Dutton Ranch è già tornata a poco più
di un mese dalla conclusione della sua prima stagione. Paramount ha
annunciato l’uscita digitale della serie sequel di Yellowstone con Kelly Reilly e Cole Hauser,
accompagnandola con uno speciale dietro le quinte dedicato alla
costruzione del nuovo capitolo della storia di Beth Dutton e Rip
Wheeler. Un ritorno che arriva mentre il franchise di Taylor Sheridan prepara già i prossimi
appuntamenti e la seconda stagione dello spinoff.
La
nuova edizione digitale include infatti “A New Beginning: Inside Dutton Ranch”, uno
speciale composto da interviste, materiale dal backstage e immagini
realizzate sui set in Montana e Texas. La pubblicazione segue la
strategia adottata da Paramount con altre produzioni legate a
Sheridan, come Landman e The
Madison, progressivamente distribuite anche al di fuori
del catalogo streaming di Paramount+ dopo la conclusione delle rispettive
stagioni.
L’operazione assume però particolare importanza per Dutton Ranch. La serie è stata
ufficialmente rinnovata per una seconda stagione nel giugno 2026, ma dovrà
affrontare un significativo cambiamento creativo: Benjamin Cavell,
già coinvolto in SEAL
Team, prenderà il controllo dello show dopo l’uscita del
precedente showrunner Chad Feehan. La nuova pubblicazione permette
quindi a Paramount di mantenere alta l’attenzione sullo spinoff
durante una fase di transizione importante per il suo futuro.
Dutton Ranch 2 dovrà costruire il
nuovo futuro di Beth e Rip dopo Yellowstone
Dutton Ranch nasce come
una vera prosecuzione della storia principale di
Yellowstone,
invece che come uno dei numerosi prequel ambientati nel passato
della famiglia Dutton.
La serie segue Beth e
Rip dopo la distruzione del loro ranch in Montana e il
trasferimento in Texas, dove tentano di costruire una nuova
attività legata all’allevamento. Il cambiamento geografico consente
allo show di mantenere alcuni degli elementi fondamentali di
Yellowstone introducendo
contemporaneamente nuovi conflitti e un ambiente differente.
La prima stagione ha ottenuto una risposta positiva sufficiente a
convincere Paramount a confermare rapidamente il progetto, ma il
cambio di showrunner rende la seconda stagione particolarmente
interessante. Cavell dovrà infatti proseguire gli archi narrativi
già avviati senza alterare l’identità costruita durante il primo
ciclo di episodi.
Il ritorno digitale arriva inoltre mentre l’intero universo di
Taylor Sheridan
continua a espandersi attraverso più protagonisti. Il prossimo
appuntamento sarà Marshals, lo spinoff incentrato su Kayce Dutton, che tornerà con la
seconda stagione il 4 ottobre sulla CBS.
Questa strategia mostra quanto Yellowstone abbia ormai superato i confini della serie
originale. Beth, Rip e Kayce stanno continuando le proprie storie
attraverso produzioni separate, mentre altri progetti esplorano
epoche e personaggi differenti della mitologia dei Dutton.
Resta da capire quando Dutton
Ranch arriverà anche in formato fisico. Considerando le
precedenti strategie distributive di Paramount, potrebbe
trascorrere un periodo compreso tra tre e cinque mesi dall’uscita
digitale, collocando un’eventuale edizione tra la fine del 2026 e
l’inizio del 2027.
Una finestra che avrebbe anche una funzione strategica:
riportare l’attenzione su
Beth e Rip prima dell’arrivo di Dutton Ranch
2, attualmente previsto nel corso del 2027.
La
quinta stagione di Bridgerton cambierà inevitabilmente gli
equilibri della serie Netflix e uno dei suoi volti più importanti avrà meno
spazio rispetto al passato. Nicola Coughlan ha confermato che Penelope Bridgerton sarà
meno presente nei nuovi episodi, dopo essere stata una
figura centrale fin dall’inizio dello show e aver condiviso con
Luke Newton il ruolo di protagonista assoluta della terza
stagione.
A
confermarlo è stata la stessa Coughlan in un’intervista a
E! News. L’attrice ha però
subito rassicurato gli spettatori: Penelope continuerà a far parte di Bridgerton e i nuovi impegni
professionali non le impediranno di tornare sul set. Coughlan sta
infatti dividendo il proprio tempo tra la serie Netflix e la sesta
stagione di Only Murders in the
Building, nella quale avrà un ruolo ricorrente ancora
avvolto dal mistero.
Più che un vero passo indietro per Penelope, la decisione sembra
quindi rappresentare la naturale conseguenza della struttura
narrativa di Bridgerton.
Dopo aver portato a compimento la storia d’amore tra Penelope e
Colin, la serie può permettere ai due personaggi di passare in
secondo piano e lasciare spazio alle nuove relazioni. È lo stesso
meccanismo che ha consentito allo show di rinnovarsi stagione dopo
stagione senza rinunciare completamente ai protagonisti del
passato.
Penelope resterà in Bridgerton,
ma la sua storia con Colin ha già avuto il suo momento
centrale
Nicola Coughlan ha descritto questo passaggio come
“dolceamaro”,
soprattutto dopo aver trascorso anni interpretando uno dei
personaggi più riconoscibili della serie. L’attrice ha ricordato
positivamente l’esperienza della terza stagione, quando Penelope e
Colin Bridgerton sono diventati il cuore della narrazione.
Allo stesso tempo, avere un ruolo meno impegnativo sembra averle
permesso di tornare sul set con una pressione differente. Coughlan
non considera infatti la riduzione della presenza di Penelope come
qualcosa di negativo, riconoscendo proprio nella capacità di
spostare continuamente il
centro della storia uno dei principali punti di forza di
Bridgerton.
È
un aspetto fondamentale del modello narrativo della serie. Ogni
stagione porta in primo piano un nuovo membro della famiglia e una
diversa storia sentimentale, mentre le coppie già formate entrano
progressivamente nell’ensemble. Dopo essere stata per anni Penelope
Featherington e aver sposato Colin nella terza stagione, il
personaggio è ormai diventato Penelope Bridgerton, completando uno degli archi
narrativi più lunghi costruiti dallo show.
La sua minore presenza potrebbe inoltre essere particolarmente
significativa considerando quanto Penelope sia stata importante non
soltanto sentimentalmente. La sua identità come Lady Whistledown l’ha resa uno dei
motori narrativi dell’intera serie, spesso capace di influenzare
gli eventi anche quando non era direttamente al centro della
storia.
Per questo sarà interessante capire come Bridgerton gestirà progressivamente il
personaggio e quanto spazio continuerà ad avere Lady Whistledown
nella nuova configurazione dello show. Ridurre Penelope senza
perdere completamente quella componente narrativa sarà uno degli
equilibri che gli autori dovranno trovare.
Non si tratta comunque di un addio. Coughlan ha chiarito di essere
ancora legata alla serie e di essere riuscita a conciliare le
riprese con gli altri progetti. Il suo nuovo impegno in
Only Murders in the
Building rappresenta piuttosto il segnale di una fase diversa
della sua carriera dopo l’enorme esposizione ottenuta grazie a
Bridgerton.
Netflix non ha ancora comunicato una data precisa per
Bridgerton 5, ma
ha confermato che la nuova stagione arriverà nel 2027.
Grazie all’uscita di Lanterns, è possibile che l’universo DC di James
Gunn stia finalmente iniziando a svelare il quadro generale per
quanto riguarda Dei e Mostri. Superman del 2025 è stata la
nostra migliore e più grande introduzione a questo mondo, con eroi,
metaumani e alieni già affermati, e un mondo che già si sforzava di
conciliare tutto ciò. Ora, Lanterns potrebbe aver dato il via a un
tassello fondamentale della narrazione complessiva del nuovo
universo DC.
Nella nuova serie HBO
Max con Kyle Chandler nei panni di Hal Jordan e Aaron Pierre in
quelli di John Stewart, Lanterns vede il veterano e la recluta
indagare su omicidi alieni nella piccola cittadina rurale di
Rushville, in Nebraska. Chiaramente ispirata a serie come True Detective, il primo episodio ha già
confermato che, pur essendo iniziata in modo piuttosto realistico,
la serie è destinata a raggiungere livelli cosmici. Tenendo
presente questo, la première suggerisce anche che ci siano in gioco
poste in gioco ben più ampie che potremmo non aver ancora compreso
appieno nel quadro generale dell’universo DC.
In poche parole: se Lanterns of the
Green Lantern racconta un giallo alieno autoconclusivo, è
fantastico. Ha già tutti gli ingredienti giusti per diventare uno
dei progetti più intriganti dell’Universo DC. Tuttavia, credo ci
siano ottime probabilità che le conseguenze di questa nuova serie
possano fungere da trampolino di lancio per Gods and Monsters, il
primo capitolo confermato dei progetti dell’Universo DC.
La nuova serie di Lanterns of the
Green Lantern è arrivata con importanti rivelazioni e misteri
John Johnson/HBO Max
Nel complesso, la première di
Lanterns of the Green Lantern non perde tempo a stabilire il suo
mistero centrale a Rushville, Nebraska. Indagando su omicidi alieni
avvenuti nel 2016, quando John si stava addestrando con Hal, si
scopre che la regione è particolarmente importante perché è anche
il luogo in cui il morente Green Lantern Abin Sur atterrò in modo
rovinoso decenni prima, nel 1986, scegliendo Hal Jordan come suo
successore. Da allora, Hal ha monitorato la zona.
Inoltre, la première di Lanterns si
conclude con un salto temporale al 2026, dove il cadavere di Hal
Jordan, congelato e senza anello, viene inaspettatamente ritrovato
da John Stewart e dallo sceriffo Kerry Kane. Ad aggiungere
ulteriore mistero, scopriamo che nel 2016 William Macon proteggeva
una regione per conto di un committente sconosciuto, con una grande
milizia apparentemente addestrata specificamente per combattere gli
extraterrestri.
Di proposito, il quadro completo
non si è ancora delineato dopo questo primo episodio di Lanterns,
ma senza dubbio si chiarirà entro la fine della stagione. Detto
questo, alcuni momenti chiave rendono difficile scrollarsi di dosso
la sensazione che qualcosa di molto più grande stia preparando il
terreno per il futuro dell’universo DC.
