Joel Edgerton e Diane Krueger sono le stelle internazionali del photocall di Cannes 78 per presentare i loro film, The Plague e Amrum. Con loro, oltre al cast dei rispettivi film, anche la delegazione di La Misteriosa Mirada Del Flamenco e quella di Sirat. Ecco le foto:
La stravagante serie poliziesca della ABC Will Trent ha riscosso finora un grande successo in tre stagioni e tornerà anche con una quarta stagione. Creata per il piccolo schermo da Liz Heldens e Daniel T. Thomsen (tratta dai romanzi di Karin Slaughter), la serie racconta le vicende di un agente del Georgia Bureau of Investigation dall’occhio attento (Ramón Rodríguez). Affrontando alcuni dei casi più difficili della città di Atlanta, il viaggio di Will alla ricerca della giustizia lo porta spesso a scontrarsi con la corruzione all’interno del sistema delle forze dell’ordine. Come se tutto ciò non bastasse, anche la fidanzata occasionale di Will (Angela Polaski, interpretata da Erika Christensen) lavora per la polizia locale.
Dopo aver guadagnato slancio nelle prime tre stagioni, Will Trent è stata una delle serie di metà stagione più costanti degli ultimi anni, e si prevede che continuerà ad esserlo. Il finale scioccante della terza stagione di Will Trent ha lasciato le cose in una situazione complicata per la quarta stagione, con la vita di due personaggi principali in bilico. Dimostrando che la serie procedurale può crescere, Will Trent ha aggiunto Yul Vazquez in un “ruolo ricorrente importante”, e ogni uscita successiva diventa sempre più grande. Con ancora più colpi di scena all’orizzonte, la ABC ha rinnovato la quarta stagione di Will Trent.
Con il popolare poliziesco rinnovato per un’altra stagione, TVLine conferma che la quarta stagione di Will Trent debutterà all’inizio del 2026 (via Yahoo! News). La stagione sarà composta da 18 episodi ininterrotti (salvo inevitabili interruzioni come i discorsi presidenziali). Will Trent continuerà ad andare in onda il martedì sera alle 20:00 ET, prima della stagione 8 di The Rookie, che andrà in onda alle 21:00 ET. Questo approccio di messa in onda ha “funzionato alla grande” per entrambe le serie procedurali, e la ABC intende continuare su questa strada nel 2026.
ABC ha anche rinnovato le popolari serie Grey’s Anatomy e Shifting Gears.
Il futuro di Will Trent non è mai stato davvero in dubbio, e gli sviluppi della stagione 3 hanno dimostrato che ABC era pronta a impegnarsi a lungo termine (almeno per ora). Ecco perché non è stato particolarmente sorprendente quando la serie procedurale è stata rinnovata per la sua quarta stagione nell’aprile 2025, e sembra che Will Trent stia finalmente diventando uno dei fiori all’occhiello della rete, insieme a Grey’s Anatomy e alla commedia Abbott Elementary. Il rinnovo anticipato è un buon segno che anche la stagione 4 non sarà l’ultima.
Il finale della terza stagione di Will Trent è andato in onda il 13 maggio 2025.
Al momento non si sa molto sulla quarta stagione, ma si prevede che ulteriori dettagli sulla produzione cominceranno a emergere nel corso dei mesi estivi del 2025. Tuttavia, sappiamo che Will Trent tornerà a metà stagione (gennaio o febbraio). Anche se di solito è in autunno che le reti televisive trasmettono i loro programmi più importanti, un forte ingresso a metà stagione può aiutare a rafforzare la rete fino all’estate.
Il cast di Will Trent è composto da un ensemble numeroso e mutevole, ma i personaggi principali sono rimasti gli stessi in tutte e tre le stagioni finora. A guidare lo show nel ruolo dell’agente titolare, Ramón Rodríguez tornerà nei panni di Will Trent, e non sarà l’unico. Anche se il suo destino è incerto dopo la sua decisione nella terza stagione di tenere il bambino avuto da Seth, si prevede che Erika Christensen riprenderà il ruolo di Angela Polaski in una forma o nell’altra.
Iantha Richardson interpreta la partner di lavoro di Will, Faith Mitchell, e probabilmente rimarranno insieme nella quarta stagione. Tuttavia, il destino di Sonja Sohn nel ruolo del capo di Will e Faith, Amanda Wagner, e di Jake McLaughlin nel ruolo del collega di Angie, Michael Ormewood, è incerto dopo che hanno sfiorato la morte nel finale della terza stagione. Anche se il cast umano è al centro della serie, dovrebbe tornare anche l’attore animale Bluebell nel ruolo della chihuahua di Will, Betty.
Il nuovo arrivato Yul Vazquez è stato introdotto nella terza stagione nel ruolo dello sceriffo Caleb e si prevede che continuerà a interpretare il personaggio anche nella quarta stagione, soprattutto dopo la grande rivelazione che lo riguarda. Caleb ha esordito come personaggio un po’ malvagio con un segreto, che si è rivelato essere quello di essere il padre biologico di Will. Con Will disposto a esplorare un rapporto con lui, il ruolo di Vazquez dovrebbe ampliarsi nella quarta stagione.
L’entusiasmo per la quarta stagione di Will Trent è più alto che mai dopo i colpi di scena del finale della terza stagione. Dopo l’intervento chirurgico d’urgenza di Amanda, colpita dai Founders Front, il suo destino è ancora incerto, con gli showrunner di Will Trent che non danno alcuna garanzia sulla sua sopravvivenza. Anche Ormewood potrebbe essere in pericolo, dopo il collasso dovuto al suo tumore.
Non si sa come Angie si inserirà nella quarta stagione, dato che lei e Seth sono follemente innamorati ed entusiasti di diventare genitori, ma questo potrebbe causare dei drammi con Will. Tuttavia, la trama più emozionante del nostro protagonista sarà il suo rapporto con il padre biologico, Caleb. Ha accettato di cenare con la famiglia di Caleb e, sebbene le cose sembrino andare bene tra padre e figlio, c’è ampio spazio per conflitti tra loro nella quarta stagione di Will Trent, che sarà sicuramente avvincente quanto le stagioni precedenti.
Kristen Stewart ha portato sul red carpet di Cannes 78 il suo primo film da regista, The Chronology of Water. Con lei anche il suo cast, formato da Imogen Poots e Thora Birch.
Mentre il Festival di Cannes 2025 si prepara a entrare nel suo primo fine settimana, continuano le sfilate sul red carpet della montee de marches. Tra ospiti, artisti e film in concorso, ecco le foto dal tappeto rosso della terza serata del festival.
Continua la parata di star al Festival di Cannes 2025. Ecco gli scatti dal photocall della mattina del terzo giorno dell 78° edizione del festival francese.
Dominik Moll torna a indagare le zone grigie della giustizia con Dossier 137, presentato in concorso a Cannes 78. Dopo La notte del 12, premiato e acclamato per il suo rigore narrativo, il regista francese si misura con un tema altrettanto scottante: le violenze della polizia e il lavoro degli ispettori dell’IGPN, l’organismo di controllo interno delle forze dell’ordine. Un’indagine complessa, spesso scomoda, che porta la protagonista Stéphanie — interpretata da Léa Drucker — a interrogare i propri colleghi più che dei veri e propri criminali, in un clima di ostilità, reticenza e continua messa in discussione.
L’episodio da cui prende avvio il caso è un fatto di cronaca che ha fatto discutere la Francia: durante una manifestazione caotica a Parigi, un giovane manifestante, Guillaume, viene gravemente ferito. I sospetti cadono subito su un reparto di agenti chiamati a contenere la folla nonostante fossero palesemente impreparati alla gestione dell’ordine pubblico: in una delle battute più amare del film, si dice che abbiano preso i kit anti-sommossa “dal Decathlon”. Mentre uno dei ragazzi coinvolti finisce in ospedale, l’altro, Rémi, viene incarcerato: solo lui potrebbe testimoniare ciò che è accaduto davvero, ma è messo a tacere da un sistema che sembra più interessato a proteggere se stesso che a scoprire la verità.
Moll costruisce il racconto come un’indagine che diventa sempre più personale: Stéphanie scopre che la vittima è originaria di Saint-Dizier, la sua stessa città natale. Questo dettaglio, apparentemente irrilevante, diventa un elemento destabilizzante. La protagonista si ritrova sospesa tra il suo dovere di imparzialità e un legame emotivo che affiora contro la sua stessa volontà. Il conflitto tra etica professionale e senso di appartenenza si fa più acuto man mano che l’indagine procede, in un contesto in cui tutti sembrano avere qualcosa da perdere: la polizia, l’IGPN, i manifestanti, i familiari.
Il film mescola fiction e realtà, ispirandosi a diversi casi realmente accaduti durante le proteste dei Gilet Gialli nel 2018, e affronta temi che restano scottanti: il divario tra centro e periferia, la crisi della rappresentanza politica, la paura del dissenso, la frattura tra cittadini e istituzioni. Tuttavia, a differenza del precedente lavoro di Moll, qui la costruzione narrativa appare più didascalica, e spesso troppo netta nel disegnare le linee tra “buoni” e “cattivi”. I poliziotti coinvolti sono ostili, omertosi, quasi caricaturali; i manifestanti e le vittime sono tratteggiati come innocenti puri, senza zone d’ombra. Manca quella complessità psicologica che rendeva La notte del 12 così avvincente e disturbante.
Pur con queste semplificazioni, il film riesce a mantenere una certa tensione, grazie soprattutto alla struttura d’indagine fatta di testimonianze, immagini di videosorveglianza, e piccoli dettagli che ricostruiscono — o distorcono — i fatti. L’uso di video amatoriali, in parte ricreati, contribuisce a dare un’impronta quasi documentaristica, mentre il montaggio alternato tra interrogatori, atti legali e scene domestiche restituisce il senso di una realtà spezzata tra pubblico e privato, tra ciò che si mostra e ciò che si nasconde.
Léa Drucker offre una prova misurata, precisa, sospesa tra empatia e rigore. Il suo personaggio, spesso costretto al silenzio, comunica più con gli sguardi e i microgesti che con i dialoghi. Accanto a lei, Guslagie Malanda interpreta una testimone chiave con delicatezza e intensità, portando nel film anche un’eco delle tensioni razziali e sociali che attraversano le banlieue francesi.
Dossier 137 solleva domande necessarie sul ruolo delle forze dell’ordine e sulla capacità (o volontà) dello Stato di farsi garante della giustizia. Ma è anche un’opera meno sfumata di quanto potrebbe essere, a tratti eccessivamente programmatica. Se Moll voleva far riflettere, ci riesce. Se voleva turbare, commuovere o mettere davvero in discussione ogni certezza, questa volta ci arriva solo in parte. La materia è incandescente, ma il film, pur apprezzabile per impegno e accuratezza, resta più vicino al “dossier” che all’opera pienamente compiuta.
Nel 1937, all’apice delle purghe staliniane, la giustizia diventa un paradosso e la burocrazia si fa strumento di annientamento. A Cannes 78, il documentarista Sergei Loznitsa sceglie di tornare al cinema di finzione per raccontare una storia dimenticata — o forse mai davvero ascoltata — attraverso Two Prosecutors, un film rigoroso, crudele e spietatamente attuale. Tratto dalla novella omonima di Georgy Demidov, fisico e prigioniero politico del regime sovietico, il film mette in scena il tentativo, tanto ingenuo quanto tragico, di cercare la verità in un mondo costruito per impedirla.
Il protagonista è Alexander Kornyev (Aleksandr Kuznetsov), giovane procuratore appena nominato in una provincia remota. Idealista, preparato, determinato, Kornyev si imbatte in una lettera proveniente da una delle tante prigioni dell’URSS: un detenuto accusa l’NKVD di torture, arresti arbitrari e false confessioni. Mentre centinaia di richieste simili vengono distrutte ogni giorno, quella lettera — scritta col sangue — sorprendentemente viene letta. E Kornyev, anziché ignorarla, decide di agire. Inizia così un viaggio fisico e mentale tra corridoi chiusi, interrogatori opachi, incontri ambigui e continui rinvii. A ogni passo si scontra con l’apparato stesso che dovrebbe rappresentare, mentre il sistema lo guarda con diffidenza, lo mette alla prova, cerca di farlo desistere. Non è l’eroe di un thriller, ma il testimone tragico di un fallimento annunciato.
Loznitsa struttura il film come una lunga camera di decompressione. La messa in scena è minimalista, quasi teatrale, dominata da inquadrature fisse, composizioni simmetriche, ambienti spogli, silenzi pesanti. Ogni scena è costruita come un duello verbale, ma i dialoghi — spesso reticenti, circolari, dominati dalla paura — sembrano sempre sfuggire alla logica. La tensione non è affidata all’azione, ma al vuoto, all’attesa, alla sensazione che ogni parola detta possa avere conseguenze devastanti.
Il ritmo volutamente dilatato, l’assenza di musica e la scelta di colori desaturati contribuiscono a creare un’atmosfera plumbea, dove lo spettatore viene risucchiato nella medesima trappola sensoriale e morale in cui si dibatte il protagonista. La prigione in cui è ambientata buona parte del film — un ex carcere di Riga costruito nel 1905 e chiuso solo di recente per condizioni disumane — è più che un set: è un corpo vivo, impregnato di sofferenza, e la sua fisicità opprime anche quando non la si vede.
Two Prosecutors non è il racconto di una scoperta, ma di una presa di coscienza. A metà narrazione, quando Kornyev comprende che il sistema stesso si sta richiudendo su di lui, ogni velleità di giustizia si trasforma in una lenta agonia morale. Come dichiarato dallo stesso regista, il film è attraversato dalle ombre di Gogol e Kafka, ma anche dalla consapevolezza contemporanea che la storia non è affatto finita. Il film è ambientato nel 1937, ma parla con chiarezza al presente: mostra come i sistemi autoritari distruggano i loro stessi ideali, divorando i “veri credenti”, come Kornyev. Lo fa senza moralismi né didascalie, lasciando che sia la forma stessa del film a incarnare l’oppressione.
A completare il quadro c’è un cast corale, internazionale, composto da attori provenienti da Lituania, Lettonia, Israele e altri paesi dell’ex blocco sovietico, molti dei quali hanno lasciato la Russia dopo l’invasione dell’Ucraina. La loro partecipazione non è solo una scelta artistica, ma anche una testimonianza di resistenza culturale e politica. La fotografia di Oleg Mutu, già collaboratore di Loznitsa in diversi film, è rigorosa fino all’astrazione. Nessuna camera a mano, nessun movimento: solo l’immobilità di uno sguardo che osserva, inchioda, documenta.
