e la mafia. In seguito, quando Big Daddy viene ucciso, il film diventa la revenge story di Hit-Girl. L’unico reale effetto che Kick-Ass ha sulla storia si vede quando, inavvertitamente, causa la cattura e la morte di Big Daddy.

Il nuovo live-action Disney Pinocchio riporta sul grande schermo il nemico del film originale: Postiglione (Luke Evans). Ancora una volta, il losco rapitore dei bambini non ottiene la punizione che merita. Ecco un altro personaggio cinematografico che appartiene al gruppo dei cattivi rimasti impuniti: nella storia del cinema, accade molto spesso che il nemico, seppur feroce, alla fine riesca a farla franca. Ecco dieci casi esemplari.

Ozymandias – Watchmen (2009)

Anche se inizialmente viene presentato come uno dei più grandi eroi rimasti al mondo, Ozymandias utilizza metodi controversi per ottenere i suoi obiettivi. In Watchmen, viene rivelato che Ozymandias è responsabile di un attacco che ha ucciso innumerevoli persone. Ozymandias vede il suo attacco come un atto veramente eroico che, a suo dire, impedisce lo scoppio di una guerra nucleare. In ogni caso, il personaggio meritava di essere punito per la distruzione messa in atto. Al contrario, quando gli eroi del film scoprono ciò che ha fatto Ozymandias, scelgono di tenere segreto l’attacco.

L’infermiera Mildred Ratched – Qualcuno volò sul nido del cuculo (1975)

La performance da Oscar di Jack Nicholson in Qualcuno volò sul nido del cuculo è nota a tutti, ma quella di Mildred Ratched è altrettanto iconica. Louise Fletcher interpreta l’infermiera che controlla e manipola i pazienti del noto ospedale psichiatrico.

Mildred Ratched è considerata uno migliori cattivi cinematografici di tutti i tempi, in grado di manipolare i suoi pazienti fino a portare una giovane paziente al suicidio. Il fatto che l’infermiera Ratched riesca a farla franca mostra la triste realtà del manicomio messo in scena da Forman.

Paul & Peter – Funny Games (1997)

Anche se contiene elementi che rompono la quarta parete, il film horror Funny Games è inquietante soprattutto perché è calato nella realtà. Il lungometraggio segue una famiglia che va in una casa vacanza e viene continuamente intimorita dagli scherzi di due giovani.

Il fatto che Paul e Peter agiscano in modo violento solo per divertirsi è davvero angosciante. Alla fine, la famiglia cade vittima dei due folli giovani. Non solo: il finale del film lascia aperta la possibilità che Paul e Peter continuino ad importunare gli innocenti.

Raymond Lemorne – Il mistero della donna scomparsa (1988)

Il thriller giallo olandese Il mistero della donna scomparsa segue le vicende di una donna scomparsa durante una vacanza in Francia con il compagno. Dopo la sparizione, il film mostra la ricerca senza fine della donna portata avanti dal fidanzato Rex Hofman.

Alla fine, Rex trova il rapitore: si tratta di Raymond Lemorne. Purtroppo però, anche questo personaggio è uno di quei cattivi che riescono a farla franca, come mostra l’inquietante finale de Il mistero della donna scomparsa.

Anton Chigurh – Non è un paese per vecchi (2007)

Continuando a parlare di cattivi, probabilmente l’elemento che rende Non è un paese per vecchi un’opera memorabile è il nemico principale: Anton Chigurh. Non motivato da denaro o vendetta, il personaggio interpretato da Javier Bardem è un assassino spietato e inarrestabile che non permette a nessuno di ostacolare il suo modo di ”lavorare”.

Nel corso del film dei fratelli Coen, Chigurh lascia una scia di corpi e, alla fine, è colui che riesce a mettere le mani sulla valigetta coi soldi. Fino alla scena di chiusura Chigurh mostra la sua forza: anche dopo che è stato colpito da una macchina, il cattivo si rialza e cammina via.

Noah Cross – Chinatown (1974)

Il neo-noir di Roman Polanski Chinatown segue l’indagine su un adulterio condotta dall’investigatore privato Jake Gittes. La situazione precipita velocemente e Gittes si trova ad indagare su una cospirazione che coinvolge una serie di personaggi cattivi.

Tra questi malviventi, spicca Noah Cross, un potente uomo d’affari che ha anche abusato della propria figlia. Il film si conclude tristemente con la morte della figlia di Cross e con la resa di Gittes: Noah appare come un nemico troppo potente da abbattere.

Amy Dunne – Gone Girl (2014)

Ecco un altro thriller che segue un uomo in cerca della compagna scomparsa: Gone Girl di David Fincher. Inizialmente, le prove fanno sospettare che il responsabile della scomparsa (e della morte) di Amy sia proprio il marito Nick. Tuttavia, il plot twist centrale rivela che Amy non solo è viva, ma sta addirittura cercando di incastrare Nick.

Amy è contorta: prima inventa una bugia e successivamente arriva ad uccidere per coprire le tracce del suo ritorno. Fino alla fine, Amy porta avanti i suoi magheggi e, tutto sommato, riesce ad agire indisturbata.

