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Batman: Knightfall trova il suo nuovo Cavaliere Oscuro!

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Batman: Knightfall trova il suo nuovo Cavaliere Oscuro!

Mentre i fan attendono novità su The Batman – Parte II di Matt Reeves e sul debutto del Batman del nuovo DC Universe, Warner Bros. ha ufficialmente trovato il protagonista del suo prossimo grande progetto animato. Anson Mount darà infatti nuovamente voce al Cavaliere Oscuro in Batman: Knightfall, adattamento dell’omonima e leggendaria saga a fumetti degli anni Novanta che arriverà entro la fine del 2026.

Diretto da Jeff Wamester e scritto da Jeremy Adams, Batman: Knightfall sarà diviso in tre parti, riprendendo la struttura originale dei fumetti pubblicati tra il 1993 e il 1994: Knightfall, Knightquest e KnightsEnd. Il primo trailer, presentato durante il Festival di Annecy 2026, ha confermato il ritorno di Anson Mount dopo la sua interpretazione di Batman nel film animato Injustice del 2021. Nel cast vocale figurano anche Michael Mando nel ruolo di Bane e Pablo Schreiber nei panni di Jean-Paul Valley, il vigilante destinato a raccogliere l’eredità di Bruce Wayne dopo la sua drammatica sconfitta. Warner Bros. ha inoltre confermato che il film avrà una classificazione R, segnale della volontà di mantenere il tono oscuro e violento della celebre storia originale.

La scelta di adattare integralmente Knightfall rappresenta una delle operazioni più ambiziose degli ultimi anni per l’animazione DC. Dopo alcuni adattamenti divisivi come Batman: The Killing Joke e Injustice, lo studio sembra voler riconquistare la fiducia degli appassionati puntando su una delle storyline più amate del Cavaliere Oscuro. La struttura in tre capitoli e il rating per adulti suggeriscono infatti un approccio più fedele al fumetto, evitando le inevitabili semplificazioni che hanno caratterizzato altri progetti animati.

Batman: Knightfall resta una delle storie più importanti nella mitologia di Batman

Pubblicata tra il 1993 e il 1994, Knightfall è ricordata come una delle saghe che hanno ridefinito il personaggio di Batman. Il piano di Bane non consiste semplicemente nello sconfiggere Bruce Wayne in uno scontro fisico, ma nel logorarlo psicologicamente, liberando tutti i criminali di Arkham Asylum e costringendolo a una battaglia senza sosta.

Solo dopo aver portato Batman al limite delle sue forze, Bane lo affronta nella celebre sequenza in cui gli spezza la schiena, uno dei momenti più iconici della storia DC. Da quel momento entra in scena Jean-Paul Valley, conosciuto anche come Azrael, che assume il mantello del Cavaliere Oscuro trasformandolo però in una figura sempre più brutale e incontrollabile.

Questa evoluzione ha influenzato numerose opere successive, incluso Il cavaliere oscuro – Il ritorno di Christopher Nolan, che ha ripreso alcuni elementi fondamentali della saga. Proprio per questo motivo Batman: Knightfall rappresenta molto più di un semplice film animato: è l’occasione per riportare sullo schermo una delle storie più importanti del mito di Batman con un adattamento che promette finalmente di renderle piena giustizia.

House of the Dragon – Stagione 3 batte un nuovo record: Approdo della Regina è già tra gli episodi più amati della serie

Il secondo episodio della terza stagione di House of the Dragon, intitolato “Approdo della Regina”, ha già scritto una pagina importante nella storia dello spin-off di Game of Thrones. A poche ore dalla messa in onda, l’episodio ha raggiunto un punteggio di 9,4 su IMDb, eguagliando il record assoluto della serie e confermando l’entusiasmo del pubblico dopo un inizio di stagione ricco di eventi decisivi.

Attenzione: seguono spoiler su House of the Dragon – Stagione 3, Episodio 2

L’episodio racconta le conseguenze della devastante Battaglia della Gola, mostrando il dolore di Rhaenyra Targaryen per la morte del figlio Jacaerys Velaryon. Successivamente, la regina conquista Approdo del Re insieme a Daemon Targaryen, riuscendo finalmente a sedersi sul Trono di Spade, mentre il finale si chiude con Alicent Hightower che scopre l’esecuzione del padre Otto Hightower. Secondo le valutazioni degli utenti di IMDb, “Approdo della Regina” ha raggiunto un voto di 9,4/10, pareggiando il primato stabilito dalla celebre puntata della seconda stagione “Il Drago Rosso e il Drago dorato”, dedicata alla Battaglia di Riposo del Corvo. Resta ora da capire se il punteggio si manterrà stabile con l’aumento delle recensioni nei prossimi giorni.

Il risultato assume un significato particolare se confrontato con il percorso recente della serie. La seconda stagione aveva infatti diviso critica e pubblico, complici anche le osservazioni di George R.R. Martin sulle modifiche apportate allo sviluppo narrativo rispetto a Fuoco e Sangue. Questo nuovo record suggerisce invece che la terza stagione abbia ritrovato quell’equilibrio tra spettacolarità, sviluppo dei personaggi e fedeltà emotiva al materiale originale che aveva reso memorabile il debutto della serie nel 2022.

House of the Dragon - Stagione 3 - Episodio 2 - Daemon e Rhaenyra
Cortesia di HBO

La conquista di Approdo del Re cambia definitivamente la Danza dei Draghi

Più del record ottenuto su IMDb, è ciò che accade all’interno di “Queen’s Landing” a rappresentare il vero punto di svolta della stagione. Dopo la perdita di Jace, Rhaenyra abbandona ogni esitazione e passa definitivamente all’offensiva, conquistando il simbolo del potere dei Targaryen: il Trono di Spade.

La scena non rappresenta soltanto una vittoria militare, ma modifica gli equilibri emotivi e politici della Danza dei Draghi. Parallelamente, Alicent si ritrova ormai completamente isolata dopo la morte di Otto Hightower, privandosi dell’unica figura capace di guidare la strategia dei Verdi. È una frattura che promette di influenzare profondamente gli episodi successivi, mentre il conflitto entra nella sua fase più brutale.

La terza stagione, prevista come penultima della serie, sembra quindi accelerare verso gli eventi conclusivi della guerra civile dei Targaryen. Se il primo episodio aveva impressionato per la spettacolarità della Battaglia del Gullet, “Approdo della Regina” dimostra che House of the Dragon continua a dare il meglio quando intreccia grandi eventi bellici con le conseguenze psicologiche e politiche che ridefiniscono il destino dei suoi protagonisti.

House of the Dragon: quanti figli ha Rhaenyra, chi è il loro padre e qual è la loro sorte nella storia?

Rhaenyra Targaryen e i suoi figli, protagonisti di House of the Dragon, giocano un ruolo fondamentale nella Danza dei Draghi, la guerra civile Targaryen che ha plasmato il regno di Westeros. Sia in Game of Thrones che nei suoi spin-off, può essere difficile tenere traccia delle genealogie familiari a Westeros, soprattutto quando si tratta dei Targaryen. Nei libri di George R.R. Martin, Rhaenyra ha probabilmente una delle storie di successione più interessanti nella storia dei Targaryen; la sua eredità va oltre la guerra che ha combattuto e si estende ai suoi figli, due dei quali finiscono sul Trono di Spade.

Come è stato approfondito in House of the Dragon, Rhaenyra si sposa due volte nella sua vita: prima con Ser Laenor Velaryon e poi con suo zio, Daemon Targaryen. Rhaenyra ha figli da entrambi, sebbene ci siano delle complicazioni con il primo, che, nella prima stagione di House of the Dragon, si rivela essere omosessuale. Ciò significa che gli eredi di Rhaenyra erano in realtà bastardi, il che, nel mondo di Game of Thrones, può avere un grande significato. Come si vede nel finale di House of the Dragon – Stagione 3 Episodio 1, tuttavia, i suoi figli continuano a subire destini tragici.

Il piano iniziale di Rhaenyra era che il suo primogenito le succedesse come erede al Trono di Spade, mentre il suo secondogenito avrebbe ereditato Driftmark. Tuttavia, le cose cambiarono drasticamente con il progredire della Danza dei Draghi. Il franchise di Game of Thrones ha sempre trasmesso il messaggio che la guerra genera solo morte e tragedia. Tenendo presente tutto ciò, ecco tutti i figli di Rhaenyra Targaryen in House of the Dragon, chi sono i loro padri e il destino che attende ciascuno di loro.

Quanti figli ha Rhaenyra in House of the Dragon?

Nel corso di House of the Dragon, Rhaenyra Targaryen dà alla luce sei figli. Tre di questi sono figli dei Velaryon, sebbene con una particolarità riguardo alla paternità. Due sono figli Targaryen purosangue e una figlia Targaryen, quest’ultima nata morta. Tutti i figli furono coinvolti nella guerra di successione tra i Neri e i Verdi di Casa Targaryen, e la maggior parte di loro andò incontro a un tragico destino. I tre figli di Velaryon, Jacaerys, Lucerys e Joffrey, furono importanti nella prima fase della Danza dei Draghi e furono in realtà generati con l’amante di Rhaenyra, Sir Harwin Strong.

Tuttavia, per mantenere i tre come eredi “legittimi”, Rhaenyra e Laenor insistettero sul fatto che fossero figli di quest’ultima. Ciononostante, le voci sulla loro paternità furono un argomento centrale per i Verdi nel preludio alla Danza dei Draghi, come mostrato nel corso della prima stagione di House of the Dragon. Alla fine, Jacaerys e Lucerys furono coinvolti nella guerra civile dei Targaryen, mentre gli altri tre figli di Rhaenyra erano troppo piccoli per essere coinvolti inizialmente. Purtroppo, questo portò a diversi cambiamenti nella linea di successione.

Jacaerys Velaryon

House of the Dragon - Stagione 3x02Nato nel 114 AC, Jacaerys Velaryon è il primogenito della principessa Rhaenyra e di Ser Laenor, o Harwin Strong. Fin da piccolo, Jacaerys, chiamato Jace, dimostra rapidamente di essere una risorsa preziosa per lo sforzo bellico contro suo zio Aegon II. Jace vola come emissario sul suo drago, Vermax, ottenendo il supporto della Valle, delle Tre Sorelle e del Nord, come mostrato nelle prime stagioni di House of the Dragon.

Quando i Neri iniziarono a essere invasi dai draghi dei Verdi, fu Jace a proporre l’ingegnosa idea di offrire la nobilitazione a qualsiasi bastardo Targaryen in grado di domare draghi senza cavaliere. Conosciuta come la Semina dei Semi e mostrata in uno dei migliori episodi di House of the Dragon, quest’iniziativa portò alla formazione di nuovi cavalieri di draghi pronti a combattere per la causa di Rhaenyra, tra cui Hugh il Martello, Ulf Bianco e Addam, fratellastro bastardo di Laenor.

Essendo il figlio maggiore di Rhaenyra, Jacaerys Velaryon era destinato a diventare l’erede di Rhaenyra e Principe di Roccia del Drago. Era anche promesso sposo di sua cugina, Baela Targaryen, una delle figlie di Daemon e Laena Velaryon, sorella di Laenor. Tragicamente, però, come mostrato nel primo episodio della terza stagione di House of the Dragon, Jace muore nella Battaglia della Gola. Inizialmente, Jace contribuì a incendiare la flotta della Triarchia che aveva teso un’imboscata al blocco di Approdo del Re da parte dei Velaryon, insieme a Baela.

Tuttavia, l’arrivo inaspettato di Rhaena Targaryen, sorella di Baela, a bordo di un drago selvaggio noto come Ladro di Pecore, provocò un breve scontro tra il drago di Jace, Vermax, la cavalcatura di Baela, Danzatrice della Luna, e la bestia incontrollabile di Rhaena. Questo permise a un’ancora della Triarchia di trascinare Vermax in mare, annegando il drago e lasciando Jace bloccato. Nonostante il tentativo di fuga, Jacaerys Velaryon morì colpito da una freccia di balestra, spingendo Rhaenyra a conquistare Approdo del Re.

Lucerys Velaryon

Lucerys VelaryonIn quanto secondogenito di Rhaenyra e Laenor (Harwin), Lucerys, noto come Luke, fu cresciuto come erede di Driftmark. Dopo la “morte” di suo padre, fuggito segretamente a Essos, ci si aspettava che Lucerys succedesse un giorno a Corlys Velaryon come Signore di Driftmark e capo della famiglia. Come Jace, anche Luke è promesso sposo di sua cugina: Rhaena Targaryen, la sorella gemella di Baela. Prima della guerra, Aemond Targaryen si scontrò con i suoi nipoti, e la lite degenerò rapidamente in un bagno di sangue. Questo portò Luke a cavare un occhio ad Aemond, acuendo la frattura tra i due rami della famiglia Targaryen.

All’inizio del conflitto tra Rhaenyra e il suo fratellastro Aegon II, Luke fu inviato a Capo Tempesta con la missione di convincere Casa Baratheon a schierarsi dalla parte di Rhaenyra. La missione si concluse tragicamente, poiché Aemond Targaryen arrivò prima di lui. Il finale della prima stagione di House of the Dragon mostra Luke in fuga da Capo Tempesta in sella ad Arrax, il suo drago ancora giovane. Tuttavia, viene inseguito da Aemond sul suo drago, Vhagar. Dopo una serie di malintesi, spinto dagli istinti bestiali di entrambi i draghi, Vhagar uccide sia Arrax che Lucerys, portando le tensioni politiche tra Rhaenyra e Aegon a sfociare in una guerra totale.

Joffrey Velaryon

Joffrey Velaryon Joffrey, il più giovane dei figli Velaryon/di padre Strong di Rhaenyra, prende il nome da Ser Joffrey di Lonmouth, l’amante di Ser Laenor. Finora, in House of the Dragon, Joffrey ha avuto un ruolo molto marginale. A causa della sua giovane età, non ha potuto partecipare alle prime fasi della Danza dei Draghi come i suoi fratelli, diventando infine l’erede di Rhaenyra e il Principe di Roccia del Drago dopo la loro morte. Nella seconda stagione di House of the Dragon, Joffrey viene mandato al Nido dell’Aquila per sicurezza, dove rimane anche nella terza stagione.

Il destino di Joffrey verrà rivelato in Fuoco & Sangue, salvo eventuali modifiche apportate da House of the Dragon al libro. Alla fine, Joffrey cercherà di seguire le orme dei suoi eroici fratelli e di dimostrare di essere un guerriero valoroso. Verso la fine della guerra, come probabilmente mostrato nella quarta stagione di House of the Dragon, Joffrey corse a cavalcare Syrax, il drago di Rhaenyra, senza sella. Syrax, non abituato al suo nuovo cavaliere, lo disarcionò da una grande altezza. Joffrey morì per l’impatto prima che i cittadini di Approdo del Re lo smembrassero per impossessarsi dei suoi averi.

Aegon Targaryen

Aegon Targaryen figlio di RhaenyraAegon Targaryen è il primogenito della principessa Rhaenyra e del principe Daemon. Nacque nello stesso anno del loro matrimonio, nel 120 AC. Chiamato distintamente Aegon il Giovane per distinguerlo da Re Aegon, Aegon è caratterizzato da una personalità cupa a causa del trauma subito durante il culmine della Guerra Targaryen. Naturalmente, questo aspetto non è ancora stato mostrato in House of the Dragon, data la giovane età di Aegon.

In Fuoco e Sangue, e nelle stagioni successive della serie, Rhaenyra cercherà di proteggere i suoi figli rimasti dalla guerra, mandando Aegon e suo fratello a Essos. Prima di attraversare il Mare Stretto, la loro nave viene attaccata dalla flotta della Triarchia, un’imboscata che rischia di concludersi in tragedia. Durante le rivolte ad Approdo del Re, Aegon il Giovane assiste alla morte di Joffrey e Syrax. Tuttavia, l’evento che segnò per sempre la vita di Aegon il Giovane fu la morte della principessa Rhaenyra Targaryen, bruciata viva e divorata dal drago di Aegon il Vecchio, Sunfyre.

Come tutto ciò si svilupperà nella serie resta da vedere, ma sicuramente porterà a un cambio di ruolo per Aegon il Giovane. Dopo la morte di Aegon II e la fine della Danza dei Draghi, Lord Corlys Velaryon insedia Aegon il Giovane come nuovo Re Targaryen. Aegon il Giovane divenne re Aegon III. Il suo regno fu relativamente pacifico, con i Sette Regni uniti dopo la guerra civile. Alla fine, morì a causa di una malattia non specificata e gli succedette il figlio, Daeron I.

Viserys Targaryen

Come descritto in Fuoco e Sangue, e come potrebbe essere nel futuro di House of the Dragon, Viserys sopravvisse al già citato attacco della Triarchia durante il suo viaggio con Aegon a Essos. Il libro afferma che Viserys, con astuzia, si finse un mozzo, riuscendo ad attraversare il mare fino a Lys, dove fu accolto dalla ricca famiglia Rogare. Viserys sposò la loro figlia minore, Larra, e la notizia della sua sopravvivenza giunse presto ad Approdo del Re; Aegon III convocò il fratello e lo nominò Primo Cavaliere del Re.

Viserys regnò negli ultimi anni del regno di Aegon III, così come in quelli dei suoi figli, re Daeron I e Baelor I. Il suo servizio fu essenziale per la stabilità del regno, poiché i suoi re erano spesso indisposti per motivi personali. Tuttavia, alla morte di entrambi i figli di Aegon III, questi non erano riusciti a generare eredi, il che portò Viserys a salire al Trono di Spade nel 171 AC. Il regno di Viserys durò solo un anno, prima che morisse improvvisamente per una malattia e gli succedesse il figlio, Aegon IV.

Vasenya Targaryen

Visenya TargaryenLa principessa Rhaenyra trascorse tre giorni in travaglio per dare alla luce Visenya, che nacque un mese prima del previsto. Nel finale della prima stagione di House of the Dragon, viene mostrato il momento straziante in cui Visenya nasce morta. Questo acuisce il dolore di Rhaenyra, soprattutto dopo la morte di Lucerys, alimentando ulteriormente la sua rabbia verso i Verdi. In questo senso, Visenya ha certamente avuto un grande impatto sulla trama generale di House of the Dragon, pur non avendo svolto un ruolo attivo quanto i suoi fratelli e fratellastri.

DCU: in sviluppo dei film su Bane e Deathstroke, villain di Batman

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I due celebri antagonisti dell’universo di Batman sono pronti a conquistare il grande schermo con un film tutto loro. Secondo quanto riportato da TheWrap, DC Studios ha affidato allo sceneggiatore Matthew Orton, già autore di Captain America: Brave New World, il compito di scrivere il copione di un lungometraggio dedicato a Bane e Deathstroke. Il progetto non ha ancora un regista ufficiale, ma rappresenta un altro tassello della nuova strategia narrativa guidata da James Gunn e Peter Safran.

La notizia conferma che il film, di cui si parlava già dal 2024, è ancora in fase di sviluppo. Nei mesi scorsi era emerso anche il nome di Greg Mottola, regista di alcuni episodi di Peacemaker, tra i principali candidati per la regia dello spin-off. L’arrivo di Orton alla sceneggiatura suggerisce però che il progetto stia entrando in una fase più concreta della produzione.

La scelta di puntare su due villain così iconici racconta molto della direzione intrapresa da DC Studios. Dopo aver rilanciato i propri eroi con Supergirl e il futuro Man of Tomorrow, lo studio sembra intenzionato a costruire un universo condiviso dove anche gli antagonisti possano avere uno spazio autonomo, seguendo un approccio più corale rispetto al passato.

Perché Bane e Deathstroke sono una coppia perfetta per il nuovo DC Universe

Pur essendo entrambi legati all’universo di Batman, Bane e Deathstroke rappresentano due tipologie di minaccia molto diverse e complementari. Creato nel 1993 da Chuck Dixon, Doug Moench e Graham Nolan, Bane è ricordato soprattutto per essere l’unico criminale ad aver realmente sconfitto Batman spezzandogli la schiena nella celebre saga Batman: Vengeance of Bane. Sul grande schermo è stato interpretato da Tom Hardy in Il cavaliere oscuro – Il ritorno, dopo una prima versione apparsa nel film Batman & Robin del 1997.

Deathstroke, alias Slade Wilson, nasce invece nel 1980 sulle pagine di The New Teen Titans grazie a Marv Wolfman e George Pérez. Pensato inizialmente come antagonista occasionale, è diventato rapidamente uno dei mercenari più pericolosi dell’universo DC, grazie alle sue capacità fisiche potenziate, all’intelligenza tattica e alle sue straordinarie abilità nel combattimento. Negli anni il personaggio è apparso in produzioni come Smallville, Arrow e Titans, consolidando una popolarità che va ben oltre i fumetti.

Resta da capire quale sarà il ruolo del duo all’interno del nuovo DC Universe. Il film potrebbe raccontare un’alleanza tra due tra i più letali avversari di Batman oppure rappresentare il primo passo verso l’introduzione del Cavaliere Oscuro nel franchise guidato da James Gunn. Considerando che lo studio sta lavorando anche al rilancio cinematografico di Batman, un progetto dedicato a Bane e Deathstroke potrebbe servire a costruire il sottobosco criminale e militare del nuovo universo condiviso prima dell’arrivo dell’eroe di Gotham.

Supergirl: ecco perché Kara non indossa il costume per gran parte del film

Supergirl (leggi qui la nostra recensione) di Craig Gillespie è un film che permette alla sua protagonista di essere disordinata, complessa e imperfetta. Per questo motivo, Kara non è in modalità supereroina per una parte significativa della storia e indossa il suo iconico costume soltanto nella seconda metà del film.

Il debutto da protagonista di Milly Alcock nel DC Universe, arrivato nelle sale questo weekend, ha ricevuto un’accoglienza contrastata e incassi al botteghino inferiori alle previsioni. Supergirl segue la protagonista (Alcock) nella sua missione per salvare Krypto, il Supercane, dopo che viene avvelenato da Krem delle Colline Gialle (Matthias Schoenaerts). Questo la porta ad assumere il ruolo di sorella maggiore nei confronti di Ruthye Marye Knoll (Eve Ridley), determinata a vendicarsi di Krem per l’assassinio della sua famiglia.