Two Prosecutors non è un film per tutti. Richiede pazienza, attenzione, disponibilità al silenzio e alla complessità. Ma è proprio in questa scelta radicale — nella rinuncia a ogni scorciatoia narrativa o emotiva — che risiede la sua forza. Loznitsa ci mette di fronte a un interrogativo che, oggi più che mai, non possiamo evitare: quanto siamo davvero liberi di parlare, di agire, di comprendere ciò che ci accade? E cosa accade quando il linguaggio stesso viene sequestrato dal potere?
Dopo la vetrina europea del Festival di Berlino, Paternal Leave, l’esordio alla regia dell’attrice tedesca Alissa Jung ha trovato nuova conferma con l’inserimento nel cartellone ufficiale di Open Roads, la rassegna di cinema italiano contemporaneo della Society of Lincoln Center a New York. Una nuova e prestigiosa passerella internazionale che testimonia la qualità artistica di una produzione che rispecchia le molte influenze con cui è stata realizzata.
La protagonista di Paternal Leave è l’adolescente Leo (Juli Grabenhenrich), la quale di punto in bianco lascia la Germania per recarsi sulla costa marittima del Nord Italia, dove vive suo padre biologico Paolo (Luca Marinelli) che non ha mai conosciuto. Sorpreso dalla visita inaspettata, l’uomo fatica non poco a inserire la giovane figlia in una vita che lui stesso non è ancora pienamente riuscito a sistemare, dovendo anche fare i conti con la frustrazione e la rabbia repressa. Sia in Leo che, come capirà, in lui stesso.
La qualità migliore di questo primo lungometraggio dietro la macchina da presa della Jung sta nell’attenzione al tono del racconto, il quale evita costantemente lo scivolamento nel melodramma ostentato. Paternal Leave viene costruito sequenza dopo sequenza lavorando con efficacia sull’equilibrio metaforico tra le ambientazioni e lo stato psicologico ed emotivo dei personaggi, in particolar modo i due protagonisti. Dal momento che non si tratta di una storia che cerca nell’originalità il suo motivo fondante di racconto, la modalità con cui viene sviluppata ed espressa diventa allora il lato più importante, e la Jung dimostra di saperlo gestire con sicurezza: le spiagge malinconiche e semideserte, il paesino di provincia dove poco o nulla accade nelle stagioni maggiormente fredde, rappresentano il luogo perfetto per esternare lo stato di stasi in cui, per motivi diversi se non opposti, Paolo e Leo si trovano. Anche il non saper parlare l’uno la lingua dell’altre, il dover adoperare come primo tentativo un linguaggio “altro” insieme a quello che il corpo e il volto nonostante tutto esprimono, è un’idea di sceneggiatura che funziona pienamente nell’esprimere il distacco esistenziale, la difficoltà nel tentativo di avvicinarsi. Cosa che invece può avvenire principalmente con un atto di gentilezza o un sorriso, come avviene tra Leo ed Edoardo.
Questo per raccontare che sotto la superficie pacata, mai urlata di questo racconto si celano invece psicologie ed animi ricchi di contrasti: il dolore sorpreso di Leo lo si deve andare a cercare dietro le piccole ma pungenti frecciate che lancia costantemente prima al padre e poi agli altri uomini che incontra. Allo stesso modo gli occhi sempre penetranti di Marinelli riescono a esprimere pienamente lo scoraggiamento di Paolo, incapace di fare i conti col suo passato, paralizzato (come lo stesso personaggio più volte confessa) nelle relazioni con l’altro sesso che possano veramente contare. I duetti tra la Grabenhenrich e l’attore italiano sono quasi sempre preziosi per quello che esprimono quasi in contrasto con i dialoghi, fino allo “showdown” emozionale che è giustamente frettoloso, quasi violento a livello emotivo, e rompe il ghiaccio tra padre e figlia ma senza veramente risanare un rapporto ancora sconosciuto, e non poteva essere altrimenti. La Jung segue un percorso narrativo conosciuto ma non lo adopera per arrivare a una conclusione retorica e falsamente allietante: quando salutiamo Leo e Paolo alla fine di Paternal Leave, il loro percorso di scoperta, di accettazione soprattutto dei propri rispettivi ruoli, è appena iniziato. E questo rende il film più vero.
Anche se si potrebbe obiettare che quello di Alissa Jung è in fondo un film “già visto”, la lucidità dell’esposizione e la compostezza del tono del racconto costituiscono quel qualcosa in più che rende Paternal Leave un lungometraggio denso di sostanza emotiva. Un buon esordio che racconta di una convivenza tanto “forzata” quanto necessaria. Per Leo che la ricerca ma senza dubbio anche per Paolo che deve accettarla.
Se sei un fan dei K-drama e non hai ancora visto When Life Gives You Tangerines, allora questo è il tuo segno. La serie Quando la vita ti dà mandarini, guidata da IU e Park Bo Gum, è il drama “It” di questa stagione. Non solo è attualmente al primo posto su Netflix, ma è anche ovunque sui nostri social media, con gli spettatori che continuano a condividere le loro emozioni e reazioni a ogni episodio.
Un dramma di vita quotidiana che segue la tenace Ae-sun e il devoto Gwan-sik mentre attraversano insieme la vita nell’arco di oltre 60 anni. Mentre Ae-sun desidera fuggire dalla sua povera vita sull’isola e diventare una poetessa, Gwan-sik non desidera altro che starle accanto e aiutarla a realizzare i suoi sogni. Quello che ne otteniamo è una storia d’amore generazionale che si estende fino a mostrare anche la vita dei loro futuri figli.
Essendo ambientata a Jeju, il titolo della serie trae spunto dall’espressione dialettale di Jeju “Pokssak Sogatsuda”, che si traduce letteralmente in “Hai lavorato sodo”. Invece di usare la frase tradotta per il titolo inglese, Netflix ha scelto di catturare l’essenza della serie con un’espressione più familiare, che potesse facilmente trovare riscontro nel suo pubblico globale.
Conosciamo tutti il vecchio adagio “Quando la vita ti dà limoni, fai una limonata”. Da qui, il titolo del drama è diventato “When Life Gives You Tangerines” per trasmettere il messaggio di rimanere positivi e resilienti di fronte alle avversità. Un articolo del Korea Times spiega che “tangerines” è stato utilizzato al posto dell’originale “lemons” in omaggio al luogo delle riprese della serie, Jeju, e alla sua abbondanza di piantagioni di mandarini.
In una conferenza stampa, IU ha ulteriormente approfondito il significato del titolo inglese, affermando: “Anche se la vita ci presenta dei mandarini aspri, trasformiamoli in dolce marmellata e assaporiamo una calda tazza di tè al mandarino”.
Altre traduzioni straniere di When Life Gives You Tangerines hanno seguito la stessa strada per evocare il cuore dello spettacolo. In tailandese, si intitola Let’s Smile Even on Days When Tangerines Aren’t Sweet (Sorridiamo anche nei giorni in cui i mandarini non sono dolci) , mentre a Taiwan, si può trovare in un’espressione idiomatica cinese che, tradotta e con un tocco di Jeju, risulta in Bitterness Ends, Tangerines Come (L’amarezza finisce, i mandarini arrivano).
Il giovane regista franco-spagnolo Oliver Laxe è arrivato sulla Croisette e ha trasformato il Festival di Cannes in un rave party. Dopo aver presentato i suoi precedenti tre lungometraggi in sezioni parallele della prestigiosa kermesse, approda ora nel concorso ufficiale con Sirât, già uno dei film più politici e radicali dell’anno, forte di una poetica personalissima e che parla a gran voce del nostro presente.
Luìs (Sergi Lopez) e il figlio Esteban (Bruno Núñez Arjona) stanno cercando la figlia Mar tra i rave party del deserto marocchino: da 5 mesi non ne hanno più notizie, ma sanno che la giovane potrebbe trovarsi in questi territori. Laxe ci immerge subito in una sorta di rilettura di Climax di Gaspar Noè nelle distese desertiche. Insiste con inquadrature sui partecipanti del rave, per farci pensare che tra questi volti possa proprio nascondersi Mar. Un gruppo di individui alquanto bizzarri gli dice che la ragazza potrebbe trovarsi a una festa più avanti, alla quale forse si uniranno anche loro. All’improvviso, irrompono però plotoni di soldati che dichiarano uno stato di emergenza, ordinando a tutti i cittadini dell’EU di salire immediatamente sui loro veicoli e abbandonare il posto. A quanto pare, una guerra è esplosa nel corso della notte. La situazione socio-politica non verrà mai definita nei dettagli da Laxe, così come non sappiamo esattamente come i protagonisti si posizionino nei confronti di questa tragedia: stanno scappando? Sono profughi? L’avventura che inizia apre a molteplici interpretazioni.
A questo punto, i raver incontrati poco prima da Luìs ed Esteban sterzano violentemente, decisi a proseguire la loro danza nel deserto. Padre e figlio, per niente equipaggiati, li seguono nella speranza che possano effettivamente condurli dalla figlia scomparsa. Il gruppo suggerisce all’uomo – padre di famiglia nel senso più comune e “bonario” del termine – che dovrà adattarsi al deserto se vuole seguirli, ma percepiamo fin da subito che non è l’habitat naturale di questa famiglia spagnola e che qualcosa dovrà per forza succedere. Per sopravvivere, dovranno iniziare a collaborare e condividere le risorse disponibili, anche se il padre si mostra piuttosto restio. Dopo una serie di eventi tragici, tuttavia, sarà costretto ad abbracciare il loro concetto di famiglia e una nuova forma di esistenza.
Il film di Oliver Laxe inizia con una didascalia volta a spiegare nell’immediato il significato del termine sirat: ‘ponte’, ma anche ‘via’ che, nella religione islamica, collega l’inferno al paradiso.Tuttavia, il titolo effettivo del film compare su schermo solo a venti minuti inoltrati di visione, stagliandosi sopra le macchine roboanti in moto. Il senso di Sirât è proprio quello di un viaggio, di chi anima questo deserto, i protagonisti di un Mad Max sotto acidi da cui è impossibile distogliere lo sguardo.
Loro sono Richard Bellamy, Stefania Gadda, Joshua Liam Henderson, Tonin Janvier, Jade Oukid: non attori professionisti, ma gente che viene dalla controcultura, immersi in spazi di esistenza che Laxe tenta finemente di catturare. Un gruppo di personaggi che sembrano prelevati da una favola, con corpi diversi e impossibili da etichettare, che riproducono al meglio il concetto di un’esistenza indefinibile.
La genialità di Laxe sta nel fatto che non solo infonde la narrazione di un senso di sospensione immanente, ma riesce a costruire anche un thriller tesissimo, perfino insostenibile, quasi a voler proprio ricalcare il significato del termine sirat, un passaggio talmente sottile e tagliente come una lama. Ai rumori roboanti dei fuoristrada si sostituisce poi man mano il silenzio. Sirât ci lascia così a riflettere su una nuova modalità di esistenza, un ritrovato rapporto con la natura che può fagocitarci da un momento all’altro. Il deserto diventa uno spazio pre fine del mondo ma, in fondo, tutto è già finito. E allora, non resta che danzare.
Gli episodi finali di Andor – Stagione 2 presentano molteplici legami e connessioni con Rogue One e la galassia di Star Wars. Preparando il terreno per gli eventi del film di Gareth Edwards e la Battaglia di Scarif, gli episodi finali di Andor sono tra i capitoli più intensi ed emozionanti della serie. Inoltre, presentano numerosi riferimenti e spunti chiave per l’iconico film.
Dopo il Massacro di Ghorman nel 2 BBY e l’estrazione di Mon Mothma negli episodi 7-9 di Andor – Stagione 2, gli episodi finali si svolgono un anno dopo, nell’1 BBY. Si tratta dello stesso anno degli eventi di Rogue One. Tenendo presente questo, ecco i più grandi e migliori Easter egg, riferimenti e connessioni che abbiamo trovato negli episodi 10-12 della seconda stagione di Andor.
Senza Rimorso (Tom Clancy’s Without Remorse) ha una scena a metà dei titoli di coda che prepara il terreno per un sequel, Rainbow Six. Tratto dal romanzo di Tom Clancy, Without Remorse vede Michael B. Jordan nei panni del Senior Chief John Kelly, un membro d’élite dei Navy SEAL che è uno dei personaggi più popolari dell’universo di Jack Ryan di Tom Clancy. Without Remorse è la storia delle origini di John Kelly, che riporta il pericoloso agente operativo nell’attuale tumultuoso scenario geopolitico.
Dopo che Kelly e la sua squadra SEAL, sotto il comando del tenente comandante Karen Greer (Jodie Turner-Smith), salvano un agente della CIA da ex soldati russi in Siria, la famiglia di John e i membri della sua unità vengono presi di mira per essere assassinati. La moglie incinta di Kelly, Pam (Lauren London), viene uccisa, spingendo John in una spirale di vendetta. Kelly scopre che un russo di nome Victor Rykov (Brett Gelman) ha guidato l’attacco alla sua casa. Con il supporto dell’agente della CIA Robert Ritter (Jamie Bell) e del Segretario alla Difesa Thomas Clay (Guy Pearce), Kelly e Greer guidano una missione a Murmansk, in Russia, per estrarre Rykov. Tuttavia, cadono in una trappola e riescono a malapena a scappare. Kelly poi mette insieme i pezzi del puzzle e capisce che il segretario Clay era la mente dietro tutto questo e che stava cercando di provocare una nuova guerra tra gli Stati Uniti e la Russia. Kelly rapisce Clay e lo costringe a confessare prima di assicurarsi la morte del segretario. Ma Kelly viene dato per morto in azione in Russia, quindi diventa “un fantasma” e la CIA procura una nuova identità al Navy SEAL ribelle: John Clark.
La scena a metà dei titoli di coda di Without Remorse si svolge un anno dopo, quando Robert Ritter incontra John Clark nei pressi del Washington Memorial. Ritter ha usato la confessione estorta da John al segretario Clay per smascherarne la corruzione e sfruttarla per diventare il nuovo direttore della CIA. Dopo che Clark si è congratulato con Ritter per la sua promozione, gli ha presentato la sua nuova idea per impedire che ciò che ha fatto Clay si ripeta:
“una squadra antiterrorismo multinazionale composta da personale statunitense, britannico e NATO selezionato con cura, con il pieno sostegno dei servizi segreti nazionali”. Clark vuole che la sua nuova squadra abbia il nome in codice Rainbow per motivi “personali” e, naturalmente, vuole dirigerla e presentare la sua idea al presidente. Questo è un preludio diretto al sequel, Rainbow Six.