The Coachman – Pinocchio (1940)

I tratti più tenebrosi del classico Disney Pinocchio girano soprattutto attorno ai personaggi cattivi. Questo è vero soprattutto per Postiglione, il criminale che attira i ragazzi in fuga da casa e, con la promessa di una vita senza regole, li conduce nel Paese dei Balocchi.

https://www.youtube.com/watch?v=CklhBDut18c&feature=emb_title

Adescati i ragazzini, Postiglione li trasforma in asini da vendere. Nella scena terrificante del film in cui viene svelata l’attività del cattivo, Pinocchio riesce a sfuggire. Tuttavia, stando a quanto mostrato, Postiglione continua a praticare la sua vendita di ragazzi-asini.

Draco Malfoy – La saga di Harry Potter (2001-2011)

Fin dall’inizio della saga di Harry Potter, Draco Malfoy si presenta come un personaggio antipatico. Si tratta di un’arrogante studente di Hogwarts che si comporta in modo terribile con Harry e con gli altri compagni.

Alcuni pensano che Draco non sia completamente crudele, soprattutto se paragonato a cattivi come Voldemort. Tuttavia, nel corso della saga Draco cresce in malvagità e, alla fine, sembra che l’unico motivo per cui non arriva ad uccidere Harry Potter è per codardia. Nonostante tutti i suoi comportamenti, Draco Malfoy riesce sempre a farla franca.

Mr. Potter – La vita è meravigliosa (1946)

Il cult La vita è meravigliosa è un film edificante che contiene un messaggio importante e significativo. Eppure, anche un film così piacevole ha bisogno di un cattivo, ed è qui che entra in gioco Mr. Potter.

Si tratta di un anziano miserabile che s’interessa solo dei soldi. Potter convinto di poter far fallire George Bailey e di poter diventare l’unico finanziatore in città. Quando Mr. Potter trova il denaro di George, lo tiene per sé e prova a ricattare Bailey. Alla fine, la città si raduna intorno a George e cerca di salvarlo, ma Potter non viene mai scoperto: presumibilmente, il cattivo riesce a tenere i soldi per sé.

Anche se nella vita non va sempre così, al cinema, di solito, il bene vince sempre, o quasi! Ecco 10 film in cui è il villain a vincere la partita contro l’eroe. Qualunque sia l’esito della pellicola in questione, sulla bilancia finale, è il bad guy che la spunta.

10 film in cui è il villain a vincere

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I horror ingiustamente ignorati agli Oscar

Il mito del bad guy che è più affascinante dell’eroe o del buono in generale non viene smentito da questi film in cui, alla fine, si finisce anche per simpatizzare per il villain che trionfa, metaforicamente, sul buono.

Da che parte state voi? Preferite il cari vecchi eroi o i villain?

Non è detto che un cattivo non sappia ragionare: spesso nei film d’avventura e di supereroi, un nemico subdolo e geniale è ciò che rende il conflitto avvincente. Ci sono cattivi che hanno come unica forza la malvagità, mentre altri piacciono perché possiedono un movente valido agli occhi dello spettatore. C’è chi ha buone intenzioni, ma usa i mezzi sbagliati per soddisfarle e c’è chi ha un progetto sensato ma agisce in modo perverso. Ecco la lista dei film in cui il cattivo è comprensibile e, in una certa misura, ha delle motivazioni valide per comportarsi in modo spregevole.

The Batman: l’Enigmista è totalmente un cattivo?

Come’è stato rivelato da The Batman, molti dei cattivi più subdoli del film sono gli scarti della società imperfetta di Gotham City. L’Enigmista rappresenta l’inizio di una rivolta contro questi difetti, anche se i suoi metodi omicida e distruttivi non sono propriamente la giusta direzione per il cambiamento.

Sembra che l’Enigmista abbia capito che il problema a Gotham non sono i super criminali, ma i funzionari eletti che gestiscono la città. Speriamo che questa sfumatura continuerà ad essere esplorato nei sequel di The Batman e Joker.

Blade Runner

Parliamo ora del famosissimo film noir e fantascientifico Blade Runner. Il lungometraggio di Ridley Scott ha tra le varie figure Roy Batty un replicante che, come tutti, dovrebbe lavorare come schiavo nelle colonie extramondo. Batty sembra però voler vivere tra gli umani ed esplorare la propria coscienza. Per questo motivo, fugge sulla terra.

Roy Batty è un personaggio cattivo ma, in una certa misura, comprensibile. Il suo desiderio è più che lecito. Sfortunatamente, per raggiungere il suo scopo il replicante uccide diverse persone sul suo cammino e costringe Deckard a ritirarsi dalla sua carica.

Gone Baby Gone: Morgan Freeman è il poliziotto cattivo

Gone Baby Gone è un lungometraggio di Ben Affleck esplora le aree ombrose della vita cittadina ed è incentrato sul rapimento di un bambino. Nel film, Jack Doyle (Morgan Freeman) è la rappresentazione perfetta del cattivo moralmente accettabile: è lui, capo della polizia, che progetta il rapimento del piccolo. Per Doyle, l’azione è necessaria per salvare il bambino da una famiglia altamente problematica e per offrirgli una vita migliore.

Il film gioca molto sulla moralità e sul ruolo dei cattivi. Come lo spettatore, anche i personaggi di Gone Baby Gone faticano a decidere se l’azione del poliziotto sia giusta o sbagliata.

