Un omaggio all’artigianato che c’è dietro la settima arte: Rodrigo Sorogoyen e Victoria Luengo presentano L’Essere Amato

Un set cinematografico non è il luogo ideale per ricostruire un rapporto padre-figlia

Per Victoria Luengo, le condizioni in cui si realizza un film contribuiscono a intensificare ogni relazione. «Il set è un luogo dove c’è molta tensione, molta vulnerabilità, molta esposizione», spiega l’attrice. L’adrenalina e il nervosismo della lavorazione finiscono così per mettere ogni legame sotto una lente d’ingrandimento, amplificandone tanto gli aspetti positivi quanto quelli più dolorosi.

Nel rapporto tra Emilia ed Esteban, questa dinamica si intreccia con una precisa asimmetria: quella tra un padre e una figlia, ma anche tra due persone che si confrontano con differenti forme di potere e fascinazione reciproca. Il set diventa un ambiente in cui le emozioni non possono rimanere separate dal lavoro, perché ogni gesto professionale può assumere un significato personale.

Sorogoyen individua proprio in questa contraddizione il motore del conflitto. Esteban, osserva il regista, «vuole riavere sua figlia, ma cerca di farlo su un set cinematografico», un luogo tutt’altro che appropriato per ricostruire un rapporto affettivo. Il personaggio agisce con intenzioni che considera buone, ma sceglie un metodo imperfetto, talvolta condizionato anche dal proprio egoismo. È da questa distanza tra desiderio e comportamento che nascono i problemi e le tensioni del film.

Emilia cerca il riconoscimento professionale o vuole capire suo padre?

La complessità del personaggio di Emilia emerge soprattutto nelle motivazioni che la spingono ad accettare l’opportunità di lavorare con Esteban. Secondo Luengo, la donna si racconta di aver accettato per ragioni esclusivamente professionali: come attrice, non vuole lasciarsi sfuggire un’occasione importante. È una giustificazione che le permette di proteggersi, stabilendo limiti che crede di poter rispettare.

Ma dietro questa spiegazione si nasconde un desiderio più intimo. «Forse inconsciamente, penso che Emilia ci vada anche per avvicinarsi a suo padre, per capirlo, per comprendere cosa è successo, perché non c’era», racconta l’attrice.

Il percorso di Emilia diventa così un progressivo confronto con le proprie motivazioni. La distanza che cerca di mantenere si riduce, mentre i confini che si era imposta vengono gradualmente superati. Più che una semplice ricerca di approvazione, il suo coinvolgimento sembra rispondere al bisogno di dare un senso all’assenza paterna. Capire perché Esteban non ci fosse significa anche provare a comprendere chi sia diventato e quale posto possa ancora avere nella sua vita.

La verità sullo schermo passa anche dai dettagli più piccoli

Uno degli aspetti più riconoscibili del cinema di Sorogoyen è la capacità di costruire situazioni credibili, nelle quali i personaggi sembrano esistere anche al di fuori dell’inquadratura. Per il regista, questa ricerca nasce da un’esigenza personale: «Ho bisogno di credere a ciò che sta accadendo sullo schermo come spettatore».

Luengo descrive un metodo di lavoro estremamente rigoroso, attento non soltanto agli interpreti principali, ma anche alle comparse e ai dettagli apparentemente secondari. Ricorda, per esempio, una scena girata in una caffetteria, interrotta perché una comparsa sullo sfondo rimaneva troppo a lungo a leggere un libro senza mai guardare il cellulare. Un particolare minimo, ma sufficiente a compromettere la plausibilità della situazione.

Questa attenzione contribuisce a costruire un mondo cinematografico nel quale ogni elemento deve sembrare autentico. La verità non riguarda soltanto le emozioni espresse dai protagonisti: coinvolge l’intero ambiente, dai comportamenti delle persone sullo sfondo alla naturalezza dei gesti quotidiani.

Una prima scena girata senza prove per entrare subito nel dramma

La ricerca di immediatezza trova una delle sue espressioni più significative nella scena iniziale, ambientata al ristorante, in cui Emilia incontra il padre. Sorogoyen voleva che il pubblico provasse fin da subito disagio, tensione e incertezza, senza sapere esattamente che cosa sarebbe successo.

Luengo racconta che la sequenza è stata girata il primo giorno di riprese. Lei e Javier, interprete di Esteban, avevano scelto di non incontrarsi prima e di non provare insieme, preparando separatamente i rispettivi personaggi. Quando è arrivato il momento di girare, l’attrice è entrata in un ristorante allestito in modo da nascondere telecamere e microfoni, con persone che mangiavano come in una giornata normale.

La scena, costruita incorporando dieci pagine di sceneggiatura, è durata un’ora e venti minuti senza interruzioni. «È stata come un pasto tra un padre e una figlia, in tempo reale», racconta Luengo. Non ci sono state seconde riprese: ripetere la sequenza, secondo l’attrice, avrebbe rischiato di compromettere quel senso di realismo.

Un cinema più libero, tra rischio e lavoro collettivo

Con L’Essere Amato, Sorogoyen ha cercato consapevolmente di allontanarsi dal linguaggio dei suoi film precedenti, come As Bestas, per sperimentare una regia più audace e libera. Una scelta che ha comportato anche una maggiore incertezza: ripetere un metodo già collaudato sarebbe stato più rassicurante, ma avrebbe offerto meno occasioni di apprendimento.

Anche la preparazione degli attori è stata calibrata sulle esigenze delle singole scene. Molto lavoro analitico sui personaggi ha preceduto le riprese, mentre le prove collettive sono state riservate soprattutto alle sequenze più complesse. L’obiettivo era arrivare sul set conoscendo a fondo le motivazioni dei protagonisti, lasciando però spazio alla spontaneità.

Tra i riferimenti del film, Sorogoyen cita Irma Vep di Olivier Assayas, apprezzato per il modo in cui racconta le persone che lavorano dietro le quinte. Più che celebrare il cinema come mito, il regista voleva valorizzarne la dimensione concreta e umana: «Non volevamo rendere omaggio alla settima arte, volevamo rendere omaggio all’artigianato».

È in questa prospettiva che L’Essere Amato mette in relazione il lavoro cinematografico e quello, più fragile, necessario per ricostruire un rapporto. Entrambi richiedono precisione, ascolto e collaborazione, ma nessuna tecnica può garantire il risultato. Perché, proprio come accade sul set, anche nella vita il desiderio di ottenere qualcosa non basta: conta soprattutto il modo in cui si prova a raggiungerlo.