Michael B. Jordan ha firmato per due film in cui interpreta John Kelly/Clark e Rainbow Six è sempre stato il sequel previsto. Il piano del produttore Akiva Goldsman era quello di utilizzare Without Remorse per presentare le origini di John Kelly e la sua trasformazione in John Clark, che avrebbe portato direttamente a Rainbow Six. Il sequel avrebbe adattato il romanzo Rainbow Six di Tom Clancy del 1998, che ha avuto spin-off e adattamenti per videogiochi. Rainbow Six avrebbe continuato la serie di film su John Clark incentrati su una squadra antiterroristica multinazionale che sventa complotti contro gli Stati Uniti, mentre i romanzi di Jack Ryan erano più incentrati sulla politica nazionale, anche se sia i film di Jack Ryan che la serie Amazon Jack Ryan con John Krasinski coinvolgono complotti terroristici e Ryan in azione.
Ci vorranno alcuni anni prima che Rainbow Six arrivi nei cinema (o su Amazon Prime, come ha fatto Without Remorse). È anche troppo presto per dire quanto Rainbow Six sarà fedele al libro di Tom Clancy, anche se è probabile che si discosterà in modo significativo dal materiale originale, come ha fatto Without Remorse. I punti di forza di Without Remorse erano l’attenzione all’azione mozzafiato e l’interpretazione intensamente viscerale di Michael B. Jordan nei panni di John Kelly, quindi ci si può aspettare che Rainbow Six aumenti l’azione ora che John Clark sarà circondato dalla sua squadra appositamente selezionata nel sequel.
Senza rimorso (Without Remorse) termina con il capo dei Navy SEAL John Kelly (Michael B. Jordan) che scopre chi c’è dietro una cospirazione internazionale volta a scatenare una guerra tra Stati Uniti e Russia. Di conseguenza, John Kelly “muore” e assume la nuova identità di John Clark, diventando un agente segreto della Central Intelligence Agency. Diretto da Stefano Sollima, Senza rimorso (Without Remorse) è basato sul romanzo di Tom Clancy del 1993, ma il film è un reboot e racconta le origini di John Kelly/Clark nell’universo cinematografico di Jack Ryan.
Il terzo atto di Senza rimorso (Without Remorse, la nostra recensione) è una sparatoria ultraviolenta a Murmansk, in Russia, dove l’obiettivo di John Kelly, Victor Rykov (Brett Gelman), rivela che entrambi sono stati usati come pedine nella cospirazione che ha avuto origine a Washington D.C. Rykov si suicida come previsto, costringendo Kelly e la sua squadra, tra cui il tenente comandante Karen Greer (Jodie Turner-Smith), a ingaggiare uno scontro a fuoco con la polizia russa. Kelly è riuscito a creare un diversivo che ha permesso a Greer e alla squadra di recupero di fuggire, mentre John, ferito, ha dovuto combattere per uscire dal condominio e raggiungere il punto di incontro. Dopo che tutti sono riusciti a mettersi in salvo, Kelly ha capito che l’agente della CIA Robert Ritter (Jamie Bell), che aveva sospettato per tutto il film, non era affatto suo nemico. Ritter ha quindi organizzato una copertura secondo cui Kelly sarebbe morto in Russia, in modo che John potesse tornare a Washington e affrontare il vero mandante del complotto: il segretario alla Difesa Thomas Clay (Guy Pearce).
Pur portando il marchio di fabbrica di Tom Clancy e Jack Ryan in fatto di geopolitica e intrighi internazionali, Senza rimorso (Without Remorse) è molto più incentrato su scene d’azione violente e spietate. La trama banale del film passa in secondo piano rispetto alle sparatorie e alle scazzottate in cui John Kelly subisce (e infligge) punizioni disumane nella sua ricerca della verità.
Di conseguenza, la maggior parte della cospirazione di Senza rimorso (Without Remorse) viene spiegata dai personaggi alla fine del film e, sebbene la trama non sia complessa o completamente sviluppata, presenta idee intriganti che spiegano abilmente perché John Kelly decide di diventare un “fantasma” e un agente ribelle di nome John Clark.
Il segretario Clay ha orchestrato tutti i tragici eventi di Senza rimorso (Without Remorse). Clay ha influenzato la CIA affinché lo aiutasse ad aumentare le tensioni tra gli Stati Uniti e la Russia, nella speranza di scatenare una guerra. Non è chiaro se Clay si sarebbe accontentato di un’altra guerra fredda o se volesse un vero e proprio conflitto militare tra le due superpotenze, ma era fermamente convinto che gli Stati Uniti e il loro popolo avessero bisogno di un nemico altrettanto potente “in grado di minacciare la loro libertà”. La logica di Clay secondo cui l’attuale clima politico vede metà del Paese considerare l’altra metà come nemica è un commento sociale tagliente sulle tensioni reali negli Stati Uniti, e il Segretario era fermamente convinto che la soluzione fosse quella di tornare indietro di decenni, quando l’America era unita contro i russi (che all’epoca erano l’Unione Sovietica).
All’inizio di Senza rimorso (Without Remorse), la squadra SEAL di John Kelly è stata creata dalla CIA in Siria quando Ritter ha mentito loro dicendo che i combattenti nemici durante la loro missione di estrazione erano russi. A Kelly e Greer era stato detto che stavano combattendo contro i siriani, non contro i russi, ma faceva tutto parte di un piano più grande. L’attacco ai russi in Siria ha provocato una risposta, che ha visto i russi guidati da Victor Rykov uccidere i compagni di squadra di Kelly, Rowdy (Luke Mitchell) e Webb (Cam Gigandet), oltre ad attaccare Kelly a casa sua, causando l’omicidio della moglie incinta Pam (Lauren London). Questo ha spinto Kelly in una sanguinosa missione di vendetta, durante la quale ha scoperto che l’assassino solitario fuggito da casa sua era Victor Rykov. Tuttavia, quando Kelly lo ha rintracciato a Murmansk, Rykov ha rivelato di essere in realtà un agente della CIA, quindi l’attacco alla squadra e alla famiglia di Kelly faceva parte dell’operazione della CIA ordinata dal segretario Clay.
Lo scopo di attirare Kelly a Murmansk con Rykov come esca era quello di provocare un incidente internazionale in cui i soldati americani avrebbero inscenato un attacco sul suolo russo, alimentando ulteriormente le tensioni tra Stati Uniti e Russia e favorendo così il piano di Clay di scatenare una guerra tra i due paesi. Ancor prima che Kelly e la sua squadra arrivassero a Murmansk, Clay aveva informato i russi tramite la CIA che l’aereo che trasportava Kelly, camuffato da volo commerciale, era in rotta, in modo che i russi potessero abbatterlo. Quando Kelly e la sua squadra sono sopravvissuti, la fase successiva prevedeva che Rykov li attirasse nell’appartamento e poi si uccidesse con un giubbotto esplosivo, scatenando la reazione della polizia russa. Ma Clay non aveva previsto che Kelly e tutta la sua squadra sarebbero sopravvissuti, né che Ritter avrebbe ricostruito il piano del Segretario e aiutato Kelly.
Ritter ha dato a Kelly un borsone pieno di soldi e il rapporto ufficiale suo e di Greer ha dichiarato che John è stato ucciso in azione a Murmansk. Ora che è un “fantasma”, Kelly è tornato a Washington D.C. e ha rapito il segretario Clay per costringerlo a confessare, registrando segretamente la confessione. Kelly ha poi guidato il suo SUV nel fiume Potomac in modo che Clay annegasse mentre Greer salvava John. Al “funerale” di Kelly, gli “atti di tradimento” di Clay furono rivelati pubblicamente, così John Kelly riuscì a impedire la guerra tra gli Stati Uniti e la Russia voluta da Clay.
Alla fine di Senza rimorso (Without Remorse), il tenente comandante Greer diede a John la sua nuova identità falsa rilasciata dalla CIA e l’Agenzia gli diede il nome poco creativo di John Clark. Ufficialmente, John Kelly è morto a Murmansk e ha avuto un funerale di Stato. John Clark è ora un agente delle operazioni segrete della CIA che opera senza alcuna carica ufficiale. Ma senza più una famiglia, questo è il futuro che Clark ha scelto perché gli permette di lavorare per fermare ulteriori complotti da parte di uomini al potere come il segretario Clay. Quando Kelly e Clay erano sul fondo del Potomac, John ha fatto un sogno in cui diceva addio a Pam e alla sua vecchia vita per sempre.
John Kelly era un patriota che credeva nel contratto che aveva firmato quando si era arruolato in Marina, in cui si impegnava a difendere il suo Paese. Gli eventi di Senza rimorso (Without Remorse) hanno distrutto la fiducia di John negli Stati Uniti, che lo hanno usato come una pedina. Quando era a caccia di Victor Rykov, credeva che il russo fosse un potente membro dell’FSB (il servizio di sicurezza federale russo e successore del KGB). Kelly rimase scioccato nell’apprendere che anche Rykov era della CIA e che entrambi erano pedine. John immaginava di essere “una pedina a caccia di un re” quando dava la caccia a Rykov, ma con l’aiuto di Ritter e Greer, Kelly capì che il “re” che avrebbe dovuto dare la caccia fin dall’inizio era il segretario Clay.
Senza rimorso (Without Remorse) ha palesemente usato Robert Ritter come diversivo. Dato che nascondeva dei segreti a John Kelly, che non si fidava di Ritter, il pubblico doveva sospettare che fosse lui il grande cattivo che tirava le fila. Ma sebbene Ritter fosse subdolo e manipolatore, era anche a conoscenza degli eventi loschi che stavano accadendo tra la CIA e il Dipartimento della Difesa guidato dal Segretario Clay, ma ha taciuto fino a quando non ha raccolto abbastanza informazioni. Ritter era anche intenzionato a scalare la gerarchia della CIA e sapeva come manipolare gli eventi per assicurarsi la promozione al vertice dell’Agenzia.
Ritter non è salito sull’aereo per la Russia con Kelly, Greer e la loro squadra di recupero perché sapeva che la CIA aveva organizzato l’abbattimento dell’aereo. Ritter ha viaggiato separatamente in Russia e ha reclutato agenti pagati per trovare Rykov, poiché si aspettava che la squadra di Kelly fosse morta. Quando Kelly è apparso e ha accusato Ritter di essere un traditore, l’agente della CIA ha capito che c’era qualcos’altro sotto e che Rykov non era il vero obiettivo dell’operazione. Dopo che la squadra di estrazione di Kelly è sopravvissuta allo scontro a fuoco con la polizia russa, Ritter ha capito chi erano davvero i buoni e ha avuto la conferma che Clay era dietro a tutto. Ritter ha organizzato il trasporto negli Stati Uniti e ha inventato la storia della morte di John Kelly in Russia per poter ottenere la confessione di Clay. Ritter ha poi sfruttato la registrazione di Clay per “un favore”: la sua promozione a direttore della CIA.
La scena a metà dei titoli di coda di Senza rimorso si svolge un anno dopo. John Clark incontra Ritter al Washington Memorial e si congratula con lui per la sua promozione a direttore della CIA. Clark rivela poi di aver riflettuto sugli eventi dell’anno precedente e John gli espone la sua nuova idea per impedire che Clay possa agire di nuovo: “una squadra antiterrorismo multinazionale composta da personale statunitense, britannico e NATO selezionato con cura, con il pieno sostegno dei servizi segreti nazionali”. Clark intende guidare questa nuova squadra, che ha chiamato Rainbow per motivi “personali”, e annuncia la sua intenzione di presentare il piano al presidente, chiedendo tacitamente a Ritter il sostegno della CIA.
Questo colpo di scena è un’anticipazione diretta del sequel di Without Remorse, Rainbow Six. Il produttore Akiva Goldsman aveva in mente di realizzare due film su John Clark, in modo che Without Remorse fosse il preludio di Rainbow Six, e Michael B. Jordan ha firmato per recitare in entrambi. È probabile che Jamie Bell e Jodie Turner-Smith riprenderanno i ruoli di Robert Ritter e del tenente comandante Greer in Without Remorse anche in Rainbow Six. Ma vista la squadra proposta da Clark, i fan di Tom Clancy possono anche aspettarsi un gruppo internazionale completamente nuovo di agenti speciali che sosterranno John Clark in Rainbow Six.
La stravagante serie poliziesca della ABC Will Trent ha già impressionato nelle sue prime due stagioni e la terza stagione non ha deluso le aspettative. Basata sui libri best-seller di Karin Slaughter, Will Trent segue le vicende dell’agente speciale del Georgia Bureau of Investigations, noto e invidiato per la sua incredibile percentuale di casi risolti. Dopo aver smascherato la corruzione all’interno del dipartimento di polizia di Atlanta, Will non solo deve risolvere i casi, ma anche sradicare ulteriormente gli elementi negativi nelle forze dell’ordine locali.
Ottenendo subito ottimi voti dalla critica, Will Trent si distingue dai soliti polizieschi investendo molto nei personaggi e nelle loro complicate relazioni. Serie come Will Trent sono rare e hanno saputo sfruttare brillantemente la loro prima stagione per sviluppare le affascinanti trame introdotte all’inizio. La seconda stagione è quella in cui l’ultimo successo della ABC ha trovato il suo equilibrio, e ha continuato il suo slancio con una terza stagione di successo, che ha portato al rinnovo di Will Trent per una quarta stagione.
Mentre molti programmi televisivi con premesse uniche non riescono a mantenere un interesse duraturo, Will Trent continua ad andare forte nella terza stagione. Il punteggio del pubblico della serie su Rotten Tomatoes ha registrato un calo significativo, con un Popcornmeter del 74% – rispetto all’89% della prima stagione e all’85% della seconda – ma è comunque un punteggio discreto. RT non vanta molte recensioni critiche per la terza stagione di Will Trent, ma quelle presenti indicano una continuazione dell’alta qualità della serie. Cinefilos.it ha osservato che i cliffhanger scioccanti nel finale della terza stagione rendono ancora più alta l’attesa per la quarta stagione già confermata.
Per chi desidera recuperare o rivedere la terza stagione di Will Trent, l’intera stagione 3 è disponibile in streaming su Hulu, insieme alle due stagioni precedenti. La stagione 3 di Will Trent è stata trasmessa per la prima volta su ABC il martedì alle 20:00 ET, con gli episodi disponibili su Hulu il giorno successivo. La stagione 4 dovrebbe seguire lo stesso schema.
Il finale della terza stagione di Will Trent è andato in onda il 13 maggio 2025.
Ci sono stati pochi cambiamenti nel cast tra la prima e la seconda stagione, e questa tendenza è continuata anche nella terza stagione. Le serie procedurali si basano molto sulla continuità del cast, e Will Trent in particolare è caratterizzato da forti relazioni tra i personaggi. Pertanto, non sorprende che l’intero cast sia tornato, in particolare Ramón Rodriguez nel ruolo di Will Trent. Anche Erika Christensen è tornata nei panni di Angie Polaski, e il suo arresto alla fine della stagione 2 ha introdotto una nuova svolta nella sua relazione con Will.