Inside Man

Inside Man è un fantastico film che parla di rapine. Inoltre, nel lungometraggio il regista Spike Lee include anche alcuni riferimenti ai suoi temi più cari: la lotta di classe e le questioni razziali. Il criminale Dalton Russell, interpretato incredibilmente dal carismatico Clive Owen, è pronto a rubare tutto ciò che può al ricco Arthur Case, interpretato da Christopher Plummer.

La vera rivelazione nel film è che Case è un nazista che, grazie alla sua ricchezza e potere, ha vissuto in pace per molti anni. In tutto ciò, Russell finisce per giocare inavvertitamente un ruolo cruciale nella consegna alla polizia di Case. In questo caso, il cattivo ”ladro” diventa un personaggio positivo rispetto al cattivo ”nazista”.

Fight Club – Brad Pitt è un cattivo a metà

Fight Club è un film cult anche grazie alla figura di Tyler Duren, personaggio magistralmente interpretato da Brad Pitt. Tyler è un antieroe incredibilmente avvincente, è solo una parte inconscia del personaggio di Edward Norton, ma rappresenta tutto il desiderio di cambiare lo status quo.

Anche se i suoi metodi per spingere al cambiamento sono distruttivi e non accettabili, Durden ha delle buone idee. Inoltre, è incredibilmente combattuto: ha una visione e un progetto positivi, ma rimane schiacciato e soffocato dal male.

Batman Begins

Che si tratti di Batman Begins di Nolan, di Arrow o delle pagine dei fumetti, Ra’s Ghul è un cattivo con un obiettivo molto chiaro: vuole purificare il mondo dal male utilizzando un metodo estremo, l’esecuzione. Come anche l’Enigmista, Ra’s agisce perché si rende conto di quanto Gotham sia diventata terribile e, mantenendo un punto di vista esteriore, cerca di fare a pezzi la città.

Il movente di Ra’s potrebbe renderlo un eroe, ma il piano di uccidere milioni di persone innocenti lo rende invece un cattivo. L’eroe rimane Batman, che ha il compito di fermare la sua azione scellerata.

Avengers: Infinity War

Tra i fan della Marvel, c’è chi fa il tifo per Thanos. Il Titano Pazzo è spinto per alcuni da validissime motivazioni: vuole rendere l’universo un posto migliore perché crede che sia sovrappopolato. Per raggiungere il suo scopo, Thanos decide di far fuori metà della popolazione.

Quello appena descritto è uno dei pochi cattivi che riesce, almeno in parte, a realizzare i propri intenti. Con Avengers – Infinity War, i fan stati in grado di vedere la conseguenza delle azioni di Thanos: devastando la popolazione sulla terra, il titano ha confermato di essere un cattivo.

A Few Good Men

Codice d’onore è un capolavoro apprezzatissimo dal pubblico e dalla critica. Nel film vediamo Jack Nicholson che mette in scena uno dei suoi migliori personaggi: il colonnello Nathan Jessep.

Jessep è un cattivo perché – come spiega lui stesso nell’iconico monologo – si trova costretto a fare scelte difficili. Proprio per questo motivo, Nicholson veste i panni di un cattivo estremamente comprensibile e compatibile anche agli occhi dello spettatore più pacifista.

Watchmen

In Watchmen, Ozymandias è l’uomo più intelligente del mondo e sa che la guerra sta arrivando. Inoltre, crede che l’unico modo per prevenirla sia rivoltare tutti contro quello che sembra essere un nemico comune: il Dottor Manhattan.

Il piano di Ozy causa però la morte di moltissime persone: è un crimine irredimibile, ma sembra essere l’unico modo per impedire la guerra nucleare. È accettabile uccidere milioni di vite per salvarne miliardi? Ozymandias è un cattivo e pensa di sì, ma gli eroi della storia non sono d’accordo.

Una pazza giornata di vacanza

Una pazza giornata di vacanza è un film degli anni Ottanta ma per la trama resta un classico potente ancora oggi. Nel film, il preside Rooney vuole solo che i suoi studenti vadano a scuola, il suo problema più grande è che Ferris sta saltando la lezione.

Ed Rooney è uno dei cattivi più leggeri di questa lista, ed è molto più caricaturale di altri. In ogni caso, per il contesto in cui è inserito, Rooney si conferma un personaggio cattivo, seppur mosso da ottime intenzioni.

Succede a volte che l’impatto di un singolo film, inaspettatamente, faccia avanzare l’industria cinematografica di anni: elevandosi immediatamente al di sopra degli altri, riesce a catalizzare l’attenzione nel modo in cui altri film non sarebbero mai riusciti. Vediamo la classifica degli utenti Reddit dei film in anticipo sui tempi!

Alien (1979)

Il film Alien del 1979 è uno degli horror fantascientifici più struggenti di sempre. Alcuni Redditor sostengono che il film fosse in anticipo sui tempi perché nessuno avrebbe mai creduto che fosse stato girato 40 anni fa! “Ridley Scott ha fatto un lavoro grandioso con un film così iconico“, aggiungono, sottolineando come Scott sia uno dei registi più visionari di questa generazione, specialmente quando si tratta di fantascienza.

Nonostante le innovazioni del film, i fan ammettono che negli ultimi secondi del film, quando l’alieno è risucchiato verso il cosmo ma ha ancora la forza e l’agilità per risalire a bordo della capsula aggrappandosi al tubo di scarico dei propulsori, è palese che si tratti di un costume indossato da una controfigura e quindi il finale del film non risulta altrettanto credibile e terrificante.