Questa trama è tratta dal fumetto Supergirl: La donna del domani di Tom King, un’opera con cui il film è stato spesso messo a confronto. Secondo alcuni, proprio le modifiche apportate alla storia e alla caratterizzazione di Krem penalizzano l’adattamento. Un elemento rimasto invece fedele al fumetto è il fatto che Kara Zor-El / Supergirl trascorra buona parte della vicenda senza il suo costume.

LEGGI ANCHE: Supergirl: i 10 cambiamenti più significativi rispetto al fumetto

Supergirl

Perché la Supergirl di Milly Alcock non indossa subito il costume?

All’inizio di Supergirl, Kara festeggia il suo compleanno su un pianeta con un sole rosso, poiché la sua fisiologia kryptoniana non le permette di ubriacarsi sulla Terra. Essendo “fuori servizio”, ha sostituito la sua uniforme da supereroina con una t-shirt dei Blondie e un paio di pantaloni della tuta. Curiosamente, la scelta della band da stampare sulla maglietta è stata oggetto di un’attenta riflessione.

Abbiamo preso in considerazione centinaia di band diverse e poi Gillespie ha scelto i Blondie“, ha raccontato il costumista Michael Mooney durante una visita di ScreenRant al set di Supergirl. “Abbiamo valutato praticamente ogni gruppo possibile, tutti con un’anima un po’ alternativa. A volte proponevamo anche band più mainstream, ma lui rispondeva sempre: “No, non è quella giusta”.”

Anche la vicepresidente esecutiva dei DC Studios, Chantal Nong Vo, ha spiegato la decisione di lasciare Kara in abiti casual per gran parte del film, sottolineando che “quando la incontriamo è fuori servizio“. Poiché Kara “sulla Terra è sempre Supergirl”, visitare altri pianeti rappresenta “il suo modo di prendersi una pausa“.

Non avrebbe necessariamente indossato il costume, ed è più divertente per lei passare inosservata“, ha aggiunto Nong Vo. “Per Gillespie, però, questo era uno degli aspetti più importanti del film. È quasi una storia di formazione… anche se non nel senso tradizionale del termine. Certo, combatte già il crimine sulla Terra, ma lo fa davvero essendo completamente sé stessa? Questa è tutta un’altra questione“.

Milly alcock in volo come Supergirl

Il costume di Kara Zor-El ha un significato narrativo molto più profondo in Supergirl

Oltre alle motivazioni logiche presenti all’interno della storia, il momento in cui Kara torna a indossare il costume assume un forte valore simbolico. In un flashback, Superman (David Corenswet) le consegna l’uniforme dicendole: «So che è piuttosto colorato, ma serve a far capire a tutti che siamo dalla parte del bene». Una frase che richiama le ultime parole pronunciate dalla madre di Kara, che l’aveva esortata a essere una persona buona.

Il film stabilisce così un collegamento diretto tra il costume e la bontà della protagonista. All’inizio della storia, Supergirl è ancora sopraffatta dal dolore per il proprio passato: per questo si rifugia su altri pianeti per dimenticare i suoi traumi e non indossa l’uniforme. In un certo senso, sta rifiutando sia l’insegnamento della madre, sia ciò che il costume rappresenta, oltre al legame che potrebbe avere con suo cugino e con le persone che le vogliono bene.

«Il film parla proprio dell’accettazione di sé, dell’accettazione del proprio passato e dell’elaborazione del dolore. Alla fine è questo che definisce chi è davvero», ha spiegato ancora Nong Vo. «Il costume è il simbolo di questo percorso.»

Quando decide finalmente di indossarlo per affrontare Krem, Kara accetta la propria vocazione eroica perché desidera fare del bene e aiutare gli altri, non semplicemente perché è ciò che fa Superman. Anche la scelta di impedire a Ruthye di uccidere Krem rappresenta una manifestazione concreta della ritrovata bontà interiore di Kara, anche se questo momento viene in parte ridimensionato dalla modifica apportata dal film al destino finale del villain.

Pur non essendo un cinecomic perfetto, Supergirl utilizza il guardaroba della protagonista in modo efficace per accompagnarne l’evoluzione psicologica. Proprio questa crescita rende ancora più interessante il ritorno di Kara nel già annunciato Man of Tomorrow.

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Beast è tratto da una storia vera? La vicenda dei leoni dello Tsavo che ha ispirato il film

Quando Beast (qui la recensione), il thriller survival diretto da Baltasar Kormákur e interpretato da Idris Elba, è arrivato nelle sale nel 2022, molti spettatori si sono chiesti quanto fosse credibile la sua storia. Il film racconta di un padre rimasto vedovo che, durante un viaggio in Sudafrica insieme alle due figlie, si ritrova a combattere contro un leone eccezionalmente aggressivo e apparentemente deciso a eliminare chiunque incontri sul proprio cammino. Pur adottando i codici del cinema d’azione e della suspense, la pellicola lascia intendere che dietro il suo racconto possa celarsi un fondamento reale.

La domanda, quindi, nasce spontanea: Beast è tratto da una storia vera? La risposta è più articolata di quanto sembri. Il film non ricostruisce fedelmente un episodio storico realmente accaduto, ma prende chiaramente ispirazione da una delle vicende più inquietanti dell’Africa coloniale, quella dei celebri leoni mangiatori di Tsavo. Alla fine del XIX secolo due grandi felini terrorizzarono per mesi gli operai impegnati nella costruzione della ferrovia tra Kenya e Uganda, dando vita a un caso che ancora oggi continua ad affascinare storici, zoologi e appassionati di cinema.

La vera storia dei leoni mangiatori di Tsavo che ha ispirato il film Beast

L’episodio che viene generalmente indicato come fonte d’ispirazione di Beast ebbe luogo nel 1898 nella regione di Tsavo, nell’attuale Kenya. In quel periodo migliaia di operai erano impegnati nella costruzione della ferrovia destinata a collegare il Kenya con l’Uganda, un’infrastruttura strategica per l’Impero britannico. I lavori subirono però una brusca battuta d’arresto quando due leoni maschi iniziarono ad attaccare sistematicamente gli accampamenti dei lavoratori durante la notte.

A differenza di quanto normalmente accade con questi predatori, i due animali svilupparono una sorprendente propensione a cacciare esseri umani, trascinando le vittime fuori dalle tende prima di divorarle. Ben presto il panico si diffuse tra gli operai, molti dei quali decisero di abbandonare il cantiere, rallentando enormemente l’avanzamento dei lavori. La vicenda divenne così famosa da trasformarsi quasi immediatamente in una leggenda, alimentata dai racconti dei sopravvissuti e dalle cronache dell’epoca, che descrivevano i due leoni come creature quasi impossibili da fermare.

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Perché i leoni di Tsavo iniziarono ad attaccare gli uomini e quante vittime provocarono davvero

Per molti anni si è ritenuto che i due leoni avessero ucciso ben 135 persone nell’arco di circa dieci mesi. Questa cifra deriva principalmente dal resoconto del tenente colonnello John Henry Patterson, l’ufficiale britannico incaricato dei lavori ferroviari che, dopo una lunga caccia, riuscì infine ad abbattere entrambi gli animali. Patterson raccontò l’intera esperienza nel libro The Man-Eaters of Tsavo, contribuendo a trasformare l’episodio in uno dei più celebri casi di attacchi di grandi felini all’uomo. Le ricerche scientifiche più recenti, tuttavia, hanno ridimensionato il numero delle vittime, suggerendo che gli uomini realmente uccisi potrebbero essere stati tra 25 e 30.

Nonostante ciò, il clima di terrore rimase reale e documentato. Gli operai tentarono di proteggersi costruendo recinzioni spinose, accendendo grandi fuochi attorno agli accampamenti e organizzando ronde notturne, ma i due predatori continuarono a superare ogni difesa. Gli studiosi ritengono oggi che il loro comportamento fosse dovuto a una combinazione di fattori ambientali e biologici: la scarsità di prede naturali, la presenza frequente di cadaveri umani nella regione e i problemi dentali riscontrati almeno in uno dei due leoni avrebbero reso gli esseri umani una fonte di cibo relativamente facile.

In che modo Beast riprende la storia vera e perché non può essere considerato un adattamento fedele

Pur richiamando chiaramente questa celebre vicenda, Beast non racconta realmente gli eventi di Tsavo. Le differenze tra realtà e finzione sono infatti sostanziali. Nel film esiste un solo leone, la cui furia nasce dopo che dei bracconieri hanno sterminato il suo branco, trasformandolo in un animale estremamente aggressivo e imprevedibile. La storia si concentra inoltre sulla famiglia del protagonista interpretato da Idris Elba, privilegiando il dramma personale e la lotta per la sopravvivenza rispetto alla ricostruzione storica. Anche l’ambientazione cambia radicalmente: non ci sono cantieri ferroviari né migliaia di lavoratori, ma una remota riserva africana e alcuni piccoli villaggi isolati.

Persino il finale si discosta completamente dai fatti reali. Nella realtà i due leoni furono eliminati dopo una lunga e complessa battuta di caccia guidata da John Henry Patterson, mentre nel film il predatore viene infine sconfitto da altri leoni maschi che intervengono durante lo scontro finale. Questi cambiamenti dimostrano come gli sceneggiatori abbiano utilizzato il caso dei mangiatori di Tsavo soltanto come punto di partenza, costruendo poi una storia originale che sfrutta l’idea di un leone capace di trasformarsi in una presenza quasi inarrestabile.

Beast idris elba
Idris Elba in una scena del film Beast

La vera storia dietro Beast continua ancora oggi ad affascinare tra cinema, storia e scienza

Il fascino della storia dei leoni di Tsavo risiede proprio nell’incredibile equilibrio tra cronaca documentata e leggenda. Ancora oggi gli esemplari abbattuti da John Henry Patterson sono conservati ed esposti presso il Field Museum di Chicago, dove continuano a essere oggetto di studi scientifici che cercano di comprendere le ragioni del loro comportamento anomalo. Beast sfrutta questa vicenda come ispirazione narrativa senza volerla raccontare fedelmente, preferendo costruire un thriller capace di riflettere sul rapporto tra uomo e natura, sul dolore della perdita e sull’istinto di sopravvivenza.

Chi si domanda se il film sia basato su una storia vera può quindi rispondere affermativamente solo in parte: non si tratta della trasposizione dei tragici eventi di Tsavo, ma di una libera reinterpretazione che prende spunto da uno dei più celebri episodi della storia africana. Proprio questa combinazione tra fatti realmente accaduti e invenzione cinematografica rende Beast ancora più coinvolgente, ricordando come la realtà, talvolta, possa essere inquietante quanto la migliore delle opere di fantasia.

Il segreto dei suoi occhi: la spiegazione del finale del film

Il segreto dei suoi occhi: la spiegazione del finale del film

Quando Billy Ray decide di realizzare Il segreto dei suoi occhi (leggi qui la recensione), remake dell’omonimo film argentino diretto da Juan José Campanella e vincitore dell’Oscar come miglior film internazionale, non si limita a trasporre una storia di successo nel contesto statunitense. Il regista riscrive alcuni elementi chiave per adattare il racconto al trauma collettivo dell’America post-11 settembre, trasformando un thriller investigativo in una riflessione sul prezzo della giustizia, sulla memoria e sull’impossibilità di elaborare il lutto.

È proprio il finale, sorprendente e disturbante, a dare un nuovo significato all’intero film. La conclusione di Il segreto dei suoi occhi ribalta infatti la prospettiva dello spettatore e costringe a reinterpretare molti comportamenti dei protagonisti.

Quella che sembrava un’indagine irrisolta diventa il racconto di tredici anni di prigionia emotiva e morale, in cui ogni personaggio ha sacrificato una parte di sé nel tentativo di colmare un vuoto destinato a rimanere aperto. Comprendere il finale significa allora andare oltre il colpo di scena e interrogarsi sul vero tema dell’opera: cosa resta di una persona quando la ricerca della giustizia si trasforma in ossessione?

Il segreto dei suoi occhi cast

Come il remake di Billy Ray trasforma il film originale in una riflessione sulla giustizia nell’America post-11 settembre

Pur mantenendo l’impianto narrativo dell’opera di Campanella, Billy Ray modifica alcuni elementi decisivi. La vittima non è più la moglie di un uomo comune, ma la figlia adolescente di Jess, agente impegnata nell’antiterrorismo. La scelta colloca la vicenda all’interno di un Paese dominato dalla paura e dalla priorità assoluta della sicurezza nazionale, dove perfino un omicidio brutale può essere sacrificato per proteggere un’inchiesta considerata più importante.

Marzin diventa così il simbolo di un sistema disposto a compromessi morali pur di perseguire obiettivi superiori. Anche il rapporto tra i protagonisti cambia profondamente. Ray, Jess e Claire condividono il peso del fallimento investigativo e della frustrazione nei confronti delle istituzioni. La loro amicizia si incrina sotto il peso di decisioni impossibili e di rimorsi mai elaborati.

Il thriller investigativo diventa progressivamente un dramma psicologico in cui la ricerca del colpevole conta meno delle conseguenze lasciate dal crimine. L’indagine, che apparentemente riparte tredici anni dopo, è in realtà il percorso attraverso cui Ray cerca di dare un senso a una colpa che sente anche propria, convinto che, se fosse arrivato in tempo, Carolyn sarebbe ancora viva.

Il finale di Il segreto dei suoi occhi spiegato: perché Jess tiene Marzin prigioniero per tredici anni e cosa rappresenta davvero la sua scelta

L’ultima parte del film modifica completamente il significato della storia. Dopo aver seguito una pista che sembra ricondurre finalmente a Marzin sotto falsa identità, Ray scopre che l’uomo arrestato non è il vero assassino. La verità emerge soltanto quando lui e Claire raggiungono la casa isolata di Jess. Qui la donna rivela di aver ritrovato Marzin molti anni prima, subito dopo la sua scarcerazione, e di aver organizzato una vendetta personale.

La rivelazione più sconvolgente arriva nel fienile. Ray scopre che Marzin non è mai stato ucciso, ma rinchiuso in una gabbia per oltre tredici anni. Jess ha scelto deliberatamente di negargli la morte perché la considerava una punizione troppo rapida. Ha preferito condannarlo a un’esistenza sospesa, priva di libertà e di qualsiasi contatto umano. In quel momento ogni dettaglio del comportamento della donna assume un nuovo significato.

Il suo isolamento, la freddezza, l’incapacità di rifarsi una vita e perfino il suo aspetto spento derivano dalla decisione di dedicare ogni giorno della propria esistenza alla custodia dell’uomo che le ha distrutto la famiglia. Quando Ray lascia la pistola nelle mani di Jess ed esce a scavare una fossa, comprende che quella prigionia non può più continuare. Il colpo di pistola che si sente poco dopo sancisce la morte di Marzin e chiude finalmente una vicenda rimasta sospesa per oltre un decennio.

Vendetta, colpa e ossessione: i grandi temi nascosti dietro il colpo di scena conclusivo

Il finale non celebra la vendetta, ma ne mostra il costo devastante. Jess non ha ottenuto alcuna pace imprigionando il colpevole. Al contrario, ha trasformato la propria vita in una prigione parallela. Se Marzin è rimasto rinchiuso in una cella improvvisata, lei è rimasta incarcerata nel ricordo della figlia, incapace di costruire un futuro diverso. La sua esistenza si è fermata esattamente nel giorno dell’omicidio.

Lo stesso vale per Ray. La sua ostinazione nel riaprire il caso nasce da un senso di responsabilità mai superato. Si convince che trovare Marzin possa liberarlo dal rimorso, ma scopre che la verità è molto più dolorosa. Claire rappresenta invece l’unico personaggio che continua a credere nella giustizia istituzionale, pur riconoscendone i limiti. Quando il segreto viene finalmente svelato, nessuno dei protagonisti esce realmente vincitore. Tutti hanno sacrificato qualcosa: Jess la propria vita, Ray la serenità e Claire la fiducia assoluta nelle regole che ha sempre difeso.

Perché il gesto finale di Ray cambia il significato dell’intera storia e completa il percorso dei protagonisti

Una delle scelte più significative operate da Billy Ray rispetto al film argentino riguarda proprio Ray. Nel momento decisivo non interviene per arrestare Jess né tenta di impedire l’esecuzione di Marzin. Appoggia invece la pistola e si allontana. È un gesto apparentemente semplice, ma racchiude l’intero significato del film.

Ray comprende che la legge ha fallito molti anni prima, quando il sistema ha permesso all’assassino di tornare libero per ragioni di convenienza investigativa. Sa anche che Jess ha ormai pagato un prezzo enorme per la propria decisione. La sua scelta non equivale ad approvare la vendetta, bensì ad accettare che alcune ferite non possono essere guarite attraverso gli strumenti tradizionali della giustizia. Scavando una fossa prima ancora di sentire lo sparo, Ray dimostra di aver già deciso di condividere il peso morale dell’ultimo atto insieme all’amica, assumendosi una responsabilità che tredici anni prima non era riuscito a sostenere.

Il segreto dei suoi occhi film

Il vero significato del finale di Il segreto dei suoi occhi: la giustizia arriva troppo tardi quando l’ossessione consuma ogni possibilità di vivere

Il finale di Il segreto dei suoi occhi lascia lo spettatore con una domanda scomoda: esiste davvero una forma di giustizia capace di compensare una perdita simile? La risposta del film è profondamente pessimista. Marzin muore, il caso viene finalmente chiuso e i protagonisti possono, almeno formalmente, voltare pagina. Eppure il tempo trascorso dimostra che nessuna sentenza avrebbe potuto restituire Carolyn a sua madre o cancellare gli anni vissuti nell’ossessione.

La vera tragedia non coincide con l’omicidio iniziale, ma con tutto ciò che accade dopo. Jess ha rinunciato alla propria esistenza per custodire il carnefice della figlia. Ray ha trascorso tredici anni inseguendo una verità che gli sfuggiva. Claire ha assistito impotente al fallimento delle istituzioni che rappresentava. L’ultimo sguardo tra Jess e Ray esprime un sollievo autentico, ma anche la consapevolezza che la liberazione arriva troppo tardi.

Billy Ray costruisce così un finale che supera il semplice colpo di scena e diventa una riflessione sul costo umano dell’ossessione: quando la vendetta sostituisce il dolore, finisce per imprigionare vittima e carnefice nello stesso destino. È questo il segreto custodito negli occhi dei protagonisti, un peso invisibile che nessuna verità riesce davvero a cancellare.

Don’t Say a Word: la spiegazione del finale del film con Michael Douglas

Quando uscì nel 2001, Don’t Say a Word si impose come uno dei thriller psicologici più efficaci dell’inizio del nuovo millennio. Diretto da Gary Fleder e tratto dall’omonimo romanzo di Andrew Klavan, il film costruisce una tensione crescente attraverso una corsa contro il tempo in cui uno psichiatra deve salvare la propria figlia rapita decifrando il segreto custodito dalla mente traumatizzata di una giovane paziente.

Dietro la struttura da thriller ad alta suspense, però, si sviluppa una riflessione sul peso dei ricordi e sul modo in cui il trauma può deformare, ma anche proteggere, la memoria. Il finale rappresenta il momento in cui ogni elemento disseminato durante la narrazione trova finalmente il proprio significato.

Il misterioso numero 815508, apparentemente privo di logica, diventa la chiave che collega passato e presente, mentre la resa dei conti sull’isola di Hart Island conclude il percorso emotivo dei protagonisti. Comprendere la conclusione di Don’t Say a Word significa quindi leggere il film come una storia di guarigione, in cui il vero tesoro nascosto non è il prezioso rubino, bensì la possibilità di liberarsi da un trauma rimasto irrisolto per oltre dieci anni.

Brittany Murphy e Michael Douglas in Don't Say a Word

Come Gary Fleder trasforma un thriller psicologico in una storia sulla memoria traumatica e sulla responsabilità familiare

Nel panorama dei thriller dei primi anni Duemila, Don’t Say a Word occupa una posizione particolare perché utilizza gli elementi tipici del genere – rapimenti, criminali spietati e inseguimenti – per raccontare soprattutto il funzionamento della mente umana. Gary Fleder, già autore di film capaci di fondere tensione e approfondimento psicologico, costruisce la suspense intorno alla professione del protagonista. Nathan Conrad non è un detective né un agente speciale, ma uno psichiatra infantile, e proprio le sue competenze diventano l’unica arma efficace contro Patrick Koster.

Questa impostazione distingue il film da molti thriller contemporanei. La violenza rimane sempre sullo sfondo rispetto al dialogo, all’osservazione e alla capacità di comprendere Elisabeth. Il personaggio interpretato da Michael Douglas non risolve il conflitto grazie alla forza fisica, ma conquistando gradualmente la fiducia della ragazza e ricostruendo il significato dei suoi ricordi frammentati. La vicenda assume così una dimensione più ampia, mostrando come la memoria possa trasformarsi in un meccanismo di sopravvivenza quando il dolore è troppo grande per essere affrontato direttamente.

Il finale di Don’t Say a Word spiegato: perché il numero 815508 conduce al rubino e come Nathan riesce a salvare Jessie

La svolta arriva quando Elisabeth riesce finalmente a rielaborare il trauma vissuto durante l’infanzia. Dopo aver assistito all’assassinio del padre da parte della banda di Patrick Koster, la bambina aveva inconsciamente nascosto il ricordo più importante: il luogo in cui era stato occultato il prezioso rubino rubato anni prima. Il numero 815508, che tutti cercano disperatamente di ottenere, non rappresenta una combinazione misteriosa, bensì il numero identificativo della tomba del padre a Hart Island.

Il dettaglio permette a Nathan di ricostruire l’intera vicenda. Il padre di Elisabeth aveva nascosto il rubino all’interno della bambola della figlia, poi deposta nella bara durante la sepoltura. Nathan ed Elisabeth raggiungono quindi l’isola con la speranza di recuperare il gioiello e ottenere la liberazione di Jessie, ma Patrick e i suoi uomini li seguono fino al cimitero. Lo scontro finale diventa inevitabile. Dopo il ritrovamento del rubino, Patrick tenta di eliminare Nathan, mentre la detective Sandra Cassidy interviene per fermare la banda. Nel caos della colluttazione, Nathan sottrae il prezioso al criminale e lo getta in una fossa comune aperta, inducendo Patrick a seguirlo. Un attimo dopo lo spinge nella buca e provoca il crollo del terreno, seppellendolo vivo. Jessie viene finalmente liberata, la famiglia Conrad si ricompone ed Elisabeth può lasciarsi alle spalle il proprio incubo.