Lanterns dà il via a un grande
mistero sulla Terra nell’universo DC di James Gunn
Uno degli indizi più interessanti
della prima puntata su una trama più ampia dell’Universo DC
proviene da Hal. Mentre addestra John Stewart nel 2016, Hal
fornisce alcuni dettagli affascinanti su come ha ottenuto il suo
anello del potere e cosa è successo quando ha incontrato per la
prima volta Abin Sur ed è diventato un ufficiale del Corpo delle
Lanterne Verdi.
Scattato dal suo letto in Nebraska
in una gigantesca bolla verde, Hal ha confermato di non aver avuto
paura quando gli è stato chiesto. Scelto da Abin Sur prima di
morire, Hal rivela di aver poi sospettato che lo schianto non fosse
stato un incidente. Dopotutto, la Terra è apparentemente
considerata un “pianeta sperduto e di m***a” e i Guardiani
dell’Universo non hanno mai voluto che le Lanterne si avvicinassero
alla Terra, tanto meno un umano tra le loro fila. Pertanto, Hal
conferma che il suo istinto gli ha sempre detto che qualcosa stava
per accadere, da qui il suo costante monitoraggio di Rushville
negli anni successivi al suo reclutamento iniziale.
Da un lato, questo potrebbe
semplicemente preannunciare gli eventi immediati di Lanterns e dei
suoi episodi futuri. Gli omicidi alieni, la milizia di Macon e
l’alieno travestito da umano che Hal ha interrogato (prima che si
facesse esplodere per nascondere la sua missione) suggeriscono che
un importante conflitto extraterrestre si sta avvicinando al
Nebraska, un conflitto in cui gli umani saranno senza dubbio
coinvolti in una sorta di guerra aliena.
Tuttavia, il fatto che la serie si
prenda il tempo di stabilire che la Terra potrebbe avere un
significato cosmico nascosto nell’Universo DC potrebbe essere un
elemento cruciale e di grande importanza. Potenzialmente, potrebbe
persino essere uno dei primi semi piantati per una storia più ampia
che James Gunn intende raccontare nel primo capitolo dell’Universo
DC (God and Monsters). È già stato appurato che la Terra ospita
alieni, metaumani, potenti agenzie governative e fenomeni
soprannaturali sempre più strani. Se la Terra ha davvero un
significato cosmico nascosto, Lanterne Verdi potrebbe essere il
progetto perfetto per spiegarne il motivo.
In sostanza, mentre Lanterne Verdi
potrebbe concludersi spiegando l’importanza del Nebraska, forse si
concluderà anche lasciandoci con nuovi interrogativi sulla Terra in
generale. L’Universo DC sta finalmente svelando la trama generale
di Dei e Mostri?
La DCU sta finalmente svelando la
trama generale di “Gods and Monsters”?
Non solo l’importanza nascosta
della Terra si adatta perfettamente alla mitologia DC Comics già
esistente, ma alcune delle tensioni viste in Lanterne Verdi
sembrano collegate a trame già viste nell’Universo DC, soprattutto
per quanto riguarda gli alieni.
La première di Lanterne Verdi ha
già mostrato un forte sentimento anti-alieno. La milizia di Macon
sembra determinata a “proteggere la Terra da chiunque non sia nato
su di essa”. Pertanto, questo atteggiamento potrebbe benissimo
estendersi agli alieni che non si trovano attualmente in Nebraska…
come Superman e sua cugina Supergirl. Se la paura del pubblico
verso gli alieni continua a crescere, l’impatto potrebbe farsi
sentire in tutto l’Universo DC. Allo stesso modo, le risposte
governative sono altrettanto importanti. Come visto in progetti
precedenti come Superman e Peacemaker, organizzazioni come l’ARGUS e il suo
direttore Rick Flag Sr. sono sempre più preoccupate per le minacce
metaumane ed extraterrestri e per il loro ruolo negli affari
geopolitici.
Pertanto, Lanterns sembra pronto ad
aggiungere un altro tassello a quella narrazione generale e
l’inizio di una trama ben più ampia per l’Universo DC. Potrebbe
benissimo essere il progetto che inizia davvero a delineare la
posta in gioco per Dei e Mostri, considerando la “tempesta” che Hal
Jordan crede sia in arrivo. Potrebbe essere solo un riferimento
agli eventi futuri di Lanterns? Certo. Ma un significato più
profondo per la Terra, tenuto nascosto per qualche ragione, sembra
fin troppo perfetto come trama generale dell’Universo DC.
A poco più di un anno da Superman,
l’Universo DC di James Gunn potrebbe finalmente iniziare a
mostrarci dove sta andando con Lanterns.
I nuovi episodi di Lanterns dei DC
Studios vengono pubblicati la domenica sera su HBO Max.
Il
futuro televisivo del Marvel Cinematic Universe
potrebbe essere molto più ricco di quanto suggerito dalle ultime
indiscrezioni. Marvel Studios avrebbe infatti diverse nuove serie live-action in sviluppo
per Disney+, con i primi annunci
che potrebbero arrivare prossimamente. Una notizia importante
soprattutto dopo le voci secondo cui lo studio sarebbe intenzionato
a ridurre sensibilmente il numero di produzioni televisive
originali dopo VisionQuest.
A
riportarlo è Julia
Alexander di Puck, secondo cui sarebbero attualmente in
lavorazione “multiple live-action Marvel series” destinate alla
piattaforma streaming. La giornalista collega inoltre questa
strategia alla nuova fase dell’MCU, che dopo Avengers: Doomsday dovrà integrare
una nuova generazione di personaggi e, soprattutto, gli
X-Men. Marvel Studios e Disney non hanno per
il momento commentato ufficialmente l’indiscrezione.
Il punto interessante è che il report non necessariamente
contraddice le precedenti informazioni sulla volontà della Marvel
di ridimensionare la produzione televisiva. Piuttosto, potrebbe
indicare un cambio di
modello: meno serie contemporaneamente, maggiore selezione
dei progetti e utilizzo di Disney+ per sviluppare personaggi che
difficilmente troverebbero spazio nel calendario cinematografico.
Dopo anni nei quali la quantità di contenuti è stata spesso
indicata come uno dei problemi dell’MCU post-Endgame, Marvel potrebbe quindi non
abbandonare la televisione, ma trasformarne profondamente la
funzione.
Le nuove serie Marvel potrebbero
costruire l’MCU dopo la Saga del Multiverso
Al momento il calendario televisivo Marvel ha ancora alcuni punti
fermi. VisionQuest debutterà a ottobre, mentre
Daredevil: Born Again tornerà con
la terza stagione. Allo stesso tempo, alcune decisioni recenti –
compreso lo stop alla seconda stagione di Wonder Man dopo il precedente rinnovo –
avevano alimentato dubbi sulla direzione futura delle produzioni
live-action per Disney+.
A
rendere il quadro ancora più interessante è un precedente report di
Collider, secondo cui
Marvel Studios avrebbe intenzione di ridurre le nuove serie live-action dopo
VisionQuest. La
strategia non riguarderebbe necessariamente gli show già esistenti,
come Daredevil: Born
Again, né eventuali miniserie sviluppate sotto etichette come
Marvel Spotlight
e Marvel
Presents.
Le due informazioni possono quindi convivere. Marvel potrebbe avere
diversi progetti in sviluppo senza necessariamente tornare al ritmo
produttivo che aveva caratterizzato le prime fasi dell’espansione
su Disney+. Lo sviluppo, inoltre, non
garantisce che ogni progetto riceva il via libera definitivo.
Il passaggio decisivo sarà probabilmente la conclusione della
Saga del Multiverso. Marvel
Studios sta concentrando buona parte delle proprie energie sul
completamento dell’attuale arco narrativo, mentre
contemporaneamente prepara la nuova configurazione dell’universo
cinematografico.
Ed è qui che entrano inevitabilmente in gioco gli
X-Men. Il reboot
cinematografico dedicato ai mutanti può introdurre i personaggi
principali, ma l’universo Marvel dispone di decine di squadre, eroi
e storyline difficili da sviluppare esclusivamente attraverso i
film. Disney+ potrebbe diventare lo spazio
ideale per raccontare personaggi secondari e storie parallele,
lasciando agli eventi cinematografici il compito di portare avanti
la trama principale.
Un approccio che spiegherebbe anche la recente trasformazione di
Nova,
inizialmente associato a un progetto televisivo e ora indicato come
protagonista di un film scritto da Michael Waldron. La distinzione
tra personaggi destinati al cinema e quelli sviluppati attraverso
lo streaming potrebbe diventare molto più netta nella prossima fase
dell’MCU.
Un primo appuntamento da tenere d’occhio sarà il
New York Comic
Con. Marvel Television terrà un panel l’8 ottobre dedicato
alle prossime produzioni Marvel Television e Marvel Animation per
Disney+. L’evento dovrebbe concentrarsi
principalmente su VisionQuest, Daredevil: Born Again, X-Men
’97 e Your Friendly
Neighborhood Spider-Man, ma alla luce delle nuove
indiscrezioni non è escluso che Marvel possa utilizzare il palco
per anticipare almeno una parte della sua futura strategia
televisiva.
Per ora, quindi, non ci sono nuovi titoli ufficialmente annunciati.
Ma se il report verrà confermato, la televisione continuerà ad avere un ruolo
importante nell’MCU anche dopo la Saga del Multiverso,
seppure probabilmente con una strategia molto diversa rispetto al
passato.
La
seconda stagione di Murderbot sta assumendo dimensioni
decisamente più grandi. Apple
TV ha annunciato 25
nuovi interpreti che affiancheranno Alexander Skarsgård nei prossimi episodi
della space opera tratta dai romanzi The Murderbot Diaries di Martha Wells. Tra i nomi più
importanti figurano Michael
Sheen, Steve Buscemi, Tramell Tillman, Nicholas Braun, Topher
Grace, Patton Oswalt e Wanda Sykes, mentre la produzione
della nuova stagione è attualmente in corso in vista di un debutto
previsto nel 2027.
Secondo quanto riportato da Deadline, i nuovi attori saranno distribuiti tra ruoli
ricorrenti e guest star, anche se Apple TV non ha ancora rivelato
quali personaggi interpreteranno. Oltre ai nomi già citati, il
nuovo cast comprende Blair Underwood, Brendan Hunt, Bridget
Everett, Britne Oldford, Damian Young, Divian Ladwa, Ella Jay
Basco, Etienne Beydon, Griffin Newman, Jaedynn Latter, Jason
George, Kali Reis, Katy O’Brian, Maddy Strauss, Marc Menchaca,
Martha Plimpton, Meredith Salenger, Nia Otchere-Sarfo e altri.