Quinto potere (1976)

Quinto potere è una black comedy sulla fittizia emittente televisiva UBS, che fa di tutto per superare i suoi scarsi ascolti. All’apparenza, sembra una semplice commedia provocatoria, ma in realtà era largamente in anticipo sui tempi.

In un’analisi sommaria sul film, gli utenti Reddit affermano che “le argomentazioni riguardanti il fatto che le notizie sono un servizio pubblico piuttosto che un’impresa di intrattenimento per fare soldi sono più rilevanti che mai“. Con così tante testate giornalistiche che privilegiano titoli clickbait rispetto ai contenuti soltanto per assicurarsi gli ascolti, Quinto Potere ha predetto l’attuale panorama dei notiziari con 40 anni di anticipo.

Chi ha incastrato Roger Rabbit? (1988)

Chi ha incastrato Roger Rabbit? è stato il primo film a intrecciare il live-action con l’animazione, e ancora oggi si parla di quanto il film abbia lasciato un segno nell’industria. Gli utenti Reddit sostengono che sia “ancora la migliore fusione di animazione tradizionale e live-action mai messa su pellicola“.

Indubbiamente uno dei migliori nel sottogenere, ci sono svariati esempi che mettono in luce l’impatto di Who Framed Roger Rabbit? anche nel 2021. Dato che l’ultimo tentativo di mescolare live-action con animazione è stato Space Jam: A New Legacy, che è stato stroncato dalla critica, il film del 1988 è ancora oggi intoccabile.

Stand by Me – Ricordo di un’estate

È difficile credere che Stand By Me sia basato su un racconto di Stephen King, dato che si tratta di uno dei pochi non horror dello scrittore. Ma, ironicamente, il film è uno dei migliori adattamenti cinematografici di King.

Anche se alcuni utenti Reddit pensano che mantenga ancora quella campiness tipica degli anni ’80, questa “si amalgama bene allo spirito del film, grazie al fatto di essere un’opera d’epoca ambientata negli anni ’50“. E siccome Stand By Me riguarda la gioventù e l’amicizia, è un film di formazione senza tempo, assolutamente innovativo per il 1986.

A qualcuno piace caldo (1959)

Per una commedia che ha più di 60 anni, è un’impresa incredibile che A qualcuno piace caldo non solo fosse in anticipo sui tempi, ma che resiste tuttora alla prova del tempo. Il film è amato dai fan Reddit che sottolineano come si rimanga “davvero sorpresi a constatare come non invecchi affatto“.

Il film del 1959 parla di due musicisti jazz che, dopo aver assistito ad un omicidio, per fuggire alla mafia, si travestono ed entrano in una band tutta al femminile, ma entrambi si innamorano della cantante. I due uomini sono in realtà altamente incompetenti e buffissimi, e il film presenta uno degli scambi di dialogo finali più iconici di sempre.

Jurassic Park (1993)

Quando si parla di film in anticipo sui tempi, Jurassic Park è uno dei titoli che non possono assolutamente mancare. Gli utenti Reddit concordano sul fatto che sia un film senza tempo, specificando che “l’unica cosa che lo rende datato è la moda dei personaggi“.

La CGI di Jurassic Park è migliore degli effetti visivi della maggior parte dei film usciti oggi e la ragione per cui è così grandiosa è che questa e gli effetti pratici sono combinati senza soluzione di continuità, rendendo così la CGI innovativa il motivo per cui Jurassic Park resiste ancora oggi. E anche se il reparto costumi è effettivamente rappresentativo degli anni ’90, questi sono altrettanto iconici quanto la colonna sonora.

Il braccio violento della legge (1971)

Gli anni Settanta sono stati una miniera d’oro per i grandi drammi criminali, e Il braccio violento della legge è probabilmente stato l’antesignano di questo genere. Il film segue Popeye, un poliziotto della squadra narcotici, che ha la soffiata giusta per scoprire chi si cela dietro una grossa partita di eroina e decide di lavorare sul caso insieme al collega Lo Russo.

Gli utenti Reddit ritengono l’epico inseguimento della polizia come il migliore mai girato in un film d’azione, assolutamente in anticipo sui tempi. Non c’era stato nulla di simile prima sul grande schermo ed è sicuramente uno dei modi in cui il film ha influenzato l’industria. Tuttavia, per quanto la scena sia stata rivoluzionaria, il regista William Friedkin si è pentito di aver girato l’inseguimento, ritenuto illegale e pericoloso.

Il pianeta proibito (1956)

Se c’è una cosa per cui gli anni ’50 sono noti dai cultori cinematografici, sono tutti i B-movie di fantascienza, che sono stati parodiati a non finire in videogiochi come Destrought All Humans e in film come Mars Attacks. Nonostante la loro reputazione, Il pianeta proibito è ritenuto superiore a tutti e, anche se la patina da B-movie rimane, i fan ritengono che brilli di lucentezza propria.

Gli utenti Reddit sostengono che il film “era così avanti rispetto al suo tempo per un film di fantascienza degli anni ’50“, che ha definito una generazione di film. Tuttavia, è indubbio che gli effetti speciali siano ancora datati per gli standard odierni, ed è per questo che Il pianeta proibito meriterebbe un remake.

