Programmato in uscita nelle sale italiane per il prossimo 3 novembre, Il mio vicino Adolf è una commedia diretta dal regista israeliano Leon Prudovsky e scritto dallo stesso in collaborazione   con Dmitry Malinsky. Il film, pur trattando la tematica dell’olocausto, si mantiene molto leggero ed ironico. Nel cast ritroviamo l’attore scozzese David Hayman (Macbeth, il bambino con il pigiama a righe), il quale interpreta uno dei due protagonisti, il signor Polsky, insieme al tedesco Udo Kier (American Animals, figlia mia). Il mio vicino Adolf è stato prodotto congiuntamente da Israele e Polonia, e distribuito da Wonder Pictures.

Il mio vicino Adolf: il tedesco della porta accanto

Sud America, anni 60. L’anziano signor Polsky vive isolato da tutto e da tutti nella sua casa in collina. La sua esistenza calma e tranquilla è dedicata interamente a leggere le strategie di scacchi sul giornale e ad accudire meticolosamente il suo cespuglio di rose nere, unico ricordo della sua amata e della sua famiglia. La sua pace si interrompe quando, un giorno, un individuo sospetto, il signor Herzog, si trasferisce nella casa accanto, grazie all’ausilio della signora Kaltenbrunner (Olivia Slihavy). Dopo le immediate antipatie per via di alcune controversie riguardo ai confini tra le due proprietà, e dopo aver visto Herzog negli occhi, il signor Polsky si convince di una folle teoria: il suo nuovo vicino di casa è Adolf Hitler. Farà di tutto per dimostrare questa sua convinzione, dalle innocue ricerche fino ad introdursi in casa del vicino alla ricerca di prove. Ciononostante, i due anziani vicini riusciranno a legare, fino ad avere un vero rapporto d’amicizia, tramite una passione in comune: gli scacchi.

Il mio vicino Adolf: dramma e commedia

L’elemento veramente interessante di un film come Il mio vicino Adolf è la perfetta coesistenza di comicità e di tematiche storiche serie. In particolare, in questo caso possiamo notare come l’evento della Shoa, e come è stato elaborato da un sopravvissuto, il Signor Polsky, venga articolato in una pellicola tutt’altro che pesante. Nella storia del cinema si ritrovano altri esempi di opere simili. Si pensi al Grande Dittatore, film di Charlie Chaplin che ironizza sulla figura stessa di Hitler, o, volgendo lo sguardo a film più recenti, a Jojo rabbit. Inoltre, in Il mio vicino Adolf, gli elementi della vicenda che dovrebbero portare maggiore drammaticità vengono lasciati latenti e poco sviluppati, come la morte della famiglia di Polsky. Sono presenti nel film solo in alcuni singoli fotogrammi, come la foto di famiglia sullo scaffale o il numero identificativo tatuato sull’braccio di Polsky. A questi pochi fattori di dramma, si alternano diverse scene di piena commedia: i commenti da parte dei due anziani signori sulla signora Kaltenbrunner, l’ultima prova che Polsky chiede a Herzog per dimostrare di non essere Hitler.

Da un punto di vista prettamente linguistico, si può trovare molto curiosa la presenza di un persistente multilinguismo nel film, guardando il mio vicino Adolf in lingua originale. Le vicende si svolgono in Sud America, quindi le persone locali nel film parlano lo spagnolo, come ad esempio nel caso del postino. Invece, sia Polsky che Herzog parlano in tedesco, ma, comunicando tra loro o con la signora Kaltenbrunner, utilizzano l’inglese.

Herzog e Polsky: nemici amici

Tutte le vicende di Il mio vicino Adolf ruotano attorno a due soli personaggi coprotagonisti: il polacco ebreo Polsky e Herzog, il suo vicino tedesco. Queste due figure inizialmente sembrano essere antitetiche. Il primo vive un’esistenza umile e semplice, in una casa molto spoglia, mentre il secondo è più elegante e curato, sia nel vestiario che nell’arredamento della propria abitazione. Anche i rapporti che si istaurano tra i due anziani sono inizialmente molto tesi. Polsky, sopravvissuto all’olocausto, sembra non riuscire a superare al massimo il trauma subìto e questo lo porta a vedere da subito questo suo vicino di casa come una figura invadente, che rovina la sua quieta vecchiaia, e poi anche come una figura nemica. Dall’altro lato il signor Herzog si presenta in partenza come un individuo misterioso, nascosto dietro degli occhiali da sole e dietro la signora Kaltenbrunner. I due riusciranno poi ad instaurare un rapporto grazie agli scacchi e scopriranno di non essere poi così diversi.