Brittany Murphy in Don't Say a Word

Perché la morte di Patrick Koster rappresenta una punizione simbolica e completa il percorso di Elisabeth

La scelta di far morire Patrick sepolto vivo possiede un valore simbolico molto più profondo della semplice eliminazione del cattivo. Per oltre dieci anni il criminale ha sacrificato qualunque cosa alla ricerca del rubino, trasformando il denaro nell’unico obiettivo della propria esistenza. Ogni omicidio, ogni rapimento e ogni ricatto derivano dalla stessa ossessione. La sua morte avviene quindi nel luogo che custodiva il tesoro tanto desiderato, quasi a suggerire che l’avidità finisca inevitabilmente per inghiottire chi la alimenta.

Parallelamente si completa il percorso di Elisabeth. Per anni la ragazza è stata considerata instabile perché incapace di spiegare il significato del numero che continuava a ripetere. In realtà la sua mente aveva costruito una barriera difensiva, conservando l’informazione essenziale senza costringerla a rivivere continuamente il trauma dell’omicidio del padre. Quando riesce finalmente a ricordare tutto, quel meccanismo di protezione perde la propria funzione. La memoria torna a essere uno strumento di consapevolezza e non più una prigione costruita dalla paura.

Il rubino nascosto nella bambola e Hart Island spiegano perché il film parla soprattutto di ciò che il dolore nasconde

Il rubino costituisce il motore dell’intera vicenda, ma il suo significato va oltre il semplice valore economico. Rimane nascosto per anni all’interno della bambola Mischka, l’unico oggetto capace di accompagnare Elisabeth durante il momento più drammatico della sua infanzia. La bambola diventa così il contenitore materiale dei ricordi che la ragazza non riesce ad affrontare coscientemente, mentre il gioiello rappresenta il peso di un passato che continua a determinare il presente.

Anche Hart Island contribuisce a rafforzare questa lettura. Il luogo, utilizzato come cimitero pubblico per migliaia di persone senza una sepoltura privata, richiama l’idea di una memoria destinata a essere dimenticata. È proprio lì, in mezzo a tombe anonime e vite cancellate, che sopravvive la prova decisiva dell’intera storia. Nathan comprende che per salvare sua figlia deve riportare alla luce ciò che tutti avevano sepolto, sia in senso letterale sia emotivo. La ricerca del rubino coincide quindi con il recupero di una verità rimasta nascosta sotto anni di dolore.

Michael Douglas in Don't Say a Word

Cosa significa davvero il finale di Don’t Say a Word: la guarigione nasce quando il passato smette di controllare il presente

L’epilogo del film offre una conclusione positiva senza rinunciare alla complessità dei suoi temi. Nathan salva Jessie e ritrova la propria famiglia, ma la vittoria più importante riguarda Elisabeth. Dopo avere trascorso gran parte della vita prigioniera dei ricordi e delle conseguenze del trauma infantile, la giovane trova finalmente un ambiente capace di offrirle sicurezza e affetto. L’invito della famiglia Conrad a vivere con loro suggerisce che la guarigione richiede legami autentici e persone disposte ad ascoltare.

In questa prospettiva, Don’t Say a Word supera i confini del thriller classico. Il mistero viene risolto, i criminali vengono sconfitti e il rubino perde ogni importanza nel momento stesso in cui provoca la caduta definitiva di Patrick. Ciò che resta davvero è il percorso dei protagonisti, che imparano come il passato possa continuare a esercitare il proprio potere finché viene nascosto. Soltanto affrontando il dolore e restituendo un significato ai ricordi diventa possibile interrompere il ciclo della paura. È questo il vero messaggio del finale: il trauma può segnare un’intera esistenza, ma non è destinato a definirla per sempre.

Scopri l’omaggio a Rob Reiner in The Bear – Stagione 5

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Scopri l’omaggio a Rob Reiner in The Bear – Stagione 5

The Bear si è conclusa il 25 giugno dopo cinque stagioni, senza il ritorno di Albert Schnurr, interpretato dal compianto Rob Reiner, ma la serie ha voluto rendere omaggio al regista in un modo speciale.

Albert è apparso in tre episodi della quarta stagione, presentato come mentore dell’ambizioso Ebraheim (Edwin Lee Gibson). Albert ha incoraggiato Ebraheim a sfruttare il successo del panino con la carne del ristorante e il suo efficiente modello di business e franchising.

Nel penultimo episodio della stagione, Albert si è proposto come consigliere in grado di aiutare il ristorante ad espandersi nei sobborghi di Chicago. Ebraheim ha risposto che avrebbe avuto bisogno dell’approvazione del proprietario del “The Bear”, Carmen “Carmy” Berzatto (Jeremy Allen White).

Le riprese della quinta e ultima stagione della serie (disponibile integralmente in streaming su Disney+) sono iniziate a gennaio, poche settimane dopo la morte di Reiner, avvenuta all’età di 78 anni. Non è chiaro se prima della sua morte Reiner avesse in programma di apparire nella quinta stagione.

Sebbene Rob Reiner non compaia sullo schermo in The Bear – Stagione 5, Albert viene menzionato nell’ultima stagione, a partire dal primo episodio. Prima di parlare con Carmy del franchising, Ebraheim telefona ad Albert per incoraggiarlo. “Albert, parlerò con Carmy questo pomeriggio. Per favore, dammi un consiglio”, dice Ebraheim. “‘Ripeti dopo di me. Rendilo facile da convincere. Non usare troppe parole. Non avere paura. Non farti spaventare dai suoi occhi azzurri. Smettila di ripetere. Smettila di ripetere’ – oh, sì. Scusa. Sì, certo. Augurami buona fortuna.”

Negli episodi successivi, Computer (Brian Koppelman) incoraggia lo zio Jimmy (Oliver Platt), finanziatore di The Bear, a collaborare con Albert. “Ebra ha un buon piano“, dice Computer a Jimmy. “Funzionerà.”

L’episodio finale si apre con Ebraheim che si esercita a presentare la sua idea, ma non riesce nemmeno a finirla prima che Carmy approvi il franchising The Beef. Durante una telefonata con Albert, Ebraheim dice che il locale che hanno visitato è “perfetto”.C’è altro che posso fare?” chiede Ebraheim prima di fare una pausa per ascoltare. “Ai tuoi ordini” (As you wish), risponde Ebraheim, citando il film del 1987 La storia fantastica (The Princess Bride). Nel film, diretto da Reiner, queste sono le tre parole che Westley (Cary Elwes) usa per rispondere alle richieste della Principessa Bottondoro (Robin Wright).

In questo modo inequivocabile eppure discreto, la serie rende omaggio a un grande regista che ci ha lasciati troppo presto, a una persona che, a detta di tutti quelli che lo avevano conosciuto era allegra professionale divertente e dal cuore grande. Un modo molto dolce di dire addio a un “compagno di brigata”, anche se solo per pochi episodi.

Supergirl: 50 Easter Eggs e citazioni DC

Supergirl: 50 Easter Eggs e citazioni DC

L’universo DC di James Gunn continua ad espandersi con Supergirl, il secondo film del nuovissimo universo cinematografico con Milly Alcock nei panni di Kara Zor-El e Eve Ridley in quelli della giovane Ruthye Marye Knoll. Basandosi sulle fondamenta di Superman (2025), Supergirl è ricco di easter egg, riferimenti, richiami alla serie acclamata dalla critica Woman of Tomorrow e collegamenti con l’universo DC in generale.

Sebbene alcuni riferimenti e collegamenti in Supergirl siano più facili da individuare di altri, alcuni sono piuttosto ben nascosti e più sottili. Ispirato in gran parte alla serie a fumetti di 8 numeri Supergirl: Woman of Tomorrow di Tom King e Bilquis Evely, diversi personaggi e momenti chiave dell’amato fumetto sono stati adattati per questo nuovo film DC. Tenendo presente ciò, ecco l’analisi di tutti i principali easter egg, riferimenti, cameo e collegamenti con l’universo DC che abbiamo individuato durante la nostra prima visione di Supergirl (2026), il film diretto da Craig Gillespie.

Giornale di Superman Il giornale che Kara ha preparato per Krypto per i suoi bisogni presenta titoli sulle gesta supereroistiche di suo cugino (e una piccola colonna laterale dedicata alle sue).

Holzzher – Uno dei pianeti presenti in Supergirl si chiama Holzzher, in onore di Brittany Holzherr, editor della DC Comics che ha lavorato al fumetto originale di Woman of Tomorrow.

Krem e i Briganti – Sebbene il Krem dell’universo DC (Matthias Schoenaerts) sia visivamente molto diverso dal Krem delle Colline Gialle visto nei fumetti, viene anche rivelato che è un leader chiave dei Briganti. In “Woman of Tomorrow”, Krem si è unito ai Briganti dopo aver avvelenato Krypto e rubato l’astronave di Kara.

La famiglia di Ruthye Marie Knoll sterminata – In “Woman of Tomorrow”, solo il padre di Ruthye è stato ucciso da Krem, mentre sua madre e diversi fratelli sono sopravvissuti.

“Il popolo del Sole Rosso” – Mentre è ubriaca al suo ventitreesimo compleanno, Kara si chiede se lei e Krypto non dovrebbero semplicemente diventare “il popolo del Sole Rosso”, un riferimento alla sua mancanza di poteri e alla sua capacità di ubriacarsi sui pianeti che orbitano attorno a soli rossi, un elemento confermato per la prima volta nell’universo DC durante il suo cameo in Superman del 2025.

Una spada preziosa – Armata della spada usata da Krem per uccidere suo padre, si scopre che la lama di Ruthye è molto forte e preziosa, proprio come in Woman of Tomorrow. Tuttavia, nella serie a fumetti la spada apparteneva originariamente a Krem, mentre il padre di Ruthye e tutta la sua famiglia erano semplici contadini che estraevano pietre. Il fatto che Elias Knoll sia un fabbro di spada talentuoso e rinomato è una novità assoluta per il canone dell’universo DC.

“Temo solo che tu non riesca a trovare il tuo ritmo a Metropolis” – La preoccupazione di Clark per sua cugina si ricollega alle sue preoccupazioni alla fine di Superman del 2025, e lascia anche intendere che Kara abbia un posto dove vivere da qualche parte nella città dell’Uomo d’Acciaio.

“Ehi, guarda, sto sanguinando.” – Nonostante si trovi su un pianeta con un sole rosso (ed è molto ubriaca), Kara riesce comunque a sorprendersi quando il bruto che ha cercato di rubare la spada di Ruthye la colpisce e la fa sanguinare, in una scena iniziale molto simile a quella di Woman of Tomorrow.

Krypto avvelenato – Come in Woman of Tomorrow, Krem colpisce Krypto, il Super Cane, con una freccia avvelenata, ferendo gravemente il fedele cane di Kara a causa del sole rosso.

Zor-El e Alura – Supergirl introduce Zor-El e Alura, i genitori di Kara, nell’universo DC, interpretati da David Krumholtz e Emily Beecham. Zor-El era il fratello di Jor-El, il padre di Superman.

Traghetto – Avendo bisogno di un nuovo mezzo per lasciare il pianeta del sole rosso dopo che Krem e i suoi Briganti rubano la nave di Kara, Kara e Ruthye si imbarcano su un traghetto, molto simile a quello visto in Woman of Tomorrow.

Seth Rogen fa un cameo nei panni di un copilota alieno – Il piccolo copilota alieno che guida il traghetto è doppiato nientemeno che da Seth Rogen, un’aggiunta incredibilmente divertente al cast di Supergirl (anche se sarebbe stato bello vedere Rogen in un ruolo più significativo nell’universo DC).

Passeggeri alieni addormentati – Anche in Woman of Tomorrow i passeggeri alieni che si addormentano e dormono sulle spalle di Ruthye e Kara erano un problema ricorrente.

Predoni Sklariani – Il gruppo di pirati tecnologici tutto al femminile conosciuto come Predoni Sklariani proviene dai fumetti originali, essendo apparso per la prima volta nel 1977 in Superboy and the Legion of Super-Heroes n. 233.

SupergirlRagni Robot – La novità per gli Sklariani nell’universo DC è l’utilizzo di un’orda di ragni robotici, il che porta a interpretare la loro inclusione come un probabile riferimento al film incompiuto e mai distribuito di Tim Burton e Nicolas Cage, Superman Lives, che avrebbe dovuto presentare ragni robotici giganti. Questo si collega anche al controverso omaggio a Superman interpretato da Nicolas Cage in The Flash del 2023.

“Ho un piano… più o meno” – La frase di Supergirl sul suo piano improvvisato ricorda molto le battute di Star-Lord “Ho una parte di un piano” e “12%” dal primo film dei Guardiani della Galassia di James Gunn nell’MCU.

Pianeta Bilquis ed Evely – Un altro pianeta con un nome in Supergirl si chiama Bilquis, con la sua capitale Evely, un riferimento collettivo all’artista di Woman of Tomorrow, Bilquis Evely.

Supergirl contro Superwoman – Sebbene Kara non abbia una risposta adeguata a Ruthye sul perché lei sia “Supergirl” e Clark “Superman”, visto che suo cugino ha solo 10 anni più di lei, questo dettaglio conferma che Kara è effettivamente più giovane di Clark nell’universo DC, ribaltando la dinamica tipica dei fumetti.

“Qualcuno vuole andarsene?” – Prima della scena della rissa al bar dopo la gara di braccio di ferro, Kara chiede se qualcuno vuole andarsene prima che la rissa inizi davvero, il che dovrebbe richiamare alla mente la stessa domanda posta da Steve Rogers nei panni di Captain America durante l’iconica scena dell’ascensore in Captain America: The Winter Soldier.

Il Titanic – Dice agli artisti del bar di continuare a cantare e suonare come se fosse il Titanic, cosa che effettivamente accadde a un gruppo di violinisti che continuarono a suonare anche mentre la nave affondava.

Lobo ha distrutto il suo intero pianeta – Il debutto di Jason Momoa nell’universo DC nei panni del cacciatore di taglie intergalattico Lobo vede Kara confermare che il Czarniano ha distrutto il suo intero pianeta, proprio come nelle sue origini a fumetti e nel suo orribile atto di genocidio globale.

“Ti ho beccato, Bastich!” – La classica imprecazione di Lobo tratta dai fumetti viene pronunciata più volte in Supergirl (2026).

“Clark vede il bene, io vedo la verità” – I commenti di Kara sull’incrollabile ottimismo di Clark si accordano incredibilmente bene con i commenti di Lois Lane su Kal-El in Superman (2025), quando afferma che Clark si fida di tutti e pensa che chiunque abbia mai incontrato sia bellissimo (“Forse questo è il vero punk rock”). Allo stesso modo, la frase di Supergirl mostra perfettamente la differenza fondamentale tra i cugini kryptoniani.

“Krypton non è morto in un giorno. Gli dei non sono così gentili” – Una frase brutalmente tragica, il commento di Kara sul fatto che gli dei non siano stati così gentili da porre fine rapidamente a Krypton, proviene direttamente dallo sceneggiatore Tom King e da Woman of Tomorrow.

Foglie rosse di Krypton – Alura viene mostrata mentre osserva le foglie rosse cadere dagli alberi di Krypton prima della sua distruzione. In seguito, la sua bara è piena delle stesse foglie, un collegamento chiave con Woman of Tomorrow quando Kara ricorda la sua infanzia mentre osservava le foglie rosse e blu del pianeta.

Kal-El, “Conquistatore di Mondi” – Alura dice di non riuscire a credere che il piccolo Kal-El diventerà un “conquistatore di mondi”, ricollegandosi al messaggio kryptoniano di Superman del 2025, secondo cui Jor-El e Lara mandarono il figlio a governare la Terra come Nuova Krypton.

Grande Rao – Il “Grande Rao” si sente durante il caos della distruzione di Krypton; si tratta del dio del sole venerato dai kryptoniani nei fumetti originali.

Argo City – Sigillata sotto un enorme campo di forza a cupola creato dal padre di Kara, Argo City si libera da Krypton, sopravvivendo per anni dopo la distruzione del pianeta principale (proprio come nei fumetti originali).

Terreno di kryptonite – In sostanza, i kryptoniani di Argo City subiscono la stessa sorte che nei fumetti, con il terreno contaminato dalla kryptonite che uccide gradualmente la popolazione negli anni successivi alla distruzione di Krypton.

“Io sono una piccola vita” – La frase di Kara rivolta a suo padre richiama una frase simile pronunciata sia da Kara che da Ruthye in momenti diversi di Woman of Tomorrow: “È troppo grande. Noi siamo troppo piccole”. Si collega anche alla frase del giovane Clark Kent rivolta a sua madre in Man of Steel del 2013: “Il mondo è troppo grande, mamma”.

“Sii semplicemente buona” – Le ultime toccanti parole di Alura a sua figlia prima di morire sono le stesse che pronuncia in Woman of Tomorrow. Tuttavia, questi concetti vengono approfonditi nell’universo DC, con Alura che dice a Kara che non deve essere sempre gentile, premurosa o perfetta, ma che dovrebbe sempre essere buona, a prescindere da tutto.

Spacehog – Lo “Spacehog” di Lobo nella versione live-action è piuttosto impressionante: una moto volante a levitazione che funge da suo classico mezzo di trasporto nei fumetti.

Uncino da sventratore – Durante il primo grande scontro con i Briganti, Lobo brandisce un enorme uncino da sventratore attaccato a una catena, la sua arma distintiva dei fumetti.

I sigari di Lobo – Sebbene Jason Momoa abbia confermato di aver usato sigari finti per mantenersi in salute pur rispettando le abitudini di Lobo sullo schermo, l’attore aveva un vero sigaro nel video che ha pubblicato sui social media quando gli è stata consegnata la prima copia della sceneggiatura di Supergirl.

L’urlo di Supergirl Dopo che Krem uccide un’intera famiglia che Kara e Ruthye avevano cercato di salvare prima di fuggire con i suoi Briganti, Supergirl vola nello spazio lanciando un urlo fortissimo (ma silenzioso), che richiama un momento simile di frustrazione e dolore provato da Supergirl in “La donna del futuro” dopo aver assistito agli orrori dei Briganti che non era riuscita a impedire.

Squidward – Kara chiama “Squidward” uno degli alieni al servizio dei Briganti, un nome azzeccato visto l’aspetto dell’alieno, che richiama anche alla mente l’uso passato del nome Squidward da SpongeBob quando Iron Man affrontò per la prima volta l’Ebony Maw in Infinity War.

Barenton – Barenton, un pianeta apparso per la prima volta in Woman of Tomorrow, orbitava attorno a un sole verde contaminato dalla kryptonite, indebolendo gravemente Kara e quasi uccidendola. Nel fumetto, Barenton era un mondo creato artificialmente con lo scopo specifico di intrappolare e uccidere Superman. L’Uomo d’Acciaio affermò che era stata la sua “esperienza più vicina alla morte” dopo Doomsday, dopo aver trascorso 45 minuti sul pianeta prima di essere salvato dalla Justice League. Kara dovette trascorrere 10 ore, e lo stesso sembra valere per la versione del DC Universe, prima che il sole verde tramontasse e un sole giallo sorgesse, riportando Supergirl in vita.

Fortezza della Solitudine – I flashback del primo arrivo di Kara sulla Terra mostrano il suo incontro con il cugino, che la accoglie e la conduce alla Fortezza della Solitudine, imponente come nel Superman del 2025.

Il Daily Planet – Il flashback continua mostrando Kara che vive a Metropolis con Krypto, godendo di una vista perfetta sulla città e in particolare sull’edificio del Daily Planet, con il suo grande globo dorato.

Cuffie nere e arancioni di Kara – Nel flashback, nel tentativo di isolarsi dal rumore della città, Kara indossa un paio di cuffie nere con cuscinetti arancioni, che ricordano in modo sospetto le cuffie che Star-Lord dell’MCU usava con il suo Walkman nei primi due film dei Guardiani della Galassia.

Ruthye protegge Kara – Sebbene purtroppo non ci siano dinosauri alieni, una scena chiave di Ruthye che veglia su Kara su Barenton è ripresa direttamente dalle pagine di Woman of Tomorrow.

“Sono la stronza a cui hai sparato al cane” – La presentazione di Kara a Krem nell’universo DC è molto simile alla sua presentazione nei fumetti: “Ciao, sono Supergirl. E tu sei Krem delle Colline Gialle. Hai sparato al mio fottuto cane.”

Frecce di kryptonite – Krem usa frecce di kryptonite per attaccare Kara senza una vera spiegazione su dove abbia preso il minerale letale. Questo non è molto diverso da quanto accaduto nell’Arrowverse della CW, quando Oliver Queen si è ritrovato improvvisamente con una freccia di kryptonite per sparare a una versione nazista di Supergirl, anche se la Supergirl buona proveniva originariamente da un’altra Terra.

Kara malmena Krem – Durante la principale sequenza d’azione finale, c’è un momento in cui Supergirl malmena letteralmente Krem, facendolo oscillare e sbattendolo ripetutamente a terra, non diversamente da quando Kal-El ha combattuto contro l’Ingegnere nello stadio di baseball nel film Superman del 2025.

“The Middle” – Mentre una versione più soft di “The Middle” accompagna l’epica sequenza al rallentatore di Supergirl, è una curiosità interessante sapere che James Gunn ha incluso la versione originale di “The Middle” dei Jimmy Eat World nella sua playlist ufficiale del personaggio di Clark Kent su Spotify.

Supergirl richiama Superman (Polvere) – C’è una scena fantastica verso la fine della battaglia finale in cui Kara emerge dalla polvere, un’immagine che richiama una scena iconica simile di Clark dopo aver salvato una donna nella sua auto in Superman del 2025.

Uccidere Krem – Alla fine di Supergirl, Kara uccide a sorpresa il Krem dell’universo DC trafiggendolo al petto con la spada di Ruthye. Sebbene questo sia ciò che una Ruthye anziana racconta nel libro che ha scritto alla fine di Woman of Tomorrow, si trattava semplicemente di impedire ai Briganti di portare a termine la loro vendetta, vincolata dal codice. In realtà, la vita di Krem fu risparmiata, condannato a secoli di reclusione nella Zona Fantasma prima di essere finalmente liberato, implorando perdono e mostrando un profondo rimorso per il mostro che era stato.

Krypto si avventa su Kara – Krypto si avventa immediatamente su Kara dopo aver ricevuto l’antidoto, creando un perfetto parallelismo con il finale di Superman, quando il cane superpotente si avventò su Supergirl con altrettanta immensa forza e affetto.