Shining (1980)

Qualsiasi film di Stanley Kubrick avrebbe potuto essere inserito in questa lista, dato che i suoi sforzi registici vengono continuamente elogiati dai Redditor, primi fra tutti 2001: Odissea nello spazio e Il dottor Stranamore.
Anche Shining è stato menzionato da numerosi Redditor, che dicono a riguardo: “Shining è uscito nel 1980 eppure nessun elemento tecnico è minimamente invecchiato“.

Shining è veramente un film senza tempo, ancora terrificante per gli standard di oggi, quindi non sorprende che costituisca tutt’ora una fonte di ispirazioni per innumerevoli pellicole thriller-horror.

Quarto potere (1941)

Quarto Potere ha costituito da sé essenzialmente il manuale di regia per Hollywood. Che  ci si soffermi sugli aspetti tecnici come la profondità di campo delle inquadrature, il montaggio, la colonna sonora o la narrazione volutamente frammentaria, il film del 1941 ha fondamentalmente scritto il cinema moderno.

Gli utenti Reddit ne elogiano in modo particolare il montaggio che “lo fa sentire moderno, anche dopo 80 anni“. Considerato che il film è del 1941, è incredibile quanto il film continui a reggere la prova del tempo e continua a rimanere sicuramente più avvincente della maggior parte dei film usciti oggi.

I premi Oscar sono stati concepiti come riconoscimenti ai migliori film di ogni anno ma, sebbene alcune grandiose pellicole si siano portate a casa la loro giusta quota di premi, ce ne sono alcuni veramente memorabili che hanno lasciato la cerimonia a mani vuote, come Le ali della libertà, che non è stato premiato in nessuna categoria, nonostante le sette nomination.

Per quanto questo sia scioccante, per un film che è considerato uno dei migliori di tutti i tempi, perlomeno il film in questione ha ricevuto diverse nomination. Infatti, ci sono stati casi di alcuni film veramente iconici che sorprendentemente non sono mai stati nominati nemmeno in una singola categoria dell’Academy Award e, nonostante questo, sono ancora amati dal pubblico di tutto il mondo.

Le Iene (1992)

Gli amanti del cinema di tutto il mondo hanno trascorso molto tempo a lodare gli sforzi di Quentin Tarantino come scrittore e regista da quando il suo debutto nel lungometraggio, Le Iene, ha illustrato molti dei tropi cinematografici per i quali sarebbe diventato famoso negli anni successivi.

Raccontando la storia delle conseguenze di una rapina andata male, il film è caratterizzato da una scrittura tagliente, in termini di trama e scambi di battute. Questo, già da se, sarebbe bastato per aggiudicarsi un Oscar alla migliore sceneggiatura originale, ma non era destino: Tarantino avrebbe guadagnato quel riconoscimento solo due anni dopo, per Pulp Fiction.

Shining (1980)

L’immagine del volto da psicopatico di Jack Nicholson che scruta minacciosamente attraverso una porta è una delle inquadrature più note e iconiche della storia del cinema. Questo però non è l’unico momento memorabile di Shining, poiché l’intero film è costellato di elementi divenuti capisaldi della cultura pop.

Anche se Stanley Kubrick con questo film si giocava assolutamente la possibilità di essere nominato per la miglior regia, il vero shock è stata la non candidatura di Jack Nicholson come miglior attore agli Oscar. La sua interpretazione della discesa di un uomo nevrotico verso la follia, mentre lavora in un hotel del Colorado isolato da tutto e tutti, è diventata una delle più iconiche della storia del cinema e avrebbe indubbiamente potuto dare del filo da torcere a Robert De Niro quell’anno (candidato per Toro Scatenato).

Léon: The Professional (1994)

Il film Léon: The Professional non è esattamente ciò che si potrebbe definire “esca per l’Oscar”; è un film d’azione che vuole far arrabbiare il pubblico e coinvolgerlo con sequenze avvincenti ed emozionanti, ma ci sono due precisi motivi per cui avrebbe potuto guadagnarsi una nomination.

Il primo è Gary Oldman, il cui ritratto di Norman Stansfield nel film è straordinario, e lo ha reso un antagonista leggendario nella storia del cinema. L’altra è la giovane Natalie Portman, che si è fatta notare da ragazzina proprio grazie a questa performance, rubando la scena nel ruolo della protetta del personaggio principale. Entrambi avrebbero potuto essere dunque nominati nelle categorie miglior attore/attrice non protagonista.

Zodiac (2007)

Da parte sua, Zodiac sembrava potesse certamente incuriosire il comitato degli Oscar: basato su eventi realmente accaduti, e con una storyline centrale da thriller di mistero, il film presenta un cast all-star, ed è diretto da David Fincher, uno dei registi più acclamati in circolazione.

Fincher avrebbe dovuto essere certamente nominato tra i miglior registi, mentre le performance di Robert Downey Jr. e del resto del cast senz’altro dovevano essere considerate nelle categorie dedicate alla recitazione. Zodiac è uscito a un anno di distanza da Iron Man, e forse, se questo film fosse uscito nel 2009, Robert Downy Jr. sarebbe stato nominato per questa performance e non per quella in Tropic Thunder, film grazie a cui ha ricevuto effettivamente una candidatura.

Before Sunrise (1995)

Sono tanti i cinefili che considerano la trilogia Before di Richard Linklater una delle migliori mai realizzate: ogni film che la compone è stato accolto da recensioni entusiastiche nei confronti di come viene raccontata una storia d’amore che si snoda nel corso di diversi decenni.