Donato Carrisi torna al cinema con il suo terzo film, Io sono l’abisso, adattamento del suo omonimo romanzo pubblicato dalla casa editrice Longanesi nel 2020. La pellicola, che mette in scena la psiche del genere umano, volge lo sguardo verso il background dei serial killer e su come questo influenzi la loro “trasformazione in mostri”. Il film sarà nelle sale dal 27 ottobre, distribuito da Vision Distribution e accompagnato dalla colonna sonora composta da Vito Lo Re ed edita da Edizioni Curci e Palomar.

Io sono l’abisso, la trama

Un paese sul lago di Como. L’uomo che pulisce, un netturbino la cui vita è piena di solitudine, trova nella spazzatura che raccoglie l’unica fonte di verità. Nella casa in cui abita, oltre una porta laccata di verde, un uomo sconosciuto gli parla. Dietro il suo aspetto apparentemente normale, si cela un serial killer che segue uno schema ben preciso: uccidere donne bionde e avanti con l’età.

La Ragazzina dal ciuffo viola è un’adolescente che sta annegando in un lago; il tentato suicidio di lei è frutto di una vita che non riesce a sostenere, fatta di tesori materiali ma non affettivi. La Cacciatrice di mosche, è una “pazza” a cui la vita ha tolto tanto, e che adesso combatte affinché le donne vittime di violenza possano avere una voce e possano salvarsi. Tre vite apparentemente separate le une dalle altre ma che ad un certo punto si incontrano e, inevitabilmente, si intrecciano. Cosa le lega? Gli omicidi perpetrati da parte dell’uomo.

La potenza distruttiva della solitudine

Premessa: i protagonisti di Io sono l’abisso non hanno nomi. E neppure degli attori interpreti bisogna saperlo. La scelta, spiegata in una lettera del regista al suo spettatore, è puramente artistica. È come se attribuire un nome al personaggio lo marchiasse con un’etichetta di riconoscimento, ponendo quasi una distanza e impossibilitando l’altro ad andare oltre la sua identità. Al contrario, privandolo di qualcosa, non associando i nomi a nessun volto, avviene quel processo essenziale nel cinema: l’immedesimazione da cui nasce l’empatia.

Carrisi si pone dunque un obiettivo: condurre lo spettatore ad empatizzare con i protagonisti, in primis con L’uomo che pulisce, ossia il serial killer. Un modus operandi insolito e per certi versi anche anomalo, ma necessario per il regista affinché possa portare in scena uno stato sociale e umano che purtroppo non è raro al giorno d’oggi: la solitudine. Quella solitudine che nel percorso chiamato vita tocca l’esistenza di ognuno almeno una volta. A volte questa morbosa compagna arriva, si annida e si avvinghia. Altre volte, per fortuna, è solo di passaggio; dopo aver salutato, chiude la porta e scompare.

Nel caso dell’Uomo che pulisce questa “strana amica” ha preso il sopravvento, e ha alimentato quei mostri che l’assassino si trascina dietro come un grande e pesante fardello da quando era piccolo. Un susseguirsi di flashback, alternati ad attimi del presente, strutturano e destrutturano il personaggio; portano lo spettatore indietro nel tempo e mostrano senza pietà il trattamento “anti materno” di Vera, una madre che tutto vuole tranne un figlio. L’Uomo, qui ancora bambino, viene poi seguito mentre passa da un istituto all’altro, deriso dai suoi compagni di stanza e, ancora una volta, abbandonato.

È la “ricostruzione” della sua infanzia che permette l’identificazione con il serial killer, una persona lasciata al suo triste destino, violentata psicologicamente e privata dell’amore genitoriale nel momento in cui più ne aveva bisogno. Il passato lo ha plasmato nel mostro che è oggi, e nonostante la sua psiche deviata cerchi di condurlo costantemente verso la strada “della morte”, lui ad un certo punto prova a redimersi salvando la Ragazzina nel lago. E inizia a proteggerla. Perché lei è sua amica. Ed è a lei che, nel suo modo controverso, lui regala quell’affetto di cui non ha mai sentito il sapore; lo fa con qualcuno che, alla fine, rovescia la sua posizione di mostro, tramutandolo nel salvatore.