Un’espansione considerevole rispetto alla prima stagione, che
suggerisce come il viaggio di Murderbot sia destinato ad allargarsi
ben oltre gli ambienti e i personaggi conosciuti finora.
L’ingresso di un numero così elevato di interpreti potrebbe inoltre
offrire il primo vero indizio sulla struttura della seconda
stagione. Apple TV non ha ancora confermato quale romanzo verrà
adattato, ma diversi segnali suggeriscono che gli autori potrebbero
combinare elementi
provenienti da più libri di Martha Wells. Se così fosse,
la serie potrebbe accelerare l’espansione dell’universo narrativo,
introducendo contemporaneamente nuove stazioni, corporazioni,
intelligenze artificiali e gruppi di umani incontrati da Murderbot
durante il suo percorso.
Murderbot 2 potrebbe espandere la
storia oltre Artificial Condition
La prima stagione, arrivata su Apple TV nel maggio 2025, ha
introdotto Alexander
Skarsgård nei panni di Murderbot, un’unità di sicurezza
artificiale che riesce a violare il proprio modulo di controllo
conquistando segretamente l’autonomia.
Invece di ribellarsi all’umanità o iniziare una rivoluzione delle
macchine, Murderbot utilizza però gran parte della propria libertà
per guardare compulsivamente serie televisive, cercando allo stesso
tempo di evitare il più possibile le interazioni sociali. Una
premessa che ha permesso alla serie di mescolare space opera,
thriller, commedia e riflessione sull’identità.
Diversi protagonisti della prima stagione torneranno.
Noma Dumezweni
riprenderà il ruolo di Ayda Mensah, David Dastmalchian quello di
Gurathin, Sabrina Wu sarà nuovamente Pin-Lee, Akshay Khanna tornerà
come Ratthi, Tattiawna Jones come Arada e Tamara Podemski come
Bharadwaj.
Tornerà persino The Rise
and Fall of Sanctuary Moon, la serie televisiva fittizia
di cui Murderbot è ossessionato. Jack McBrayer, John Cho, DeWanda
Wise e Clark Gregg riprenderanno infatti i rispettivi ruoli
all’interno dello show nello show.
Tra i nuovi ingressi spiccano diversi volti già legati ad Apple TV.
Tramell Tillman
è diventato uno dei personaggi simbolo di Severance grazie al ruolo di Seth Milchick,
mentre Brendan Hunt interpreta Coach Beard in Ted
Lasso. Martha Plimpton è invece apparsa in Prime Target.
Il vero interrogativo riguarda però il materiale letterario scelto
per continuare la storia. Dopo la prima novella della saga,
All Systems Red, Martha
Wells ha pubblicato nel 2018 Artificial Condition, seguito nello stesso anno da
Rogue Protocol ed
Exit Strategy.
Artificial Condition
rappresenterebbe una naturale prosecuzione perché porta Murderbot a
investigare sul proprio passato e introduce nuovi elementi
fondamentali della sua evoluzione. Ma un cast composto da
25 nuovi
interpreti potrebbe indicare una stagione più ambiziosa,
capace di attingere contemporaneamente a diverse tappe del viaggio
letterario del protagonista.
Una scelta del genere permetterebbe anche alla serie di ampliare
rapidamente la scala del proprio universo. La prima stagione doveva
soprattutto spiegare chi fosse Murderbot e costruire il suo
difficile rapporto con gli esseri umani; la seconda può ora
mostrare cosa significa per una SecUnit diventata autonoma muoversi
liberamente attraverso una galassia dominata da corporazioni e
sistemi artificiali.
Apple TV non ha ancora comunicato né il numero degli episodi né una
data precisa per il ritorno della serie. Murderbot 2 è attualmente in produzione ed è attesa
nel corso del 2027.
Tom
Hanks potrebbe aver trovato uno dei suoi prossimi grandi ruoli
cinematografici. Warner Bros. è infatti in trattative per
portare sul grande schermo Theo of Golden, il romanzo di Allen Levi diventato
un sorprendente fenomeno editoriale negli Stati Uniti, dove ha
venduto più di 3,5 milioni
di copie. Se l’accordo verrà finalizzato, il due volte
premio Oscar interpreterà il protagonista Theo e parteciperà al
progetto anche come produttore esecutivo.
Secondo quanto riportato da Deadline, le trattative sarebbero ormai vicine alla
conclusione. Hanks dovrebbe produrre il film insieme allo stesso
Levi, Gil Netter, Gary Goetzman, Jesse Ehrman e Sheila Walcott. Per
l’attore sarebbe l’ennesimo incontro con un’opera letteraria dopo
adattamenti come Forrest
Gump, Il miglio
verde, The Polar
Express, News of the
World e i film tratti dai romanzi di Dan Brown. Questa volta,
però, alla base del progetto c’è una storia editoriale decisamente
insolita: Theo of Golden
nacque come romanzo autopubblicato nel 2023, prima che il
crescente successo convincesse Simon & Schuster a pubblicarlo su
larga scala.
È
proprio la combinazione tra Tom Hanks e il materiale originale a
rendere il progetto particolarmente naturale. Theo of Golden non nasce da una trama
spettacolare, ma da una storia costruita intorno a
gentilezza, perdita e
rapporti umani, temi che hanno caratterizzato alcuni dei
ruoli più riconoscibili della carriera dell’attore. Warner Bros.
sembra quindi puntare meno sulla dimensione del bestseller in sé e
più sulla possibilità di trasformarlo in un dramma adulto capace di
sfruttare quella particolare combinazione di vulnerabilità e calore
che Hanks ha portato sullo schermo per decenni.
Theo of Golden potrebbe trovare
in Tom Hanks il protagonista ideale
Il romanzo racconta la storia di Theo, un uomo che deve adattarsi alla vita
in una nuova città mentre continua a confrontarsi con alcune
tragedie del proprio passato. La sua quotidianità cambia quando
entra in una caffetteria locale e nota una serie di ritratti
disegnati a mano esposti al suo interno.
Theo decide di acquistare quei disegni con un obiettivo
particolare: restituirli
alle persone che li hanno realizzati. Quello che
inizialmente sembra un semplice gesto diventa così il punto di
partenza per una serie di incontri e relazioni attraverso cui il
protagonista finisce per affrontare anche il proprio dolore.
Una storia apparentemente piccola che ha però conquistato un
pubblico enorme. Il percorso del libro è diventato parte integrante
del suo successo: Allen
Levi ha esordito come romanziere intorno ai 70 anni, dopo
una carriera da avvocato e un’attività come cantautore.
Pubblicato inizialmente in autonomia nel 2023, Theo of Golden ha progressivamente
costruito il proprio pubblico fino ad attirare l’attenzione della
grande editoria. Simon & Schuster ha successivamente acquisito il
romanzo e le vendite hanno superato i 3,5 milioni di copie soltanto
negli Stati Uniti.
Anche Oprah
Winfrey ha contribuito alla crescente attenzione intorno
al libro, intervistando recentemente Levi e discutendo con lui del
percorso che ha portato il romanzo da un progetto autopubblicato a
un fenomeno editoriale.
L’eventuale ingresso di Hanks rappresenterebbe quindi il passaggio
definitivo verso Hollywood. L’attore ha costruito una parte
importante della propria filmografia proprio attraverso adattamenti
letterari, ma Theo of
Golden sembra richiamare soprattutto i suoi personaggi più
profondamente umani: uomini comuni attraversati dal dolore che
cercano di ricostruire un rapporto con gli altri.
Il progetto potrebbe inoltre non rimanere necessariamente isolato.
Levi ha già anticipato di essere al lavoro su Ellen of Golden, sequel dedicato a
uno dei personaggi secondari del primo romanzo.
Per il momento Warner Bros. e Tom Hanks devono ancora finalizzare
ufficialmente l’accordo e non sono stati annunciati né un regista
né una possibile data di uscita. Hanks ha intanto altri progetti in
preparazione, tra cui Greyhound 2 e The
Comebacker.
Se le trattative andranno a buon fine, però, Theo of Golden potrebbe trasformare uno dei
casi editoriali più sorprendenti degli ultimi anni nel prossimo
grande dramma interpretato da Tom Hanks.
Dopo il
successo di Project Hail Mary, Phil Lord e
Christopher Miller resteranno nel territorio della fantascienza con
Paradox Inc.,
adattamento cinematografico del romanzo d’esordio di Forrest
Brazeal. Il progetto sarà sviluppato da Universal Pictures e porterà sul grande
schermo una competizione tra una startup e un colosso tecnologico
per realizzare la prima macchina del tempo destinata al mercato di
massa. Lord e Miller questa volta saranno coinvolti come
produttori, mentre la regia è stata affidata a Daniel Roher.
Secondo quanto riportato da Deadline, Roher, regista del documentario premio Oscar
Navalny e del thriller
Tuner, scriverà inoltre la
sceneggiatura insieme a Matthew Robinson. Paradox Inc. parte da una premessa che combina
fantascienza, satira della Silicon Valley e viaggi nel tempo: due
aziende rivali cercano di conquistare il mercato con una tecnologia
capace apparentemente di modificare il passato, ma il funzionamento
della macchina si rivelerà molto diverso da quanto immaginato. Il
romanzo di Brazeal sarà pubblicato da Penguin Random House il
19 gennaio
2027.
La scelta di Paradox
Inc. appare particolarmente coerente con il cinema costruito
negli anni da Lord e Miller. Dalla satira di 21 Jump Street alla reinvenzione
meta-narrativa di The Lego Movie, fino alla produzione dei
film dello Spider-Verse, i due hanno spesso utilizzato concetti
apparentemente commerciali per costruire storie che giocano con le
convenzioni del genere. Dopo la fantascienza più emotiva di
Project Hail Mary, il
nuovo progetto potrebbe permettere loro di esplorare invece
le conseguenze assurde e
potenzialmente inquietanti della trasformazione del viaggio nel
tempo in un prodotto tecnologico.