Riunione con Clark – Tornati sulla Terra e visitando l’appartamento di Clark alla fine di Supergirl, i cugini kryptoniani si siedono e parlano sulle stesse sedie dove lui e Lois avevano parlato prima che l’Uomo d’Acciaio si consegnasse per salvare Krypto in Superman (2025).

“Quest’ultimo tizio” – Visto che è passato quasi un anno dagli eventi di Superman, è divertente immaginare quale “tizio” fosse quello per cui Clark avrebbe potuto aver bisogno dell’aiuto di Kara. Era Parasite? Metallo? Mister Mxyzptlk? Forse un giorno ci sveleranno i dettagli.

Paramount+ a luglio 2026: tutte le novità tra Star Trek: Strange New Worlds 4, Scream 7 e le grandi uscite dell’estate

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Luglio 2026 sarà un mese particolarmente ricco per gli abbonati a Paramount+. Tra il ritorno di Star Trek: Strange New Worlds con la quarta stagione, il finale di Dutton Ranch, nuove serie originali, horror, comedy e contenuti per tutta la famiglia, la piattaforma amplia ulteriormente il proprio catalogo. A questo si aggiungono importanti novità già annunciate per agosto, come l’arrivo in streaming di Scream 7, reduce da un grande successo al botteghino.

Il mese conferma la strategia di Paramount+, sempre più orientata a bilanciare franchise internazionali, produzioni originali e grandi classici del cinema italiano, offrendo un catalogo capace di parlare a pubblici molto diversi.

Star Trek: Strange New Worlds torna con la quarta stagione

Star Trek: Strange New Worlds

La novità più attesa è senza dubbio il debutto della quarta stagione di Star Trek: Strange New Worlds, disponibile dal 23 luglio. La serie riporta al centro il capitano Christopher Pike e l’equipaggio della U.S.S. Enterprise, impegnati in nuove missioni ai confini dello spazio tra civiltà sconosciute, minacce aliene e dilemmi morali.

La stagione sarà composta da dieci episodi distribuiti settimanalmente fino al 24 settembre e vedrà il ritorno di Anson Mount, Rebecca Romijn, Ethan Peck, Celia Rose Gooding e del resto del cast principale. Dietro la produzione restano CBS Studios, Secret Hideout e Roddenberry Entertainment, con Akiva Goldsman e Henry Alonso Myers ancora nel ruolo di showrunner.

Per celebrare il sessantesimo anniversario del franchise, Paramount+ porterà inoltre alcuni protagonisti della serie all’Italian Global Series Festival, in programma l’8 luglio tra Rimini e Riccione. Un’iniziativa che conferma quanto il marchio Star Trek continui a rappresentare uno dei pilastri della piattaforma.

Il finale di Dutton Ranch e il successo della nuova serie Paramount+

Cole Hauser in Dutton Ranch spin-off yellostone

Il 3 luglio arriverà invece il finale della prima stagione di Dutton Ranch, già rinnovata per una seconda stagione dopo un debutto da record.

Secondo Paramount+, la serie ha raggiunto 12,9 milioni di spettatori nei primi sette giorni, diventando il miglior lancio di sempre per una produzione originale della piattaforma. Il western con Kelly Reilly e Cole Hauser continua così a espandere l’universo narrativo nato con Yellowstone, dimostrando che l’interesse del pubblico per questo franchise è ancora altissimo.

Horror, comedy e nuove serie originali

Ben - Rabbia animale (2026)

Tra le altre novità spicca Ben – Rabbia Animale, disponibile dal 28 luglio. Diretto da Johannes Roberts (47 Meters Down) e prodotto da Walter Hamada, il film racconta l’incubo vissuto da un gruppo di amici alle Hawaii quando uno scimpanzé straordinariamente intelligente diventa un predatore spietato.

Il 29 luglio debuttano invece la prima e la seconda stagione di Diarra from Detroit, comedy-drama che segue una donna alle prese con il mondo del dating online, destinata però a ritrovarsi coinvolta in un misterioso caso di scomparsa.

Spazio anche alla comicità italiana con una nuova stagione di Comedy Central Presents, che dal 26 luglio proporrà nuovi speciali con Yoko Yamada, Alice Mangione, Filippo Caccamo, Scintilla, Federica Camba, Federico Basso e Angelo Pisani.

L’offerta estiva tra cinema italiano e contenuti per famiglie

Paramount+ dedica una parte importante della programmazione anche ai più piccoli con PAW Patrol: Fire Rescue, disponibile dal 1° luglio, e la seconda stagione di Wylde Pak, in arrivo il 3 luglio.

Sul fronte cinema, la piattaforma propone inoltre una selezione dedicata all’estate italiana, riportando in catalogo film diventati cult come Sapore di Mare, Piccolo Grande Amore, Rimini Rimini, Abbronzatissimi, Sharm el Sheikh – Un’estate indimenticabile, Matrimonio alle Bahamas e Vita Smeralda. Una raccolta pensata per valorizzare alcune delle commedie più popolari ambientate durante le vacanze estive.

Scream 7 arriverà ad agosto dopo il successo al cinema

Scream 7

Tra gli annunci più importanti contenuti nell’aggiornamento di Paramount+ c’è anche la conferma dell’arrivo di Scream 7 sulla piattaforma il 26 agosto.

Diretto da Kevin Williamson, storico sceneggiatore del film originale del 1996, il nuovo capitolo vede il ritorno di Neve Campbell nei panni di Sidney Prescott insieme a Courteney Cox, David Arquette, Isabel May e numerosi nuovi interpreti.

Il film ha superato 214 milioni di dollari al box office mondiale, diventando il capitolo con il maggiore incasso nella storia del franchise. Inoltre Paramount+ ricorda che sulla piattaforma sono già disponibili tutti i primi sei film della saga, oltre alla raccolta speciale The Scream Collection, rendendo il servizio uno dei punti di riferimento per gli appassionati dell’horror.

L’Odissea: Universal non inviterà alle proiezioni in anteprima gli influencer

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La Universal ha deciso di rinunciare alle proiezioni “passaparola” (ovvero, per gli influencer) per L’Odissea di Christopher Nolan. Invece, dopo la proiezione in anteprima mondiale a Londra il 6 luglio, il film inizierà a essere proiettato per la critica cinematografica.

Questa scelta va controcorrente rispetto alla tendenza degli studios di anticipare le recensioni professionali invitando blogger e influencer a vedere in anteprima le principali uscite e a pubblicare mini-recensioni (spesso entusiastiche) sui social media. Gli studios in genere decidono caso per caso se organizzare proiezioni “passaparola”, a seconda del film, ma è diventata una prassi piuttosto comune per i film che puntano a diventare blockbuster di grande successo commerciale.

La decisione della Universal arriva inoltre in un momento in cui i fan sono diventati più consapevoli del rapporto tra i reparti marketing degli studios e gli influencer. La Disney, ad esempio, è stata subito criticata per aver utilizzato degli influencer in una trovata virale in cui Pedro Pascal, star di The Mandalorian e Grogu, ha sorpreso un gruppo di fan a Disneyland (il momento è stato presentato online come se Pascal fosse apparso di persona davanti a ignari turisti).

Recentemente, le recensioni estremamente positive degli influencer per Supergirl della Warner Bros. (“il miglior blockbuster dell’estate!”) sono state accolte con forte scetticismo in alcuni ambienti online. Le recensioni ufficiali della critica sono state considerevolmente più negative, con una media del 59% su Rotten Tomatoes.

La Universal aveva precedentemente organizzato proiezioni per influencer in occasione del Disclosure Day, che avevano riscosso un grande successo. Un commento virale – “Il miglior film di Spielberg degli ultimi 20 anni” – è stato un po’ criticato dai detrattori del film ed è stato citato in un paio di recensioni della critica.

È decisamente troppo presto per dire se gli influencer del cinema stiano perdendo la loro efficacia. Ma se la decisione della Universal di evitare le proiezioni in anteprima per L’Odissea dovesse attirare sufficiente attenzione, altri studi potrebbero adottare più frequentemente questa strategia come segno di sicurezza, mentre gli studi che optano per tali proiezioni potrebbero iniziare a essere visti come intenti a nascondere le proprie intenzioni.

House Of The Dragon – Stagione 3 cambia nuovamente il canone e porta Daenerys nella Danza dei Draghi

Ancora una volta, House of the Dragon apporta un cambiamento significativo alla storia canonica di George R.R. Martin. Questo è stato un punto controverso nel corso della serie, soprattutto perché lo stesso Martin si è espresso apertamente sulle sue opinioni riguardo a questi cambiamenti e adattamenti. Tuttavia, bisogna riconoscere che un libro come Fuoco e Sangue presenta molte sfide per l’adattamento. Molti cambiamenti sono stati assolutamente necessari, mentre altri sono un po’ più enigmatici.

I cambiamenti più controversi in House of the Dragon sono quelli che si collegano direttamente alla versione HBO di Game of Thrones. Un esempio lampante è l’aggiunta del pugnale Castpaw e il suo presunto collegamento con il sogno di Aegon e la profezia del Principe che fu promesso. Martin non ha mai indicato che nulla di tutto ciò abbia avuto un ruolo nella Danza dei Draghi, ma House of the Dragon suggerisce che i Targaryen si siano tramandati il ​​pugnale e la conoscenza della Canzone del ghiaccio e del fuoco per secoli come preparazione alla Lunga Notte.

La seconda stagione di House of the Dragon ha rafforzato questo concetto quando Daemon Targaryen ha avuto una serie di visioni incentrate sulla profezia di Aegon. Ha visto quella che poteva essere solo Daenerys Targaryen nuda e carbonizzata con i suoi tre draghetti appena nati. L’ha identificata come il Principe (o la Principessa) promesso/a e ha stabilito che sarebbe esistita solo se Rhaenyra fosse diventata regina. Questo ci porta al secondo episodio della terza stagione di House of the Dragon, quando Daemon rivela ufficialmente a Rhaenyra della ragazza Targaryen che ha visto e del significato della visione per il suo destino.

House of the Dragon – Stagione 3 usa Daenerys come motivo per cui Rhaenyra sale al trono

house of the dragon sogno Daenerys
Via HBO

Daemon racconta a Rhaenyra della sua visione al suo ritorno a Roccia del Drago dopo la morte di Jace nella Battaglia della Gola. La regina è devastata dalla perdita del figlio e, sapendo che sia Jace che Luke sono morti affinché lei potesse impossessarsi del Trono di Spade, Rhaenyra perde completamente l’interesse a volare verso Approdo del Re. Daemon la esorta ad andare avanti in House of the Dragon – Stagione 3 Episodio 2, ricordandole che non può permettere che i suoi figli muoiano invano. Poi, le riferisce la profezia.

Daemon ricorda a Rhaenyra che l’unico modo in cui la ragazza Targaryen della sua visione può unire il regno contro la minaccia del Nord è portare a termine ciò che ha iniziato. Se Rhaenyra non conquista Approdo del Re e il Trono di Spade, la profezia di Aegon non si avvererà mai. È questo che finalmente spinge la regina ad alzarsi dal letto, salire sul suo drago e raggiungere Approdo del Re. È stanca e con gli occhi lucidi, ma rivendica il trono per assicurare il futuro di quella ragazza con i cuccioli di drago al seno.

Certo, c’è una terribile ironia in tutto questo. Rhaenyra conquista Approdo del Re con uno spargimento di sangue minimo. I draghi lasciano in pace la popolazione e Rhaenyra, seppur a malincuore, giustizia Otto Hightower e siede sul trono con il volto rigato di lacrime. Tutto ciò accade affinché Daenerys possa un giorno contribuire a fermare il Re della Notte, certo, ma anche affinché possa poi volare ad Approdo del Re e radere al suolo la Fortezza Rossa e migliaia di innocenti. Non è esattamente il futuro per cui Rhaenyra ha sacrificato così tanto.

Daenerys in Game of Thrones
© HBO

Daenerys come “Principe che fu promesso” potrebbe rappresentare un problema per il franchise di Game of Thrones

C’è qualcosa di dolorosamente poetico nel fatto che Rhaenyra conquisti pacificamente il Trono di Spade, spinta da una visione di Daenerys Targaryen. Il contrasto tra l’arrivo di questa regina ad Approdo del Re e quello della sua discendente in Game of Thrones è toccante e significativo. È la dimostrazione che ci sono voluti centinaia di anni di sacrifici e tragedie perché Il Trono di Spade giungesse alla sua conclusione.

Tuttavia, ci sono alcuni problemi. La serie originale però non ha mai confermato che Daenerys fosse il Principe che fu Promesso. Le stagioni 2 e 3 di House of the Dragon sembrano suggerirlo, ma la verità è che fu Jon a unire il regno e Aria a usare il pugnale di Castpaw per uccidere il Re della Notte. Il ruolo di Daenerys in quella fase della storia era frustrantemente marginale. Quindi, il fatto che Daenerys si distingua come motivazione per Rhaenyra, spingendola a superare il dolore e l’angoscia per compiere il suo dovere, è piuttosto infelice.

È anche importante ricordare che la saga di Martin, Le Cronache del Ghiaccio e del Fuoco, non è ancora conclusa, quindi la storia canonica deve ancora stabilire chi sarà il Principe Promesso (o se si tratti di una sola persona). In ogni caso, House of the Dragon è fedele alla sua versione dei fatti, tracciando linee di demarcazione tra un dettaglio non canonico e l’altro. Questo complicherà le cose per il futuro di Game of Thrones, dato che gli spin-off dovrebbero rimanere coerenti con questa nuova versione degli eventi. Se Martin dovesse mai completare la sua serie di libri, quasi certamente metterà in discussione l’interpretazione della HBO.

Werwulf: il primo trailer del nuovo horror di Robert Eggers mostra Aaron Taylor-Johnson trasformarsi in un terrificante mostro medievale

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È arrivato il primo trailer ufficiale di Werwulf, il nuovo horror scritto e diretto da Robert Eggers, che dopo il successo di Nosferatu torna con una storia originale ambientata nell’Inghilterra del XIII secolo. Le prime immagini mostrano Aaron Taylor-Johnson nei panni di un uomo perseguitato da un’antica maledizione destinata a trasformarlo in un feroce lupo mannaro.

Il film segue una famiglia che si trasferisce in un piccolo villaggio medievale terrorizzato da una misteriosa creatura. Il trailer suggerisce però fin dai primi minuti che il vero mostro potrebbe essere proprio il protagonista interpretato da Taylor-Johnson. Le immagini anticipano inoltre un antico rituale, funerali, violente uccisioni e una trasformazione licantropica che promette di essere tra i momenti più spettacolari del film.

Secondo quanto mostrato nel filmato diffuso da Focus Features, Eggers punta ancora una volta su un horror fortemente atmosferico, caratterizzato da una fotografia cupa, colori desaturati e perfino sequenze in bianco e nero. Pur mantenendo molti dettagli della trama ancora segreti, il trailer costruisce un senso di inquietudine crescente che richiama il suo stile già visto in The Witch, The Lighthouse e Nosferatu.

Robert Eggers torna all’horror originale dopo il successo di Nosferatu

Werwulf rappresenta il primo progetto completamente originale di Robert Eggers dopo The Lighthouse del 2019. Negli ultimi anni il regista si era infatti dedicato a riletture di opere già esistenti con The Northman e soprattutto Nosferatu, remake che ha conquistato pubblico e critica incassando circa 182 milioni di dollari nel mondo a fronte di un budget di circa 50 milioni.

Il nuovo film riunisce inoltre Eggers con alcuni interpreti di Nosferatu. Oltre ad Aaron Taylor-Johnson, nel cast tornano Lily-Rose Depp, Willem Dafoe e Ralph Ineson, anche se i loro ruoli non sono stati ancora svelati. La presenza di questi attori lascia intuire la volontà del regista di costruire ancora una volta un horror autoriale ricco di suggestioni folkloristiche e atmosfere gotiche.

Con la sua ambientazione medievale e il recupero del mito del lupo mannaro attraverso un approccio realistico e storico, Werwulf si presenta già come uno degli horror più attesi della stagione natalizia. Dopo aver reinventato il vampiro con Nosferatu, Eggers sembra pronto a offrire una nuova interpretazione cinematografica di un altro grande mostro della tradizione europea.

Avatar – La leggenda di Aang 3 introdurrà il Bloodbending, il potere più pericoloso della saga

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La seconda stagione live-action di Avatar – La leggenda di Aang ha già preparato il terreno per uno dei momenti più oscuri dell’intera storia. Alcuni dettagli disseminati nei nuovi episodi confermano infatti che la terza stagione Netflix introdurrà il Bloodbending, una delle tecniche di dominio più potenti e inquietanti dell’universo creato da Michael Dante DiMartino e Bryan Konietzko.

L’indizio arriva nel terzo episodio della seconda stagione, quando Katara tenta di estrarre il veleno dal corpo di una bambina morsa da un ragno. Pur non riuscendoci, la giovane dominatrice dell’acqua osserva che “il veleno è un liquido”, mostrando di essere già vicina a comprendere un principio che nella serie animata porterà alla scoperta del Bloodbending. Si tratta di un chiaro riferimento alla storia raccontata nel celebre episodio The Puppetmaster della terza stagione del cartone animato.

Il dettaglio non è casuale e conferma la volontà degli autori di seguire uno degli archi narrativi più importanti di Katara. Dopo aver già adattato con maggiore fedeltà gli eventi di Book Two: Earth, Netflix sembra infatti intenzionata a mantenere anche le storyline più mature della serie originale, senza semplificarne i temi.

Perché il Bloodbending rappresenta uno dei momenti più importanti della storia di Katara

Il Bloodbending è una tecnica avanzata del dominio dell’acqua che permette di controllare i liquidi presenti all’interno del corpo umano, trasformando di fatto una persona in una marionetta. Nella serie animata viene insegnata da Hama, un’anziana appartenente alla Tribù dell’Acqua che sviluppò questa capacità durante la prigionia in una struttura della Nazione del Fuoco costruita appositamente per neutralizzare i dominatori dell’acqua.

Per Katara, guaritrice per natura e convinta che il proprio potere debba servire a proteggere gli altri, il Bloodbending rappresenta tutto ciò che rifiuta. Proprio per questo il confronto con Hama diventa uno dei passaggi più traumatici della sua crescita, costringendola a usare quella tecnica contro la propria volontà pur di salvare Aang e Sokka.

La serie animata dimostra poi quanto sia sottile il confine tra giustizia e vendetta. Nel corso della terza stagione Katara ricorrerà infatti nuovamente al Bloodbending, questa volta spinta dalla rabbia nel tentativo di trovare l’assassino di sua madre. È uno dei momenti più intensi dell’intera saga, perché mostra come persino uno dei personaggi più compassionevoli possa cedere all’oscurità.

Se Netflix seguirà questa direzione narrativa, la terza stagione potrebbe offrire uno degli archi più maturi dell’intero adattamento live-action. Il Bloodbending non è soltanto una nuova abilità spettacolare, ma una riflessione sul potere, sul controllo e sulle conseguenze morali delle proprie scelte, elementi che hanno sempre reso Avatar – La leggenda di Aang molto più di una semplice serie fantasy.

From 4: le 10 più grandi domande a cui la stagione ha finalmente risposto

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Con la quarta stagione, From compie il passo più importante dalla sua prima puntata. Dopo anni di misteri, teorie e indizi disseminati tra visioni, mostri e simboli apparentemente incomprensibili, la serie MGM+ inizia finalmente a mostrare il vero disegno dietro l’incubo che tiene prigionieri gli abitanti della cittadina.

Se il finale della terza stagione aveva già fornito alcune risposte fondamentali – dall’origine dei mostri al significato della parola “Anghkooey”, passando per il legame tra Tabitha, Jade e le loro vite precedenti – il quarto capitolo amplia enormemente il quadro narrativo. Molti interrogativi aperti fin dalla prima stagione trovano finalmente una spiegazione, mentre altri assumono un significato completamente diverso alla luce delle nuove rivelazioni.

Il risultato è una stagione che prepara il terreno al gran finale della serie. Con la quinta stagione già confermata come conclusiva, gli autori hanno iniziato a svelare le regole che governano il Township, ridefinendo il ruolo dei protagonisti e chiarendo alcuni dei misteri più discussi dagli spettatori.

10. Come può Fatima essere viva pur risultando clinicamente morta?

from 4 fatima ellis

Il destino di Fatima rappresenta una delle rivelazioni più sconvolgenti dell’intera stagione. Dopo aver dato alla luce la creatura conosciuta come Smiley nel finale della terza stagione, la giovane continua a percepire un inquietante legame con il mostro resuscitato. Nel corso degli episodi questa connessione diventa sempre più evidente, fino al punto da permetterle perfino di influenzarlo temporaneamente.

Contemporaneamente, però, il suo corpo comincia a trasformarsi. Le vene diventano scure, il suo organismo smette di comportarsi come quello di un essere umano e gli esami medici confermano qualcosa di apparentemente impossibile: Fatima dovrebbe essere morta.

Il finale della stagione chiarisce finalmente il motivo. La gravidanza non si è limitata a riportare in vita Smiley, ma ha avviato una lenta trasformazione della stessa Fatima in uno dei mostri notturni che popolano la città. Quando comprende ciò che sta accadendo, decide di sacrificarsi, rimanendo nelle caverne affinché Tabitha, Jade, Boyd ed Ellis possano fuggire con le ossa dei bambini.

La serie introduce così un nuovo concetto: i mostri non sono semplicemente vivi o morti, ma esistono in uno stato intermedio. Fatima diventa il primo personaggio umano a mostrare concretamente questo processo di trasformazione, aprendo nuovi interrogativi sulla vera natura delle creature.

Che cosa significano davvero le visioni di Jade?

Jade in From 4

Fin dalla prima stagione Jade è tormentato da immagini apparentemente scollegate tra loro: il misterioso simbolo, Christopher, un soldato della Guerra Civile, un uomo schiacciato da un masso e numerose altre figure che sembravano prive di un filo logico.

Negli episodi precedenti era stato rivelato soltanto che il simbolo rappresentava le radici dell’albero delle bottiglie e che Christopher era una precedente reincarnazione dello stesso Jade. La quarta stagione completa finalmente questo quadro.