Il primo capitolo, Before Sunrise, è stato una meraviglia all’epoca e ha mostrato quanto Richard Linklater valesse come regista. È scioccante scoprire che il film non è stato nominato per nessun premio di scrittura, soprattutto pensando all’arguzia e al realismo della sua sceneggiatura. Per fortuna, entrambi i sequel (Before Sunset e Before Midnight) hanno ricevuto una nomination per la miglior sceneggiatura originale.

Heat (1995)

L’Academy adora le storie epiche che si concedono circa tre ore per raccontarsi: date loro un’epopea criminale con due degli attori più famosi dell’epoca, Robert De Niro e Al Pacino, e Heat sembrava una ricetta perfetta per il successo.

Mentre il pubblico e la critica sono stati catturati dal gioco del gatto e del topo tra un detective e un rapinatore di banche, l’Academy lo ha invece totalmente ignorato, non considerando nessuno dei due attori che avrebbero potuto essere premiati, così come Val Kilmer. Perlomeno, Michael Mann venne nominato nella categoria della miglior regia e Dante Spinotti per la migliore fotografia.

Thor: Ragnarok (2017)

I film di supereroi sono stati spesso penalizzati agli Oscar, ma ciò è cambiato negli ultimi anni, specialmente con le vittorie di Black Panther e la nomination per la miglior sceneggiatura adattata di Logan. Sebbene Thor: Ragnarok non avrebbe in ogni caso ottenuto una nomination come miglior film, il fatto che sia stato totalmente escluso dalle nomination è apparso piuttosto insolito.

Si tratta infatti di un’entrata leggendaria nel MCU, che alcuni considerano in assoluto il miglior film solista del franchise. Una qualche nomination per Jeff Goldblum nelle categorie attoriali sarebbe stata gradita, ma la sorpresa più grande è che questo film non è stato nemmeno considerato per i migliori effetti visivi, nonostante sia un film di grande impatto.

Il buono, il brutto e il cattivo (1966)

I western e Clint Eastwood sono un’accoppiata che va d’accordo meravigliosamente: è difficile scegliere il miglior film western di Eastwood, ma quasi tutti conoscono Il buono, il brutto e il cattivo, che completa la trilogia del dollaro di Sergio Leone.

I critici erano in realtà piuttosto tiepidi sul film all’uscita, lamentandosi del livello di violenza che alcune sequenze raggiungevano. Sfortunatamente per loro, sembra che l’impatto del film sia solo migliorato con l’avanzare del tempo e, guardandoci indietro, sarebbe stata una scelta ideale sia per la candidatura alla miglior regia (Sergio Leone) che per il miglior film.

American Psycho (2000)

Anni prima di affermarsi come Batman, Christian Bale era un beniamino dell’indie, divenuto celebre con il film American Psycho. La sua interpretazione dello squilibrato Patrick Bateman è probabilmente ad oggi ancora il miglior lavoro della carriera di Bale, il che è tutto dire per un uomo che ha vinto un Oscar ed è stato candidato ad altri tre.

Anche se è comprensibile che American Psycho non sia stato candidato come miglior film, Bale non è stato nominato come miglior attore, il che è praticamente un crimine! Stiamo parlando di una performance che ha resistito benissimo alla prova del tempo, e che si ricorda più di qualsiasi altra degli anni 2000.

Terminator (1984)

È difficile pensare a qualsiasi personaggio cinematografico che possa superare questo: Terminator è senza dubbio il miglior film di James Cameron, già tremendamente  innovativo al momento della sua uscita, prima ancora di diventare un vero e proprio cult negli anni successivi. Le opinioni sui sequel sono state differenti e controverse, ma non c’é dubbio che i due film originali siano stellari.

Terminator 2: Judgment Day del 1991 ha stabilito un nuovo standard per gli effetti visivi, categoria per cui si è giustamente portato a casa l’Oscar. Anche se il film originale non era ancora all’altezza di quel livello tecnico, meritava comunque di essere considerato nella stessa categoria nel 1984, ma venne giustamente escluso.

Ecco dieci film horror che, nonostante siano a tutti gli effetti entrati nella storia del cinema di tutti i tempi, sono stati ignorati ai premi Oscar dei rispettivi anni.

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I film di genere non hanno mai (o quasi) trovato grande spazio nella cosiddetta stagione dei premi che culmina con gli Oscar. Spesso però capita che il genere, il film horror in questo caso, trovi grandi conferme nel tempo e soprattutto negli spettatori che rendono poi onore all’effettivo valore del film.

Questo è dimostrato soprattutto dal confronto dei film in oggetto con i vincitori del premio più ambito agli Oscar nello stesso anno. Che ve ne pare? Quale film di genere vi sarebbe piaciuto vedere sul gradino più alto di Hollywood?

L’horror è un genere che ha costruito la propria storia su figure diventate vere e proprie icone della cultura pop. Personaggi come Michael Myers, Jason Voorhees o Freddy Krueger sono immediatamente riconoscibili e, con il passare degli anni, sono diventati protagonisti di sequel, merchandising e costumi di Halloween. Eppure, alcuni dei film horror più spaventosi di sempre seguono una filosofia completamente diversa: nascondono il mostro.