Una nuova arrivata si è unita alla stagione 3, con Gina Rodriguez (Jane the Virgin) nel ruolo dell’assistente procuratore distrettuale Marion Alba. Sebbene sia stata una protagonista per gran parte della stagione, Marion ha lasciato la serie a metà strada dopo la rottura con Will. Anche Scott Foley (Scandal) si è unito al cast nel ruolo ricorrente del dottor Seth McDale, il nuovo interesse amoroso di Angie. Tuttavia, l’aggiunta più entusiasmante al cast è stata quella di Yul Vazquez nel ruolo dello sceriffo Caleb Broussard, che si rivela essere il padre biologico di Will, una trama che dovrebbe continuare nella quarta stagione.
Le cose non sembrano andare bene per Amanda in questo momento, e non c’è alcuna garanzia che sopravviverà tra la terza e la quarta stagione di Will Trent. Le circostanze potrebbero essere leggermente migliori per Ormewood, il cui collasso si spera porterà ad anticipare l’intervento chirurgico per rimuovere il suo tumore, ma non ci sono garanzie che ce la farà. Angie e Seth si prepareranno all’arrivo del loro bambino, mentre il rapporto di Will con Caleb sarà probabilmente al centro della scena all’inizio della quarta stagione di Will Trent.
La serie antologica (per lo più) animata di Netflix Love, Death + Robots 4 presenta 10 storie diverse che trattano una vasta gamma di argomenti, tutte meritevoli di un’analisi più approfondita. Love, Death + Robots è sempre stata una serie antologica profondamente riflessiva e simbolica. Ogni episodio nasconde una verità più profonda sul mondo strano e moderno in cui viviamo o sui fantastici mondi fantascientifici verso cui ci stiamo dirigendo. Ecco perché è una delle migliori serie su Netflix. Fortunatamente, la narrazione metaforica di Love, Death + Robots non ha perso slancio nel volume 4.
Uno degli obiettivi di ogni volume è quello di portare Love, Death + Robots a “nuovi livelli”, e l’ultima puntata non ha deluso le aspettative.
Dalle critiche pungenti alla società moderna ai viaggi sinceri verso l’illuminazione spirituale e religiosa, fino a un raro cortometraggio live-action, Love, Death + Robots volume 4 ha aperto una nuova strada per la serie antologica. Nel trovare questa nuova strada, però, la serie ha anche esplorato nuovi territori narrativi. Alcuni degli episodi più simbolici e significativi di Love, Death + Robots volume 4 potrebbero richiedere qualche spiegazione in più.
Il primo episodio di Love, Death + Robots volume 4, “Can’t Stop”, non sembra avere un significato molto profondo. Il cortometraggio è, dopotutto, solo un modo diverso di visualizzare la performance live dei Red Hot Chili Peppers di “Can’t Stop”.
La regia di David Fincher e l’animazione di Blur Studio, tuttavia, hanno dato a “Can’t Stop” un nuovo livello di significato. Raffigurando i Red Hot Chili Peppers e la folla come marionette, Love, Death + Robots ha visualizzato il potere trascendentale della musica. Tutti i partecipanti, compresi gli artisti, erano essenzialmente marionette attraverso cui fluivano la musica e la passione del momento, creando un’esperienza incredibile.
Il secondo esperimento di Love, Death + Robots con le tecniche tilt-shift in “Close Encounters of the Mini Kind” si è rivelato estremamente importante per il suo messaggio. “Close Encounters of the Mini Kind” descrive un’invasione aliena della Terra piuttosto standard ma unica nel suo genere e ricca di umorismo. Tuttavia, il fatto di inquadrare l’invasione aliena come una “Mini Kind” sottolinea che l’umanità ha una visione di sé molto più grande di quella che abbiamo in realtà nel grande schema dell’universo. Le immagini finali del cortometraggio, quando il sistema solare viene inghiottito da un buco nero, mettono in risalto quanto siamo piccoli.
L’immagine eccessivamente importante che l’umanità ha di sé stessa ha anche contribuito a trasmettere il secondo tema principale del cortometraggio: che spesso gli esseri umani sono responsabili della propria distruzione. Gli alieni in “Close Encounters of the Mini Kind” sono arrivati sulla Terra in pace e la loro invasione è iniziata solo dopo che gli umani hanno sparato per primi. Poi, la Terra è stata inghiottita da un buco nero creato dagli umani utilizzando la tecnologia aliena. I tentativi accaniti dell’umanità di difendersi e l’eccessiva propensione alla violenza hanno finito per garantire la nostra distruzione (due volte) in “Close Encounters of the Mini Kind.” Un approccio più ponderato e freddo avrebbe salvato gli umani sia all’inizio che alla fine.
La Spider Rose del terzo episodio del volume 4 di Love, Death + Robots era il fulcro del significato della storia. Come abbiamo appreso, Spider Rose un tempo si chiamava Lydia, ma ha scelto un nome meno umano dopo che il suo amore è stato ucciso da Jade, un membro del gruppo Shaper di Schismatrix di Bruce Sterling. Spider Rose ha anche spiegato che aveva vissuto completamente sola da quando il suo amore era stato ucciso, fino al momento in cui aveva ricevuto Nosey dagli Investitori. Spider Rose è una storia su come il dolore e la sete di vendetta possano consumare figurativamente una persona, proprio come Nosey ha consumato letteralmente lei.
Dopo aver ucciso Jade, Spider Rose disse a Nosey che era “morta” prima che gli Investitori glielo dessero. Gli disse che aveva degli amici da qualche altra parte nella galassia e che si era completamente isolata nel dolore per la perdita del suo amore e nella ricerca del vero Jade. Nosey è quasi riuscito a liberare Spider Rose dalla sua ossessione consumante per la vendetta, ma l’amore dell’animale è arrivato troppo tardi per salvarla. Poi, in un simbolico scherzo del destino, Spider Rose ha lasciato che Nosey banchettasse con la sua carne e consumasse letteralmente ciò che il dolore non era ancora riuscito a distruggere: il suo corpo.
Sebbene veda bande rivali combattere contro enormi mostri simili a bambini, “400 Boys” è senza dubbio l’episodio più pieno di speranza del volume 4 di Love, Death + Robots. “400 Boys” stabilisce rapidamente che le numerose bande dotate di superpoteri sparse per la città si odiano a vicenda, ma si uniscono per combattere i “ragazzi” che hanno raso al suolo la città. “400 Boys” è una metafora di come un nemico comune, come i ragazzi, possa unire l’umanità e persino superare aspre rivalità e anni di ostilità. Le bande mettono da parte i loro litigi e i rancori del passato e riescono a scacciare i ragazzi.
“400 Boys” ha anche qualcosa da dire sul potere dell’amore e dei legami umani. Solo unendosi le bande hanno avuto abbastanza potere, sia fisico che psichico, per sconfiggere i ragazzi. Solo dopo aver visto morire Croak, Slash è stato in grado di affrontare i ragazzi da solo.
Alla fine, l’amore di Slash per gli altri membri della sua banda gli ha dato il coraggio e la forza necessari per guardare negli occhi il “dio o ragazzo” e ucciderlo. Anche se la città è stata rasa al suolo, le bande di “400 Boys” sono riuscite a stringere legami autentici e a respingere gli invasori.
Alcuni episodi di Love, Death + Robot sono più comici di altri, ma anche “The Other Large Thing” ha un significato più profondo. “The Other Large Thing” è in gran parte una storia su come l’umanità sia troppo incline a fidarsi e ad affidarsi a cose che non comprende appieno, che si tratti di robot o gatti. Gli umani di Dingleberry Jones non avevano nemmeno iniziato a capire di cosa fosse capace Thumb Bringer, come dare fuoco al loro appartamento e chiuderli dentro a distanza, e non capivano la sete di dominio mondiale di Dingleberry Jones. Questa mancanza di comprensione è costata loro la vita e, presumibilmente, anche quella del resto dell’umanità.
Love, Death + Robots raramente usa mezzi termini, ma “Golgotha” è forse una delle sue critiche sociali più pungenti. Prendendo il nome dal luogo della crocifissione di Gesù Cristo, “Golgotha” segue padre Maguire (Rhys Darby) mentre entra in contatto per la prima volta con una razza aliena conosciuta come i Lupo. I Lupo credono che un delfino sia il loro messia e, dopo aver sentito come gli umani trattano i delfini e il mare, decidono di iniziare una crociata contro gli umani. Il messaggio principale di “Golgotha” è stato riassunto da Maguire: “Abbiamo fottuto tutto”. Non prendendosi cura della Terra e dei suoi animali, come i delfini, l’umanità ha fatto sì che i Lupo cercassero vendetta contro di noi.
Non riuscendo a prendersi cura della Terra e dei suoi animali, come i delfini, l’umanità ha fatto sì che i Lupo cercassero vendetta contro di noi.
“Golgotha” è ricco di simbolismo religioso, in particolare per i cristiani. Il suo riferimento più importante al cristianesimo è un insegnamento fondamentale di Gesù Cristo stesso: “fai agli altri ciò che vorresti fosse fatto a te”. Questo insegnamento è raramente preso alla lettera e ancora più raramente applicato agli animali della Terra. “Golgotha” è l’eccezione. “Golgotha” pone il delfino come una figura simile a Gesù nei confronti dei Lupo e gli esseri umani come Ponzio Pilato, poi chiede al pubblico se i Lupo hanno ragione a iniziare una crociata contro gli assassini del loro messia. La risposta è abbastanza facile da capire dopo aver considerato le fuoriuscite di petrolio, i cambiamenti climatici e altri disastri naturali causati dall’uomo.
Sebbene Love, Death + Robots volume 4 abbia un cameo di Mr. Beast, non è lui il protagonista di “The Screaming of the Tyrannosaur”. Il protagonista è un gladiatore senza nome doppiato da Bai Ling. “The Screaming of the Tyrannosaur” è una storia su come il tirannosauro rex e il gladiatore, due creature costrette a combattere e morire per il divertimento degli altri, sfruttano il loro potere collettivo per trovare un briciolo di giustizia. Lavorando insieme, il gladiatore e il dinosauro sono riusciti a infliggere una dose di dolore e umiliazione alla classe dominante, che stava letteralmente bevendo il loro sangue.
Cosa c’è di meglio di un malvagio game master che prova un tale piacere nel sottoporre queste povere persone indifese a tutte queste prove? Mi sembrava proprio un episodio di Beast Games. Non so voi, ma io ho guardato quella serie e tante volte ho pensato: “Oh mio Dio, è così crudele”, quindi ho pensato che sarebbe stato perfetto per quel ruolo.
– Tim Miller, creatore di Love, Death + Robots, in un’intervista a ScreenRant.
“The Screaming of the Tyrannosaur” non è sottile nel suo commento sulla lotta di classe. Mr. Beast (un multimilionario nella vita reale) e il resto degli aristocratici sono ritratti come edonisti letteralmente assetati di sangue e spietati che desiderano solo divertirsi. I gladiatori sono messi l’uno contro l’altro proprio perché il loro potere collettivo è l’unica cosa che può minacciare i governanti. “The Screaming of the Tyrannosaur” è una storia di oppressione che si schiera chiaramente dalla parte degli oppressi, anche se questi muoiono nei momenti finali del cortometraggio.
La fede e la religione sono temi ricorrenti in Love, Death + Robots volume 4, e sono stati rappresentati in modo ancora più chiaro in “How Zeke Got Religion”. Durante una missione aerea per sventare un piano nazista per evocare un demone, Zeke e il resto del suo equipaggio vengono attaccati nel loro bombardiere B-52 dal suddetto demone. Solo dopo aver scoperto che un crocifisso può ferirlo, Zeke uccide il demone e riconsidera il suo ateismo. “How Zeke Got Religion” è una metafora del difficile percorso verso il vero risveglio spirituale e religioso. Zeke ha combattuto un demone letterale prima di accettare la religione, ma il percorso della maggior parte delle persone è più sottile.
All’inizio del cortometraggio, Zeke mostra letteralmente il dito medio a Dio come segno del suo ateismo. Per sconfiggere il demone, tuttavia, Zeke ha dovuto riporre la sua fede nel potere del crocifisso, simbolo della fede cristiana, e credere che potesse danneggiare questa entità malvagia.
Zeke è stato letteralmente salvato dalla fede e la sua nuova convinzione lo ha aiutato a sconfiggere i suoi demoni. “How Zeke Got His Religion” utilizza l’iconografia cristiana, ma è una storia su come molte persone devono lottare con i propri “demoni” prima di accettare qualsiasi potere superiore in cui scelgono di credere.
Non tutti i cortometraggi di Love, Death + Robots parlano di profondi viaggi spirituali, e “Smart Appliances, Stupid Owners” lo dimostra. “Smart Appliances, Stupid Owners” è essenzialmente una lunga battuta su come spesso usiamo (o abusiamo) la tecnologia quotidiana in modi assurdi. A un livello leggermente più profondo, mette in evidenza alcune delle sciocchezze della nostra vita mondana e tecnologica. Ad esempio, un WC deve essere “intelligente”? Allo stesso modo, che senso ha uno spazzolino “intelligente” che non usiamo mai? Non c’è alcun invito all’azione, ma “Smart Appliances, Stupid Owners” mette in evidenza alcuni modi divertenti in cui interagiamo con il nostro mondo sempre più tecnologico.
L’ultimo episodio del volume 4 di Love, Death + Robots, “For He Can Creep”, è una storia curiosa su Jeoffrey, un gatto, e il suo poeta, assediato da Satana, che vuole una poesia per porre fine al mondo. In sostanza, “For He Can Creep” è sia un’ode alle curiose creature che sono i gatti. “For He Can Creep” descrive i gatti come esseri antichi e divini, capaci di danneggiare persino il diavolo in persona, e nutre un profondo amore per tutto ciò che è felino. Considera i gatti come eroi dal cuore buono e adorabili che tengono a bada l’oscurità, in senso letterale e figurato.
Mentre Jeoffrey e il resto dei gatti combattono letteralmente contro il diavolo, il gatto del poeta combatte figurativamente contro i demoni che lo perseguitano.
Oltre alla sua visione favorevole dei gatti, “For He Can Creep” ha anche molto da dire sul potere dell’amore, in particolare l’amore per un buon animale domestico. Lo dimostra il poeta, che è rinchiuso in un manicomio. Mentre Jeoffrey e gli altri gatti combattono letteralmente contro il diavolo, il gatto del poeta combatte figurativamente contro i demoni che lo perseguitano. È chiaro come il sole negli ultimi versi del poeta: egli vede Jeoffrey come un amico e un confidente e crede che possa scacciare l’oscurità della sua malattia mentale. Love, Death + Robots volume 4 ha trovato una nota felice con cui concludersi.