La trasposizione di un racconto crudo

Attraverso un montaggio alternato, la macchina da presa invade la vita dell’Uomo che pulisce, della Ragazzina e della Cacciatrice di mosche; essa li segue nei loro tormenti, nella psiche fragile e nella loro eterna alienazione. Io sono l’abisso dispone così di tre trame, nessuna con una valenza inferiore rispetto all’altra, ma con impatti visivi ed emotivi differenti che Carrisi mostra allo spettatore attraverso tecnica e stile.

Quando si segue L’uomo che pulisce, le inquadrature sono oblique, distorte. Un parallelismo sottile con la mente dell’assassino e i suoi malsani pensieri. L’alternanza di luce e ombra, poi, che avvolgono il suo volto in continua agonia, enfatizzano la combutta fra bene e male insita in lui. Per le due donne, invece, il regista predilige i primi piani sul volto, gli occhi e soprattutto sul loro sguardo smarrito.

L’Uomo, la Ragazzina e la Cacciatrice, ognuno con la sua storia e le proprie profonde ferite, sono legati simbolicamente da un filo rosso comune: sono perduti. E sono tutti e tre quasi incapaci di relazionarsi con una società che non sembra capirli. Anzi, a volte non vuole. Sono, per motivi differenti, alla ricerca costante di quella luce proveniente dal faro, quando la tempesta in mare aperto non permette di vedere l’orizzonte e si ha bisogno di un segnale che faccia ritrovare la strada di casa.

Io sono l’abisso diventa perciò un manifesto del dolore figlio della solitudine, che può avere forme e conseguenze diverse in base alla persona di cui si “ciba”. È un’opera che, ad un certo punto, scioglie la suspense del thriller e regala un sentimento di compassione verso qualcuno che, seppur non sia giustificabile, si sente il bisogno di abbracciare. Spesso i mostri diventano tali perché altri prendono il sopravvento nella loro vita, distruggendola. Donato Carrisi ha portato in scena il loro background, insediandosi senza filtri nella loro psiche. Spente le luci in sala, il cuore si apre. È pronto ad accogliere la storia nella sua interezza.

Le abbiamo viste in fuga su strade desolate, e altrettanto spesso assediate da lupi, fiere varie ed enormi squali cattivi (una falsità che ci rende meno adorabile il Grande Steven Spielberg), ma non capita spesso di seguire il dramma di giovani “Damigelle in pericolo” sospese a oltre 600 metri da terra. Un’esperienza inusuale che ci offre il Fall di Scott Mann che Bim Film distribuisce nei cinema a partire dal 27 ottobre. Un’avventura che le due protagoniste – la Mary dei due Shazam!, Grace Caroline Currey, e la Virginia Gardner di Gaslit e Runaway – ricorderanno per sempre a prescindere dal risultato professionale.

In primis, perché sono state costrette in prima persona a restare sospese nel vuoto durante riprese durante i quali i pericoli non sono mancati, tra intensi temporali, raffiche di vento a 100 km/h e persino il cameo di uno sciame di formiche volanti. E per fortuna che il regista di L’ultima partita e Bus 657 non le ha portate in cima alla torre dove si svolge la vicenda, ma su un traliccio di 30 metri ricostruito in cima a un dirupo delle Shadow Mountains, nel deserto del Mojave, in California.

La voglia di volare passa, la vertigine resta

Dopo che un’escursione sulle Montagne Rocciose di tre esperti freeclimber finisce in tragedia, l’azione si sposta infatti in Arizona, sulla quarta torre di trasmissione abbandonata più alta degli Stati Uniti. E’ qui che Hunter spera di spingere a superare le proprie paure l’amica Becky, ancora in lutto a un anno dalla disgrazia nella quale è scomparso il ragazzo Dan (Mason Gooding, a completare lo scarno cast con il sempre carismatico Jeffrey Dean Morgan), una presenza sempre costante nella vita delle due, e nel prosieguo di Fall. Che ci racconta i loro tentativi di chiedere aiuto e di sopravvivere alla mancanza di provviste e alle  condizioni atmosferiche avverse che rendono ancora più da brivido questo anomalo assedio nel mezzo del deserto.