È un principio tanto semplice quanto efficace. L’immaginazione dello spettatore è spesso molto più potente di qualsiasi creatura realizzata con effetti speciali. Quando il pericolo rimane fuori campo, ogni rumore, ogni ombra e ogni dettaglio possono assumere un significato terrificante. Il cervello riempie automaticamente gli spazi vuoti, creando una paura profondamente personale che nessuna immagine potrebbe replicare.

Non si tratta soltanto di una scelta stilistica. In alcuni casi è stata una necessità produttiva, in altri una precisa decisione narrativa. Il risultato, però, è sempre lo stesso: costruire una tensione costante, nella quale il pubblico condivide l’incertezza dei protagonisti senza avere mai una visione completa della minaccia. Questi dieci film rappresentano alcuni degli esempi migliori di questa tecnica. Alcuni non mostrano mai il vero antagonista, altri ne rimandano l’apparizione fino agli ultimi minuti, trasformando l’attesa nella loro arma più potente.

The Blair Witch Project (1999)

Quando uscì nel 1999, The Blair Witch Project cambiò radicalmente il panorama dell’horror indipendente. Il film di Daniel Myrick ed Eduardo Sánchez rese popolare il found footage e dimostrò che era possibile terrorizzare il pubblico con un budget ridottissimo, puntando tutto sulla costruzione dell’atmosfera. L’intera vicenda segue tre studenti di cinema che si avventurano nei boschi del Maryland per girare un documentario sulla leggendaria Strega di Blair. Più il viaggio procede, più il confine tra realtà e leggenda si assottiglia. Rumori nella notte, strani simboli appesi agli alberi e urla provenienti dall’oscurità diventano gli unici elementi con cui lo spettatore può ricostruire ciò che sta accadendo.

La scelta più coraggiosa è però quella di non mostrare mai la strega. Nemmeno nell’ormai celebre sequenza finale, quando Heather trova Mike immobile rivolto verso l’angolo della casa abbandonata, il film rivela davvero chi o cosa si trovi nella stanza. Tutto rimane affidato alla suggestione. È proprio questa assenza ad aver trasformato The Blair Witch Project in uno degli horror più influenti degli ultimi trent’anni. Non esiste un mostro da osservare: esiste soltanto la paura di ciò che potrebbe nascondersi oltre l’inquadratura.

Lo squalo (1975)

Oggi è difficile immaginare Lo squalo senza pensare immediatamente al gigantesco predatore creato da Steven Spielberg. Eppure, uno degli elementi che ha reso il film così memorabile nasce da un problema tecnico. L’animatronico soprannominato “Bruce” si rompeva continuamente durante le riprese, costringendo Spielberg a reinventare molte sequenze. Invece di mostrare spesso lo squalo, il regista iniziò a suggerirne la presenza attraverso la celebre colonna sonora di John Williams, le inquadrature dell’acqua e gli improvvisi attacchi contro le imbarcazioni.

Quella che sembrava una limitazione si trasformò nel punto di forza dell’intero film. Lo spettatore osserva il mare sapendo che qualcosa si muove sotto la superficie, ma senza riuscire mai a distinguerlo chiaramente. L’ansia nasce proprio dall’attesa. Ancora oggi Lo squalo viene studiato come uno degli esempi più efficaci di suspense cinematografica, dimostrando che mostrare meno può aumentare enormemente la tensione.

Paranormal Activity (2007)

Anche Paranormal Activity sfrutta il principio dell’invisibile, ma lo adatta al linguaggio del found footage domestico. La storia segue Katie e Micah, una giovane coppia che installa telecamere nella propria abitazione per documentare una presenza soprannaturale che perseguita la donna fin dall’infanzia. Da quel momento il pubblico osserva quasi esclusivamente immagini statiche provenienti dalle videocamere di sorveglianza.

Non ci sono apparizioni spettacolari né creature digitali. Il terrore nasce da porte che si muovono lentamente, passi nel corridoio, lenzuola trascinate via e lunghi silenzi interrotti da piccoli dettagli apparentemente insignificanti. Con un budget di appena 15.000 dollari, il film incassò oltre 190 milioni nel mondo, diventando uno degli horror più redditizi della storia. Gran parte del suo successo deriva proprio dalla scelta di non mostrare mai chiaramente il demone, lasciando che sia il pubblico a immaginarne l’aspetto.

It Follows (2014)

L’entità di It Follows è probabilmente una delle minacce più originali del cinema horror contemporaneo. La protagonista Jay scopre di essere stata colpita da una maledizione trasmessa attraverso un rapporto sessuale. Da quel momento una presenza soprannaturale inizia a seguirla lentamente, assumendo ogni volta l’aspetto di persone diverse.

Il film mostra continuamente queste figure umane che avanzano verso di lei, ma non rivela mai la vera natura dell’entità. Quelle persone non sono il mostro: sono soltanto il modo in cui esso sceglie di manifestarsi. Questa ambiguità rende il film estremamente inquietante. Il pubblico non sa mai cosa stia realmente osservando e comprende soltanto una cosa: la creatura continuerà ad avanzare senza fermarsi mai.

Bird Box (2018)

Il successo di Bird Box su Netflix è stato costruito attorno a un’idea semplicissima: il mostro non può essere guardato. Nel mondo del film, chiunque osservi le misteriose entità viene immediatamente spinto al suicidio. Per questo motivo i sopravvissuti sono costretti a vivere bendati ogni volta che escono all’aperto.