Ogni figura vista nelle sue allucinazioni rappresenta infatti una delle sue vite precedenti trascorse nella cittadina. Tutte queste incarnazioni condividono un destino tragico: non vengono uccise dai mostri, ma dagli stessi abitanti del luogo. È una rivelazione che cambia completamente il significato delle sue visioni, trasformandole da semplici immagini inquietanti a veri e propri ricordi frammentati.

Questa scoperta conduce anche alla rivelazione successiva: il recupero delle ossa dei bambini non è una semplice missione, ma il tassello che tutte le precedenti incarnazioni di Jade avevano sempre mancato.

Perché gli abitanti vengono trascinati nella città?

From - stagione 4 episodio 7

Uno dei misteri più discussi della serie riguarda il motivo per cui persone completamente diverse tra loro finiscono improvvisamente intrappolate nel Township. Dopo anni di ipotesi, la quarta stagione offre finalmente la prima spiegazione convincente.

Quando Jade racconta la verità sulle proprie reincarnazioni e su quelle di Tabitha, suggerisce che gli altri residenti siano stati attratti dal luogo perché hanno inconsapevolmente “sentito il richiamo dei bambini”. Non sarebbero quindi i protagonisti della storia, ma persone trascinate dentro un conflitto molto più antico.

Gli showrunner hanno confermato questa interpretazione, spiegando che Jade e Tabitha rappresentano il centro del ciclo, mentre tutti gli altri sono individui coinvolti indirettamente. Esiste però un elemento che accomuna ogni personaggio: tutti si trovavano in un momento di svolta della propria vita quando sono arrivati nella cittadina.

Boyd aveva appena lasciato l’esercito, altri stavano affrontando crisi familiari o personali. La città sembra quindi scegliere persone emotivamente vulnerabili, trasformandole in pedine di una guerra soprannaturale che dura da generazioni.

Che cosa sono davvero i totem dell’insediamento?

Totem in From 4

L’insediamento introdotto nella terza stagione aveva lasciato numerosi interrogativi, soprattutto riguardo agli inquietanti totem con volti scolpiti che circondavano l’area. Per molto tempo sembravano semplici elementi rituali o decorativi, ma la quarta stagione ne rivela finalmente lo scopo.

Quando dal lago emergono le terrificanti creature simili a bambole, Tabitha scopre quasi per caso che i totem rappresentano l’unica arma realmente efficace contro questi esseri. Colpendone uno con uno dei manufatti, riesce infatti a respingerli, mentre gli altri mostri evitano immediatamente di avvicinarsi.

Questo significa che i totem svolgono una funzione analoga a quella dei talismani, ma contro una minaccia completamente diversa. L’insediamento è stato costruito proprio accanto al lago perché qualcuno, molto tempo prima, aveva già affrontato quelle creature e aveva sviluppato un sistema di difesa specifico.

La rivelazione amplia ulteriormente la mitologia della serie: non esiste un solo tipo di mostro e nemmeno una sola forma di protezione. Ogni entità soprannaturale sembra obbedire a regole differenti, suggerendo che il Township sia molto più antico e complesso di quanto i protagonisti avessero immaginato.

Chi c’è davvero dietro le voci che sente Sara?

Avery Konrad in From - Stagione 4
© MGM

Sin dalla prima stagione Sara Myers è uno dei personaggi più enigmatici della serie. Le misteriose voci che le parlano promettono di riportare tutti a casa, ma in cambio le chiedono di compiere azioni terribili, arrivando persino a uccidere altri abitanti del Township. Per molto tempo non è stato chiaro se quelle voci appartenessero ai mostri, a un’entità superiore o a qualcosa di completamente diverso.

La quarta stagione risolve finalmente questo mistero. A manipolare Sara fin dall’inizio è sempre stato il Man in Yellow, il vero antagonista della serie. Dopo essere rimasto nell’ombra per anni, il personaggio torna a servirsi delle stesse voci per esercitare nuovamente il proprio controllo sulla ragazza.

La serie mostra anche il modo in cui questa manipolazione avviene. Sotto le sembianze di Sophia, il Man in Yellow continua a insinuarsi nella mente di Sara, dimostrando che la sua influenza va ben oltre quella dei mostri che escono di notte. La rivelazione ridefinisce completamente gli eventi delle prime stagioni: Sara non era impazzita, ma era stata utilizzata come uno strumento fin dal principio.

Esiste davvero una talpa tra gli abitanti?

Katerina Bakolias e Julia Doyle in From - Stagione 4
© MGM

L’idea che qualcuno collaborasse segretamente con le forze che governano il Township è una delle teorie più longeve tra i fan di From. Per molto tempo i sospetti si erano concentrati su Tillie, ma la sua morte nella terza stagione sembrava aver definitivamente archiviato questa possibilità.

La quarta stagione dimostra invece che la teoria era corretta, anche se con un protagonista completamente diverso. Sophia si rivela essere il Man in Yellow sotto mentite spoglie, mentre Clara confessa di aver stretto un patto con lui molti anni prima: in cambio della promessa di poter tornare a casa avrebbe dovuto eseguire i suoi ordini.

Per gran parte della serie Clara non ha realmente sabotato i propri compagni, ma quando il Man in Yellow decide di reclamare il favore pattuito, la donna diventa una vera infiltrata. È lei ad aiutare il nemico a rimuovere i talismani che proteggevano la città e, molto probabilmente, è anche responsabile dell’accelerazione della trasformazione di Fatima dopo averle offerto la bevanda contaminata.

Come possono essere salvati i bambini morti?

Vox Smith in From 4
© MGM

Fin dalle rivelazioni sulle reincarnazioni di Jade e Tabitha è diventato evidente che il loro destino fosse legato ai misteriosi bambini che continuano ad apparire nelle visioni. Il problema, però, sembrava impossibile da risolvere: come si possono salvare bambini morti da tempo immemorabile?

La risposta arriva grazie a una nuova visione di Jade, provocata dall’assunzione di funghi allucinogeni. Attraverso questa esperienza comprende che la chiave non è cercare di salvare direttamente i bambini, bensì recuperare le loro ossa nascoste nelle caverne.

Anche il bambino in bianco e l’Uomo in giallo confermano indirettamente l’importanza di quei resti. Recuperarle rappresenta soltanto il primo passo: i protagonisti possiedono finalmente ciò che serve per interrompere il ciclo, ma devono ancora capire quale rituale compiere e come utilizzare le ossa per liberare definitivamente le anime dei bambini.

Che cosa significa davvero il simbolo inciso sui talismani?

Tabitha in From 4
Credit: Chris Reardon/MGM+

I talismani hanno rappresentato la principale forma di difesa degli abitanti fin dalla prima stagione, ma il loro simbolo è sempre rimasto avvolto nel mistero. Nessuno conosceva la sua origine né il motivo della sua efficacia contro i mostri.

Nel finale della quarta stagione Tabitha osserva attentamente l’incisione mentre i bambini morti continuano a indicarla. È allora che comprende un dettaglio fondamentale: il simbolo rappresenta proprio lei e Jade.

Per questo motivo i due devono essere gli unici a entrare nelle caverne per recuperare le ossa. Non si tratta semplicemente di una scelta narrativa, ma di una regola precisa imposta dalla misteriosa magia che governa il Township. I talismani sono quindi collegati direttamente al ciclo delle reincarnazioni dei due protagonisti e alla loro missione di salvare i bambini.

La stagione lascia ancora aperta una domanda importante: chi ha creato i talismani e chi ha conferito loro questo potere? Tuttavia introduce un concetto destinato ad avere un ruolo centrale nel finale della serie: nei rituali di From non conta solo ciò che viene fatto, ma soprattutto come viene eseguito.

Perché il bambino in bianco non voleva che l’albero delle bottiglie venisse abbattuto?

Uno dei comportamenti più enigmatici del bambino in bianco riguarda il suo disperato tentativo di impedire a Victor, prima, e a Tabitha e Henry, poi, di abbattere il celebre albero delle bottiglie. Per stagioni il personaggio si è espresso in maniera volutamente criptica, ma su questo punto è sempre stato categorico: quell’albero non doveva essere toccato.

Il finale della quarta stagione spiega finalmente il motivo. Non appena l’albero viene sradicato, l’equilibrio che governava il Township si spezza. Il giorno lascia immediatamente spazio alla notte, un violento terremoto scuote l’intera area, il cielo viene attraversato da fulmini rossi e Tabitha e Jade restano intrappolati nelle caverne.

Questi eventi dimostrano che l’albero non era un semplice punto di riferimento, ma uno dei pilastri che mantenevano stabile la realtà del luogo. Il bambino in bianco conosceva perfettamente le conseguenze della sua distruzione e aveva cercato di evitarle senza poter spiegare apertamente il perché.

La scena suggerisce inoltre che il peggio debba ancora arrivare. L’entusiasmo con cui Sophia osserva il caos generato dalla caduta dell’albero lascia intendere che il Man in Yellow stesse aspettando proprio questo momento per completare il proprio piano. La quinta stagione partirà quindi da un mondo profondamente cambiato, dove le regole che avevano governato il Township fino a quel momento potrebbero non essere più valide.

Quali sono le vere intenzioni del bambino in bianco?

From 4 finale
© MGM+

Dalla prima stagione il bambino in bianco è stato uno dei personaggi più misteriosi dell’intera serie. È comparso a Victor quando era ancora un bambino, lo ha aiutato a sopravvivere per anni completamente solo e, in diverse occasioni, ha guidato anche Tabitha e altri protagonisti. Allo stesso tempo, però, il suo modo di comunicare estremamente ambiguo ha alimentato il sospetto che stesse manipolando gli abitanti della città per fini sconosciuti.

Il finale della quarta stagione ribalta definitivamente questa percezione. La scena conclusiva conferma che il bambino in bianco e il Man in Yellow appartengono a due fazioni opposte e che il misterioso bambino ha sempre cercato di aiutare i protagonisti, pur essendo costretto a farlo attraverso messaggi incompleti e simbolici.

La speranza mostrata dal bambino in bianco dopo il recupero delle ossa dei bambini suggerisce che il ciclo di reincarnazioni e fallimenti possa finalmente essere vicino alla conclusione. Per la prima volta dall’inizio della serie sembra davvero credere che Jade, Tabitha e gli altri possano riuscire dove tutte le incarnazioni precedenti hanno fallito.

Rimangono comunque molte domande aperte. Chi è realmente il bambino in bianco? Da dove provengono i suoi poteri? Per quale motivo non può rivelare tutta la verità ai protagonisti? Sono interrogativi che la quinta stagione dovrà affrontare, ma una certezza ormai esiste: il misterioso bambino non è il nemico. È probabilmente l’ultimo alleato rimasto contro le forze che governano il Township.

La quarta stagione prepara il finale definitivo di From

Più che limitarsi a risolvere singoli enigmi, la quarta stagione di From ridefinisce completamente la mitologia della serie. Molti elementi introdotti fin dal primo episodio trovano finalmente una spiegazione, mentre altri assumono un significato completamente diverso alla luce delle nuove rivelazioni.

La trasformazione di Fatima, il ruolo centrale di Jade e Tabitha, la vera identità del Man in Yellow, il significato dei talismani e la conferma delle intenzioni del bambino in bianco dimostrano che gli autori stanno preparando il terreno per un epilogo già pianificato. La quinta stagione, annunciata come conclusiva, avrà ora il compito più difficile: non solo rispondere alle ultime domande rimaste, ma soprattutto chiudere definitivamente il ciclo che tiene prigionieri gli abitanti del Township da generazioni.

Le 5 cancellazioni più sorprendenti di serie TV del 2026 (finora)

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Nonostante siamo solo a metà del 2026, diverse serie TV sono già state cancellate quest’anno. Alcune di queste hanno faticato a lasciare il segno, quindi è comprensibile che le rispettive piattaforme di streaming o emittenti abbiano deciso di interromperle. Altre, invece, avevano un enorme potenziale e molte altre storie da raccontare prima di essere cancellate prematuramente.

Molte serie hanno ottenuto un grande successo nel 2026 e alcune sono già state rinnovate. Con l’avanzare dell’anno, il 2026 segnerà anche il ritorno di molte serie in corso di grande successo che hanno avuto un grande successo per diversi anni. Ad esempio, la terza stagione di Silo arriverà presto su Apple TV, mentre l’uscita della quarta stagione di Reacher è all’orizzonte.

Alcune serie hanno anche raggiunto la loro naturale conclusione e hanno terminato la loro corsa alle loro condizioni, anziché essere cancellate prematuramente. Ad esempio, dopo diverse stagioni, serie come The Boys, Outlander e Good Omens hanno finalmente visto la conclusione delle loro rispettive storie quest’anno. Sfortunatamente, a differenza di loro, alcune serie erano ben lontane dalla loro conclusione naturale, ma sono state comunque costrette a terminare dopo una o due stagioni.

Watson (2025-2026)

Watson (2025-2026)

La serie Young Sherlock di Guy Ritchie ha riscosso un grande successo su Prime Video ed è stata rinnovata per un’altra stagione. Tuttavia, mentre una rivisitazione originale del mito di Sherlock Holmes ha ottenuto ottimi risultati, l’altra ha avuto un esito infelice. Con Morris Chestnut nei panni del Dottor Watson, la serie Watson della CBS partiva da una premessa intrigante, seguendo il ritorno di John Watson alla sua carriera medica dopo la morte di Sherlock Holmes.

Sebbene la serie abbia diviso la critica, la sua trama originale le ha permesso di ottenere un pubblico sufficiente nella prima stagione per essere rinnovata. Dopo la seconda stagione, però, la serie è stata cancellata, probabilmente a causa dei bassi ascolti e delle recensioni deludenti. In larga misura, la sua cancellazione è comprensibile.

È comunque difficile non rimanere sorpresi dalla sua improvvisa conclusione, considerando l’enorme potenziale che sembrava avere il suo concept di base.

PONIES (2026)

Emilia Clarke in PONIES

La serie PONIES di Peacock ha debuttato con un plauso quasi unanime e detiene ancora un impressionante punteggio del 94% su Rotten Tomatoes. Lo show è stato ampiamente apprezzato per il suo mix di generi e per la sua interpretazione divertente dei classici cliché del thriller di spionaggio. Nonostante il successo di pubblico e critica, PONIES ha faticato a ritagliarsi un posto di rilievo in un genere ormai saturo.

Probabilmente, il problema principale di PONIES è stato l’eccessivo ricorso a espedienti narrativi tipici del thriller di spionaggio e l’incapacità di offrire qualcosa di radicalmente originale. Sono stati proprio questi elementi familiari a impedirle di ottenere maggiore visibilità e, infine, a portarne alla cancellazione.

Palm Royale (2024-2026)

Laura Dern in Palm Royale - Stagione 2
Cortesia di Apple Tv+

Dopo la sua uscita nel 2024, Palm Royale ha faticato a raggiungere il successo di pubblico di altre serie popolari di Apple TV e a lasciare il segno tra la critica. Tuttavia, durante la stagione dei premi, la serie ha ottenuto numerosi riconoscimenti, tra cui diverse nomination agli Emmy. Nonostante i numerosi punti di forza, Palm Royale non è andata oltre la seconda stagione.

Il suo ostacolo principale è stato probabilmente l’elevato costo della produzione, che spaziava dalle impeccabili scenografie ambientate negli anni ’60 e ’70 ai costumi del cast. Nella seconda stagione, la serie ha inoltre optato per una scelta creativa innovativa, spostando l’intera ambientazione dell’alta società floridiana in Svizzera, una decisione che potrebbe aver influito negativamente sugli ascolti e aver contribuito alla sua cancellazione.

Gen V (2023-2025)

gen v - stagione 2

Considerato che Gen V è sempre stata trattata come una sottoserie di The Boys e che la maggior parte dei suoi sviluppi narrativi principali erano legati alla trama generale del franchise, era difficile non sospettare un suo ritorno dopo la seconda stagione. Era logico che, dopo la fine di The Boys, anche Gen V non avesse più motivo di continuare. Tuttavia, la conferma della cancellazione di Gen V dopo la seconda stagione è sembrata sorprendente, visto il modo in cui i suoi personaggi erano stati trattati.

Per tutta la durata di Gen V, la protagonista Marie è stata presentata come una figura emergente del franchise, destinata a sconfiggere Homelander. Persino i suoi giovani amici supereroi erano stati presentati come potenziali alleati dei Boys. La quinta stagione di The Boys, tuttavia, ha sminuito tutti i personaggi di Gen V, riscrivendone la storia e concedendo a pochi di loro anche solo pochi minuti di tempo sullo schermo.

Se i personaggi di Gen V avessero avuto una conclusione adeguata nella quinta stagione di The Boys, la cancellazione dello spin-off non sarebbe sembrata così grave.

The Boroughs (2026)

The Boroughs

Prodotta dai fratelli Duffer, The Boroughs sembrava avere tutte le carte in regola per diventare uno dei nuovi grandi successi di Netflix nel genere fantascientifico. L’acclamazione unanime ricevuta dopo la sua première non fece che rafforzare questa convinzione. Anche in termini di visualizzazioni, la serie ha dominato le classifiche di streaming per un periodo piuttosto lungo. Nonostante ciò, è stata cancellata dopo una sola stagione.

The Boroughs era persino riuscita a ottenere l’approvazione di Stephen King (tramite Threads), che l’aveva definita “una vera delizia”. Anche questo, tuttavia, non è bastato a convincere Netflix a cancellarla. Sebbene molti fattori possano aver contribuito alla sua cancellazione, The Boroughs sembra l’esempio perfetto di come l’approccio sempre più intransigente di Netflix nell’approvare progetti basati su parametri complessi stia danneggiando lo streaming.

The Boroughs funziona ancora sorprendentemente bene come serie autoconclusiva, con solo qualche questione irrisolta nel suo arco narrativo finale, ma è il suo potenziale a lungo termine a rendere la sua cancellazione così deludente.

Lupin III – Il castello di Cagliostro torna al cinema! Appuntamento speciale il 13, 14 e 15 luglio

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L’anime cult Lupin III – Il castello di Cagliostro di Hayao Miyazaki torna al cinema distribuito da Eagle Pictures in collaborazione con Yamato Video e TMS Entertainment. Il film arriverà nelle sale come evento speciale il 13, 14 e 15 luglio.

Per tre giorni soltanto sarà possibile riscoprire sul grande schermo il leggendario debutto cinematografico del Premio Oscar© Hayao Miyazaki, qui alla regia di uno dei film più amati della storia dell’animazione giapponese, riproposto in una spettacolare versione restaurata e rimasterizzata in 4K e accompagnato dalle storiche voci italiane che hanno contribuito a renderlo un autentico cult.

Ladro gentiluomo dal fascino irresistibile, geniale trasformista e protagonista di avventure spettacolari, Lupin III è uno dei personaggi più iconici della cultura pop giapponese. Nato dalla matita di Monkey Punch e ispirato al celebre ladro creato da Maurice Leblanc, Lupin ha conquistato milioni di spettatori in tutto il mondo grazie al suo carisma e a un inconfondibile spirito d’avventura. Inseguimenti mozzafiato, colpi impossibili e personaggi diventati ormai leggendari – da Jigen a Goemon, da Fujiko Mine all’instancabile Ispettore Zenigata – hanno reso la saga un fenomeno mondiale.

Uscito per la prima volta nel 1979, con Lupin III – Il castello di Cagliostro Hayao Miyazaki firma una delle avventure più amate dell’intera saga, trasformando il personaggio di Lupin in un eroe romantico, ironico e profondamente umano. Il risultato è un anime che unisce il ritmo del grande cinema d’avventura a una straordinaria raffinatezza narrativa e visiva, anticipando molti dei temi che avrebbero reso Miyazaki uno dei più importanti autori della storia dell’animazione.

Lupin III - Il castello di Cagliostro
Lupin III – Il castello di Cagliostro di Hayao Miyazaki – Cortesia Eagle Pictures

Al centro della trama Lupin III e il fidato Daisuke Jigen che, dopo aver scoperto l’esistenza di una sofisticata organizzazione criminale specializzata nella produzione di banconote contraffatte, raggiungono il misterioso Ducato di Cagliostro. Qui Lupin salva la giovane Clarisse, inseguita dagli uomini del potente Conte di Cagliostro, e si ritrova coinvolto in una pericolosa missione tra castelli medievali, passaggi segreti, antichi tesori e spettacolari inseguimenti. Ad affiancarlo, come sempre, ci saranno Jigen, Goemon, Fujiko Mine e il suo eterno rivale, l’Ispettore Zenigata.

A oltre quarant’anni dalla sua prima uscita nelle sale, il film conserva intatto il suo fascino, confermandosi uno dei capitoli più amati dell’intera saga di Lupin III: un’opera che ha influenzato profondamente generazioni di autori e registi, diventando una fonte d’ispirazione per alcuni dei più importanti protagonisti dell’animazione contemporanea.

La trama di Lupin III – Il castello di Cagliostro

Dopo aver scoperto che una potente organizzazione criminale è responsabile della diffusione di sofisticate banconote contraffatte che minacciano l’economia mondiale, Lupin III e il fidato Daisuke Jigen seguono una pista che li conduce nel misterioso Ducato di Cagliostro. Qui Lupin salva Clarisse, una giovane ragazza in fuga dagli uomini del temibile Conte di Cagliostro. Ben presto scoprirà che la ragazza custodisce il segreto di un immenso tesoro nascosto da secoli tra le mura del castello. Tra passaggi segreti, intrighi, inseguimenti mozzafiato e colpi di scena, Lupin si lancerà in una delle sue imprese più spettacolari, affiancato da Jigen, Goemon, Fujiko Mine e dall’instancabile Ispettore Zenigata.

Lupin III - Il castello di Cagliostro
Lupin III – Il castello di Cagliostro di Hayao Miyazaki – Cortesia Eagle Pictures

Quanti colori hanno i soli nel DCU? Ecco quali sono e come influenzano la fisiologia kryptoniana

L’universo DC di James Gunn presenta già diversi soli di colori differenti, che influenzano drasticamente eroi come Superman e Supergirl. Come visto nel nuovo film di Supergirl, con Milly Alcock nei panni della Ragazza d’Acciaio, Kara Zor-El viaggia per la galassia, visitando altri mondi oltre alla Terra, il pianeta natale adottivo di suo cugino. Di conseguenza, molti di questi mondi orbitano attorno a soli unici con diversi tipi di radiazione solare.