Un thriller tra alti e bassi

“Mi piacerebbe averlo scritto”, pare abbia twittato Sua Maestà Stephen King, paragonando il film al Duel – ancora – di Spielberg. Un film a basso budget (3 milioni di dollari, ben spesi) nel quale la paura rischia di essere fin troppo tangibile e la tensione ha un andamento costante, a differenza che in questo. Un riferimento forse inarrivabile per tutti, che non vale la pena prendere in considerazione per giudicare un survival movie a suo modo originale, definito “vertiginoso” per ovvi motivi ed effettivamente in grado di regalare emozioni.

Come annuncia la produzione, “la vera star è la torre“, e la regia non fa che sottolinearlo adeguatamente. A partire dalle riprese – tanto semplici quanto spettacolari – che non ne mostrano che una porzione intermedia, privandoci di qualsiasi rassicurante riferimento spaziale e dando l’impressione di una ‘Starway to Heaven‘ vera e propria. Fino a quelle effettuate dall’immancabile drone, che ci portano a una altezza alla quale non molti di noi arriverebbero mai, come anche la maggior parte di avventure come questa.

Fall “cade” nel consueto

Che purtroppo scivola (attenzione!) nel consueto quando dal survival puro si passa alle sottotrame relative al passato e al rapporto tra le due ragazze, e alla principale chiave di volta dell’intreccio, che per lo meno restituisce senso alle diverse incongruenze mostrate nel corso della narrazione, che a tratti ristagna in attesa della nuova svolta in grado di riaccendere quanto meno la curiosità. Difetti che i produttori Mark Lane e James Harris avevano mostrato già in occasione dei precedenti 47 Metri (e sequel).

Resta il dubbio che ci possa essere un intento educativo nel mostrare le poche precauzioni che fanno da premessa al dramma, e i danni che produce l’affidarsi a cattivi maestri quanto contare su follower e ‘amici’ virtuali… elementi ormai ricorrenti, vista la presenza dei social nelle nostre vite. Stante una recitazione che spesso risulta secondaria in tanta adrenalina, resta da notare in Fall il buon momento delle ‘ceneri’, per quanto interlocutorio, e un uso intelligente e strategico della musica, chiamata spesso in causa a spiazzare lo spettatore con jumpscare annunciati ai quali non viene dato seguito, lasciando la tensione libera di svilupparsi altrimenti.

A quanti è capitato di guardare una commedia romantica e immedesimarsi nell’amore struggente e idilliaco vissuto dai protagonisti? Considerata la popolarità che questo genere di film vanta nella storia del cinema, si direbbe che sia successo a molti. Con Bros, finalmente, potrà capitare anche a qualcuno di più. Il nuovo film diretto da Nicholas Stoller e da lui scritto insieme all’attore Billy Eichner porta infatti sul grande schermo la prima storia d’amore tra due omosessuali, non relegati a ruoli da comprimari bensì protagonisti assoluti di questo racconto. Presentato con successo alla Festa del Cinema di Roma, il film vanta però anche altri importanti primari.

Si tratta infatti non solo di un film con attori appartenenti alla comunità LGBTQ+, bensì del primo lungometraggio incentrato su di un amore gay ad essere distribuito da una major hollywoodiana, la Universal. Un dettaglio non da poco, che permetterà alla storia d’amore tra Bobby Lieber (Billy Eichner) e Aaron (Luke Macfarlane) di raggiungere un pubblico particolarmente ampio. Il primo dei due è il conduttore di un podcast gay, ora incaricato di aprire il primo museo newyorkese sulla storia della comunità LGBTQ+. Il secondo, invece, è un giovane aitante particolarmente dedito alla cura del proprio corpo. Il loro incontro sarà un vero e proprio colpo di fulmine, ma per potersi realmente amare dovranno prima rinunciare ad ogni pregiudizio e paura.