Sandra Bullock interpreta Malorie, una donna che affronta un viaggio disperato insieme a due bambini cercando di evitare qualsiasi contatto visivo con le creature. Durante la produzione era stata persino realizzata una versione del mostro, ma i filmmaker decisero di eliminarla. Una scelta rivelatasi vincente: non sapere cosa vedano le vittime rende quelle entità infinitamente più inquietanti di qualsiasi creatura digitale.

A Quiet Place (2018)

Diretto da John Krasinski, A Quiet Place racconta un mondo devastato da creature aliene cieche che cacciano esclusivamente attraverso il suono. Fin dalle prime scene gli spettatori assistono agli effetti devastanti degli attacchi, ma i mostri compaiono soltanto per brevi istanti. La regia preferisce concentrarsi sul silenzio, sui piccoli rumori e sulla paura costante che accompagna ogni gesto della famiglia Abbott.

Questa scelta aumenta enormemente la suspense. Per buona parte del film il pubblico conosce le conseguenze della presenza delle creature, ma non il loro vero aspetto. Quando finalmente vengono mostrate nel finale, il loro design risulta ancora più impressionante proprio perché è stato costruito attraverso una lunga attesa.

Gli invasati (The Haunting, 1963)

Tra i migliori film di case infestate mai realizzati, Gli invasati di Robert Wise continua ancora oggi a rappresentare un modello di horror psicologico. La vicenda segue un investigatore del paranormale che invita un piccolo gruppo di persone a trascorrere alcuni giorni nella sinistra Hill House per studiarne i fenomeni inspiegabili.

La casa sembra vivere di vita propria. Porte che vibrano, colpi improvvisi, respiri, pianti e rumori misteriosi trasformano ogni stanza in una trappola psicologica. La cosa più sorprendente è che i fantasmi non vengono mai mostrati. Quando nel 1999 arrivò il remake ricco di effetti speciali digitali, molti spettatori notarono come la paura fosse drasticamente diminuita. L’originale funziona ancora oggi proprio perché lascia tutto nell’immaginazione.

Venerdì 13 (1980)

L’immagine di Jason Voorhees con la maschera da hockey è diventata il simbolo dell’intero franchise, ma il primo capitolo racconta una storia molto diversa. Per quasi tutta la durata del film gli omicidi vengono mostrati senza rivelare l’identità dell’assassino. La macchina da presa assume spesso il punto di vista del killer, alimentando continuamente il mistero.

Solo nel finale viene svelata la verità: dietro gli omicidi non c’è Jason, bensì sua madre Pamela Voorhees, decisa a vendicare la morte del figlio. Rinviare la rivelazione fino agli ultimi minuti permette al film di trasformarsi da semplice slasher a thriller con un memorabile colpo di scena.

Lake Mungo (2008)

Pochi horror sono riusciti a trasmettere un senso di inquietudine profondo quanto Lake Mungo. Presentato come un documentario, racconta la storia di una famiglia sconvolta dalla morte della sedicenne Alice, annegata in una diga. Attraverso interviste, fotografie e filmati amatoriali emergono lentamente segreti che la ragazza aveva nascosto.

L’orrore nasce quasi sempre da immagini sfocate e dettagli appena visibili. Una semplice fotografia sgranata diventa una delle sequenze più disturbanti dell’intero film. Il vero antagonista rimane sfuggente fino alla fine, lasciando il pubblico con una sensazione di disagio che continua anche dopo i titoli di coda.

10 Cloverfield Lane (2016)

Pur appartenendo all’universo di Cloverfield, questo film costruisce la propria tensione in modo completamente diverso. Michelle si risveglia in un bunker dopo un incidente d’auto e scopre di essere stata salvata da Howard, un uomo che sostiene che il mondo esterno sia diventato invivibile. Il dubbio accompagna l’intero film: Howard è un folle manipolatore oppure sta davvero dicendo la verità?

Per gran parte della storia il vero mostro sembra essere proprio il personaggio interpretato da John Goodman, grazie a una performance capace di mantenere costantemente lo spettatore in equilibrio tra paranoia e realtà. Solo negli ultimi minuti il film mostra finalmente la minaccia nascosta all’esterno, collegandosi direttamente agli eventi di Cloverfield. Proprio perché il pericolo rimane invisibile per quasi tutta la durata della storia, la rivelazione finale acquista una forza ancora maggiore.

Perché l’horror continua a funzionare meglio quando lascia spazio all’immaginazione

Esiste una regola non scritta che attraversa decenni di cinema horror: ciò che non vediamo fa più paura di ciò che ci viene mostrato. Da Lo squalo a The Blair Witch Project, passando per Bird Box e Lake Mungo, molti dei film più influenti del genere hanno scelto di sottrarre invece che mostrare.

Non è soltanto una questione di suspense. Quando il regista lascia zone d’ombra, è lo spettatore a completare il quadro con le proprie paure, costruendo un’esperienza diversa per ciascuno. È un meccanismo psicologico che il cinema sfrutta da oltre mezzo secolo e che continua a dimostrare la propria efficacia anche nell’epoca degli effetti visivi più sofisticati. In fondo, il mostro più spaventoso è spesso quello che non riusciamo mai a vedere davvero.