Nell’universo DC dei fumetti, sono stati presentati diversi colori di soli in momenti diversi, e ognuno può influenzare la fisiologia kryptoniana in modo diverso. Nel corso dei decenni, il numero di stelle e colori diversi visti sulle pagine è stato davvero impressionante, spaziando dal blu, al bianco, all’arancione e altro ancora. Tuttavia, il nuovo universo DC ha finora confermato solo tre colori diversi (per ora).

Tenendo presente questo, ecco tutto ciò che sappiamo su ciascun colore del sole confermato nell’Universo DC dopo aver visto Supergirl del 2026, e su come possono influenzare i poteri e le abilità dei kryptoniani.

Sole Giallo

DCUSenza dubbio, i soli gialli sono il corpo celeste più importante (e più frequente) nell’Universo DC, la fonte dei poteri e delle abilità tipicamente associati a Superman, Supergirl e ai kryptoniani in generale. I soli gialli sono stelle più giovani rispetto al sole rosso di Krypton, il che spiega perché la loro radiazione solare influenzi i kryptoniani in modo così diverso, trasformandoli in esseri sovrumani dotati di una gamma completa di poteri (volo, super forza, resistenza, velocità, vista termica, alito congelante, ecc.).

I kryptoniani come Superman e Supergirl assorbono costantemente energia solare come fossero batterie viventi, e dosi concentrate di luce solare gialla possono accelerare rapidamente la loro guarigione, come si vede in Superman del 2025 con l’Uomo d’Acciaio di David Corenswet dopo aver subito alcuni colpi devastanti dal Martello di Boravia (Ultraman). Allo stesso modo, il sole giallo è stato presentato come una fonte primaria di rigenerazione, persino in punto di morte, nei fumetti e nei film del passato (come quando Superman è sopravvissuto a un colpo diretto di una bomba nucleare dopo l’esposizione diretta alla luce solare in Dawn of Justice).

Inoltre, i benefici e i vantaggi della luce solare gialla si estendono dai kryptoniani ad altre specie aliene dei fumetti nate su mondi con luce solare rossa (come i daxamiti), sebbene fisiologie diverse possano portare a poteri e debolezze differenti.

Sole Rosso

DCUSe un sole giallo sblocca il pieno potenziale di un kryptoniano, un sole rosso fa esattamente l’opposto. Le stelle rosse sono più antiche di quelle gialle e Krypton stesso ha orbitato attorno a un sole rosso per gran parte della sua storia. Pertanto, i kryptoniani si sono evoluti come una razza non dissimile dagli esseri umani comuni, sebbene con tecnologie e culture più avanzate. Comparativamente, i soli rossi emettono molta meno radiazione solare, il che significa che un kryptoniano che vive sotto un sole rosso non ha alcun potere. È solo sotto un sole giallo che i suoi poteri e le sue abilità emergono.

Questo spiega perché Supergirl, Kara Zor-El, ha trascorso del tempo su mondi in orbita attorno a soli rossi, sia nel fumetto originale Woman of Tomorrow di Tom King e Bilquis Evely, sia nel nuovo film di Supergirl del DC Universe, che ha tratto molta ispirazione dalla serie a fumetti di 8 numeri acclamata dalla critica. Grazie al sole rosso, Kara poteva fare festa e ubriacarsi, cosa che altrimenti non le era possibile grazie al metabolismo accelerato sotto la luce gialla. Tuttavia, il rovescio della medaglia era che poteva anche provare dolore ed essere ferita come qualsiasi altro essere umano.

Questo vale anche per Krypto, il Super Cane, ed è per questo che il cane kryptoniano è stato colpito da una freccia avvelenata scagliata da Krem delle Colline Gialle. Il sole rosso spiega anche perché Kara avesse bisogno di una sua astronave, dato che non era in grado di volare finché non si trovava nelle vicinanze di un sole giallo. Nei fumetti, diversi criminali hanno utilizzato armi e prigioni che sfruttavano la radiazione solare rossa contro Superman e suo cugino, in particolare Lex Luthor. Viene da chiedersi se la versione dell’Universo DC implementerà mai qualcosa di simile.

Sole Verdi

DCUInfine, ma non meno importante, i soli verdi hanno una delle storie più insolite nei fumetti DC, considerando come i loro effetti siano cambiati nel corso degli anni. Durante la Silver Age, un sole verde era essenzialmente un altro tipo di stella che privava dei poteri, come i rossi, impedendo ai kryptoniani come Superman e Supergirl di usare le loro abilità. Tuttavia, le cose cambiarono con Woman of Tomorrow del 2022. Tom King reinventò il concetto introducendo una stella infusa di kryptonite, la cui luce verde era letale per i kryptoniani a causa dei frammenti irradiati del loro pianeta natale distrutto. Più a lungo i kryptoniani rimanevano esposti, più venivano avvelenati dall’energia solare tossica.

Nella miniserie Woman of Tomorrow, Supergirl e Ruthye furono trasportate sul pianeta Barenton, un pianeta artificiale creato come trappola per Superman. Secondo Kara, l’Uomo d’Acciaio affermò che il tempo trascorso su quel pianeta era stato il suo “incontro più ravvicinato con la morte“, il che era davvero significativo dopo aver combattuto contro Doomsday. Tuttavia, Superman rimase intrappolato su Barenton solo per 45 minuti prima di essere salvato dalla Justice League.

Al contrario, Supergirl fu costretta a sopportare un dolore estremo e ad aspettare che il sole di Barenton tramontasse per 10 ore. Allo stesso modo, il mondo era anche pieno di dinosauri alieni predatori che Ruthye doveva respingere come meglio poteva, proteggendo al contempo una Kara inabile.

Sebbene l’universo DC abbia adattato Barenton e il suo sole verde per il finale di Supergirl, ci sono stati alcuni cambiamenti fondamentali. Non solo non c’erano dinosauri, ma Barenton aveva anche un sole giallo che sorgeva nel momento in cui il sole verde tramontava, rianimando e guarendo Kara immediatamente dopo e permettendole di salvare Ruthye, che era stata catturata dai Briganti mentre era fuori combattimento.

La mitologia kryptoniana

Con i soli giallo, rosso e verde ormai presenti sullo schermo nell’universo DC, sarà interessante vedere come la mitologia kryptoniana continuerà ad espandersi quando e se altri colori faranno il loro debutto in progetti futuri. Dopotutto, ci sono molti colori dei fumetti ancora in attesa di essere utilizzati (bianco, nero, viola, arancione, blu e altri). Di conseguenza, c’è ampio spazio per mostrare queste altre colorazioni alternative del sole man mano che l’universo di James Gunn si espande, soprattutto considerando che sia Superman che Supergirl appariranno l’anno prossimo in Man of Tomorrow (2027).

Supergirl è attualmente nelle sale cinematografiche, distribuito da Warner Bros.

From 4: gli attori di Henry e Victor spiegano il finale e anticipano le conseguenze nella stagione 5

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Il finale della quarta stagione di From ha regalato uno dei momenti più dolorosi dell’intera serie, mettendo definitivamente in crisi il rapporto tra Henry e Victor. Dopo essere stato manipolato fino a credere che il borgo e tutte le persone che vi abitano non siano reali, Henry arriva infatti a puntare una pistola contro suo figlio, convinto che ucciderlo sia l’unico modo per liberarsi da quella che considera una realtà fittizia. Ora gli interpreti Robert Joy e Scott McCord hanno raccontato cosa rappresenta davvero quella scena e come potrebbe influenzare la quinta e ultima stagione della serie MGM+.

Intervistati da ScreenRant, i due attori hanno spiegato il peso emotivo del confronto finale, sottolineando come quel tradimento rischi di compromettere per sempre il rapporto tra padre e figlio. Le loro dichiarazioni suggeriscono inoltre che le conseguenze psicologiche di quanto accaduto saranno uno degli elementi centrali dell’ultima stagione.

Il finale lascia Henry in uno stato mentale profondamente compromesso. Robert Joy spiega infatti che il suo personaggio, ormai da diversi episodi, vive nel dubbio costante su quale realtà sia quella autentica. Dopo essere stato convinto che Victor rappresenti “l’ancora” che lo tiene imprigionato nel Township, arriva a compiere il gesto più estremo della sua vita. Secondo l’attore, la vera domanda non riguarda tanto la sopravvivenza fisica di Henry, quanto quella mentale.

Joy racconta infatti di essere curioso di scoprire se il suo personaggio riuscirà mai a recuperare completamente la propria identità oppure se quella frattura psicologica sarà ormai irreversibile. Un cambiamento che potrebbe trasformarlo in una figura ancora più vulnerabile nella stagione conclusiva.

Il tradimento di Henry cambia definitivamente il rapporto con Victor

Anche Scott McCord ha raccontato quanto fosse importante che Victor reagisse con una rabbia mai mostrata prima.

L’attore spiega che nella sceneggiatura il creatore della serie John Griffin aveva scritto semplicemente che “Victor esplode contro suo padre”, lasciando però grande libertà interpretativa. Fino a quel momento Victor aveva sempre represso le proprie emozioni, scegliendo di contenerle anche nei momenti più difficili. Il finale della quarta stagione rappresenta invece il punto di rottura definitivo.

Secondo McCord, tutto ciò che Henry aveva costruito nei mesi precedenti — dichiarando continuamente il proprio amore e cercando di recuperare il rapporto con il figlio — rende quel gesto ancora più devastante. Per Victor non si tratta semplicemente di essere stato minacciato con una pistola, ma di vedere tradita l’unica figura familiare che aveva finalmente imparato a fidarsi dopo decenni di isolamento.

Lo stesso Robert Joy ha raccontato che la produzione gli ha persino fatto indossare una protezione sotto gli abiti durante le riprese della scena, visto che Victor lo afferra con violenza nel momento dell’esplosione emotiva.

Gli attori sottolineano inoltre come questa sequenza rappresenti il perfetto contraltare della scena al pianoforte vista all’inizio della stagione. In quel momento Victor aveva scelto di trattenere ogni emozione; nel finale, invece, tutto ciò che aveva represso esplode improvvisamente.

Dal punto di vista narrativo, il confronto sancisce un cambiamento definitivo per entrambi i personaggi.

Henry potrebbe non recuperare mai completamente la lucidità. Già dopo l’episodio 7 Robert Joy aveva anticipato che le visioni stavano alterando profondamente la mente del suo personaggio. Dopo gli eventi del finale, questa trasformazione potrebbe essere ormai irreversibile, rendendolo un bersaglio ideale per il misterioso Uomo in Giallo e per Sophia, pronti probabilmente a sfruttarne la fragilità nella stagione conclusiva.

Victor, invece, dovrà trovare il modo di andare avanti nonostante il trauma appena vissuto. Negli ultimi anni la serie ha dimostrato più volte come sia proprio lui il depositario delle informazioni più importanti sul mistero del Township. È stato Victor a conoscere il significato dell’albero delle bottiglie e a comprendere dinamiche che gli altri abitanti hanno ignorato, spesso pagando conseguenze gravissime.

Con la quinta stagione già annunciata come conclusione definitiva della serie, il rapporto tra Henry e Victor diventa quindi uno dei nodi emotivi più importanti ancora da risolvere. Anche se i protagonisti riuscissero finalmente a lasciare il Township, nulla potrà cancellare ciò che è accaduto nel finale della quarta stagione. Dopo aver trascorso quasi tutta la vita intrappolato in quel luogo e aver ritrovato il padre solo da poco tempo, Victor dovrà decidere se sarà mai possibile perdonare un gesto destinato a cambiare per sempre il loro rapporto.

House of the Dragon – Stagione 3, Episodio 2: il finale stravolge il rapporto tra Alicent e Rhaenyra

House of the Dragon – Stagione 3, Episodio 2 della HBO si conclude con la brutale uccisione di un personaggio che ha avuto un ruolo fondamentale nella guerra sin dalla premiere della serie.

Alla fine di Approdo della Regina, Rhys Ifans fa il tanto atteso ma breve ritorno nei panni di Otto Hightower dopo che Rhaenyra ha conquistato con successo Approdo del Re. Rivelando di essere stato segretamente tenuto nelle segrete della Fortezza Rossa da quando è stato licenziato come Primo Cavaliere del Re di Aegon nell’episodio 2 della stagione 2, Otto Hightower è stato consegnato a Daemon e Rhaenyra come “regalo” da Larys Strong. Poiché Aegon era scomparso e Aemond partiva per Harrenhal, la Regina richiese il sacrificio di un diverso leader del Team Verde per segnare l’inizio del suo regno ad Approdo del Re, con Rhaenyra che alla fine decapitò Otto prima di salire sul Trono di Spade.

In un’intervista con Liam Crowley di ScreenRant, l’attrice di Rhaenyra Targaryen Emma D’Arcy e l’attrice di Alicent Hightower Olivia Cooke hanno dettagliato l’impatto della morte di Otto Hightower sui loro personaggi e come Rhaenyra uccidendolo cambierà ulteriormente la loro relazione. Secondo Cooke, per Alicent vedere la testa di suo padre sul pavimento negli ultimi istanti dell’episodio 2 è “confondente” e la rende “incandescente di rabbia“, poiché non riesce a capire se Rhaenyra lo abbia tenuto prigioniero per tutto questo tempo solo per rendere la sua morte una grande vetrina politica:

Olivia Cooke: “È molto confusa quando vede suo padre sul pavimento. Non è sicura se Rhaenyra lo abbia tenuto prigioniero lei stessa solo per fare questa grande esibizione politica in pubblico. È una specie di rabbia incandescente. Si sente come se fosse stata tradita di nuovo. E penso che alla fine dell’episodio 2, è proprio come, beh, tutte le scommesse sono perse. Ma sì, è molto scioccante.”

Mentre Alicent e Rhaenyra avevano stretto un accordo per risparmiare le vite della regina vedova, Helaena e Jaehaera in cambio della cattura della testa di Aegon ad Approdo del Re, l’assenza di quest’ultimo e la scoperta a sorpresa di Otto detenuto nella prigione costringono a un cambiamento di piani dell’ultimo minuto. Alicent si sente tradita di nuovo dalla decapitazione di Otto, ma tecnicamente nessuna delle due ha mantenuto la parte dell’accordo; la fuga di Aegon significa che Alicent non aveva più la sua “moneta di scambio” per Rhaenyra, mentre Rhaenyra che uccide Otto non era mai stata sul tavolo (dato che neanche Alicent sapeva dove fosse il padre!).

Il vero problema è: Rhaenyra farà fatica a credere che Alicent non abbia davvero avuto alcun ruolo nell’assenza di Aegon e Alicent non saprà se credere che Rhaenyra e Daemon non fossero a conoscenza della prigionia di Otto. Alicent ha anche poca comprensione dei veri sentimenti di Rhaenyra riguardo all’uccisione di Otto e del peso di questa morte, che secondo Emma D’arcy è un importante punto di svolta per Rhaenyra. Non solo viene mostrato Rhaenyra mentre uccide con le proprie mani per la prima volta, ma D’Arcy spiega anche la straziante complessità del fatto che Otto sia per lei una figura paterna e che riveli il suo bambino interiore:

Emma D’Arcy: “Penso che la decapitazione di Otto sia un momento davvero complesso per Rhaenyra, e penso che in realtà segni una sorta di soglia. È la prima volta che la vediamo uccidere con le sue stesse mani. E Otto è il migliore amico di suo padre. E quando perdi un genitore, emergono necessariamente dei proxy. E penso che sia inevitabile che in qualche modo Otto mantenga quella posizione. E quindi è una domanda davvero dura. E l’ostacolo perpetuo per Rhaenyra ha cercato di ritagliarsi uno spazio come regina regnante e qualcosa in quella decapitazione è come dichiararsi re, credo.

Ma volevo che fosse difficile. Volevo che fosse incredibilmente difficile, e volevo che Rhaenyra, interpretandola, si sentisse… credo che si sia sentita svelata. Credo che la bambina che era in lei sia emersa nello sguardo di Otto. È difficile mantenere la propria maturità quando si viene percepiti da qualcuno che ti ha visto per tutta la vita. E credo che sia proprio da qui che tragga tanta energia una famiglia politica le cui relazioni interpersonali sono così intrecciate con le ambizioni politiche.”

Con la morte di Otto, Rhaenyra ha perso ogni vera figura genitoriale che abbia mai conosciuto, dopo sua madre, suo padre e persino Rhaenys. Sebbene Corlys sia ancora vivo, è stato lontano a combattere per gran parte della sua infanzia, e il loro rapporto non è mai diventato profondo fino a quando lei non lo ha nominato Primo Cavaliere della Regina. Quando brandisce la spada contro il collo di Otto, la brandisce anche contro la bambina che è ancora dentro di lei, e Alicent e Daemon sono probabilmente gli unici personaggi rimasti in grado di comprendere appieno il peso della morte di una parte cruciale del suo io in quel momento.

Nel frattempo, giocando strategicamente su due fronti, Larys Strong è stato colui che ha ordinato che Otto fosse tenuto prigioniero nelle segrete negli ultimi mesi. Parlando con ScreenRant, l’attore Matthew Needham, che interpreta Larys, ha spiegato da quanto tempo Otto fosse effettivamente nelle segrete e perché il nobile membro di Casa Strong lo avesse tenuto prigioniero.

Matthew Needham: È stato perché Aemond voleva riavere Otto come Primo Cavaliere. Quindi, in un certo senso, penso che sia stato Larys a farlo. È una di quelle cose, credo che volesse avere tutte le carte in regola. Penso che avesse la possibilità di avere una sorta di pedina, delle carte da giocare nel caso in cui le cose fossero andate come previsto.

Sebbene Otto sembri aver lasciato Approdo del Re nella seconda stagione, episodio 2, Needham afferma che Larys lo cattura solo intorno all’episodio 6. Larys era contrario all’idea che Otto venisse reintegrato come Primo Cavaliere del Re, quindi prende in mano la situazione e si assicura che ciò non potesse mai accadere. Inoltre, con il destino di Otto nelle sue mani, poteva usare il padre di Alicent come pedina per manipolare entrambe le fazioni della guerra civile Targaryen quando gli avrebbe fatto più comodo.

La morte di Otto continuerà ad avere conseguenze devastanti per Rhaenyra, Alicent e la guerra per tutta la terza stagione di House of the Dragon, che è solo all’inizio di conflitti catastrofici dopo la Battaglia della Gola del primo episodio.

Supergirl: Ana Nogueira rivela perché il film ha un inizio diverso dal fumetto

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Il film di Supergirl (leggi qui la nostra recensione) ha rischiato di aprirsi in modo completamente diverso. A rivelarlo è la sceneggiatrice Ana Nogueira, che in un’intervista a Variety ha spiegato come la versione iniziale dello script fosse molto più fedele al fumetto Supergirl: Woman of Tomorrow, salvo poi essere modificata durante lo sviluppo. La scelta finale, racconta l’autrice, è nata dalla necessità di rendere Kara Zor-El immediatamente comprensibile anche al grande pubblico, che conosce il personaggio molto meno rispetto a eroi come Batman o Spider-Man.

LEGGI ANCHE: Supergirl: i 10 cambiamenti più significativi rispetto al fumetto

Nel film, interpretato da Milly Alcock, la storia si apre con Kara mentre festeggia il suo ventitreesimo compleanno su pianeti illuminati da soli rossi, un momento che introduce subito il suo carattere tormentato e il peso del suo passato. Solo successivamente entra in scena Ruthye Marye Knoll (Eve Ridley), la giovane che chiederà l’aiuto della kryptoniana per vendicare l’assassinio del padre, ucciso da Krem delle Colline Gialle (Matthias Schoenaerts).

La decisione rappresenta uno dei cambiamenti più significativi rispetto al fumetto originale e dimostra come i DC Studios abbiano preferito privilegiare l’accessibilità narrativa senza rinunciare ai temi dell’opera di partenza. Secondo Nogueira, infatti, era fondamentale costruire fin dall’inizio un legame emotivo tra il pubblico e Kara, prima di raccontare la vicenda attraverso gli occhi di Ruthye.

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Milly Alcock e Matthias Schoenaerts in Supergirl
Milly Alcock e Matthias Schoenaerts in Supergirl. Foto di Warner Bros. Pictures ©

Perché il punto di vista di Ruthye è stato ridimensionato rispetto al fumetto

Nel corso dell’intervista, Ana Nogueira ha spiegato che la prima stesura dello script iniziava proprio con Ruthye, esattamente come accade nel fumetto. Tuttavia, durante lo sviluppo del progetto, il team creativo si è reso conto che il personaggio di Supergirl non gode della stessa familiarità cinematografica di altri eroi DC e Marvel.

“Nella prima versione della sceneggiatura il film si apriva con Ruthye e con la sua storia. Ma ci siamo resi conto che i lettori dei fumetti conoscono molto, molto bene Supergirl e sono perfettamente a loro agio nel scoprirla attraverso gli occhi di qualcun altro. Per il pubblico cinematografico, invece, Supergirl non è Batman: non abbiamo visto morire i suoi genitori decine di volte. Ho visto Spider-Man essere morso da un ragno radioattivo tantissime volte, ma con lei non è così. Abbiamo quindi capito che dovevamo accompagnare il pubblico a conoscere Kara come fulcro del film, e non soltanto attraverso Ruthye.

Anche se la giovane protagonista non ricopre più il ruolo di narratrice come nel fumetto Supergirl: Woman of Tomorrow, la sceneggiatrice sottolinea che la sua prospettiva rimane centrale.

Volevamo mantenere il senso di meraviglia di questa ragazzina che osserva una donna straordinaria e desidera qualcosa di più da lei. C’è anche l’idea che Kara non stia ancora esprimendo tutto il suo potenziale, e volevamo conservare questo elemento eliminando però la voce narrante di Ruthye.

La modifica si inserisce perfettamente nella strategia del nuovo DC Universe inaugurato da Superman. Se il film dedicato a Clark Kent poteva permettersi di saltare le origini grazie alla notorietà del personaggio, Supergirl aveva bisogno di dedicare più tempo alla costruzione della propria protagonista.

Le recensioni hanno premiato soprattutto l’interpretazione di Milly Alcock, considerata uno dei punti di forza del film. Una risposta che sembra confermare come concentrare l’apertura su Kara sia stata una scelta efficace. Inoltre, il finale prepara già il futuro del personaggio nel DCU: James Gunn ha infatti confermato che la kryptoniana tornerà accanto a Superman (David Corenswet) nel sequel Man of Tomorrow, dove il rapporto tra i due cugini dovrebbe assumere un ruolo ancora più importante nell’evoluzione dell’universo narrativo condiviso.