Una rom-com tradizionale ma originale

Erano anni che Stoller ed Eichner progettavano di portare al cinema un film come Bros, che potesse unire commedia, amore ed omosessualità in modo genuino, rispettoso e brillante. I due hanno dunque scritto un racconto che rientra perfettamente nei classici canoni del genere, visti non come una costrizione bensì come l’opportunità per normalizzare la storia di Bobby e Aaron e allo stesso tempo far emergere la loro unicità. Classici di questo genere come Harry, ti presento Sally…, Insonnia d’amore e C’è posta per te vengono omaggiati apertamente nel film, anche solo con la presenza di Marc Shaiman, l’autore delle colonne sonore di quei film, chiamato a realizzare le musiche per Bros.

Il film procede dunque per una serie di “tappe obbligatorie” di questa tipologia di racconti: dall’incontro all’interesse, dai primi problemi all’allontanamento e fino al lieto fine. L’intelligenza di Stoller (autore di brillanti commedie come The Five-Year Engagement e Cattivi vicini) e Eichner sta poi nel riempire tali fasi del racconto con situazioni particolarmente sincere e il più possibile realistiche nei confronti delle relazioni omosessuali. L’appartenenza di Eichner alla comunità LGBTQ+ aiuta in tal senso a garantire un ritratto onesto di tale argomento, che non ripropone dunque i classici stereotipi più e più volte riproposti proprio dall’industria hollywoodiana.

In Bros, infatti, i protagonisti e quanti intorno a loro non vengono mai proposti come fossero oggetti estranei da studiare. L’approccio che Stoller ed Eichner hanno nei loro confronti, e nei confronti della storia in generale, è identico a quello che si può riscontrare in qualunque altro film di questa tipologia ma con protagonisti etero. Non ci sono differenze nel modo in cui Bobby e Aaron vengono raccontati, perché non ce ne sono neanche nella realtà. L’amore, ribadiscono gli autori del film, non si distingue da questi dettagli. I sentimenti messi in campo sono dunque universali e ciò consente a chiunque di poter godere di Bros in quanto film profondamente romantico e sinceramente divertente.

Bros, una divertente commedia politica

Lo spettatore che si concederà una visione priva di pregiudizi potrà dunque facilmente ritrovarsi ad identificarsi ora in Bobby ora in Aaron. Entrambi compiono gesti e pronunciano frasi che a chiunque può capitare di fare e dire nel quotidiano. Oltre questa ricerca di realismo, però, Bros non dimentica di essere anche una commedia, proponendo dunque scene, battute e gag particolarmente divertenti, che grazie alla regia di Stoller vengono ulteriormente valorizzate. Il film riesce a far ciò anche per via del suo non dimenticare mai il contesto culturale vigente al momento della sua produzione. Trovano dunque ampio spazio riflessioni sul nostro mondo digitale fatto di app di incontri e ritmi esagitati, ma anche quelle relative al concetto di uomo e genere.

Bros si propone a riguardo come un’opera particolarmente irriverente, capace di affrontare i luoghi comuni esistenti a riguardo smontandoli passo dopo passo senza perdere in ritmo e vivacità. Il merito va anche ai due protagonisti, lo stesso Eichner e Macfarlane, i quali risultano particolarmente generosi nei confronti dei loro personaggi, fornendoli di sincera umanità. In ultimo, al di là del divertimento e delle riflessioni proposte, non bisogna dimenticare quanto Bros possa essere anche un film politico, che in un periodo come quello attuale in cui i dibattiti sui diritti umani si sprecano, si eleva sopra di essi per ricordarci che l’amore è un diritto di tutti.

In concorso alla Festa del Cinema di Roma 2022 arriva anche Foudre, il primo lungometraggio della giovane regista svizzera Carmen Jaquier, prodotto dalla casa di produzione ginevrina Close Up e realizzato con il sostegno dell’Ufficio federale della cultura, del Cineforum e del Bourse Suissimage. Questo progetto è caratterizzato da una grande ambizione in termini di rappresentazione del risveglio carnale di una gioventù chiusa nel rigore di una piccola comunità e del loro passaggio all’età adulta.

Foudre: il colpo di fulmine del risveglio carnale

Nell’estate del 1900, Elisabeth (Lilith Grasmug) ha diciassette anni e sta per prendere i voti dopo cinque anni di convento, quando la morte improvvisa e inaspettata della sorella maggiore la costringe a tornare dalla sua famiglia, per aiutare nei campi. Qui, Elisabeth dovrà confrontarsi ancora una volta con la vita di duro lavoro che si è lasciata alle spalle, ma non è più una bambina e i misteri che circondano la morte della sorella la porteranno a riflettere sulla sua vita.