Paradox Inc. trasforma la corsa
alla macchina del tempo in una guerra tra startup
Il romanzo ruota attorno alla rivalità tra una piccola startup e
una disfunzionale società Big Tech impegnate nella stessa corsa:
costruire la prima
macchina del tempo per consumatori. In palio, almeno
teoricamente, non c’è soltanto il dominio di un nuovo mercato, ma
la possibilità di controllare la realtà stessa.
Il dettaglio più interessante della premessa è però che il viaggio
nel tempo sviluppato dall’industria tecnologica non funziona esattamente come
dovrebbe. È un elemento che potrebbe allontanare
Paradox Inc. dalle
convenzioni classiche del genere e trasformare la tecnologia stessa
nel motore della satira.
Forrest Brazeal conosce direttamente l’ambiente che racconta. Prima
di diventare romanziere ha lavorato per Google durante gli anni dell’espansione
dell’intelligenza artificiale e delle criptovalute e
successivamente ha co-fondato una società di marketing tecnologico.
Si è inoltre fatto conoscere attraverso video e webcomic dedicati
proprio alle contraddizioni della Silicon Valley.
Lord e Miller produrranno il film attraverso il loro accordo
first-look con Universal. Con loro ci saranno Lucy Kitada e Aditya
Sood, mentre Brazeal sarà produttore esecutivo.
Per i due filmmaker il progetto arriva dopo un periodo
particolarmente importante. Project Hail Mary, adattamento del romanzo di Andy
Weir, ha raggiunto 684
milioni di dollari al box office mondiale, diventando il
maggiore successo cinematografico di Amazon MGM Studios, mentre la
serie Spider-Noir, da loro prodotta, ha ottenuto
11 candidature agli Emmy.
Paradox Inc. conferma
inoltre quanto la fantascienza sia diventata centrale nei loro
prossimi progetti. Oltre a Spider-Man: Beyond the
Spider-Verse, previsto per giugno 2027, Lord e Miller
stanno sviluppando anche The
Last Expedition, tratto da un’altra storia di Andy Weir.
Questa volta, però, l’elemento più promettente potrebbe essere
proprio l’incontro tra viaggi nel tempo e cultura Big Tech. Se
Project Hail Mary
utilizzava un’enorme idea fantascientifica per raccontare una
storia di sopravvivenza e collaborazione, Paradox Inc. sembra destinato a chiedersi cosa
accadrebbe se una tecnologia capace di modificare la realtà finisse
nelle mani di aziende interessate soprattutto a battere la
concorrenza.
Il cast di Sons of Anarchy torna insieme, anche se in una
veste completamente nuova. FX ha ordinato Legends,
una serie limitata che riunirà gran parte degli interpreti
principali del celebre drama sui motociclisti fuorilegge. Nel cast
torneranno
Charlie Hunnam, Ron Perlman, Katey Sagal, Maggie Siff, Mark
Boone Junior, Tommy Flanagan, Kim Coates e Theo Rossi,
nuovamente insieme a oltre dieci anni dalla conclusione della
serie.
Legends, la storia della reunion
che sfuma tra realtà e finzione
La nuova serie parte da un’idea
decisamente meta. Secondo la sinossi ufficiale, il cast di
Sons of Anarchy si riunisce a una
convention per i fan dopo più di un decennio, ma l’incontro prende
una piega inaspettata quando il confine tra vita reale e finzione
inizia a sfumare. La vecchia fratellanza si ritroverà così ad
affrontare una minaccia reale, ancora più
pericolosa di quelle incontrate durante la loro esperienza nella
serie.
Hunnam ha sviluppato
Legends insieme a Jonathan
Groff e sarà anche produttore esecutivo, al fianco di Rob
Mac, Nicholas Frenkel e Jackie Cohn. La produzione sarà curata da
FX Productions e 20th Television.
«Quando Charlie ci ha
presentato questa idea ispirata, siamo rimasti immediatamente
conquistati dalla sua visione audace e divertente», ha
dichiarato Nick Grad, presidente di FX Entertainment, sottolineando
come il progetto rappresenti allo stesso tempo una lettera
d’amore a Sons of Anarchy e una rilettura meta
della serie originale.
Creata da Kurt
Sutter, Sons of Anarchy ha debuttato nel 2008,
diventando uno dei primi grandi successi della produzione originale
FX. La serie si è conclusa nel 2014 dopo sette stagioni e
quasi 100 episodi. Per Charlie Hunnam, Legends rappresenta
inoltre un nuovo importante passo dietro la macchina da presa:
l’attore ha recentemente ricevuto la sua prima candidatura
agli Emmy per il ruolo da protagonista nella serie
antologica NetflixMonster: The Ed Gein Story.
Apple
TV ha svelato le prime immagini della seconda stagione di
“Bad Monkey” (qui
la nostra recensione della prima stagione), l’acclamata comedy
con protagonista e produttore esecutivo Vince Vaughn, nata dalla creatività
dell’acclamato autore e produttore esecutivo Bill
Lawrence. Basata sul romanzo bestseller del New York Times
di Carl Hiaasen, diventato nel tempo un vero e proprio cult, la
seconda stagione, composta da dieci episodi, ruoterà attorno a una
storia originale completamente inedita e farà il suo debutto su
Apple TV il 2 dicembre con il primo episodio, seguito da un nuovo
episodio ogni mercoledì fino al 3 febbraio 2027.
1 di 6
Yvonne Strahovski in "Bad
Monkey," premiering December 2, 2026 on Apple TV.
Dax Shepard and Vince Vaughn in "Bad Monkey," premiering
December 2, 2026 on Apple TV.
John Malkovich in "Bad Monkey," premiering
December 2, 2026 on Apple TV.
Vince Vaughn in "Bad
Monkey," premiering December 2, 2026 on Apple TV.
Charlotte Lawrence and
Zavior Phillips in "Bad Monkey," premiering December 2, 2026 on
Apple TV.
Vince Vaughn and Natalie
Martinez in "Bad Monkey," premiering December 2, 2026 on Apple
TV.
Dopo aver assistito
all’omicidio del miglior faccendiere della Florida, Andrew Yancy
(Vaughn) viene coinvolto da un ambizioso procuratore di Stato e
affiancato a un rigoroso commercialista forense per risolvere il
caso. Determinato a riconquistare il suo distintivo da detective,
Yancy si ritrova al centro di una guerra per il controllo del
territorio tra organizzazioni criminali rivali, mentre si imbatte
in una variegata galleria di eccentrici personaggi della Florida,
tra cui un raffinato boss della malavita, suo figlio completamente
fuori controllo e una giovane donna dal carattere duro che ha
bisogno della protezione di Yancy. Nel frattempo, deve fare i conti
con il padre ormai anziano, con la tensione sentimentale irrisolta
con la dottoressa Rosa Campensino (Martinez), che avvia una propria
indagine su una misteriosa eruzione cutanea, e con uno stravagante
specialista nel trasferimento di animali, la cui attività mette a
rischio l’ambiente locale.
La seconda stagione vede il
ritorno di Vaughn, Natalie Martinez, Charlotte Lawrence e John
Ortiz, insieme alle new entry John Malkovich, Yvonne Strahovski e
Zavior Phillips. Tra le guest star figurano Nate Jackson, Sofia Boutella, Brent Morin, Joey Avery, Dax
Shepard, Sam Jaeger, Margarita Levieva, Peter Billingsley e June
Diane Raphael.
Prodotta da Warner Bros.
Television, “Bad Monkey” è sviluppata dal produttore esecutivo e
showrunner Bill Lawrence attraverso la sua Doozer Productions e
nell’ambito del suo accordo generale con WBTV. Jeff Ingold, Matt
Tarses, Vaughn, Liza Katzer, Adam Sztykiel, Chris Downey e Carl
Hiaasen sono produttori esecutivi.
Acclamata per la sua scrittura “intelligente” e
per le sue “interpretazioni eccezionali”, la prima stagione di “Bad
Monkey” è disponibile in streaming su Apple TV.
Il nuovo trailer del film targato
20th Century Studios e Imagine Entertainment Whalefall: nella Balena. Questo
epico ed emozionante thriller sulla sopravvivenza, che racconta
l’incontro di un giovane con una gigantesca balena, arriverà nelle
sale italiane il 15 ottobre 2026.
Whalefall: nella Balena,
diretto da Brian Duffield e con una sceneggiatura di Brian Duffield
e Daniel Kraus tratta dall’omonimo libro di Daniel Kraus, vede
protagonisti Austin Abrams, Josh
Brolin, Elisabeth Shue, John Ortiz, Jane Levy ed Emily Rudd. I produttori sono Brian Grazer,
p.g.a., Brian Duffield, p.g.a., Jeb Brody, Allan Mandelbaum,
p.g.a., mentre Doug Merrifield, Richard Abate e Will Rowbotham sono
gli executive producer.
Dopo la morte di suo padre
(Josh
Brolin), Jay Gardiner (Austin Abrams)
si immerge al largo della costa centrale della California alla
ricerca dei suoi resti ma viene inghiottito da un’enorme
balena. Mentre è intrappolato nel suo ventre con solo un’ora di
ossigeno a disposizione, Jay si rende conto che le lezioni apprese
a fatica dal padre potrebbero essere la chiave per la sua fuga.
Brian Duffield (regista,
co-sceneggiatore e produttore) ha dichiarato: “Per portare
sullo schermo il libro di Daniel Kraus, il nostro cast e la nostra
troupe hanno trascorso un’estate all’interno di una balena, in un
teatro di posa a Studio City, in California. Non vedo l’ora che a
ottobre il pubblico possa scoprire, immerso nel buio di
un’accogliente sala cinematografica, le interpretazioni del cast e
il grande lavoro che tutti hanno svolto per raccontare questa
storia emozionante e avvincente”.
La serie “Lantern of the
Earth” ha trasmesso il suo primo episodio su HBO e il nuovo
Universo DC ha appena introdotto uno dei suoi eroi
più potenti, Hal Jordan, il che fa subito sorgere la
domanda se sarebbe in grado di vincere uno scontro con Superman. Mentre la prima
uscita del Capitolo Uno dell’Universo DC è stata la serie animata
“Creature
Commandos“,
“Superman” di James Gunn è stato il suo primo film e progetto
di rilievo.