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Aemond prende il posto di Daemon? Ecco la spiegazione dei protagonisti di House of the Dragon

Nel finale di House Of The Dragon – Stagione 3, Episodio 2 (dal titolo Approdo della Regina), Aemond assume un ruolo chiave che Daemon aveva ricoperto per tutta la seconda stagione.

Dopo che Daemon si era impadronito di Harrenhal e vi era rimasto per tutta la seconda stagione, radunando un esercito di abitanti delle Terre dei Fiumi, il Principe Ribelle aveva lasciato il castello per andare in battaglia e aiutare Rhaenyra a conquistare Approdo del Re nella terza stagione. Con Daemon fuori dai giochi, Aemond aveva preso Vhagar per rivendicare Harrenhal, sebbene con molto più spargimento di sangue. Dopo aver ucciso Simon Strong e i suoi figli, Aemond sembra aver conquistato la fortezza. Tuttavia, ferito mortalmente in combattimento, Aemond conclude il secondo episodio della terza stagione di House of the Dragon implorando la guaritrice magica di Harrenhal, Alys Rivers, di aiutarlo a salvarsi la vita.

Con Daemon che ha lasciato Alys e Aemond che è arrivato al suo posto, il misterioso personaggio di Gayle Rankin in House of the Dragon ha ora una nuova, importante opportunità con l’altra fazione dei Targaryen di fronte a sé. In un’intervista con Liam Crowley di ScreenRant, Gayle Rankin, che interpreta Alys Rivers, e Ewan Mitchell, che interpreta Aemond Targaryen, hanno analizzato l’arrivo del Principe Reggente ad Harrenhal e cosa significhi per le loro storie. Sebbene Rankin non sia certa che Aemond abbia effettivamente preso il controllo di Harrenhal, anticipa che Alys avrà un approccio molto diverso alla sua presenza ad Harrenhal rispetto a quello che ha avuto con Daemon:

ScreenRant: Aemond prende il controllo di Harrenhal nell’episodio 2 e implora Alys di aiutarlo a salvargli la vita. In che modo l’approccio di Alys ad Aemond in questo momento è diverso da quello che aveva con Daemon, considerando i suoi piani, e come può trarne vantaggio?

Gayle Rankin: “Ho una domanda per te. Mi chiedo: Aemond prenderà il controllo di Harrenhal? Perché è interessante, visto che è rimasto un solo giocatore in piedi. Scusa, ma sì, la tua domanda riguarda la differenza tra Daemon e Aemond.

Beh, penso che entrambi abbiano lunghi capelli biondi e penso che ci sia qualcosa di strano in questo. Non credo che lei abbia incontrato molti uomini Targaryen nella sua vita. E quindi vede qualcosa di strano in questo fatto che entrambi appartengano alla stessa stirpe. Ma penso che grazie alle sue capacità, Alys sia in grado di vedere le persone in modo incredibilmente chiaro e rapido. E penso che abbia anche la consapevolezza di “Qualcuno si sta avvicinando” e delle idee su chi potrebbe essere questa persona. E sono molto diversi. Sono molto diversi.

E penso che nell’episodio 1 vediamo che Daemon delude Alys in modo enorme, e hanno una sorta di rottura nell’episodio 1. E penso che questo lasci uno spazio per un un tipo di relazione maschile diverso. Di certo non ha paura di Aemond, ma credo che abbia paura dei suoi stessi sentimenti nei suoi confronti. Penso che quando lo incontra vivrà un’esperienza in cui non comprenderà i suoi sentimenti. Credo che questo la spaventi.”

Mentre Alys vedeva Daemon come una figura che avrebbe potuto aiutarla a scalare il potere ad Harrenhal, vede Aemond come una persona completamente diversa. Piuttosto, Alys sente una connessione più emotiva e personale con Aemond immediatamente, non appena lo vede, e questo li porterà a vivere una storia molto diversa nella terza stagione rispetto alla misteriosa narrazione piena di visioni con Daemon nella seconda stagione. Sebbene Daemon e Aemond abbiano alcune somiglianze fondamentali nel loro orgoglio, nella propensione alla violenza, nel complesso rapporto con la madre e nei conflitti interiori derivanti dall’essere il “secondogenito”, Alys è in grado di vedere immediatamente le differenze principali tra i membri della Casa Targaryen.

Inoltre, Rankin suggerisce anche che Aemond non abbia effettivamente preso il controllo di Harrenhal, dato che Alys è ancora in piedi. Sebbene Harrenhal fosse la roccaforte di Casa Strong, si intuiva che Alys fosse tra le figure più potenti che operavano nell’ombra prima dell’arrivo di Daemon. Pertanto, l’uccisione dei membri rimanenti di Casa Strong nel castello da parte di Aemond non ha eliminato completamente i leader di quel luogo cruciale della Casa del Drago.

Nel frattempo, Ewan Mitchell afferma di aver apprezzato l'”ambiguità” riguardo alla possibilità che Aemond uccidesse Alys e tutti gli abitanti di Harrenhal prima di crollare. Dopo aver ucciso gli Strong, emerge una versione di Aemond molto diversa, più infantile e disperata, un aspetto del personaggio che Mitchell ha trovato “davvero interessante da interpretare“. Sottolineando che “non avevamo mai visto [Aemond] sotto questa luce prima d’ora“, Mitchell anticipa un lato diverso del personaggio che ora viene esplorato con Alys ad Harrenhal:

Ewan Mitchell: “Sì, entra nella stanza e fa fuori tutti davanti ad Alys. Simon Strong. Uccide il suo amico più caro, forse, non lo so, e i suoi due figli. È semplicemente orribile. E poi mi piace l’ambiguità che rimane: mentre si avvicina ad Alys, ha intenzione di uccidere anche lei, per completare l’obiettivo di sterminare e distruggere tutti gli abitanti di Harrenhal? Ho adorato interpretare quel momento in cui Aemond appare così debole e vulnerabile fisicamente, mentre striscia e implora in ginocchio. Per un attore è davvero interessante da interpretare, soprattutto con Aemond, che non avevamo mai visto sotto questa luce prima d’ora.

Con Criston Cole alla guida dell’esercito dei Verdi diretto verso Harrenhal, Aemond probabilmente rimarrà al castello per un po’ di tempo, in attesa che il Primo Cavaliere del Re e il suo esercito lo raggiungano nelle Terre dei Fiumi. Criston ha atteso Aemond e Vhagar per dare man forte ai loro eserciti, ma ora sembra che il Principe sarà più impegnato con la sua nuova relazione con Alys Rivers. Con la morte di Jacaerys Velaryon e Otto Hightower, la situazione sta rapidamente cambiando in House Of The Dragon – Stagione 3, e la nuova relazione tra Aemond e Alys ad Harrenhal coincide con un momento in cui la posta in gioco della guerra è più alta che mai.

La Marvel svela ufficialmente il design di Skaar nelle nuove storie di Hulk

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Dopo anni ai margini dell’universo Marvel, Skaar, il figlio di Hulk, torna finalmente protagonista nei fumetti con un look completamente rinnovato e un ruolo che potrebbe cambiare gli equilibri della nuova saga dedicata al Gigante di Giada. Le prime anticipazioni di The Infernal Hulk #8 mostrano infatti il personaggio impegnato nella guerra contro la terrificante versione demoniaca di suo padre, suggerendo che proprio lui potrebbe essere la chiave per fermare la minaccia.

Nel nuovo arco narrativo scritto da Phillip Kennedy Johnson, Bruce Banner ha perso completamente il controllo di Hulk, trasformato nell’Infernal Hulk, una creatura demoniaca che sta devastando la Terra. Dopo il fallimento degli Avengers e dei Fantastici Quattro nel fermarlo, gli eroi scoprono che Skaar è sopravvissuto nel sottosuolo insieme ai Rutlings. Il figlio di Hulk sfoggia un aspetto più selvaggio, con pellicce e un enorme martello improvvisato, mentre continua a proteggere gli innocenti nonostante il caos generato dal padre. La teoria degli Avengers è semplice: se solo un Hulk può sconfiggere un altro Hulk, allora Skaar potrebbe rappresentare l’arma decisiva contro l’Infernal Hulk.

Il ritorno del personaggio è significativo perché Marvel sembra finalmente intenzionata a valorizzare un eroe che, fin dalla sua introduzione durante World War Hulk, non è mai riuscito a trovare una collocazione stabile. Pur essendo uno dei personaggi gamma più potenti dell’universo Marvel, grazie alla combinazione della forza di Hulk e dell’Old Power ereditato dalla madre Caiera, Skaar è stato spesso relegato a ruoli secondari. Questo nuovo arco narrativo potrebbe rappresentare la prima vera occasione per costruire una sua identità autonoma, separandolo dall’ombra ingombrante di Bruce Banner.

the infernal hulk 8Perché Skaar potrebbe diventare fondamentale anche nel futuro del Marvel Cinematic Universe

L’importanza di Skaar non riguarda soltanto i fumetti. Il personaggio ha già fatto il suo debutto nel Marvel Cinematic Universe con una breve apparizione nel finale di She-Hulk: Attorney at Law, interpretato come il figlio segreto di Bruce Banner nato durante il periodo trascorso su Sakaar.

Da allora Marvel Studios non ha più approfondito la sua storia, ma il rinnovato interesse dei fumetti potrebbe anticipare un utilizzo più importante anche sullo schermo. Con Hulk destinato a tornare protagonista nei prossimi progetti Marvel e con il franchise che continua ad ampliare la mitologia legata ai mutati gamma, Skaar rappresenta un personaggio dalle enormi potenzialità ancora inesplorate.

Parallelamente, nei fumetti il suo coinvolgimento nella saga The Infernal Hulk potrebbe ridefinire il ruolo della famiglia Banner all’interno dell’universo Marvel. Se davvero sarà lui a fermare il padre, Skaar compirebbe quel definitivo salto di qualità che i lettori aspettano da oltre quindici anni, trasformandosi finalmente da semplice erede di Hulk a protagonista di una nuova generazione di eroi gamma.

3 degli episodi più apprezzati di House of the Dragon hanno una cosa in comune

Con la terza stagione, House of the Dragon ha dimostrato ancora una volta quale sia l’elemento che conquista maggiormente il pubblico. Il debutto della stagione 3, “Salt and Sea, Fire and Blood”, è entrato subito tra gli episodi con il punteggio più alto su IMDb, confermando un trend ormai evidente: gli episodi più amati della serie coincidono quasi sempre con le grandi battaglie tra draghi e con la tragica morte di uno dei loro cavalieri.

Dopo la messa in onda, la premiere della terza stagione ha raggiunto un punteggio di 9,4 su IMDb, salvo poi assestarsi a 9,2 con l’aumento delle valutazioni. Un risultato che la colloca comunque tra gli episodi più apprezzati dell’intera serie.

Le morti dei cavalieri dei draghi sono il marchio di fabbrica degli episodi migliori

Osservando la classifica degli episodi con le valutazioni più alte emerge una curiosa coincidenza. Tre dei capitoli più amati condividono infatti lo stesso elemento narrativo: la spettacolare morte di un cavaliere di drago durante una battaglia. Il primo è The Black Queen (finale della prima stagione), che si conclude con la scioccante morte di Lucerys Velaryon e del suo drago Arrax, abbattuti da Vhagar durante una tempesta.

Il secondo è The Red Dragon and the Gold della seconda stagione, ricordato soprattutto per la Battaglia di Riposo del Corvo (Rook’s Rest), che porta alla tragica morte di Rhaenys Targaryen e della sua Meleys nello scontro con Vhagar e Sunfyre.

Infine arriva “Salt and Sea, Fire and Blood”, la premiere della terza stagione, che mette in scena la tanto attesa Battaglia della Gola e la morte di Jacaerys Velaryon. Dopo essere precipitato in mare insieme a Vermax, Jace riesce persino a liberarsi e raggiungere la superficie, ma viene trafitto dalle frecce della Triarchia in una delle sequenze più drammatiche mai viste nella serie.

House of the Dragon ha capito cosa vogliono vedere i fan

House of the Dragon - Stagione 3
Cortesia di Sky

Non è un caso. Fin dai tempi di Game of Thrones, una delle critiche più frequenti era che la serie promettesse grandi battaglie con i draghi senza mostrarle davvero fino alle stagioni finali. House of the Dragon, invece, ha costruito la propria identità proprio attorno a questi scontri spettacolari.

Ogni grande battaglia non è solo un’esibizione tecnica di effetti visivi, ma anche il momento in cui il conflitto assume un costo emotivo enorme. La morte di un cavaliere di drago rappresenta infatti la perdita di uno dei protagonisti più importanti e segna inevitabilmente una svolta nella guerra.

È una formula che continua a funzionare: le battaglie tra draghi uniscono spettacolarità, tensione e tragedia personale, elementi che rendono questi episodi memorabili agli occhi del pubblico.

La Battaglia della Gola conferma la formula vincente

La Battaglia della Gola era uno degli eventi più attesi dai lettori di Fuoco e Sangue e la serie non ha deluso sotto il profilo dello spettacolo. Pur modificando diversi aspetti rispetto al romanzo di George R.R. Martin, HBO ha realizzato una delle sequenze belliche più ambiziose dell’intero franchise.

La morte di Jacaerys, destinata a segnare profondamente il percorso di Rhaenyra nei prossimi episodi, conferma ancora una volta quello che sembra essere il vero punto di forza di House of the Dragon: quando la guerra dei draghi entra nel vivo e uno dei suoi cavalieri cade in battaglia, la serie raggiunge il suo massimo livello, sia sul piano emotivo che nel gradimento del pubblico.

Little Brother: la spiegazione del finale del film con John Cena

Little Brother: la spiegazione del finale del film con John Cena

Little Brother si presenta come una commedia irriverente costruita sull’incontro-scontro tra due personalità opposte, ma sotto l’umorismo sopra le righe nasconde una riflessione sorprendentemente malinconica sul bisogno di sentirsi accettati. Diretto da Matt Spicer, il film affida a John Cena ed Eric André il compito di dare vita a due uomini profondamente diversi: Rudd Landy, agente immobiliare ossessionato dal successo e dall’approvazione della propria famiglia, e Marcus, l’ex “fratello minore” conosciuto molti anni prima grazie al programma di volontariato Big Brother, Little Brother, che ricompare improvvisamente nella sua vita.

Il finale dimostra come il vero conflitto del film non riguardi la carriera di Rudd o le continue situazioni imbarazzanti provocate da Marcus, ma il modo in cui entrambi affrontano la solitudine e il desiderio di appartenere a qualcuno. Dietro la comicità si sviluppa infatti un percorso di crescita che porta il protagonista a mettere finalmente in discussione le proprie insicurezze. L’ultima parte della storia assume così un significato molto più emotivo di quanto lasci intendere il tono iniziale, trasformando Little Brother in un racconto sulla famiglia scelta e sulla possibilità di rimediare agli errori del passato.

Come il rapporto tra Rudd e Marcus rivela che il vero protagonista combatte soprattutto contro le proprie insicurezze

Eric Andre e John Cena in Little Brother

Fin dalle prime scene appare evidente che Rudd vive costantemente all’ombra del fratello maggiore Josh, imprenditore di enorme successo al quale continua a chiedere, quasi inconsapevolmente, una conferma del proprio valore. Pur avendo una moglie che lo ama, una famiglia stabile e una carriera ormai avviata, Rudd misura ogni suo traguardo confrontandolo con quello del fratello. L’arrivo di Marcus, completamente imprevedibile e incapace di rispettare le convenzioni sociali, finisce per incrinare ulteriormente questo fragile equilibrio.

Marcus rappresenta tutto ciò che Rudd cerca disperatamente di controllare. È spontaneo, sincero, emotivo e riesce a conquistare immediatamente la simpatia delle persone che incontra. Persino durante le riprese del reality immobiliare NYC Hustlers, la sua presenza cattura più attenzione di quella del protagonista designato. Rudd interpreta ogni successo di Marcus come una nuova conferma del proprio fallimento, lasciandosi guidare dalla gelosia invece che dalla gratitudine verso una persona che considera ancora un fratello.

La situazione precipita durante la festa organizzata nella lussuosa villa di Josh. Sotto l’effetto della droga e ormai completamente sopraffatto dalle proprie paranoie, Rudd immagina che Marcus stia prendendo il suo posto in ogni aspetto della sua vita. Quando Josh rischia di morire dopo essere caduto dal balcone, è Marcus a salvarlo, diventando l’eroe della serata. Incapace di accettare ancora una volta di essere oscurato, Rudd reagisce nel modo peggiore possibile: umilia pubblicamente Marcus rivelando la sua fuga da una struttura psichiatrica. Quel gesto rappresenta il punto più basso del suo percorso, perché nasce esclusivamente dalla paura di non essere abbastanza.

Il finale di Little Brother: perché le scuse di Rudd valgono più del premio che stava per ricevere

Eric Andre e Michelle Monaghan in Little Brother

Dopo la festa, il film cambia progressivamente tono. Rimasto solo, Rudd scopre una verità che ribalta completamente la sua prospettiva. Leggendo le vecchie email inviate da Marcus negli anni, si rende conto che il ragazzo non aveva mai smesso di considerarlo parte della propria famiglia. Ancora più significativo è scoprire che quelle conversazioni erano proseguite soltanto grazie alla sua assistente Mia, che aveva continuato a rispondere ai messaggi fingendosi lui. Marcus aveva creduto per anni che Rudd fosse ancora presente nella sua vita, mentre quest’ultimo aveva ormai lasciato quel rapporto alle spalle.

La consapevolezza del dolore provocato dalla propria indifferenza cambia radicalmente il protagonista. Durante la cerimonia organizzata dal programma Big Brother, Little Brother, Rudd dovrebbe ricevere un premio come miglior mentore dell’anno. Invece di limitarsi a pronunciare il discorso preparato, decide di confessare pubblicamente la verità. Ammette di avere tradito la fiducia di Marcus e riconosce di avere passato troppo tempo a inseguire l’approvazione di Josh, ignorando chi gli aveva dimostrato un affetto autentico.

Quasi nello stesso momento arriva anche la confessione di Josh, che ribalta definitivamente il rapporto tra i due fratelli. L’uomo rivela di avere sempre invidiato Rudd, non per il lavoro o il denaro, ma per la famiglia che era riuscito a costruire. È una rivelazione fondamentale perché dimostra quanto le insicurezze del protagonista fossero alimentate da un confronto immaginario. Per anni Rudd aveva rincorso un modello di successo che il fratello stesso avrebbe voluto possedere, senza accorgersi della ricchezza affettiva che aveva già intorno a sé.

Marcus incarna il bisogno universale di essere scelti, mentre il film riflette sul significato della famiglia oltre i legami di sangue

Eric Andre e John Cena nel film Little Brother

Se Rudd affronta un percorso di presa di coscienza, Marcus rappresenta il cuore emotivo di Little Brother. Le sue stranezze, le battute fuori luogo e il comportamento imprevedibile vengono inizialmente utilizzati come elementi comici, ma il finale mostra che dietro quell’energia caotica si nasconde una profonda paura dell’abbandono. Cresciuto senza una famiglia stabile, Marcus ha trasformato il programma Big Brother, Little Brother nell’unico legame autentico della propria infanzia, continuando a credere per decenni che Rudd fosse ancora il fratello maggiore che lo aveva aiutato a sentirsi importante.

Per questo il ritorno volontario nella struttura psichiatrica assume un significato simbolico. Marcus non sceglie quell’ambiente perché si considera sconfitto, ma perché pensa di non avere nessun altro posto in cui essere accolto. È il momento in cui il film abbandona quasi completamente la comicità e mette in scena tutta la fragilità del personaggio. Quando Rudd lo raggiunge per chiedergli scusa, evita qualsiasi giustificazione e gli dice finalmente ciò che Marcus aspettava da tutta una vita: è parte della sua famiglia. La riconciliazione non cancella immediatamente il dolore accumulato negli anni, ma permette ai due uomini di ricostruire il loro rapporto su basi finalmente sincere.

Il finale di Little Brother suggerisce che il successo personale acquista valore soltanto quando viene condiviso con le persone giuste

John Cena ed Eric Andre nel film Little Brother

L’epilogo conferma il cambiamento di Rudd senza ricorrere a grandi colpi di scena. Dopo la riconciliazione, Marcus entra realmente nella vita della famiglia Landy e lavora insieme a Rudd nell’agenzia immobiliare. Non si tratta semplicemente di una collaborazione professionale, bensì della dimostrazione concreta che il protagonista ha smesso di vedere Marcus come un peso o un rivale. Per la prima volta sceglie di condividere ciò che ha costruito con una persona che considera davvero un fratello.

Anche il rapporto con Josh trova un nuovo equilibrio. La confessione reciproca delle rispettive insicurezze interrompe una competizione silenziosa durata per anni e permette a entrambi di guardarsi senza il filtro dell’invidia. In questo senso, il finale suggerisce che molti conflitti nascono dalle aspettative che proiettiamo sugli altri più che dalla realtà dei rapporti. Rudd scopre che il riconoscimento che inseguiva non era mai stato la risposta ai suoi problemi: ciò che gli mancava era la capacità di apprezzare le relazioni autentiche già presenti nella sua vita.

Cosa significa davvero il finale di Little Brother

John Cena ed Eric Andre in Little Brother

Il significato più profondo del finale di Little Brother risiede nell’idea che la famiglia non sia definita esclusivamente dal sangue, ma dalle persone che decidiamo di accogliere nella nostra vita. Marcus trascorre gran parte del film cercando qualcuno che lo scelga davvero, mentre Rudd passa anni a rincorrere l’approvazione di chi ritiene superiore. Entrambi comprendono soltanto alla fine che il bisogno di appartenenza può essere soddisfatto soltanto attraverso rapporti fondati sulla sincerità e sull’accettazione reciproca.

La commedia costruita da Matt Spicer utilizza situazioni volutamente assurde per raccontare emozioni estremamente riconoscibili. Dietro gli equivoci, gli eccessi e le gag emerge il ritratto di due uomini che imparano finalmente ad affrontare le proprie fragilità invece di nasconderle dietro il successo, l’umorismo o il bisogno di apparire migliori degli altri.

L’ultima immagine, con Marcus ormai integrato nella famiglia Landy e coinvolto anche nell’attività lavorativa di Rudd, chiude il percorso emotivo del film con una nota di speranza. Little Brother suggerisce che gli errori del passato possono essere riparati quando si trova il coraggio di chiedere perdono e di cambiare davvero. È questo il messaggio che resta dopo i titoli di coda: sentirsi scelti da qualcuno può trasformare un’intera esistenza.