Foudre – “fulmine” – è un titolo metaforicamente appropriato per questo film. Sopra il borgo di montagna dove si svolge l’azione, il cielo non è mai tempestoso. I cieli, così misticamente maestosi da poter essere indicati al plurale, sono invece di una bellezza travolgente, con tramonti rosa o addirittura rosso sangue. Non dovrebbe esserci nulla di più banale del cielo che si estende a perdita d’occhio davanti ai personaggi di Foudre, eppure la messa in scena di Carmen Jaquier lo trasforma in un’enigmatica terra incognita dove il presagio metereologico del fulmine colpirà direttamente i corpi di una gioventù pronta a ribellarsi ben prima del 1968.

Un dialogo tra due voci

Elisabeth dovrebbe conoscere il cielo, avendo appena trascorso l’adolescenza in un convento. In seguito alla morte della sorella maggiore, Innocente, torna alla fattoria di famiglia dove l’unico linguaggio possibile sembra essere quello del silenzio e della vergogna: quello che è successo a Innocente è più di un mistero, è un tabù che Elisabetta è chiamata ad accettare senza discutere, come un dogma. “Il diavolo è venuto a riprendersi la sua ancella“, le viene detto al massimo. Mentre Elisabeth si chiede se ha pregato abbastanza o abbastanza bene per proteggere la sorella, un secondo monologo interiore si sovrappone al suo: attraverso un diario nascosto, Innocente parla di nuovo.

Che cosa aveva visto Innocente nel cielo per cui meritava di morire? Foudre è pieno di misteri. Quelli della fede, quelli della segretezza, quelli della sessualità, quelli dei rituali (una scena di festa filmata come un sabba di streghe, una scena di masturbazione come un atto magico), quelli dei simboli (un diario che assomiglia a un grimorio, un’icona che assomiglia a una creatura fantastica). Carmen Jaquier mostra senza alcun dubbio un talento sorprendente per la messa in scena, vero punto di luce del film, che si perde invece a livello narrativo, soprattutto per la rappresentazione offuscata e caricaturale di quegli adulti da cui i ragazzi vogliono allontanarsi.

Foudre fatica a trovare una collocazione

Se gli immensi paesaggi delle Alpi sono sottolineati da composizioni mozzafiato, la bellezza visiva di Foudre – assolutamente incontrastata – tende a risultare decorativa, non supportata da un apparato narrativo intelligente come quello di Ritratto della giovane in fiamme (2019), film a cui la Jaquier guarda tanto. Se il fuoco dell’emancipazione arde nei corpi stessi di Innocent ed Elisabeth, consuma anche il film nel suo complesso, sovraesponendone oltremodo la materia narrativa, laddove dovrebbe limitarsi a suggerire quello che il paesaggio già fa intendere. Attraverso effetti di montaggio, illuminazione e colori saturi, Jaquier dà l’impressione che i protagonisti che filma siano letteralmente “in fiamme” ma, al di là di qualche sequenza indovinata, dove davvero riusciamo a intuire stati d’animo profondi solo grazie alle suggestioni visive, Foudre sembra perdersi in un territorio esplorato dal già citato film di Céline Sciamma, The VVitch di Robert Eggers e Il Sabba di Pablo Agüero.

L’indagine che conduce Elizabeth alla morte della sorella Innocente è anche il percorso che la porta alla scoperta del suo corpo e dei suoi desideri. I sassolini seminati dalla sorella maggiore, i suoi scritti segreti, i suoi tanti amori, sono tutte rivelazioni, persino epifanie. Perché vivere se significa essere ostacolati? Perchè essere sottoposti a un duplice sguardo – quello ardente degli uomini della comunità e quello del rigore religioso – senza cercare di guardare prima dentro il proprio corpo? Tematicamente intriganti, i quesiti di Foudre forse trovano risposta nelle capacità tecniche di una promettente cineasta, piuttosto che nella costruzione di un mondo specifico, organico e supportato narrativamente quanto visivamente.