Il film ha mostrato al mondo come
David Corenswet sia uno dei migliori
attori ad aver interpretato Superman in carne e ossa, con molti che
lo hanno già inserito al vertice della classifica. In “Superman”,
le imprese di forza dell’Uomo d’Acciaio sono state davvero
impressionanti. Prima dell’uscita di “Lantern of the Earth”, non
c’erano dubbi sul fatto che il Superman di Corenswet fosse l’eroe
più potente dell’Universo DC, e a ragione.
In “Superman”, il Clark Kent di
Corenswet è riuscito a uscire illeso da un fiume di antiprotoni, a
usare il suo super respiro per salvare se stesso, Krypto e altri
dall’attrazione di un buco nero, a sconfiggere un clone suo pari in
potenza e molto altro ancora. Il Superman di Corenswet è
incredibilmente potente. Detto questo, prima o poi dovrà incontrare
un eroe in grado di dargli del filo da torcere.
Uno di questi possibili personaggi
ha appena fatto il suo debutto in Lanterns. La nuova serie live-action della DC vede
protagonisti Kyle Chandler nei panni di Hal Jordan
e Aaron Pierre in quelli di John Stewart. Sebbene
entrambi siano potenti eroi nei fumetti, John è ancora in
addestramento nell’universo DC, mentre Hal è già una leggenda del
Corpo delle Lanterne Verdi e potrebbe rivaleggiare con la potenza
di Superman all’interno del franchise.
Il primo episodio di Lanterns
chiarisce il livello di potere di Hal Jordan
Hal non è al culmine della sua
potenza nella linea temporale del 2016, su cui si concentra la
maggior parte del primo episodio di Lanterna Verde. Detto questo, è
ancora piuttosto potente, essendo in grado di proteggere John, lo
sceriffo Kerry e se stesso da un’esplosione aliena che avrebbe
potuto distruggere una parte considerevole di Rushville. Ha anche
dimostrato di poter creare un boom sonico quando vola, il che lo
rende estremamente veloce nonostante non sia più al massimo della
sua forma. Oltre a queste imprese, Hal Jordan è estremamente
intelligente e creativo, sempre pronto a trovare un modo per
ottenere esattamente ciò che vuole. In uno scontro con Superman,
questo sarebbe fondamentale.
Detto questo, il 2016 non è l’unico
anno esplorato nel primo episodio di Lanterna Verde. La serie HBO
rivela che Hal Jordan, interpretato da Chandler, ha iniziato la sua
carriera come Lanterna Verde nel 1986, quando ha impedito a un
meteorite di distruggere le Cascate Vittoria. Pertanto, nel 2026,
nel presente dell’Universo DC, quando Hal viene mostrato morto alla
fine della prima stagione di Lanterna Verde, la Lanterna Verde era
attiva da 40 anni. Si tratta di una notevole esperienza,
considerando che Hal è stato addestrato da Sinestro, una delle
Lanterne Verdi più potenti di sempre, prima che diventasse
malvagio.
L’Hal Jordan di Lanterna Verde è
più potente del Superman di David Corenswet?
In termini di pura forza, no. L’Hal
Jordan di Chandler è solo un normale essere umano senza l’anello di
Lanterna Verde. Come dimostrato dalla sua morte alla fine del primo
episodio di Lanterna Verde, è più vulnerabile ai danni rispetto
all’Uomo d’Acciaio. Detto questo, il film di Superman di Gunn ha
anche mostrato che qualcuno potente e preparato, come Ultraman con
Lex Luthor come allenatore, potrebbe sconfiggere Superman in un
combattimento. L’anello di Lanterna Verde, famoso nei fumetti DC
Comics come l’arma più potente dell’universo, dà ad Hal una
possibilità contro Superman, e ha 40 anni di esperienza per fare
come Lex Luthor.
Inoltre, Superman ha rivelato che
il Clark Kent di Corenswet era Superman solo da tre anni, anche se
in quel periodo non aveva mai perso un combattimento, prima degli
eventi del film. Hal è una leggenda delle Lanterne Verdi, mentre
Superman è poco più di un novellino. Considerando anche la
kryptonite, che ha portato Superman a essere catturato,
imprigionato e quasi ucciso da Lex nel suo debutto nell’Universo
DC, Hal Jordan potrebbe facilmente sconfiggerlo. La versione di Hal
presente in Lanterne Verdi non sembra avere problemi a usare la
kryptonite per combattere Superman.
Infine, parlando con Howard Stern
nel settembre 2025, Gunn ha affermato che Lanterna Verde potrebbe
sconfiggere Superman, dicendo: “Assolutamente, è piuttosto
potente“. Sebbene Gunn non abbia specificato quale Lanterna
Verde, con 40 anni di esperienza nell’Universo DC, Hal Jordan è in
testa alla classifica. Pertanto, basandoci su quanto affermato dal
responsabile creativo dell’Universo DC e su quanto mostrato in
Lanterne Verdi e nel Superman del 2025, l’Hal Jordan di Kyle
Chandler potrebbe sconfiggere il Superman di David Corenswet nelle
giuste condizioni.
Lanterns ha impiegato appena un episodio
per sovvertire le aspettative sul futuro delle Lanterne Verdi nel
DCU. Il
finale della première rivela infatti che Hal Jordan,
interpretato da Kyle Chandler, è morto nella linea temporale
presente della serie, trasformando quella che sembrava la
storia del rapporto tra due Green Lantern in un’indagine sulle
circostanze della morte di uno dei più importanti eroi DC. Una
scelta che Chandler e gli autori hanno ora spiegato, chiarendo
perché proprio Hal sia diventato il centro del mistero.
Parlando con
Deadline, Chandler ha raccontato di aver accolto con
entusiasmo la rivelazione, proprio perché la morte di Hal apre il
vero mistero intorno al quale sarà costruita la stagione. Lo
showrunner Chris Mundy ha spiegato a
Entertainment Weekly che l’idea è emersa chiedendosi quale
evento potesse avere il maggiore peso emotivo possibile. Damon
Lindelof, produttore esecutivo e sviluppatore della serie, ha
aggiunto che rendere Hal la vittima permette al mistero di avere
conseguenze personali soprattutto per John
Stewart, lasciando irrisolto il rapporto tra i due.
La morte di
Hal non significa però che Kyle Chandler scomparirà dalla serie
dopo il primo episodio. Lanterns utilizza infatti
una struttura narrativa non lineare, alternando il
presente del 2026 agli eventi del 2016. Il pubblico conosce quindi
già il destino del personaggio, ma non ciò che lo ha provocato. È
un ribaltamento importante: invece di chiedersi semplicemente se
Hal sopravvivrà alla storia, lo spettatore sarà portato a osservare
ogni sua decisione cercando gli indizi che possano spiegare come
sia arrivato alla sua fine.
La morte di Hal Jordan trasforma
Lanterns nel primo grande murder mystery del DCU
Fin dalle
prime fasi dello sviluppo, Lanterns è stata concepita come
un’indagine investigativa ambientata nell’universo delle Lanterne
Verdi. Lindelof ha spiegato a Variety che una
delle domande fondamentali durante la costruzione della serie era
apparentemente semplice: se la storia deve essere un murder
mystery, chi deve morire perché quella morte abbia davvero
importanza?
La risposta è
diventata Hal Jordan.
La decisione
è particolarmente radicale considerando il peso del personaggio
nella mitologia DC. Hal non è una figura secondaria sacrificabile
per mettere in moto la trama, ma una delle incarnazioni più celebri
di Green Lantern. Ucciderlo così presto nel nuovo universo
condiviso significa rinunciare almeno apparentemente alla
possibilità di costruire attorno a lui un percorso tradizionale
lungo diversi film e serie.
Ma è proprio
questa scelta a permettere a Lanterns di evitare una
struttura più prevedibile. Hal diventa contemporaneamente
protagonista, vittima e mistero della stagione.
Lindelof ha
citato persino Ghost come riferimento narrativo: Patrick
Swayze muore molto presto nel film, ma questo non impedisce alla
sua storia e alla relazione con il personaggio di Demi
Moore di rimanere centrali. Lanterns potrebbe
utilizzare un principio simile, lasciando che la consapevolezza
della morte di Hal dia un significato differente alle scene
ambientate nel passato.
Kyle Chandler
ha descritto la lavorazione della struttura non lineare come una
sorta di “scacchi tridimensionali”. Sapendo già
dove arriverà la storia, attori e autori possono disseminare
comportamenti, dettagli ed Easter egg che acquistano un significato
diverso man mano che vengono rivelati nuovi elementi.
Il punto
cruciale potrebbe essere proprio il rapporto tra Hal e John.
Secondo Lindelof, la morte assume un peso maggiore perché avviene
mentre la relazione tra i due è ancora irrisolta.
L’indagine diventa quindi per John qualcosa di più della ricerca di
un assassino: potrebbe trasformarsi nel percorso attraverso cui
comprendere realmente il suo mentore e ciò che è accaduto tra
loro.
La serie
continuerà infatti a mostrare Hal attraverso la linea temporale del
2016, mentre John Stewart è destinato ad avere un futuro più ampio
nel DCU. Dopo Lanterns, Aaron Pierre tornerà nei
panni di John nel filmMan of Tomorrow di James
Gunn, insieme al Guy Gardner interpretato da Nathan Fillion.
La vera
domanda, quindi, non sembra essere se Hal Jordan tornerà in vita.
Gli stessi autori stanno costruendo la stagione partendo dalla sua
morte come elemento concreto della storia. Il mistero è
capire chi lo abbia ucciso, perché sia successo e quale eredità
lascerà a John Stewart e al resto del DCU.
La terza
stagione di Landman sta andando avanti nonostante il
recente slittamento dell’inizio delle riprese. Paramount+ ha confermato che
Taylor Sheridan sta attualmente scrivendo i
nuovi episodi della serie con Billy Bob Thornton, mentre la
produzione dovrebbe entrare nel vivo a settembre. L’aggiornamento
arriva dopo che le precedenti indicazioni avevano suggerito un
avvio delle riprese già ad agosto, alimentando qualche
interrogativo sulle tempistiche del ritorno dello show.
A confermare
lo stato dei lavori è stata Jane Wiseman, EVP e Head of
Originals di Paramount+, durante un’intervista con
Deadline. Parlando dei numerosi progetti di Sheridan
realizzati per la piattaforma, Wiseman ha specificato che il
creatore sta scrivendo proprio in questo momento Landman 3. Una conferma che si aggiunge alle recenti
dichiarazioni di James Jordan, interprete di Dale Bradley, secondo
cui le riprese dovrebbero cominciare nel corso di
settembre. Il cast principale è inoltre atteso nuovamente
sul set e alcuni dei protagonisti avrebbero già ottenuto aumenti
salariali in vista della nuova stagione.