Candidato a 6 premi Oscar alla 95ª edizione degli Academy Awards, il film di Todd Field, vincitore di numerosi premi nel 2022, offre uno sguardo così approfondito sul personaggio principale che non è sempre chiaro se Tár sia basato su una storia vera. L’interpretazione di Cate Blanchett nel ruolo della direttrice d’orchestra Lydia Tár contribuisce sicuramente a conferire un’aria di verosimiglianza a questa storia a tratti scioccante. Poiché Tár interroga molte questioni culturali che circondano la politica sessuale e l’abuso di potere, temi così attuali, è facile supporre che Tár (la nostra recensione) sia una storia vera. La scena iniziale di
Tár, in cui un vero giornalista del New Yorker recita la lunga lista dei successi musicali di Lydia, immerge lo spettatore nel mondo della protagonista, sottolineando come lei sia all’apice della sua carriera. Con ciò che segue, Cate Blanchett trasforma gradualmente Lydia Tár in un personaggio tridimensionale, aggiungendo alla sua narrazione molti strati complessi di contraddizioni e corruzione. Con tutte queste rivelazioni avvincenti che circondano la trama di Lydia, Tár sembra più un film biografico che un’opera di finzione. Per questo motivo, è difficile non chiedersi se i confini sfumati tra realtà e finzione abbiano ispirazioni nella vita reale.
Anche se la caduta in disgrazia di Lydia in Tár sembra reale, il film non è basato sulla vita di un vero direttore d’orchestra. Tuttavia, è facile lasciarsi ingannare dal marketing e dal comportamento di Tár, che lo vendono ingegnosamente come un film biografico su questo personaggio immaginario. È simile al modo in cui i fratelli Coen hanno usato il testo di apertura per affermare che Fargo era basato su fatti reali, nonostante fosse completamente inventato. Anche la sinossi ufficiale di Tár – “ambientato nel mondo internazionale della musica classica, è incentrato su Lydia Tár, considerata una delle più grandi compositrici/direttrici d’orchestra viventi e prima donna a ricoprire il ruolo di direttrice principale di una grande orchestra tedesca” – suggerisce il biopic di un’artista reale, propagando il film come la biografia di una direttrice d’orchestra.
Nonostante il suo realismo ingannevole, Tár trae ispirazione dal mondo reale. Ad esempio, come ha spiegato il regista Todd Field in un’intervista (tramite Vanity Fair), la scena alla Julliard, in cui Lydia critica uno studente, rispecchia le esperienze del regista durante un corso molto duro alla scuola di cinema.
L’impulso dietro la scena, come ha ricordato Field, deriva anche da un dilemma universale: “Cosa direbbe il tuo io più anziano al tuo io più giovane?” In un’altra intervista (via AwardsWatch), Field ha parlato a lungo di come ha preso ispirazione da un direttore d’orchestra, John Mauceri, il che spiega perché la rappresentazione della direzione musicale del film candidato all’Oscar come miglior film nel 2023 sia così vicina alla realtà.
Anche Wikipedia aveva una pagina dedicata alla figura di Lydia Tár (via The Cut), ma è stata successivamente spostata nella pagina principale del film. Tutte queste misure adottate per vendere Tár come una storia vera suggeriscono che sia stato intenzionalmente commercializzato come un film biografico per attirare inizialmente gli spettatori e poi mantenerli interessati alla turbolenta narrazione di Lydia. Considerando la brillante interpretazione di Cate Blanchett e il talento registico di Todd Field, Tár avrebbe probabilmente ottenuto il plauso della critica anche senza tutti gli espedienti di marketing. Tuttavia, i motivi illusori della storia vera di Tár suscitano la curiosità dello spettatore e fungono da finestra sul mondo reale.
Il fatto che il pubblico consideri Tár una storia vera rende il successo del film e la sua nomination agli Oscar non eccessivamente sorprendenti. Guardando la performance di Cate Blanchett, che le è valsa una nomination all’Oscar come migliore attrice dopo la vittoria ai Golden Globe, sembra così basata sulla realtà che è sorprendente che l’attrice non si sia ispirata a una persona reale. La sua sicurezza di fronte a un’orchestra, in contrasto con la sua goffaggine sociale nella vita quotidiana, sembra autentica, così come la sua voce distintiva e l’arroganza rabbiosa che ribolle sotto la superficie. Alcuni dei ruoli interpretati da Blanchett la vedono come una presenza autorevole, ma questa interpretazione sembra radicata in qualcosa di reale.
Il film stesso, candidato all’Oscar per la migliore regia e il miglior film, rispecchia il realismo della performance della Blanchett. Sembra che il pubblico segua la graduale caduta in disgrazia senza momenti teatrali o artificiosi. Non è difficile accettarla come una storia vera, poiché è una storia che il pubblico ormai conosce molto bene. Tuttavia, sebbene la sceneggiatura di Todd Field sia stata nominata per la Migliore sceneggiatura originale, evita grandi colpi di scena con il finale di Tár che risulta credibile in quanto non risolve facilmente la storia. Nell’approccio a questa storia molto realistica, Tár cattura una certa verità, anche se è tutta finzione.
L’attesa per il nuovo look di Superman di James Gunn è finita. L’Uomo d’Acciaio interpretato da David Corenswet è il protagonista del primo film del nuovo DC Universe. Il film deve affrontare una grande pressione, non solo perché deve dimostrare che la DC si sta allontanando dalle ultime controverse uscite del DCEU, ma anche perché Gunn ha già dichiarato che i suoi piani per il DCU Capitolo 1 e oltre dipendono dal successo di Superman. Dopo alcuni teaser e video dietro le quinte, è ora disponibile uno sguardo più approfondito alla Superman e ai suoi personaggi.
DC ha pubblicato un nuovo trailer del film Superman di David Corenswet.
Il trailer rivela quanti personaggi del cast stellare di Superman avranno un ruolo nel film. Ci sono molte scene d’azione che mostrano Superman interpretato da Corenswet in azione, così come i poteri di eroi come Green Lantern Guy Gardner interpretato da Nathan Fillion e cattivi come l’Ingegnere interpretato da María Gabriela de Faría. Viene messa in risalto la relazione tra Clark Kent e Lois Lane, mostrando come sarà cruciale per il film, e le azioni di Superman lo mettono nei guai.
In precedenza, DC Studios aveva condiviso un poster ufficiale di Superman, che mostrava l’Uomo d’Acciaio interpretato da Corenswet in tutta la sua imponenza.
Il nuovo trailer del film Superman rivela finalmente la trama del film della DCU. Il Superman interpretato da David Corenswet ha scelto di intervenire in una guerra in un altro paese. Questo ha complicato le cose per lui, dato che il mondo lo ha interpretato come un’azione degli Stati Uniti e non di Superman. Lex Luthor, interpretato da Nicholas Hoult, è uno di quelli furiosi per le sue azioni, così come Rick Flag Sr., interpretato da Frank Grillo, che ha il compito di arrestare Superman. Anche i cittadini che Clark Kent difende si sono rivoltati contro di lui nel trailer.
Un’altra rivelazione importante è il fatto che Lois Lane, interpretata da Rachel Brosnahan, è ben consapevole che Clark Kent è Superman. La rivelazione arriva all’inizio del trailer, quando Clark accetta di rilasciare un’intervista a lei nei panni di Superman. Lex Luthor e l’Ingegnere invadono la Fortezza della Solitudine di Superman, l’Uomo d’Acciaio ferma un kaiju a Metropolis e la Justice Gang, gli altri eroi DCU presenti nel film, mostrano i loro poteri in diverse scene. Il film Superman di James Gunn seguirà l’eroe che lotta per ciò che ritiene giusto e affronta le conseguenze.
Tom Cruise ha portato sulla croisette il suo Mission: Impossible – The Final Reckoning, l’ultimo capitolo della saga di Ethan Hunt. Eccolo al photocall del secondo giorno di Cannes 2025 che posa insieme al regista Christopher McQuarrie e al cast formato da Hayley Atwell, Simon Pegg, Esai Morales, Pom Klementieff, Hannah Waddingham, Greg Tarzan Davis, Tramell Tillman.
Il photocall del Festival di Cannes 2025 prende vita con le immagini della giuria della Camera d’Or, che voterà la migliore opera prima, presieduta dalla “nostra” Alice Rohrwacher, mentre la manifestazione prende il via. Ecco le immagini:
Il finale della seconda stagione di Andor conclude la serie in modo soddisfacente, collegando la storia a Rogue One e spiegando gli ultimi misteri riguardanti l’Alleanza Ribelle e la Morte Nera. La linea temporale della seconda stagione di Andor è stata piuttosto singolare, con la serie che ha fatto un salto in avanti di un anno ogni tre episodi. Di conseguenza, gli ultimi tre episodi si svolgono poco prima degli eventi di Rogue One e un anno dopo il massacro di Ghorman e il caos che ne è seguito, mostrato nella seconda stagione di Andor, episodi 7-9.
Data la vicinanza temporale a Rogue One, la seconda stagione di Andor, episodi 10-12, ha risolto tutti i fili della trama rimasti in sospeso e ne ha lasciati altri in sospeso per alimentare direttamente la storia del primo. Che si tratti del destino dei membri del cast della seconda stagione di Andor che non compaiono in Rogue One, come Luthen, Kleya e Dedra, o di anticipazioni sul futuro di quelli che invece compaiono nel film del 2016, gli ultimi tre episodi forniscono risposte e si collegano senza soluzione di continuità al prossimo capitolo cronologico della saga di Star Wars. Una grande risposta che il finale della seconda stagione di Andor fornisce, naturalmente, riguarda la Morte Nera.
Ci siamo sempre chiesti come l’Alleanza Ribelle abbia scoperto l’esistenza della Morte Nera. La Ribellione aveva già sentito voci sulla super arma dell’Imperatore all’inizio di Rogue One, nonostante la segretezza con cui era stata costruita. Anche nella prima scena di Cassian in Rogue One, in cui incontra un informatore di nome Tivik, ammette di aver sentito parlare di Galen Erso e di conoscere i suoi legami con un’arma segreta dell’Impero. Nella stagione 2 di Andor, episodi 10-12, scopriamo finalmente come i ribelli sono venuti a conoscenza dell’esistenza della Morte Nera.
Nel primo episodio dell’arco narrativo finale della seconda stagione di Andor, Luthen Rael incontra il suo contatto imperiale di lunga data, Lonni Jung. Lonni è estremamente stressato e desidera essere portato via da Coruscant dopo aver setacciato i file di Dedra Meero e aver scoperto l’esistenza della Morte Nera. Lonni scopre che l’estrazione del kyber su Jedha, il massacro di Ghorman nell’episodio 8 di Andor e molti altri elementi descritti come un progetto di energia pulita sono in realtà collegati alla costruzione di un’arma gigantesca, guidata da Galen Erso e basata sul pianeta Scarif.
Cassian la salva e viene a conoscenza dell’arma, passando l’informazione al comando ribelle…
Lonni commette l’errore di dirlo a Luthen, che lo considera un elemento troppo pericoloso e lo uccide. Luthen trasmette quindi questa informazione a Kleya, ma viene catturato da Dedra Meero. Dopo una serie di eventi in cui Kleya uccide Luthen in lacrime per impedire all’Impero di scoprire i suoi segreti, Cassian la salva e viene a conoscenza dell’arma, passando l’informazione al comando ribelle. Questo spiega come l’Alleanza Ribelle sia venuta a conoscenza della Morte Nera, e la prima scena di Cassian in Rogue One, in cui si aggrappa al nome di Galen Erso, ora ha molto più senso, dato che l’ha sentito da Kleya.
Luthen è diventato famoso per il suo slogan: “Ho amici ovunque”. Tuttavia, il finale della seconda stagione di Andor rende questa frase incredibilmente ironica per quanto riguarda lo stesso Luthen. Uno dei temi centrali degli ultimi tre episodi della seconda stagione di Andor è la reputazione che Luthen si è guadagnato, o meglio, distrutto. Rimanendo su Coruscant e rifiutandosi di unirsi agli altri ribelli, Luthen ha fatto sì che personaggi come Bail e Draven si fidassero di lui ancora meno di prima.
Luthen era così dedito alla sua versione della causa che ha bruciato i ponti e le relazioni che lo circondavano. La mancanza di amici è diventata una grande ironia e ha quasi portato alla caduta della galassia. Luthen ha scoperto la Morte Nera prima di chiunque altro al di fuori dell’ISB, ma i suoi rapporti incrinati hanno fatto sì che l’Alleanza Ribelle quasi non gli credesse. Senza Cassian e Kleya, l’ostinato impegno di Luthen nei confronti della Ribellione avrebbe potuto effettivamente causarne il fallimento prima della sconfitta dell’Impero.
L’apparizione di Bail Organa in Andor ha inizialmente suscitato un certo scalpore, dato che il personaggio è stato interpretato da Benjamin Bratt invece che dal solito Jimmy Smits. Detto questo, la maggior parte degli spettatori ha accettato la scelta di Bratt dopo la spiegazione che Smits non era disponibile e grazie alla fantastica interpretazione dell’attore. Nell’universo di Star Wars, però, Andor è una delle trame che mostra Bail prima della sua tragica morte su Alderaan, causata dalla Morte Nera.
Fortunatamente, Bail riceve un potente tributo prima della sua morte sotto forma della sua ultima battuta nel finale della seconda stagione di Andor. Bail dice ad Andor che, se deve morire combattendo l’Impero, vuole farlo lottando. In un certo senso, il futuro di Bail descrive esattamente questo. Muore insieme al resto del suo popolo quando Alderaan viene distrutta, ma la sua eredità, la principessa Leia, continua a combattere in suo nome ed è fondamentale per la sconfitta finale dell’Impero.
Uno degli altri personaggi a cui il finale della seconda stagione di Andor offre una conclusione è Dedra Meero. Dopo l’incidente su Ghorman, Dedra è di nuovo ossessionata dalla ricerca di Axis, alias Luthen. Alla fine ci riesce, ma viene arrestata perché non era autorizzata a lavorare sul file Axis, il che porta a un interessante interrogatorio da parte nientemeno che del direttore Orson Krennic.
L’interrogatorio di Krennic si ricollega alle scoperte di Lonni, dato che Dedra Meero aveva accesso ai file relativi alla Morte Nera. Krennic sospetta che Dedra sia una spia ribelle, consentendo a Lonni e successivamente a Luthen e Kleya di scoprire la verità sulla Morte Nera.
Dedra insiste che non è così e che ha semplicemente dovuto cercare dei file per ottenere indizi su Axis, promettendo che non sapeva che Lonni avesse il codice di accesso ai suoi file. Indipendentemente da ciò, l’incuria di Dedra la porta in una cella della prigione di Narkina, completando la sua storia in modo piuttosto poetico.