House Of The Dragon – Stagione 3, Episodio 2, la spiegazione del finale: perché Rhaenyra compie QUEL gesto?

Il secondo episodio della terza stagione di House of the Dragon (dal titolo Approdo della Regina) segna uno dei momenti più importanti dell’intera Danza dei Draghi: Rhaenyra Targaryen riconquista Approdo del Re. Grazie al tradimento di Alicent Hightower, all’appoggio dei nuovi cavalieri di drago e alla fedeltà della Guardia Cittadina, la regina entra finalmente nella Fortezza Rossa e si riappropria del Trono di Spade.

Ma prima di sedersi sul trono che ritiene suo di diritto (secondo quanto dichiarato da Viserys I Targaryen, suo padre, quando era ancora in vita), Rhaenyra prende una decisione destinata a cambiare per sempre il corso della guerra: ordina l’esecuzione di Otto Hightower.

Rhaenyra conquista finalmente Approdo del Re

L’episodio si conclude con una delle sequenze più attese della serie. Mentre Aegon II è già riuscito a fuggire dalla capitale, Rhaenyra e Daemon guidano le loro forze all’interno della Fortezza Rossa. L’ultima resistenza delle guardie fedeli agli Hightower viene rapidamente eliminata, ma il momento decisivo arriva quando Ser Luthor Largent e la Guardia Cittadina scelgono di schierarsi con la regina. Una decisione che affonda le radici nel passato: fu proprio Daemon Targaryen, anni prima, a trasformare la Guardia Cittadina consegnando ai soldati i celebri mantelli dorati. La caduta di Approdo del Re avviene quindi con molta meno resistenza del previsto, proprio come aveva “promesso” Alicent, in realtà!

Cortesia di HBO

Perché Rhaenyra fa giustiziare Otto Hightower

Una volta entrata nella Fortezza Rossa, Rhaenyra vorrebbe trovare Aegon II, ma scopre che il sovrano è già riuscito a fuggire. Al suo posto viene condotto davanti alla nuova regina Otto Hightower, il vero architetto dell’usurpazione del trono e principale responsabile dell’ascesa dei Verdi.

È Daemon a suggerire che sia proprio Rhaenyra a eseguire personalmente la condanna. La scelta ha un forte valore politico: la nuova sovrana deve dimostrare pubblicamente che il vecchio regime è terminato e che chi ha tradito Viserys Targaryen pagherà il prezzo delle proprie azioni. L’esecuzione diventa così il primo vero atto di governo della nuova regina.

Una morte fedele ai libri, ma molto più intensa

Nel romanzo Fuoco e Sangue, Otto Hightower viene effettivamente decapitato dopo la riconquista di Approdo del Re. Tuttavia, il libro racconta l’evento in maniera molto più sintetica. La serie HBO sceglie invece di trasformarlo in uno dei momenti emotivamente più forti dell’episodio. Rhaenyra fatica a portare a termine l’esecuzione, arrivando perfino a utilizzare la spada Sorella Oscura per completare la decapitazione.

La scena evidenzia quanto per lei non sia semplice uccidere un uomo che, per tutta l’infanzia, aveva rappresentato una delle figure di maggiore autorità alla corte di suo padre Viserys. L’esecuzione non è soltanto un atto di vendetta, ma rappresenta il definitivo passaggio dall’erede designata alla sovrana costretta a governare attraverso la violenza della guerra civile.

Anche Daemon lascia che sia Rhaenyra a colpire

Nonostante sia probabilmente il personaggio più spietato della serie, Daemon decide di non uccidere Otto personalmente. La scelta è tutt’altro che casuale. Permettendo a Rhaenyra di pronunciare la sentenza ed eseguire la condanna davanti ai nobili e alla popolazione, rafforza la sua legittimità come unica vera regina dei Sette Regni. Solo dopo l’esecuzione di Otto, Daemon interviene eliminando rapidamente anche Lord Jasper Wylde, detto “Ironrod”, cancellando definitivamente gli ultimi simboli del precedente governo.

Alicent assiste alla morte del padre

Alicent e HelaenaIl finale dell’episodio assume toni ancora più drammatici quando Alicent e Helaena vengono catturate durante il tentativo di lasciare la città. Le due donne arrivano proprio mentre il corpo decapitato di Otto è ancora esposto nella sala del trono.

Per Alicent si tratta dell’ennesimo colpo devastante. Dopo aver perso il controllo del regno, aver visto fallire il proprio accordo con Rhaenyra e aver assistito alla fuga di Aegon, deve affrontare anche la morte del padre, l’uomo che per anni ha guidato la politica della famiglia Hightower.

Cosa significa questo finale per la guerra

La conquista di Approdo del Re rappresenta una vittoria fondamentale per i Neri, ma il conflitto è tutt’altro che concluso. Aegon II è ancora vivo, Aemond continua a rappresentare una minaccia con Vhagar e numerosi eserciti fedeli ai Verdi stanno ancora marciando verso la capitale.

L’esecuzione di Otto segna simbolicamente la fine del vecchio governo, ma inaugura anche una nuova fase della guerra, in cui Rhaenyra dovrà dimostrare di essere capace di governare un regno ormai profondamente diviso. E dopo aver versato il suo primo sangue con le proprie mani, la regina potrebbe iniziare un percorso destinato a cambiare definitivamente il suo carattere.

Supergirl: i 10 cambiamenti più significativi rispetto al fumetto

Il nuovo DC Universe continua ad espandersi con l’uscita di Supergirl (leggi qui la nostra recensione), che vede Milly Alcock nei panni della celebre Ragazza d’Acciaio. Ambientato dopo gli eventi di Superman (2025), il nuovo film è fortemente ispirato all’acclamata miniserie a fumetti Supergirl: La donna del domani di Tom King e Bilquis Evely, al punto che inizialmente avrebbe dovuto mantenere lo stesso titolo dell’opera originale. Tuttavia, esistono alcune differenze sostanziali tra il fumetto e il nuovo lungometraggio del DCU.

Riprendendo gli elementi principali di Supergirl: La donna del domani, il film si apre con una Kara Zor-El ubriaca e in crisi, che finisce per allearsi con la giovane Ruthye Marye Knoll per dare la caccia a Krem delle Colline Gialle, il capo dei Briganti responsabile dell’uccisione della famiglia di Ruthye e dell’avvelenamento mortale del cane di Kara. Di conseguenza, molti dei momenti e dei temi più importanti del fumetto vengono adattati per questa nuova produzione del DCU.

Detto questo, Supergirl non è una trasposizione fedele scena per scena dell’opera di King ed Evely. Alcuni nuovi personaggi vengono introdotti nella storia, mentre altri sono stati completamente eliminati, insieme a diversi eventi chiave. Inoltre, il film modifica anche alcuni dei momenti più importanti del fumetto, dando vita a un acceso dibattito online. Ecco quindi le 10 differenze più importanti tra il nuovo Supergirl del DCU e Supergirl: La donna del domani.

La famiglia e la spada di Ruthye Marye Knoll

Eve Ridley in Supergirl

Nelle scene iniziali di Supergirl, la tredicenne Ruthye Marye Knoll perde l’intera famiglia — padre, madre e fratello — assassinata da Krem delle Colline Gialle e dai suoi Briganti. Il padre di Ruthye, Elias, era un abilissimo fabbro, celebre per forgiare spade di eccezionale qualità, motivo per cui Krem si reca da lui con l’intenzione di impossessarsi di una delle sue lame.

Nel fumetto Supergirl: La donna del domani, invece, è soltanto il padre di Ruthye a essere ucciso da Krem, mentre la madre e diversi fratelli sopravvivono. Inoltre, la famiglia non è composta da fabbri, bensì da semplici agricoltori. La spada usata da Krem per assassinare Elias è la sua arma personale, che lascia conficcata nel corpo della vittima e che Ruthye recupera come simbolo della propria vendetta.

L’avvelenamento di Krypto

Milly Alcock in Supergirl
Milly Alcock in Supergirl. Foto di Warner Bros. Pictures ©

Sebbene inizialmente una Kara Zor-El ubriaca rifiuti di aiutare Ruthye nella sua ricerca di vendetta, in Supergirl (2026) Krem ruba la sua nave e avvelena Krypto il Supercane. Questo costringe Kara a cambiare idea, poiché ha soltanto tre giorni di tempo per trovare l’antidoto e salvare il suo compagno.

La miniserie Supergirl: La donna del domani si apre nello stesso modo. Tuttavia, il viaggio di Kara e Ruthye dura molto più a lungo rispetto al film del DCU. Inoltre, nel fumetto Krypto riceve segretamente un antidoto e guarisce rapidamente, anche se Kara decide di nascondere la verità a Ruthye nella speranza che il tempo trascorso insieme convinca la ragazza a rinunciare alla vendetta. Nel film, invece, l’avvelenamento di Krypto rappresenta una minaccia reale e immediata.

Nessuno scontro con il drago della kryptonite rossa

Supergirl Drago Kryptonite Rossa

In Supergirl, Kara e Ruthye lasciano il pianeta natale della ragazza a bordo di un autobus spaziale chiamato haulferry, poiché sotto il sole rosso di quel mondo Kara è priva dei suoi poteri. Solo quando si avvicinano a un sole giallo, durante un attacco dei Predoni Sklariani, Supergirl recupera le proprie capacità.

Nel fumetto, invece, il viaggio a bordo dell’haulferry viene interrotto da un gigantesco drago cosmico che si nutre di metallo. Ancora senza poteri, Kara assume una pillola di kryptonite rossa. Negli esseri umani questa sostanza provoca soltanto allucinazioni psichedeliche, ma nei kryptoniani rende reali le trasformazioni immaginate. Per questo Kara sviluppa temporaneamente ali infuocate e il controllo del fuoco, omaggiando la versione Earth-Angel Supergirl degli anni Novanta. Si tratta di una delle sequenze più spettacolari del fumetto, probabilmente esclusa dal film per motivi di costi e complessità.

Krem delle Colline Gialle

Krem delle Colline Gialle in Supergirl
Krem delle Colline Gialle in Supergirl

Molti aspetti di Krem sono stati modificati per Supergirl (2026). Dal punto di vista estetico, il personaggio del fumetto e quello cinematografico sono quasi irriconoscibili: nella versione live-action Krem sfoggia un look che richiama Mad Max, mentre nei fumetti appare come un uomo dall’aspetto ordinario, con lunghi capelli rossi e una folta barba.

Inoltre, nel fumetto Krem non possiede alcun potere particolare, mentre nel DCU gli viene attribuita la forza di mille uomini. Anche il suo ruolo cambia sensibilmente: sulla carta non viene introdotto come capo dei Briganti, ma come un corrotto agente del re incaricato di individuare i sudditi infedeli, o semplicemente chiunque gli fosse antipatico, come accade con il padre di Ruthye. Solo dopo essere fuggito con la nave di Kara e aver iniziato a seminare distruzione attraverso il cosmo entra a far parte dei Briganti di Barbond, mentre Supergirl e Ruthye sono sulle sue tracce.

Maypole è completamente assente

Maypole Supergirl

Il nuovo film elimina del tutto la tappa di Maypole, presente in Supergirl: La donna del domani, dove Kara e Ruthye si recano durante la ricerca di Krem. La città è abitata da una razza aliena dalla pelle blu, e Supergirl scopre che questi alieni hanno organizzato il genocidio completo dei Purples, considerati una razza inferiore. Per salvarsi, i Blu hanno pagato i Briganti affinché sterminassero i Purples, seguendo proprio un’idea suggerita da Krem durante la sua prigionia a Maypole. È proprio in questo modo che Krem entra originariamente a far parte dei Briganti.

Lobo (e Superman) non erano presenti nel fumetto

Jason Momoa Lobo Supergirl

Lo sceneggiatore Tom King ha confermato che Lobo, il celebre cacciatore di taglie intergalattico, era presente in una delle prime versioni della sceneggiatura del fumetto. Per questo motivo è particolarmente divertente vedere Jason Momoa interpretare il personaggio nel suo nuovo ruolo nel DC Universe, dopo aver vestito per anni i panni di Aquaman nel precedente DCEU.

Anche Superman, interpretato da David Corenswet, compare in alcune scene del film, mentre nel fumetto originale era soltanto menzionato.

 

Le “spose” dei Briganti

Milly Alcock e Matthias Schoenaerts in Supergirl
Milly Alcock e Matthias Schoenaerts in Supergirl. Foto di Warner Bros. Pictures ©

Pur eliminando Maypole, il film sostituisce quella parte della storia con un arco narrativo altrettanto tragico e disturbante. Viene infatti rivelato che i Briganti, composti esclusivamente da uomini, trafficano giovani ragazze in tutta la galassia, costringendole con la forza a diventare le loro spose.

Questa scelta narrativa ha acceso numerose discussioni e polemiche online riguardo ai cambiamenti apportati dal film rispetto al fumetto originale.

Il pianeta di kryptonite di Supergirl aveva dinosauri alieni

Supergirl Dinosauri

Il film mantiene il letale pianeta Barenton, illuminato da un sole di kryptonite, ma elimina completamente i dinosauri alieni dai quali Ruthye protegge Kara mentre attende il tramonto del sole verde nel fumetto. Inoltre, nella versione cartacea Barenton non possiede un secondo sole giallo come accade nel film, né vi compaiono i Briganti.

Nel fumetto Barenton era stato creato appositamente come trappola per Superman, che riuscì a sopravvivere soltanto 45 minuti prima di essere salvato dalla Justice League. Kara, invece, dopo essere stata spedita sul pianeta dalla magia di Krem, resiste per ben dieci ore.

Manca Comet il Super Cavallo

Comet Supergirl

Nella seconda metà di Supergirl: La donna del domani, Kara ritrova Comet il Super Cavallo, in realtà un uomo trasformato da una maledizione nel suo fidato destriero e che, in una vecchia storia dei fumetti, si era addirittura innamorato di Supergirl. Comet aiuta Kara a sfuggire a Krem e alle sue armi magiche, combattendo contro i Briganti fino a sacrificare la propria vita per salvarla.

La sua presenza, tuttavia, avrebbe probabilmente reso la trama troppo complessa e bizzarra per il grande pubblico. La sceneggiatrice Ana Nogueira ha confermato questa motivazione in diverse interviste.

La morte di Krem

Matthias Schoenaerts in Supergirl
Matthias Schoenaerts in Supergirl

La differenza più importante tra Supergirl: La donna del domani e il nuovo Supergirl riguarda il destino finale di Krem. L’intera storia del fumetto è narrata da una Ruthye ormai anziana, autrice di un libro sulle sue avventure con Kara. Nel libro viene raccontato che Supergirl abbia trafitto Krem con la sua stessa spada, ma si tratta di una bugia pensata per proteggere Kara dall’eventuale vendetta dei Briganti.

In realtà Krem viene rinchiuso nella Zona Fantasma per 300 anni. Dopo essere stato liberato, si redime e cerca il perdono di Ruthye. L’anziana Knoll, però, lo colpisce con il proprio bastone. Sebbene il finale del fumetto lasci spazio a diverse interpretazioni, Tom King ha confermato che Krem sopravvive, dimostrando come Kara sia riuscita a convincere Ruthye ad abbandonare la strada della vendetta omicida.

Nel film, invece, Kara trafigge e uccide realmente Krem nel finale, apparentemente per preservare l’innocenza di Ruthye. Una modifica che ha deluso molti lettori del fumetto, convinti che questa scelta tradisca parte delle sfumature e dei temi fondamentali dell’opera originale.

LEGGI ANCHE: Supergirl, spiegazione del finale: cosa ci dice la scelta di Kara Zor-El in merito al suo futuro nel DCU

House of the Dragon – Stagione 3: il secondo episodio omaggia Jacaerys

La morte di Jacaerys Velaryon nel primo episodio di House of the Dragon – Stagione 3 continua a pesare sulla serie anche dopo la conclusione della Battaglia della Gola. Se il secondo episodio è dedicato al dolore di Rhaenyra per la perdita del figlio, HBO ha inserito anche un dettaglio che molti spettatori potrebbero non aver notato: i titoli di testa sono stati aggiornati per rendere omaggio al principe caduto.

Si tratta di una modifica apparentemente discreta, ma dal fortissimo impatto emotivo, che conferma come la serie voglia trasformare la sigla in un vero e proprio racconto della tragedia dei Targaryen.

I titoli di testa ora mostrano la morte di Jacaerys

titoli di testa House of the dragon 3x02Dalla seconda stagione, House of the Dragon ha abbandonato la vecchia sequenza con il sangue che scorreva lungo l’albero genealogico dei Targaryen per sostituirla con un enorme arazzo ricamato che racconta gli eventi più importanti della storia della casata.

Nel secondo episodio della terza stagione, l’arazzo si arricchisce di una nuova scena dedicata alla Battaglia del Gullet. Tra le onde del mare ricamate compare infatti il corpo di Jacaerys Velaryon, trafitto dalle frecce che ne hanno provocato la morte durante lo scontro navale. È un’immagine semplice ma potentissima, che trasforma il principe in uno dei tanti simboli della lunga tragedia della Danza dei Draghi.

Un omaggio ancora più doloroso

La scelta risulta particolarmente toccante perché Jace è stato uno dei protagonisti principali delle prime tre stagioni. Diversamente da Lucerys, morto alla fine della prima stagione senza che il suo corpo fosse mai recuperato, il cadavere di Jacaerys viene riportato a Roccia di Drago, permettendo a Rhaenyra di affrontare direttamente la perdita del figlio.

La scena, interpretata da Emma D’Arcy, rappresenta uno dei momenti più intensi dell’episodio: la regina rifiuta inizialmente di accettare che il suo erede sia davvero morto. L’aggiunta del giovane principe all’arazzo sottolinea proprio questa definitiva perdita, ricordando allo spettatore che ogni nuova vittoria nella guerra civile ha un prezzo sempre più alto.

La sigla racconta il declino della casa Targaryen

Targaryen in House of the DragonA differenza di Game of Thrones, dove la sequenza iniziale mostrava semplicemente la mappa di Westeros aggiornata in base ai luoghi visitati dalla storia, House of the Dragon utilizza la propria opening per raccontare la storia della dinastia Targaryen.

L’arazzo raffigura eventi che partono dalla Caduta di Valyria, attraversano la Conquista di Aegon e arrivano fino alla devastante Danza dei Draghi. Ogni nuovo episodio aggiunge ricami che rappresentano morti, battaglie e tragedie familiari. Con l’avanzare della stagione, è destinato a diventare sempre più cupo, trasformandosi in una cronaca visiva del progressivo collasso della casata che, secoli dopo, porterà fino alla fine della stirpe con Daenerys Targaryen.

Un presagio per il resto della stagione

L’inserimento di Jacaerys nella sigla è anche un chiaro promemoria del tono che caratterizzerà il resto della stagione. La conquista del Trono di Spade da parte di Rhaenyra, pur rappresentando una vittoria militare, arriva infatti nel momento di massimo dolore personale della regina.

La Danza dei Draghi è solo all’inizio e, se il nuovo arazzo continuerà ad aggiornarsi episodio dopo episodio, è facile immaginare che nei prossimi capitoli vedremo aggiungersi molte altre immagini destinate a raccontare il progressivo sterminio della famiglia Targaryen.

Supergirl delude al box office: debutto da 38 milioni negli USA, Toy Story 5 resta imbattibile

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Supergirl non riesce a imporsi al botteghino americano. Nel suo primo weekend di programmazione il nuovo film dei DC Studios, diretto da Craig Gillespie e interpretato da Milly Alcock, ha incassato 38 milioni di dollari negli Stati Uniti, mentre il debutto globale si ferma a 68 milioni. Numeri decisamente inferiori alle aspettative per una produzione dal budget stimato tra i 170 e i 186 milioni di dollari, che si trova così ad affrontare una partenza molto complicata.

A dominare il weekend è invece Toy Story 5, che al secondo fine settimana aggiunge altri 70 milioni di dollari negli Stati Uniti e raggiunge 585 milioni di dollari complessivi nel mondo. Il film Pixar conferma così l’ottimo stato di forma di Disney, mentre Supergirl viene superato anche dal confronto con alcuni dei recenti cinecomic Marvel, aprendo inevitabilmente il dibattito sul reale potenziale commerciale del nuovo DC Universe. Secondo i dati riportati da Deadline, l’unico dato davvero positivo riguarda le sale premium: oltre il 50% degli incassi del film proviene infatti da IMAX e altri formati PLF, segno che il pubblico interessato ha privilegiato l’esperienza cinematografica più spettacolare.

Il risultato, tuttavia, va letto con attenzione. Più che rappresentare un fallimento dell’intero progetto guidato da James Gunn e Peter Safran, il debutto di Supergirl evidenzia quanto sia diventato difficile lanciare nuovi capitoli dell’universo DC senza un forte passaparola iniziale. La pellicola arriva inoltre in un periodo estremamente competitivo, stretto tra il successo di Toy Story 5 e l’imminente uscita di Minions & Monsters, destinato a monopolizzare il botteghino del weekend del 4 luglio. Molto dipenderà quindi dalla tenuta nelle prossime settimane.

Il debutto di Supergirl apre i primi interrogativi sul futuro del nuovo DC Universe

Il film rappresenta il secondo tassello cinematografico del nuovo DC Universe dopo Superman e introduce definitivamente la Kara Zor-El interpretata da Milly Alcock, destinata a tornare già nel 2027 in Man of Tomorrow. Per questo motivo il risultato economico assume un’importanza particolare: non determina il futuro del personaggio, già confermato nei prossimi progetti, ma sarà un indicatore importante della capacità del nuovo universo condiviso di espandersi oltre Superman.

Va inoltre ricordato che Supergirl è ispirato al fumetto Supergirl: Woman of Tomorrow di Tom King e Bilquis Evely, un’opera molto diversa dai tradizionali cinecomic supereroistici. L’approccio più autoriale e il tono da space western potrebbero aver limitato l’appeal presso il grande pubblico, pur mantenendo un forte interesse tra gli appassionati dei fumetti.

Le prossime settimane saranno quindi decisive per capire se il passaparola riuscirà a migliorare la tenuta del film oppure se il debutto rappresenterà uno dei primi veri ostacoli commerciali per la nuova strategia dei DC Studios.