Il rinvio
della produzione non sembra quindi indicare problemi sostanziali
per il futuro della serie. Al contrario, Paramount+ continua a
considerare Landman uno dei progetti centrali del rapporto
con Sheridan. La vera questione riguarda ora il tempo necessario
per completare produzione e post-produzione: sono trascorsi già
otto mesi dal finale della seconda stagione e il nuovo ciclo deve
ripartire da uno dei cambiamenti più importanti affrontati finora
da Tommy Norris, ormai costretto a ricostruire la
propria posizione nell’industria petrolifera texana.
Landman 3 ripartirà dalla guerra
tra Tommy Norris e Cami
Il finale
della seconda stagione ha cambiato radicalmente lo status quo della
serie. Cami, interpretata da Demi
Moore, ha estromesso Tommy dalla presidenza della
M-Tex, mettendo fine almeno temporaneamente alla posizione
di potere che aveva conquistato all’interno della compagnia.
La risposta
di Tommy è stata però perfettamente coerente con il personaggio:
invece di accettare la sconfitta, ha deciso di fondare una
propria compagnia petrolifera. Una scelta che prepara
Landman 3 a spostare il conflitto su un terreno
differente.
Tommy non
dovrà più soltanto gestire crisi, incidenti e interessi
contrapposti per conto di qualcun altro. Adesso sarà direttamente
responsabile del proprio futuro economico e delle persone che
decideranno di seguirlo. Allo stesso tempo, la sua nuova posizione
lo trasforma inevitabilmente in un possibile concorrente della
M-Tex.
È proprio qui
che il rapporto con Cami potrebbe diventare uno dei motori
principali della terza stagione. Dopo due stagioni in cui i due
personaggi hanno condiviso interessi e responsabilità, Sheridan ha
creato le condizioni per mettere Billy Bob Thornton e Demi
Moore su fronti potenzialmente opposti.
L’inizio
delle riprese dovrebbe inoltre fornire indicazioni più concrete sul
cast e sull’eventuale arrivo di nuovi personaggi. Per il momento,
le informazioni disponibili indicano che i principali interpreti
dovrebbero tornare.
La conferma
di Paramount+ è significativa anche nel quadro più ampio della
collaborazione con Taylor Sheridan. Nonostante i numerosi progetti
in sviluppo e il futuro passaggio del produttore verso
NBCUniversal, la piattaforma continua ad avere diverse sue serie in
lavorazione, tra cui Dutton Ranch, The
Madison, Tulsa
King e Frisco King.
Per
Landman, dunque, lo slittamento delle riprese sembra
essere soprattutto una questione di calendario. Sheridan
sta scrivendo la terza stagione e la produzione rimane prevista per
settembre, mentre il vero interrogativo riguarda quando i
nuovi episodi potranno effettivamente arrivare su Paramount+.
Le prime due stagioni di
Landman sono disponibili in streaming su
Paramount+.
La nuova
serie Harry Potter di HBO continuerà a prendere le
distanze visivamente dai film anche attraverso uno dei dettagli più
riconoscibili del protagonista. Un nuovo poster ufficiale
realizzato per l’evento Back to Hogwarts ha
infatti mostrato più chiaramente la cicatrice sulla fronte del
nuovo Harry interpretato da Dominic McLaughlin, rivelando un design
differente rispetto a quello reso celebre da Daniel Radcliffe nella saga cinematografica
di Warner Bros.
L’immagine è
stata condivisa attraverso i canali social
ufficiali di Harry Potter per promuovere il Back to
Hogwarts del 1° settembre a Londra, durante il
quale è stata promessa anche un’anteprima della serie HBO Harry
Potter e la Pietra Filosofale. La celebre cicatrice mantiene
naturalmente la forma che richiama un fulmine, ma appare
più irregolare, angolare e meno precisa rispetto
alla versione cinematografica. Una modifica relativamente piccola,
ma significativa considerando l’importanza simbolica che quel segno
assume nell’intera storia.
Il redesign
sembra soprattutto indicare il tipo di rapporto che la nuova
produzione vuole instaurare con l’immaginario dei film. HBO non può
ignorare una rappresentazione visiva entrata nella cultura popolare
dopo otto lungometraggi, ma allo stesso tempo ha bisogno di
costruire un’identità riconoscibile per il proprio Harry
Potter. Intervenire su elementi come costumi, Hogwarts e
persino sulla cicatrice significa quindi modificare gradualmente
l’iconografia conosciuta dal pubblico senza rinunciare ai simboli
fondamentali dell’opera originale.
La nuova cicatrice di Harry Potter
può avvicinarsi alla natura traumatica descritta nei libri
La cicatrice
non rappresenta soltanto un tratto estetico di Harry. È la
conseguenza della notte in cui Lord Voldemort tentò di
ucciderlo quando era ancora un neonato, utilizzando Avada
Kedavra. Il sacrificio di Lily Potter protesse il figlio e fece
ritorcere la maledizione contro Voldemort, lasciando Harry vivo e
con quel segno sulla fronte.
Da quel
momento la cicatrice diventa uno dei principali simboli della saga,
ma assume anche una funzione narrativa sempre più importante. Il
legame tra Harry e Voldemort permette infatti al protagonista di
percepire progressivamente emozioni, pensieri e presenza del
Signore Oscuro, fino alla rivelazione sulla vera natura della loro
connessione.
Nei film con
Daniel Radcliffe, il segno era diventato
estremamente riconoscibile grazie a una forma piuttosto pulita e
precisa. La versione mostrata per la serie HBO appare invece più
simile a una vera cicatrice: meno geometrica e maggiormente
irregolare.
È un
dettaglio che potrebbe sembrare marginale, ma contribuisce alla
strategia con cui la nuova serie dovrà affrontare inevitabilmente
il confronto con i film. Il pubblico conosce già perfettamente
l’aspetto di Harry, Ron, Hermione, Hogwarts e praticamente ogni
altro elemento importante del Wizarding World. Replicarli
esattamente renderebbe difficile giustificare visivamente un nuovo
adattamento.
Il nuovo
Harry sarà interpretato da Dominic McLaughlin,
affiancato da Alastair Stout nei panni di Ron Weasley e Arabella
Stanton in quelli di Hermione Granger. Tra gli adulti figurano Nick
Frost come Hagrid, John Lithgow come Albus Dumbledore, Paapa
Essiedu come Severus Snape e Janet McTeer nel ruolo della
professoressa McGonagall.
La produzione
guarda inoltre già molto oltre il debutto. La seconda
stagione è stata approvata e dovrebbe entrare in
produzione prima ancora dell’uscita della prima, mentre il cast
continuerà ad ampliarsi con i personaggi introdotti nei capitoli
successivi della storia.
La sfida sarà
quindi trovare un equilibrio: essere immediatamente riconoscibile
come Harry Potter senza trasformarsi nella semplice
riproduzione televisiva dei film. E persino una cicatrice
leggermente diversa può essere parte di questa nuova identità.
Harry Potter debutterà il
25 dicembre 2026 su HBO e HBO
Max.
Lioness, la popolare serie Paramount+ creata da Taylor Sheridan e interpretata da
Zoe
Saldaña, è stata duramente criticata da alcune delle
donne che fecero realmente parte del Team Lioness
durante la guerra in Iraq. Le ex soldatesse contestano soprattutto
il modo in cui la produzione avrebbe utilizzato il nome del
programma trasformandolo in un’operazione di spionaggio della CIA,
allontanandosi radicalmente dalla loro esperienza e contribuendo,
secondo alcune di loro, a oscurare ulteriormente una storia
militare già poco conosciuta.
Parlando con
The Telegraph,
Ranie Ruthig, una delle componenti originali del
programma, ha spiegato di essere infastidita dal fatto che la serie
non rappresenti ciò che fecero realmente. Pur dichiarandosi
estimatrice della scrittura di Sheridan, Ruthig ritiene che il
creatore abbia preso il nome Team Lioness trasformandolo in
qualcosa di completamente diverso. Critiche condivise anche da
altre veterane e da Daria Sommers, co-regista di un documentario
dedicato alla vera operazione, secondo cui la serie avrebbe dovuto
semplicemente utilizzare un altro nome.
La questione
va oltre la normale discussione sull’accuratezza di una fiction.
Lioness non si presenta come una ricostruzione storica e
costruisce apertamente un universo da thriller di spionaggio, ma
utilizza il nome di un programma realmente esistito la cui storia è
profondamente diversa. È proprio qui che nasce il problema
sollevato dalle veterane: il successo della versione
immaginaria rischia di diventare, nell’immaginario collettivo, più
riconoscibile della storia delle donne che portarono realmente quel
nome, alcune delle quali sostengono di non aver ricevuto
per anni un adeguato riconoscimento per ciò che affrontarono in
Iraq.
Il vero Team Lioness era molto
diverso dal programma raccontato nella serie Paramount+
Nella serie
di Taylor Sheridan, il programma Lioness appartiene alla
CIA e utilizza operative incaricate di infiltrarsi
nella vita di individui considerati pericolosi per raccogliere
informazioni e raggiungere obiettivi strategici. Zoe Saldaña
interpreta Joe, responsabile delle operazioni sul campo,
all’interno di una struttura clandestina che rappresenta il cuore
dello show.
La realtà da
cui deriva il nome era però profondamente diversa. Il Team Lioness
nacque durante la guerra in Iraq in un contesto nel quale alle
soldatesse statunitensi non era ancora consentito ricoprire
formalmente determinati ruoli di combattimento.
La presenza
di donne diventava però necessaria durante controlli ai
checkpoint e perquisizioni nelle abitazioni, perché le
norme culturali locali rendevano problematico per i soldati uomini
perquisire le donne irachene. Militari appartenenti a unità di
supporto vennero quindi aggregate alle operazioni sul campo per
svolgere queste funzioni.
Questo
significò anche esporle a situazioni estremamente pericolose senza
che il loro ruolo fosse sempre riconosciuto come quello delle unità
formalmente impiegate in combattimento.