È interessante notare che, nonostante il discorso di Mon Mothma e la sua fuga da Coruscant e dal Senato nella seconda stagione di Andor, episodi 7-9, gli ultimi tre episodi non affrontano più di tanto le conseguenze di questa decisione. L’unico riferimento si trova in un montaggio finale, che mostra Perrin, l’ex marito di Mon, che beve sul sedile posteriore di un taxi con una donna, la moglie di Davo Sculdun, svenuta accanto a lui. Perrin è chiaramente infelice e affoga i suoi problemi nell’alcol con chiunque capiti a tiro, dimostrando quanto la famiglia di Mon sia stata colpita dalla sua decisione di unirsi alla Ribellione.
Infine, l’ultimo elemento degno di nota del finale della seconda stagione di Andor è l’ultima inquadratura. Dopo i teaser di Rogue One, Andor sfuma nel nero prima di mostrare i campi di grano di Mina-Rau. B2EMO viene mostrato mentre gioca con un altro droide prima che Bix si avventuri nei campi con un bambino in braccio. L’episodio 12 della seconda stagione di Andor non spiega esattamente quando si svolge questa scena ed è completamente privo di dialoghi, ma l’intenzione è chiara: Bix era incinta quando ha lasciato Cassian, e l’eredità di quest’ultimo continua a vivere nonostante la sua morte dopo Andor in Rogue One.
Il figlio di Cassian viene presentato nella stagione 2 di Andor, episodio 12, andato in onda il 13 maggio 2025, esattamente 10 anni dopo che Diego Luna è stato scelto per interpretare il personaggio in Rogue One.
Questa scena è davvero straziante, soprattutto dopo la tragica sequenza della stagione 2 di Andor, episodio 9, in cui Bix spiega che una volta finita la guerra, troverà Cassian. Cassian non saprà mai che Bix e suo figlio lo stavano aspettando, ma noi, come spettatori, lo sappiamo, rendendo Rogue One infinitamente più triste. Tuttavia, bisogna ammettere che questa rivelazione ha un sapore agrodolce. L’eredità di Cassian continua a vivere oltre Andor, così come Bix, che molti pensavano sarebbe morta. È un finale appropriato per il personaggio, che permette alla storia di Andor di concludersi e a quella di un altro personaggio di iniziare.
The Diplomat è stato rinnovato per la quarta stagione prima della premiere della terza stagione del thriller Netflix, confermando che la storia di Kate Wyler è lungi dall’essere conclusa. The Diplomat – stagione 3 è stata annunciata per la prima volta nell’ottobre 2024, lo stesso mese in cui la stagione 2 del dramma politico è arrivata sulla piattaforma. Il rinnovo anticipato della serie ha confermato che Kate Wyler (Keri Russell) sarebbe tornata per altre avventure, con la sua indagine su una cospirazione terroristica internazionale che si estende ben oltre la trama iniziale. La stagione 3 debutterà nell’autunno 2025, dopo un finale scioccante nella stagione 2.
Ora, Variety riporta che The Diplomat – stagione 4 è stata confermata prima dell’arrivo della stagione 3 su Netflix alla fine di quest’anno. Il direttore dei contenuti di Netflix, Bela Bajaria, ha dato l’annuncio durante gli upfronts dello streamer a New York, confermando che il thriller continuerà oltre la stagione 3. Il rinnovo della serie è estremamente precoce, soprattutto perché la stagione 3 non uscirà prima della fine dell’anno.
Il rinnovo anticipato della quarta stagione è un buon segno per il thriller politico, che ha continuato a dimostrarsi una voce popolare nel catalogo di Netflix. Per quanto riguarda la seconda stagione, la serie è entrata nella Top 10 settimanale dei programmi TV in lingua inglese di Netflix per le prime quattro settimane, un risultato impressionante per una seconda stagione a 18 mesi dalla prima. Sia i personaggi principali di The Diplomat che la trama complessa e ricca di cospirazioni sono stati aspetti fondamentali della serie fin dall’inizio, contribuendo senza dubbio alla sua popolarità.
The Diplomat stagione 2 si è conclusa con un grande colpo di scena, con la vicepresidente Grace Penn (Allison Janney) che diventa presidente dopo la morte di William Rayburn (Michael McKean) per un attacco di cuore. Non è chiaro cosa ne sarà di Kate, che inizialmente aspirava a diventare vicepresidente dopo aver scoperto che Grace era coinvolta in un complotto terroristico internazionale. La stagione 3 si concentrerà sulle conseguenze di questi eventi e sulla potenziale ascesa di Kate alla vicepresidenza. Con l’annuncio della quarta stagione, sembra che la storia imprevedibile di questo thriller politico sia ben lungi dall’essere conclusa.
Dominique Thorne torna nel Marvel Cinematic Universe nei panni di Riri Williams nel primo trailer della serie TV Ironheart. Sono passati quasi tre anni da quando il personaggio ha fatto il suo debutto nella timeline dell’MCU in Black Panther: Wakanda Forever, ma quest’estate la Marvel Studios è finalmente pronta a puntare nuovamente i riflettori sull’eroina interpretata da Thorne, con l’arrivo della serie TV Ironheart su Disney+. La serie esplorerà la vita di Riri dopo gli eventi di Black Panther: Wakanda Forever, ampliando adeguatamente il suo ruolo nell’MCU.
Dopo una lunghissima attesa, la Marvel Studios ha finalmente pubblicato il primo trailer di Ironheart, con nuove immagini dello show solista di Riri e un assaggio dei numerosi personaggi che saranno esplorati nel corso della serie. Guardalo qui sotto:
Ironheart, che vede anche la partecipazione di Anthony Ramos, Alden Ehrenreich e Lyric Ross, debutterà con i primi tre episodi martedì 24 giugno su Disney+. La serie TV dell’MCU è stata scritta dalla sceneggiatrice Chinaka Hodge, che ha anche prodotto la serie insieme a Ryan Coogler, già regista di Black Panther e Black Panther: Wakanda Forever.
Uno dei dettagli chiave che spicca nel trailer è l’importanza del cattivo Marvel interpretato da Anthony Ramos, The Hood, poiché il filmato mostra come Parker Robbins e Riri finiscono per intraprendere un percorso insieme nel corso della storia di Ironheart. Ironheart sembra concentrarsi sui conflitti tra tecnologia e magia, con The Hood che rappresenta la seconda e Riri che onora la prima, poiché il filmato suggerisce che i due diventeranno rivali. Tuttavia, il trailer di Ironheart rivela anche le dinamiche tra Riri e molti dei suoi alleati e amici.
Un altro momento chiave che il trailer di Ironheart rivela è Riri che sembra creare il suo programma di intelligenza artificiale, N.A.T.A.L.I.E., dai fumetti, mentre accenna anche ai suoi aggiornamenti all’armatura Ironheart. Il filmato di Ironheart conferma anche come Riri stia cercando di creare un’eredità “iconica”, piuttosto che usare i suoi doni per servire le grandi aziende tecnologiche. Con una combinazione di diverse scene d’azione di Riri nella sua armatura Ironheart e l’introduzione del personaggio di Alden Ehrenreich, il trailer di Ironheart rivela molto sulla prossima storia di Riri nell’MCU, che i fan potranno scoprire a giugno.
La settima stagione di The Rookie si conclude con il ritorno di due cattivi, che tecnicamente vincono (mentre gli “eroi”) perdono alla fine dell’episodio. Nel finale della settima stagione della serie poliziesca della ABC, Nolan chiede l’aiuto di Harper per rintracciare Oscar Hutchinson (fuggito di prigione durante il finale della sesta stagione di The Rookie). Nel frattempo, Lucy si adatta al suo nuovo programma, Tim riflette su come riaccendere la sua storia d’amore con Lucy e gli altri personaggi affrontano le storie del “caso della settimana” nella stagione 7, episodio 18, “The Good, the Bad, and the Oscar”.
La ABC ha rinnovato The Rookie per un’ottava stagione, che è stata rinviata alla metà della stagione, il che significa che non andrà in onda fino al 2026 (secondo TVLine).
Lucy ha superato l’esame da sergente nella stagione 7, episodio 17 di The Rookie. Sfortunatamente per lei, l’unico posto da sergente disponibile al Mid-Wilshire è durante il turno di notte. Quindi, l’episodio 18 inizia con la prima notte di lavoro di Lucy, che getta le basi per il suo futuro nella polizia di Los Angeles e con Tim. L’inizio del finale rivela anche che Nolan ha seguito i movimenti di Oscar dalla sua fuga dalla prigione, preparando le avventure sue e di Harper nell’episodio. Tuttavia, forse lo sviluppo più importante nel finale della settima stagione di The Rookie arriva proprio alla fine, quando un volto familiare ritorna nella vita dei personaggi.
Dopo essere stata assente per gran parte della stagione, Monica Stevens ritorna nel finale della settima stagione di The Rookie (ma solo per circa cinque secondi). L’agente dell’FBI Matt Garza di The Rookie: Feds riunisce Nolan, Grey, Angela e Wesley, insieme ad altri importanti funzionari delle forze dell’ordine, per una riunione. Lì, vengono a sapere che Monica ha stretto un accordo per la sua libertà.
Garza spiega che la comunità dei servizi segreti e le agenzie del Dipartimento di Giustizia si sono riunite quando hanno scoperto che informazioni top-secret erano state rubate da una struttura della NSA a Los Angeles. Hanno valutato le possibili “ripercussioni sulla sicurezza nazionale” della divulgazione di queste informazioni e hanno deciso che non valeva la pena correre il rischio. Quindi, hanno accettato di soddisfare le richieste della persona che aveva acquisito le informazioni: Monica. Lei ha fatto leva sui segreti rubati per ottenere l’immunità. Il finale della settima stagione di The Rookie si conclude con Monica che entra a grandi passi e chiede ai personaggi: “Vi sono mancata?”.
Monica ruba la scena alla fine dell’episodio di The Rookie, ma la prima metà è tutta dedicata a Oscar. Nolan scopre che uno dei criminali che in precedenza aveva collaborato con Oscar per rubare diamanti per un valore di 10 milioni di dollari da una gioielleria di Las Vegas è stato assassinato. Crede che Oscar lo abbia ucciso mentre cercava di scoprire dove avesse nascosto i diamanti. Tuttavia, Oscar aveva un altro complice che probabilmente sa dove si trovano i diamanti e che, guarda caso, sta per uscire di prigione.
Grey dà il via libera alla missione di Nolan di trovare e fermare Oscar, dicendogli di portare Harper con sé nella sua ultima missione. I due Rookie personaggi riescono a trovare il secondo complice di Oscar. Tuttavia, lo stesso fa Oscar, che individua Nolan e Harper prima che loro vedano lui. Il cattivo uccide quindi il suo ex socio per ottenere la mappa dei diamanti e prende Nolan in ostaggio per aiutarlo a dissotterrare i gioielli. Si avventurano nel deserto, dove trovano i diamanti.
Grazie a un ragazzino con un drone, però, Harper trova Oscar e Nolan prima che sia troppo tardi. L’arrivo di Harper provoca una sparatoria, che si conclude con l’elicottero di Oscar che arriva in suo soccorso e Nolan che recupera i diamanti. Quindi, il finale della stagione 7 di The Rookie si conclude senza che Oscar venga arrestato, il che significa che i personaggi dovranno ancora avere a che fare con lui nella stagione 8.
The Rookie cattivi a parte, il finale della settima stagione presenta anche un piccolo sviluppo nella relazione tra Tim e Lucy. I due si sono lasciati dalla sesta stagione e da allora la serie ha costruito una reunion tra la coppia preferita dai fan. Tim ha seguito una terapia e ha lavorato su se stesso. Nel frattempo, Lucy è diventata sergente, il che significa che potrebbe avere una relazione sentimentale con Tim senza subire ripercussioni sul lavoro (dato che anche Tim è sergente e non è più il suo superiore). Ora potrebbe essere il momento giusto per riaccendere la loro storia d’amore.
La settima stagione di The Rookie si conclude senza alcuna conferma su cosa succederà a Tim e Lucy.
Verso la fine del finale, Lucy torna a casa dopo il turno di notte e trova Tim che prepara la colazione. Lei prende felicemente qualcosa da mangiare e si siede sul divano. Tim, dalla cucina, inizia a elencare tutti i motivi per cui lui e Lucy dovrebbero tornare insieme in The Rookie. Quando arriva alla parte in cui suggerisce di andare a vivere insieme, Tim si accorge che Lucy si è addormentata. Sottovoce, dice che è stato un buon tentativo. Tim copre Lucy con una coperta, le bacia la testa e dice: “Continua”, lasciando incerto lo stato della loro relazione in vista della stagione 8.
La stagione 7 di The Rookie termina senza alcuna conferma su cosa succederà a Tim e Lucy. Forse i prossimi episodi li vedranno ricominciare da capo e andare a vivere insieme. Oppure la stagione 8 di The Rookie potrebbe iniziare con la coppia che ha una vera conversazione (con entrambe le parti sveglie e sobrie) sulla loro relazione.
L’apparizione di Monica nel finale suggerisce che avrà un ruolo importante nella prossima stagione. Come alcuni ricorderanno, Monica è apparsa brevemente nella settima stagione di The Rookie, episodio 11, quando ha assunto una donna per recuperare il documento d’identità di un dipendente governativo (che è senza dubbio il modo in cui ha ottenuto l’accesso alle suddette informazioni top-secret della NSA). All’inizio sembrava che questo avrebbe segnato la fine dell’arco narrativo di Monica in The Rookie. Tuttavia, il finale della stagione 7 dimostra che Monica è solo all’inizio nella serie della ABC.
Il finale con Monica indica che potrebbe essere lei la grande cattiva della stagione 8 di The Rookie, incombendo sugli episodi come una minaccia che i personaggi non riescono a stabilizzare. Di conseguenza, vedremo molto di più Monica nei prossimi episodi. A parte il ritorno del cattivo, però, “The Good, the Bad, and the Oscar” implica che una riunione di Chenford è vicina. Quindi, i fan dovrebbero anche aspettarsi di vedere Tim e Lucy di nuovo insieme nella stagione 8.
Per quanto riguarda tutti gli altri, Nolan probabilmente avrà un nuovo rookie, dato che Celina si è laureata. Wesley potrebbe ottenere una trama interessante dopo che l’assistente procuratore distrettuale Sean Del Monte ha abbandonato la corsa alla carica di procuratore distrettuale (forse Wesley potrebbe candidarsi).
Miles dovrebbe continuare ad imparare sotto il comando di Tim. Harper potrebbe continuare la sua ricerca di una riforma della polizia, ma non è chiaro cosa succederà agli altri personaggi. Tuttavia, la speranza è che compaiano antagonisti come Liam Glasser, soprattutto dopo che The Rookie stagione 7, episodio 15 ha anticipato che la sua storia non è finita. Solo il tempo dirà cosa succederà nella stagione 8 di The Rookie.