L’ex Lioness
Rebecca Martinez ha raccontato, per esempio, di
essersi vista mettere in discussione persino la possibilità di
soffrire di disturbo da stress post-traumatico perché donna e
appartenente a una specializzazione militare di supporto. Martinez
ha ricordato di aver assistito alla morte e al ferimento di
commilitoni e civili e di essere stata personalmente sotto il fuoco
nemico.
È questo
passato a rendere particolarmente sensibile l’utilizzo del nome.
Michelle Dallocchio, anche lei parte del Team
Lioness, ha parlato apertamente di una forma di appropriazione,
sostenendo che una storia femminile di guerra estremamente
complessa sia stata trasformata in un prodotto più facilmente
consumabile dal grande pubblico mentre le donne che l’hanno vissuta
continuano a essere poco conosciute.
Daria Sommers
ha espresso una posizione ancora più semplice: il problema non
sarebbe l’esistenza di una serie con Zoe Saldaña e Nicole Kidman impegnate in missioni
spettacolari, ma l’utilizzo del nome Lioness per
una storia che, secondo lei, non avrebbe basi nella realtà del
programma originale.
Le critiche
non sono rivolte alle interpreti. Le veterane hanno infatti
distinto chiaramente il lavoro di Saldaña, Nicole Kidman e del
resto del cast dalle decisioni creative alla base della serie.
La polemica
arriva mentre Lioness continua a rappresentare uno dei
successi televisivi di Sheridan. Dopo un’accoglienza critica
inizialmente più divisiva, la serie ha progressivamente migliorato
le proprie valutazioni e la terza stagione è attualmente in
onda su Paramount+.
Il confronto sollevato dalle vere
Lioness mette però in evidenza una questione che il successo dello
show rende ancora più rilevante: quanto può una fiction
appropriarsi di un nome appartenente alla storia reale quando
decide poi di raccontare qualcosa di quasi completamente
diverso?
Netflix ha finalmente fissato l’appuntamento con
East of Eden, il nuovo adattamento del celebre
romanzo di John Steinbeck guidato da Florence Pugh. La serie debutterà
sulla piattaforma il 1° ottobre 2026, riportando
sullo schermo una delle opere più importanti della letteratura
americana del Novecento. Insieme alla data, Netflix ha diffuso
anche nuove immagini del ricco cast che affiancherà la protagonista
di Thunderbolts* e Oppenheimer.
Annunciata
nel settembre 2024, la nuova versione di East of Eden vede
Zoe Kazan coinvolta come sceneggiatrice e
produttrice esecutiva. Il legame con la storia cinematografica
dell’opera è particolarmente significativo: suo nonno, Elia Kazan,
diresse infatti il celebre adattamento del 1955 con James Dean.
Questa volta, però, la storia avrà a disposizione il formato
seriale per esplorare più estesamente le famiglie Trask e Hamilton
e, soprattutto, per dedicare maggiore attenzione a Cathy
Ames, interpretata da Pugh.
È proprio la
centralità di Cathy a suggerire la differenza più interessante
rispetto alle precedenti versioni. Nel romanzo di Steinbeck il
personaggio viene rappresentato prevalentemente attraverso una
prospettiva antagonistica, mentre la serie Netflix punta a
costruire intorno a lei una lettura più complessa, vicina a quella
di un’antieroina. Non significa necessariamente riabilitare Cathy,
ma concederle uno spazio narrativo sufficiente per indagarne
motivazioni e oscurità: un territorio particolarmente adatto a
Pugh, che ha già dimostrato con Midsommar quanto possa essere efficace
nell’interpretare personaggi emotivamente estremi.
East of Eden darà a Cathy Ames uno
spazio che il film con James Dean non poteva concederle
Pubblicato
nel 1952, East of Eden è uno dei romanzi
più ambiziosi di John Steinbeck e racconta le vicende intrecciate
delle famiglie Trask e Hamilton nella California della Salinas
Valley, costruendo una storia generazionale attraversata da
conflitti familiari, colpa, libero arbitrio e dal continuo richiamo
alla vicenda biblica di Caino e Abele.
L’adattamento
cinematografico diretto da Elia Kazan nel 1955 rimane la versione
più celebre, soprattutto grazie alla presenza di James Dean
nei panni di Cal Trask. Il film ottenne quattro
candidature agli Oscar e portò Jo Van Fleet alla vittoria come
miglior attrice non protagonista per l’interpretazione di
Cathy.
Netflix avrà
però un vantaggio sostanziale: il tempo. La struttura seriale
consentirà di affrontare una porzione molto più ampia del romanzo e
di approfondire personaggi che inevitabilmente avevano ricevuto
meno spazio nelle trasposizioni cinematografiche.
Accanto a
Florence Pugh ci sarà Christopher Abbott nei panni
di Adam Trask, mentre Mike Faist interpreterà suo
fratello Charles. Tracy Letts sarà il loro padre e Ciarán
Hinds interpreterà Samuel Hamilton, agricoltore la cui
famiglia finisce profondamente legata ai Trask.
Hoon
Lee sarà invece Lee, personaggio fondamentale nella storia
della famiglia, mentre Martha Plimpton interpreterà Faye,
proprietaria di un bordello che sviluppa un rapporto importante con
Cathy. La nuova generazione dei Trask sarà rappresentata da
Joseph Zada nel ruolo di Caleb “Cal” Trask, lo
stesso personaggio reso iconico da James Dean, e Joe Anders nei
panni del fratello gemello Aron.
Particolarmente interessante è anche l’origine stessa del progetto.
Zoe Kazan ha raccontato di aver iniziato a pensare a un nuovo
adattamento di East of Eden dopo aver visto Florence Pugh
in Midsommar. La scelta dell’attrice non sembra
quindi essere arrivata alla fine dello sviluppo: la possibilità di
reinterpretare Cathy attraverso Pugh è stata una delle idee da cui
il progetto ha preso forma.
La serie avrà
così l’opportunità di confrontarsi con un classico senza limitarsi
a replicare il film del 1955. E proprio spostando parte del
baricentro verso Cathy potrebbe trovare una propria identità,
offrendo una prospettiva differente su una storia raccontata ormai
da oltre settant’anni. East of Eden debutterà il 1° ottobre
2026 su Netflix.
Uno degli
spinoff più longevi tra quelli annunciati per espandere l’universo
di Yellowstone non vedrà mai la luce. Dopo
circa cinque anni di sviluppo e pochissimi aggiornamenti concreti,
Taylor Sheridan ha confermato che la serie
ambientata al Four Sixes Ranch non verrà realizzata. Una
decisione che non nasce però dalla mancanza di interesse per quel
mondo: Sheridan ha spiegato di non voler trasformare in finzione la
vita delle persone che lavorano realmente nel celebre ranch
texano.
Intervenendo
nel podcast Rodeo Time di Dale Brisby, Sheridan ha messo
definitivamente fine alle speculazioni sul progetto, dichiarando
che una serie dedicata al Four Sixes non ci sarà
mai. Il creatore di Yellowstone ritiene che
sostenere una serie per più stagioni lo costringerebbe
inevitabilmente a inventare conflitti, personaggi e drammi
all’interno di un luogo reale nel quale cowboy e famiglie vivono e
lavorano quotidianamente. Un confine che, essendo anche
proprietario del ranch, Sheridan non intende oltrepassare.
La
cancellazione assume un significato particolare perché il Four
Sixes rappresentava una delle espansioni più naturali dell’universo
di Yellowstone. Era stato proprio il percorso di
Jimmy Hurdstrom a introdurre il ranch nella serie
principale, trasformando la sua permanenza in Texas in uno degli
archi di crescita più netti del personaggio. Ma è proprio quella
storia, secondo Sheridan, ad aver già raccontato tutto ciò che
voleva raccontare sul Four Sixes: prendere un ragazzo completamente
fuori posto e mostrarlo mentre impara cosa significhi diventare un
cowboy rispettato.
La storia di Jimmy potrebbe essere
stata il vero spinoff del Four Sixes
Il progetto
dedicato al Four Sixes era stato annunciato dopo che
Yellowstone aveva portato Jimmy, interpretato da
Jefferson White, nel ranch texano per perfezionare le
proprie capacità come cowboy. Durante quell’esperienza il
personaggio era maturato profondamente, aveva conosciuto Emily e
aveva infine deciso di costruire una nuova vita lontano dal
Montana.
Sheridan ha
rivelato di avere persino montato sul proprio computer tutte le
scene di Jimmy ambientate al Four Sixes, creando quello che
considera praticamente un piccolo film autonomo.
Per il creatore, quell’arco funziona proprio perché utilizza il
ranch senza trasformarlo artificialmente in qualcosa che non è.
La
particolarità del Four Sixes è infatti che, diversamente dal
Yellowstone Dutton Ranch, esiste realmente.
Sheridan ha acquistato la proprietà, che si estende per oltre
260.000 acri in Texas, e l’ha successivamente utilizzata sia come
location sia come riferimento all’interno di altre sue produzioni,
compresa Landman.
Costruire una
serie continuativa avrebbe richiesto inevitabilmente qualcosa di
diverso. Non sarebbe stato possibile, come ha osservato lo stesso
Sheridan, mostrare semplicemente un giovane che impara a usare il
lazo episodio dopo episodio: prima o poi sarebbero serviti
antagonisti, conflitti familiari e tragedie inventate attribuite
indirettamente a un ambiente popolato da persone reali.
La fine del
progetto non significa però necessariamente che il Four
Sixes sparirà dall’universo televisivo di Sheridan. Le
nuove serie legate a Yellowstone stanno progressivamente
espandendo le loro storie verso il Texas e questo potrebbe creare
occasioni per riportare sullo schermo Jimmy o lo stesso ranch senza
costruirgli attorno uno show autonomo.
Il franchise
proseguirà infatti attraverso progetti come Dutton
Ranch, incentrato su Beth e Rip, e Marshals,
dedicato a Kayce Dutton. Anche Landman ha ormai
sviluppato legami narrativi sempre più forti con il territorio
texano.
La decisione
arriva inoltre mentre Sheridan si prepara progressivamente alla sua
futura transizione professionale da Paramount a NBCUniversal, pur
continuando a gestire numerosi progetti tra cui Lioness,
The
Madison, Tulsa
King e lo spinoff Frisco King.
Dopo cinque anni di attesa, quindi,
il destino dello spinoff è finalmente definitivo. Il Four
Sixes continuerà probabilmente a esistere nel mondo di Yellowstone,
ma non avrà una serie tutta sua.