Sulla scia dello scioccante penultimo episodio della terza stagione di Will Trent, il finale parte alla grande con quasi tutti i personaggi che affrontano la morte e decisioni personali importanti nel mezzo di un attacco bioterroristico. La serie poliziesca della ABC conclude la sua terza stagione con gli agenti del GBI e i detective dell’APD che uniscono le forze per fermare un gruppo terroristico nazionale: il Founders Front. Sfortunatamente, per i Will Trent personaggi principali, una malattia mortale non è l’unico conflitto che devono affrontare nella stagione 3, episodio 18, “Listening to a Heartbeat”.
La ABC ha rinnovato Will Trent per una quarta stagione, che debutterà nel 2026 (secondo TVLine).
Nella Will Trent stagione 3, episodio 17, Angie ha scoperto di essere incinta di Seth. Nel frattempo, Will ha scoperto chi era il suo padre biologico dopo tutti questi anni passati a chiedersi chi fossero i suoi genitori, mentre Ormewood e Nico sono rimasti intrappolati nell’ospedale dopo che questo è stato messo in quarantena per fermare la diffusione dei batteri tossici del gruppo bioterroristico. Quindi, si può dire con certezza che tutti avevano molto a cui pensare prima del finale. Purtroppo, non tutti potrebbero uscirne vivi dopo l’episodio 18 della terza stagione di Will Trent.
La buona notizia è che i personaggi della terza stagione di Will Trent fermano il Founders Front e trasferiscono un’antitossina in un ospedale per impedire la morte di centinaia di migliaia di persone. All’inizio del finale, la squadra (compreso il padre di Will, lo sceriffo Caleb Roussard) si riunisce per pianificare le prossime mosse. Ormewood (in qualche modo) ottiene il permesso di lasciare l’ospedale per aiutare i suoi colleghi sul campo. Si dividono: Ormewood, Faith e Lincoln trasportano l’antidoto del CDC all’ospedale con un convoglio, mentre tutti gli altri cercano di trovare il laboratorio dei terroristi.
Tutti i personaggi si trovano di fronte a un bivio durante le loro missioni. I membri del Founders Front tendono un’imboscata a Ormewood, Faith e Lincoln nel bel mezzo della strada. Riescono a tenere a bada i criminali con l’aiuto di una squadra femminile di tiro con l’arco, che finisce nel mirino ma si rivela utile nel tentativo di neutralizzare i terroristi. L’ultimo criminale rimasto sta per sparare a Ormewood, ma Will arriva appena in tempo per investirlo con la sua auto. Portano quindi l’antitossina all’ospedale, aiutando a curare Nico, che era stato colpito dalla malattia.
Will e Caleb trovano anche il laboratorio del Founders Front e lo chiudono, arrestando i criminali.
Nel frattempo, un’altra fazione del gruppo terroristico irrompe nel GBI, prendendo Amanda in ostaggio per ottenere il rilascio di Vince. Fortunatamente per lei, Angie è in bagno quando fanno irruzione nel piano. Angie si arrampica attraverso i condotti di ventilazione e attira l’attenzione di Amanda, ottenendo informazioni che aiutano a fermare i cattivi. Mentre Angie, con la pistola di Will, neutralizza molti dei terroristi, uno di loro sfugge alle due donne, provocando uno sparo che potrebbe cambiare per sempre Will Trent.
Uno dei membri dei Founders Front si intrufola nella stanza dove Amanda e Angie si sono rifugiate nel finale della terza stagione di Will Trent. Amanda lo vede, dice ad Angie di abbassarsi e gli spara. Tuttavia, un ultimo uomo armato approfitta di questa distrazione per colpire Amanda al petto. Angie lo elimina prima di soccorrere Amanda. Chiama un’ambulanza e fa del suo meglio per fermare l’emorragia, ma la situazione non sembra rosea per il vicedirettore del GBI.
Poiché l’episodio termina senza alcuna risoluzione riguardo alle condizioni di Amanda, lei potrebbe morire tra la terza e la quarta stagione, segnando la prima morte importante di Will Trent.
All’ospedale, Will viene a sapere da Angie che Amanda è uscita dalla sala operatoria. Purtroppo, non è ancora fuori pericolo. Poiché l’episodio termina senza alcuna risoluzione riguardo alle condizioni di Amanda, lei potrebbe morire tra la terza e la quarta stagione, segnando la prima morte importante di Will Trent. Questo sarebbe assolutamente devastante per Will, che ha già sofferto abbastanza. Il finale si conclude con Will nella stanza d’ospedale di Amanda, che le dice: “Voglio che tu stia bene. Perché tu mi hai aiutato a stare bene… Tu sei la mia famiglia. Quindi devi svegliarti. Mi senti? Faresti meglio a svegliarti”. Preparatevi alle lacrime.
Da quando i medici hanno scoperto che Ormewood aveva un tumore al cervello nella terza stagione di Will Trent, episodio 14, non si può fare a meno di preoccuparsi per il suo destino. Nel finale della terza stagione rischia di morire, prima che Will elimini il terrorista che sta cercando di sparare a Ormewood. Tuttavia, quel contatto con la morte è solo un diversivo. Verso la fine dell’ora, Ormewood è tornato a casa, dove la sua vista inizia a diventare sfocata. Crolla e Faith accorre. Chiama un’ambulanza, pensando che il suo coinquilino stia avendo una crisi epilettica.
Quindi, Amanda non è l’unico personaggio di Will Trent di cui i fan devono preoccuparsi all’inizio della quarta stagione. Non è chiaro cosa stia succedendo esattamente a Ormewood, ma il suo tumore è senza dubbio la causa del suo collasso, il che è piuttosto spaventoso. Si spera che l’episodio di Ormewood porti solo i medici ad anticipare l’intervento chirurgico per rimuovere il suo tumore. D’altra parte, però, potrebbe essere troppo tardi per il personaggio di Jake McLaughlin nella serie poliziesca della ABC.
Will Trent stagione 3, episodio 18 non contiene molte buone notizie, ma la rivelazione di Angie è sicuramente un momento che induce lacrime di gioia. All’inizio del finale, Angie crede di avere un aborto spontaneo. Deve però mettere da parte queste preoccupazioni quando il Founders Front prende il controllo del GBI. Tuttavia, questo incontro con la morte fa capire ad Angie che vuole tenere il bambino. Angie le parla (è convinta che sia una bambina) durante tutta la sua missione per fermare i terroristi, dicendole persino:
“Facciamo un patto. Ti porterò via da qui se rimani ferma. Non hai vinto la lotteria delle mamme, ma tuo papà è un medico, quindi c’è questo. Dovresti restare. Potrebbe essere divertente… Va bene così perché tua madre è la creatura più bella, feroce, intelligente e potente del mondo”.
Fortunatamente, una volta che tutto è detto e fatto, Angie fa un’ecografia e scopre di non aver avuto un aborto spontaneo. Riesce persino a sentire il battito cardiaco del suo bambino. Tuttavia, c’è un elemento straziante nella decisione di Angie: Will deve accettare il fatto che “l’amore della sua vita” sta andando avanti senza di lui.
È nella stanza con Angie durante l’ecografia nel finale della terza stagione, dato che lei non riesce a trovare Seth. Entrambi ammettono di aver immaginato proprio questo scenario, con loro che “ascoltano un battito cardiaco”. Le circostanze sono ovviamente molto diverse, però. Seth arriva e lui e Angie si godono la loro felicità, dicendosi “ti amo”, mentre Will esce dalla stanza. Con questo nuovo sviluppo, la relazione tra Will e Angie potrebbe essere finita per sempre in Will Trent.
La Will Trent stagione finisce con molti cuori infranti per Will, ma il finale contiene un elemento positivo per il protagonista. Will ha chiarito nell’episodio 17 che non voleva avere nulla a che fare con suo padre, lo sceriffo Caleb Roussard, mentre l’uomo più anziano era interessato a conoscere il figlio che non sapeva di avere. Caleb riesce a conquistare Will nel finale quando gli spiega il rapporto che aveva con sua madre, Lucy. Lo sceriffo afferma di aver amato Lucy e di aver voluto sposarla. Tuttavia, lei è scomparsa prima che lui potesse avere la possibilità di costruire un futuro con lei.
Dopo aver appreso questo, Will è più disposto ad accettare Caleb. I due uomini hanno persino in programma di cenare con la famiglia di Caleb, il che è una notizia fantastica per Will. Ha passato così tante cose nel corso delle tre stagioni della serie e merita di essere felice. Si spera che il rapporto tra Will e Caleb continui a crescere nella Will Trent – stagione 4. Naturalmente, probabilmente incontreranno qualche ostacolo, ma potranno sviluppare una dinamica sana, portando qualcosa di buono nella vita di Will.
Con l’introduzione di Caleb, la gravidanza di Angie e le vite di Amanda e Ormewood in bilico, il finale della terza stagione ha preparato perfettamente la quarta stagione di Will Trent. I prossimi episodi potrebbero approfondire ulteriormente il rapporto tra Will e Caleb, Angie che si prepara ad avere un bambino con Seth e cosa succederà ad Amanda e Ormewood. Se uno dei due morisse, la quarta stagione potrebbe anche mostrare gli altri personaggi in lutto per loro. Oppure, se sopravvivessero, le trame future di Amanda e Ormewood potrebbero ruotare attorno alla loro guarigione. In ogni caso, la quarta stagione di Will Trent ha molto su cui lavorare.
Il red carpet di apertura di Cannes 2025 ha visto sfilare sulla montee de marches attore, registi, le giurie del festival e gli ospiti stellati della kermesse. Ecco le foto:
Si apre con la parata delle star delle Giurie di Cannes 2025 la 78° edizione della kermesse francese che accoglie ogni anno sulla Costa Azzurra il meglio del cinema mondiale. Ecco le foto dal photocall di apertura:
Strappare organi da carcasse di animali insanguinati e dilaniarli con i denti; rosicchiare testicoli di toro a tavola con la sua famiglia come se fosse un arrosto: le trovate online di Brian Johnson lo hanno rapidamente reso una star del web. Nel 2021 Johnson, che si autodefiniva “Liver King”, ha raccolto 6 milioni di follower e ha lanciato un marchio di integratori con un fatturato annuo di 100 milioni di dollari, tutto grazie alle sue promesse che con poche pillole, il consumo di organi crudi e intense sfide di fitness chiunque avrebbe potuto ottenere il suo fisico ultra-muscoloso. Lui era al 100% naturale, insisteva ripetutamente. Fino alla fine del 2022, quando alcune e-mail trapelate hanno rivelato che si era iniettato steroidi e ormone della crescita umano (HGH) per un valore di 11.000 dollari al mese.
La notizia, che ha suscitato l’ira persino di Joe Rogan, potrebbe aver fatto scoppiare la sua bolla multimilionaria. Ma in un mondo in cui la disinformazione sulla salute può rendere famosi i suoi divulgatori, e per di più ricchi, la punizione è spesso breve. Ora, il Liver King è il protagonista di un episodio di Untold, l’antologia di documentari sportivi di Netflix in streaming dal 13 maggio: 70 minuti senza filtri della sua storia da perdente, come lui stesso si definisce, e del suo percorso verso la redenzione.
“Penso che sia un genio del marketing, lo penso davvero”, dice il regista Joe Pearlman, che ha già realizzato film su Robbie Williams, Lewis Capaldi e il cast di Harry Potter. “Questo ragazzo sa esattamente cosa vuole il pubblico e come vendere qualcosa al pubblico in tutti i sensi”.
Johnson, che a 48 anni è un texano di quasi 90 kg di muscoli e tendini scolpiti dal sole, racconta nel documentario di aver trascorso l’infanzia sentendosi un “nanerottolo”. Dopo la morte del padre quando era ancora un bambino, è cresciuto idolatrando Rambo e Conan il Barbaro, rendendosi conto durante l’adolescenza che l’allenamento gli avrebbe dato una comunità immediata e un modo per cambiare l’aspetto fisico che credeva lo stesse frenando. Il potere del fitness era così forte, dice nel film, che il suo primo orgasmo è avvenuto mentre faceva sollevamento pesi. Un’affermazione che potrebbe essere piuttosto sorprendente se non fosse stata fatta in modo quasi identico da Arnold Schwarzenegger nel film del 1977 Pumping Iron.
Non importa: la sua storia di trasformazione e il suo stile di vita ispirato all’uomo delle caverne affascinavano il pubblico. A questo si aggiungeva un altro retroscena – i suoi figli Rad e Stryker soffrivano di una salute cronicamente cagionevole durante l’infanzia (“erano deboli”) e il passaggio a una dieta ricca di sostanze nutritive aveva curato i loro mali – e circa 25.000 persone iniziarono ad acquistare i suoi integratori per il fegato ogni mese.
“Odiavo la mia fottuta vita”, ammette Johnson, “e ora ho fatto la mia fottuta fortuna”. Ma non era abbastanza, né l’enorme ranch pieno di armi e pellicce (anche sopra il suo letto); o la palestra dove persino i cani hanno i loro tapis roulant. Con l’aiuto di sua moglie Barbara e dei suoi ormai adolescenti, che pubblicano online come “Liver Boy Rad” e “Stryker the Barbarian” (in un video ingoiano i loro 15 tuorli d’uovo crudi al giorno: “disgustoso, ma molto ancestrale”), il marchio si stava consolidando ulteriormente. Johnson è apparso in podcast di successo guidati da artisti del calibro di Logan Paul, Ethan Klein e Bert Kreischer; era ovunque sui feed dei social media, incluso quello di Pearlman.
Con la crescita della sua fama, è cresciuta anche una domanda inevitabile: la sua figura da cartone animato avrebbe potuto essere ottenuta senza l’aiuto di sostanze chimiche? Johnson, incline ad apparire in macchina fotografica a torso nudo, era completamente “naturale”, ha ripetuto più volte, screditando teorie come quelle di Rogan e continuando a promuovere i “nove principi ancestrali” che lo avevano trasformato in un moderno Neanderthal multimilionario. Erano abbastanza semplici da seguire, ha esortato: dormire, mangiare, muoversi, proteggersi (evitare un’eccessiva esposizione al Wi-Fi e ai campi elettromagnetici), connettersi, freddo, sole, combattere (accettare le sfide fisiche e mentali) e creare legami. La masticazione cruda di organi, che comporta rischi tra cui epatite E e salmonella , ha chiaramente funzionato, ha detto: basta guardarlo.
Poi è arrivata la fuga di notizie via email e analisi del sangue, condivise sul canale di uno YouTuber di fitness che aveva accusato Johnson di uso di steroidi, nel novembre 2022. “Non si poteva negare, amico”, racconta Johnson alla troupe del documentario. “Sapevo che mi aveva fregato”. Sua moglie (che pubblica, come ci si aspetterebbe, come “la Regina del Fegato”) ha insistito perché tacesse, e Johnson ha concordato: “Ho detto, chi cazzo se ne frega… che tipo di male ho fatto davvero?”
Nel giro di tre giorni, tuttavia, si rese conto che non aveva altra scelta se non quella di tentare di limitare i danni, pubblicando un video (con i soliti tratti distintivi di un’apertura con un richiamo ai suoi “Primals” e di una seduta su un trono), in cui ammetteva di aver mentito.
“Non mi sarei mai aspettato questa visibilità pubblica, ed è stato fottutamente difficile da gestire”, ha detto (nel documentario, ammette di aver filmato 100 segmenti per ottenere l’inquadratura perfetta e di aver lasciato i video riprodotti in loop per accumulare visualizzazioni). La sua unica ragione d’essere era semplicemente “un esperimento per diffondere il messaggio” sulla salute mentale dei giovani uomini, lo stesso percorso che aveva intrapreso dopo aver trovato la forma fisica. Il suo saluto è arrivato con una promessa: “Starò meglio da subito”. Ciò che è seguito è stato un ritiro dai social media e una causa da 25 milioni di dollari da parte di clienti che lo accusavano di frode e inganno (il caso è stato infine archiviato).
Sono passati tre anni, è davvero dispiaciuto?
La prima volta che incontrò Johnson, Pearlman dice che era “l’uomo che avevo visto online. Era un’esperienza a tutto tondo, performativa, scandalosa”, racconta al TIME a proposito della sua visita al ranch di Johnson l’anno scorso. “Cercava di scioccare a ogni piè sospinto: eravamo sempre in allerta su cosa sarebbe successo dopo”. Le acrobazie a beneficio della squadra includevano la sua famiglia che inseguiva un toro, lo uccideva e poi ne strappava gli organi per mangiarli; e il traino di un camion con una catena intorno alla vita (che, a quanto pare, la sua squadra spingeva da dietro).
La settima stagione di Virgin River è ufficialmente entrata in produzione. La nuova stagione è stata commissionata prima della premiere della sesta stagione, prevista per dicembre 2024. Con Martin Henderson nel ruolo di Jack Sheridan e Alexandra Breckenridge in quello di Melinda Monroe, questa serie drammatica ambientata in una piccola città è ora la serie originale Netflix più longeva. Con tutti i 10 episodi della sesta stagione disponibili in streaming su Netflix, la nuova stagione promette di tornare con ancora più amore, avventura e fascino.
Martin Henderson ha pubblicato sul suo Instagram un importante aggiornamento sulle riprese. Caricato il 12 marzo, il video girato nella roulotte della star conferma che la produzione della settima stagione è ufficialmente iniziata nel “Day One”, mentre lui si prepara per il lavoro. Anche se la serie è ambientata in una piccola città della California settentrionale, le riprese si svolgono a Vancouver. Nel video, Henderson scarta i regali di Netflix e condivide un messaggio commovente con i fan per esprimere la sua gratitudine. Date un’occhiata al suo post su Instagram qui sotto:
Da quando Virgin River ha debuttato con la sua prima stagione nel 2019, la serie ha mantenuto un ritmo di uscita di una stagione all’anno. La produzione della sesta stagione è iniziata nel febbraio 2024 e si è conclusa a giugno, prima di essere lanciata a dicembre, mentre la quinta stagione è stata lanciata a settembre 2023, con le riprese che si sono svolte nell’estate 2022. Con la produzione della stagione 7 che inizierà a marzo, la serie dovrebbe tornare alla fine dell’anno, se non all’inizio del prossimo. Questo pone la stagione 7 più o meno in linea con il Virgin River‘s consistent release schedule, ma, ancora una volta, non senza un piccolo ritardo.
Si prevede che tutti i membri del cast principale torneranno, comprese le due nuove star introdotte nella sesta stagione. Mentre la settima stagione è in produzione, è attualmente in fase di sviluppo un prequel di Virgin River incentrato sui genitori di Mel, Everett e Sarah. Callum Kerr e Jessica Rothe, che hanno debuttato nei panni dei giovani Everett e Sarah, torneranno per la settima stagione, indicando che la serie continuerà ad ampliare le storie d’amore multigenerazionali.
La sesta puntata della seconda stagione di The Last of Us è finalmente arrivata, ed è davvero epica, quindi ecco tutto quello che è successo nella serie di flashback dell’episodio. Fino ad ora, la seconda stagione di The Last of Us si è concentrata sulla ricerca di vendetta di Ellie, che dà la caccia ad Abby dopo che questa ha ucciso Joel nel secondo episodio. Il sesto episodio della seconda stagione di The Last of Us segna però un cambio di ritmo. L’episodio si discosta dalla trama principale della stagione, concentrandosi invece su diversi flashback della vita di Joel ed Ellie.
La seconda stagione di The Last of Us, episodio 6, si apre con un flashback al 1983, che mostra una scena tra il giovane Joel, Tommy e il loro padre. Poi, l’episodio salta agli anni tra la prima e la seconda stagione di The Last of Us. Ognuna di queste scene flashback si svolge in uno dei compleanni di Ellie. Il primo vede Joel regalare una chitarra a Ellie, il secondo vede Joel portare Ellie in un museo, il terzo vede Ellie farsi un tatuaggio e il quarto vede Ellie andare in pattuglia con Joel. Poi, ha luogo una scena flashback ambientata dopo la stagione 2, episodio 1, che mostra Joel confessare la verità a Ellie.
Durante tutta la seconda stagione di The Last of Us, è rimasto un mistero se Ellie fosse a conoscenza della grande bugia di Joel. Alla fine della prima stagione di The Last of Us, Joel uccide i Fireflies per salvare Ellie. Poi le mente su ciò che è successo, senza che lei sappia la verità sugli eventi accaduti a Salt Lake City. Negli anni successivi al finale della prima stagione di The Last of Us, Ellie ha iniziato a nutrire dei sospetti su Salt Lake City. Ha iniziato a notare delle incongruenze nella storia di Joel e ha persino stilato una lista di domande sui Fireflies che legge nell’episodio 6.
Prima che Ellie avesse la possibilità di chiedere a Joel dei Fireflies, si sono verificati gli eventi del flashback su Eugene, che hanno portato alla loro rottura. Tuttavia, l’aggressione di Joel a Seth al ballo di Capodanno ha dato a Ellie un’altra possibilità. L’episodio 6 rivela che Ellie ha visto Joel seduto sotto il portico poco dopo il ballo e ha deciso di chiedergli dei Fireflies. Ellie lo affronta e Joel finalmente le dice la verità. Ellie dice che vuole perdonare Joel, ma non sa se ci riuscirà. Purtroppo, Joel viene ucciso prima che Ellie abbia la possibilità di farlo.
The Last of Us stagione 2, episodio 6 si apre con un flashback sull’infanzia di Joel. Joel è nei guai e dice a Tommy che ha paura che il padre lo picchierà. Alla fine, il padre di Joel arriva a casa. Il padre di Joel racconta una storia su come suo nonno una volta gli ha dato un pugno in bocca, rompendogli la mascella. Il padre di Joel ammette che a volte picchia Joel, ma che è migliore del nonno di Joel. Poi dice che spera che Joel sia un po’ migliore di lui.
Joel ripete questo pensiero alla fine dell’episodio. Dopo aver detto la verità a Ellie, Joel ammette di aver sbagliato. Dice poi che spera che Ellie faccia un po’ meglio di lui se mai avrà un figlio. Questo mostra l’influenza che il padre di Joel ha avuto su di lui. Non si aspetta che Ellie sia perfetta, ma spera che impari dai suoi errori e migliori.
La prima scena flashback del primo compleanno nella stagione 2, episodio 6 di The Last of Us vede Joel regalare una chitarra a Ellie. Decide di insegnarle a suonare, eseguendo la canzone dei Pearl Jam “Future Days”. Questo funge da introduzione tardiva a una scena della stagione 2, episodio 5, in cui Ellie suona “Future Days” con la chitarra in teatro. Questo flashback rivela che la canzone ha un posto speciale nel cuore di Ellie, che la suona per ricordare Joel.
Il flashback successivo dell’episodio vede Joel portare Ellie in un viaggio a sorpresa in un museo abbandonato. Questo flashback è tratto direttamente da The Last of Us Part II, con entrambe le versioni della scena che si svolgono in modo simile. Nella scena, Joel dice a Ellie di entrare in una capsula spaziale. Le dà un nastro che ha trovato con l’audio di un vero lancio di un razzo. Ellie lo ascolta seduta nella capsula, chiudendo gli occhi e immaginando di essere davvero in viaggio verso lo spazio. Con questo regalo, Joel permette a Ellie di essere una bambina per una volta, concedendole una breve tregua dagli orrori del mondo infetto.
In un flashback successivo, Joel porta finalmente Ellie in pattuglia. Mentre sono fuori, vengono avvisati che un gruppo è stato attaccato da un’orda di Infetti. Joel ed Ellie corrono a controllare e scoprono che il gruppo è morto. L’unico sopravvissuto è Eugene, che è stato morso. Eugene è ancora nelle prime fasi del virus e chiede di essere riportato a Jackson per dire addio a sua moglie. Ellie accetta, ma Joel non è d’accordo. Alla fine, Joel dice a Ellie di andare a prendere i cavalli, promettendole che la aspetteranno. Mentre Ellie è via, Joel spara a Eugene.
Questo sconvolge incredibilmente Ellie, ma le cose peggiorano ulteriormente. Quando tornano a Jackson, Joel mente su quello che è successo alla moglie di Eugene, Gail. Ellie dice quindi la verità a Gail, che si arrabbia con Joel. Ellie è così furiosa che si rifiuta di parlare con Joel, e questo è ciò che ha causato la loro rottura. La frattura tra Ellie e Joel è ancora presente nella seconda stagione di The Last of Us, episodio 1, con gli eventi che circondano la morte di Eugene che hanno causato la rottura del loro rapporto.
La scena finale della seconda stagione di The Last of Us, episodio 6, riprende la trama principale della serie, con Ellie che attraversa Seattle e arriva al teatro. Questa scena si svolge dopo la fine della seconda stagione di The Last of Us, episodio 5, in cui Ellie uccide Nora a colpi di tubo. Queste immagini significano che Ellie è riuscita a fuggire dal Lakehill Seattle Hospital e a ritrovare la strada per il teatro fuori campo, il che è sorprendente considerando che il WLF e i Seraphiti sapevano che era lì.
Nel gioco, si passa semplicemente a Ellie che arriva al teatro dopo aver ucciso anche Nora, il che significa che non viene mai rivelato cosa sia successo durante la sua fuga. Dato che si trova nel seminterrato infestato dalle spore, è possibile che questo abbia fornito una copertura a Ellie per fuggire, poiché nessuno può entrare per trovarla. Tuttavia, dato che nell’episodio 6 si vedono solo alcune immagini del ritorno di Ellie, ulteriori dettagli sulla fuga di Ellie da Lakehill potrebbero essere forniti nella seconda stagione di The Last of Us, episodio 7.
“È nell’aria” è una delle frasi più toccanti della seconda stagione di The Last of Us, episodio 5, e introduce un aspetto fondamentale dell’infezione da Cordyceps che era stato tralasciato nella prima stagione. La seconda stagione ha visto Ellie e Dina addentrarsi sempre più a Seattle per affrontare Abby e gli altri coinvolti nell’omicidio di Joel. Sebbene Ellie e Dina dovranno affrontare diverse fazioni a Seattle, come il W.L.F. e i Seraphites, l’infezione da Cordyceps è ancora dilagante e pericolosa, con molte minacce ancora da affrontare che saranno nuove per i telespettatori.
La seconda stagione di The Last of Us ha già introdotto gli Stalker, una variante evoluta degli Infetti che sono più consapevoli e in grado di rintracciare e circondare i loro bersagli. Abbiamo anche visto il Bloater che Tommy ha affrontato durante la battaglia a Jackson nel secondo episodio. Il Cordyceps è terrificante, e l’aspetto che differenzia The Last of Us dagli altri media incentrati sui non morti è che ha una vita propria e può diffondersi e svilupparsi in modi diversi.
L’episodio 5, intitolato “Day Two” come uno dei capitoli del videogioco The Last of Us Part II, è iniziato con una lunga sequenza di dialoghi tra due personaggi che non avevamo mai incontrato prima, introducendo il concetto di spore tossiche nell’aria. Si tratta di un aspetto importante dei videogiochi che non era ancora apparso nella serie TV e che ha finito per diventare una forza importante nel climax dell’episodio.
Nel confronto tra Ellie e Nora alla fine dell’episodio 5 della seconda stagione di The Last of Us, vediamo come le spore agiscono piuttosto rapidamente. Ellie è immune, ma quando Nora respira le spore del Cordyceps, inizia a tossire e sembra malata quasi immediatamente. Non riusciamo a vedere gli effetti a lungo termine in questa scena a causa della morte prematura di Nora attraverso un tubo di scarico, ma alla fine avrebbe ceduto, trasformandosi in una degli Infetti. Come dice Nora a Ellie: “Ci hai uccise entrambe”.
La prima stagione di The Last of Us era un adattamento di un videogioco che richiede circa 15-20 ore per essere completato, rendendo difficile inserire tutto il materiale nella stagione. Detto questo, sembra che la decisione di omettere le spore, nonostante fossero utilizzate nel gioco per scopi narrativi fondamentali, sia stata una scelta creativa per costruire il mondo della serie TV in modo diverso. A tal proposito, il co-creatore della serie TV The Last of Us, Craig Mazin, ha dichiarato a ComicBook.com:
“Nel mondo che stiamo creando, se mettessimo delle spore nell’aria, sarebbe abbastanza chiaro che si diffonderebbero ovunque e tutti dovrebbero indossare una maschera tutto il tempo e probabilmente a quel punto sarebbero tutti completamente infetti”.
Mazin sembra suggerire che le spore sarebbero state una minaccia troppo diffusa per essere inserite nella serie, anche se evidentemente hanno cambiato idea al riguardo, dato che le hanno utilizzate nella seconda stagione. Un elemento pratico da considerare è che gli attori di cinema e televisione in genere non vogliono indossare nulla che nasconda il loro viso, se non è necessario. Ad esempio, gli eroi dei film di guerra medievali non indossano elmi, anche se sarebbe pratico per l’ambientazione. Far indossare costantemente maschere antigas ai protagonisti di The Last of Us presenta un problema simile, impedendo la drammaticità delle espressioni facciali.
Mentre l’immunità di Ellie impedisce alle spore di essere un problema per lei, sarà una questione costante per gli altri personaggi della serie TV. Le spore sono state utilizzate nell’episodio 5 in uno spazio chiuso e, riprendendo la preoccupazione di Mazin nella prima stagione, probabilmente rimarranno confinate in ambienti sotterranei o interni. Gli sceneggiatori dovranno fare attenzione nell’uso delle spore, per evitare che gli attori di The Last of Us siano costretti a indossare spesso maschere, eliminando alcuni degli elementi emotivi che rendono la serie così toccante.