La nuova
Carrie di Mike Flanagan arriverà davanti al
pubblico prima del debutto ufficiale su Prime Video, anche se solo per un’occasione
speciale. I primi due episodi della miniserie
tratta dal romanzo di Stephen King saranno infatti presentati in
anteprima statunitense al Fantastic Fest 2026, in
programma dal 17 al 24 settembre ad Austin, in Texas. Per tutti gli
altri bisognerà aspettare il 7 ottobre, quando gli
otto episodi inizieranno il loro percorso in streaming su Prime
Video.
Il Fantastic
Fest ha confermato la presenza della serie all’interno del
programma e ha indicato una durata complessiva di 101
minuti per i primi due episodi, entrambi diretti dallo
stesso Flanagan. Il regista di Doctor Sleep e The Life of Chuck è
creatore e showrunner del progetto, oltre a essere coinvolto come
sceneggiatore e produttore esecutivo. Summer H.
Howell interpreterà Carrie White, mentre Samantha Sloyan
sarà sua madre Margaret. Nel cast figurano anche Siena Agudong,
Alison Thornton, Amber Midthunder, Matthew Lillard, Joel Oulette,
Josie Totah e Arthur Conti.
L’anteprima
offre soprattutto un primo indizio sull’ambizione dell’adattamento.
Due episodi da circa cinquanta minuti significano che Flanagan avrà
a disposizione uno spazio narrativo enormemente superiore rispetto
alle precedenti versioni cinematografiche. E sembra intenzionato a
utilizzarlo non per dilatare semplicemente la storia conosciuta, ma
per ricostruire Carrie White come adolescente dell’era dei
social media, trasformando bullismo, isolamento e
umiliazione pubblica in fenomeni capaci di propagarsi ben oltre i
corridoi della scuola.
La Carrie di Mike Flanagan
cambierà anche il percorso verso il ballo di fine anno
Cortesia Prime Video
Il romanzo
pubblicato da Stephen King nel 1974 e il celebre adattamento di
Brian De Palma del 1976 hanno reso la storia di
Carrie una delle più riconoscibili dell’horror. Proprio per questo
Flanagan sembra aver scelto di non realizzare semplicemente una
versione più lunga di ciò che il pubblico conosce già.
La nuova
Carrie affronterà per la prima volta la scuola pubblica dopo la
morte improvvisa del padre, ritrovandosi
rapidamente coinvolta in un caso di bullismo diventato virale. La
serie esplorerà quindi la crudeltà dell’adolescenza attraverso la
pressione permanente dei social media, mentre parallelamente
inizieranno a manifestarsi i suoi poteri telecinetici.
Cambierà
anche Margaret White. La madre di Carrie rimarrà
una presenza fondamentale, ma è stata descritta come protettiva e
meno apertamente crudele rispetto ad alcune precedenti
incarnazioni. La serie allargherà inoltre la mitologia introducendo
altre donne nel mondo dotate di capacità telecinetiche, un elemento
che potrebbe portare la storia oltre i confini tradizionali della
vicenda di Carrie.
La
trasformazione più delicata riguarderà però inevitabilmente il
ballo di fine anno. Flanagan ha già anticipato che
la serie arriverà a quel momento attraverso un percorso
completamente differente e che persino gli eventi del ballo saranno
diversi da quelli conosciuti.
È
probabilmente qui che il formato televisivo potrà fare davvero la
differenza. Con circa otto ore potenziali a disposizione, la
tragedia non deve essere soltanto preparata: può essere costruita
attraverso Carrie, i suoi compagni, sua madre e l’intera comunità
che contribuisce progressivamente al suo isolamento.
Flanagan ha
già dimostrato con opere come The Haunting of Hill House e
The Fall of the House of Usher di utilizzare l’horror come
conseguenza di traumi e rapporti familiari. Carrie gli
offre un materiale particolarmente adatto a questo approccio, ma
anche una sfida: cambiare abbastanza una storia raccontata numerose
volte senza perdere ciò che l’ha resa così potente.
I primi spettatori potranno
scoprire il risultato durante il Fantastic Fest,
mentre Carrie debutterà su Prime Video il 7 ottobre
2026.
High Potential 3 potrebbe riservare un
cambiamento decisamente inaspettato per uno dei suoi protagonisti.
Una nuova foto condivisa da Daniel Sunjata,
interprete del detective Adam Karadec, mostra infatti l’attore con
i capelli biondi, un look molto distante da quello con cui il
personaggio è stato presentato nelle prime due stagioni.
Considerando che la serie ABC è attualmente in produzione,
l’immagine ha inevitabilmente sollevato una domanda: si tratta
semplicemente di una scelta personale dell’attore oppure il nuovo
aspetto farà parte della storia?
Sunjata ha
mostrato il nuovo look attraverso alcune immagini pubblicate sui
suoi social, senza però spiegare se il cambiamento sia collegato a
High Potential. Le possibilità sono
diverse. La produzione potrebbe semplicemente nascondere i capelli
durante le riprese, ma Karadec potrebbe anche essere chiamato a
lavorare sotto copertura in uno dei nuovi episodi.
C’è persino un’ipotesi decisamente più leggera e coerente con la
dinamica della serie: il detective potrebbe aver perso una
scommessa con Morgan Gillory.
Proprio il
contrasto tra Karadec e Morgan rende la trasformazione
potenzialmente interessante. Il personaggio interpretato da Kaitlin
Olson è imprevedibile, istintivo e perfettamente a proprio agio nel
rompere convenzioni e regole, anche nel mezzo di un’indagine.
Karadec rappresenta quasi l’opposto: metodico, controllato e poco
incline agli eccessi. Se il nuovo look dovesse davvero comparire
nella terza stagione, quindi, potrebbe essere il segnale di una
situazione capace di portare il detective fuori dalla sua
abituale zona di comfort, più che un semplice cambiamento
estetico.
High Potential 3 potrebbe mettere
Karadec sempre più al centro della storia
Le prime due
stagioni hanno costruito gran parte della loro forza sul rapporto
tra Morgan e Karadec. Inizialmente quasi agli
estremi opposti, i due hanno progressivamente imparato a
riconoscere il valore dei rispettivi metodi, senza però perdere
quel contrasto che alimenta buona parte dell’umorismo e delle
tensioni della serie.
Un’eventuale
missione sotto copertura sarebbe quindi un modo naturale per
esplorare un lato diverso di Karadec. Finora è stato soprattutto
Morgan a destabilizzare le indagini con intuizioni, comportamenti e
strategie difficili da prevedere. Costringere il detective a
modificare radicalmente il proprio aspetto e magari interpretare
un’identità diversa potrebbe invertire temporaneamente quella
dinamica.
Naturalmente,
al momento non esiste alcuna conferma che i capelli biondi
di Sunjata facciano parte della trama. Il mistero arriva
però mentre la terza stagione sta già attraversando cambiamenti più
sostanziali.
Uno dei
principali riguarda l’uscita di Steve Howey, che
non tornerà nei panni del capitano Wagner dopo la sua breve
permanenza nella serie. Ci sarà inoltre un cambio importante dietro
le quinte: lo showrunner Todd Harthan lascerà l’incarico per
sviluppare altri progetti all’interno di Disney e sarà sostituito
da Nora e Lilla Zuckerman, già sceneggiatrici e
produttrici di Poker Face.
Accanto a
Kaitlin Olson e Daniel Sunjata torneranno Javicia Leslie,
Deniz Akdeniz, Matthew Lamb e Judy Reyes. Rimane inoltre
aperto uno dei principali fili narrativi legati alla vita di
Morgan: il mistero attorno al suo ex compagno
Roman, destinato probabilmente ad avere ancora
conseguenze nei nuovi episodi.
ABC ha scelto
di posticipare il ritorno della serie all’inizio del
2027 per una precisa strategia di programmazione,
con l’obiettivo di trasmettere la stagione con maggiore continuità
ed evitare le lunghe interruzioni che avevano caratterizzato i
primi due cicli.
Per capire se il nuovo look di
Daniel Sunjata nasconda davvero qualcosa bisognerà quindi
aspettare. Ma se quei capelli biondi appartengono davvero a
Karadec, High Potential 3 potrebbe avere già il suo primo
piccolo mistero ancora prima di tornare in onda.
Netflix ha distribuito alcuni film di grande
successo nel corso del 2026, ma solo una ristretta cerchia di essi
si è guadagnata un posto tra le produzioni originali più viste
dell’anno. Per quanto i film già usciti, sia grandi che piccoli,
possano attirare l’attenzione sulla piattaforma di streaming, le
acquisizioni rappresentano solo una parte dell’attenzione di
Netflix. Ciò che conta davvero è il successo dei
suoi titoli esclusivi.
Questi film sono regolarmente
quelli che dominano le classifiche di streaming di Netflix negli
Stati Uniti e nel resto del mondo. E quando riscuotono un grande
successo tra gli abbonati, raggiungono record di visualizzazioni.
La piattaforma ha sperimentato questo fenomeno diverse volte di
recente, con KPop Demon Hunters che l’anno scorso
è diventato il film più visto di sempre su Netflix. Nel 2025,
Back in Action con Jamie
Foxx e Cameron Diaz è entrato nella top 10 dei
film più visti di sempre.
Ecco perché i film originali di
Netflix del 2026 sono spesso stati accompagnati da elevate
aspettative di visualizzazione. Con generi popolari come azione,
thriller, commedie romantiche e animazione, e con cast solitamente
stellari tra le sue nuove uscite, Netflix ha una strategia ben
precisa per dare il via libera o acquisire nuovi film, nella
speranza che riscuotano successo tra il pubblico.
Questo è successo più volte nel
2026 e, grazie ai dati ufficiali sugli spettatori, ecco i film
originali Netflix più visti quest’anno.
I dati si riferiscono al periodo dal 1° gennaio al 16 agosto e
sono stati raccolti dalla classifica globale dei 10 titoli più
visti di Netflix.
Novità nell’ultimo aggiornamento: The Last House entra nella
top 10.
Titolo da non perdere: Nando Between Two Worlds – A Sintonia
Film, uno spin-off non in lingua inglese che ha debuttato con 11,1
milioni di visualizzazioni.
Office Romance
La commedia romantica con
Jennifer Lopez e Brett Goldstein ha
riscosso un enorme successo su Netflix. Office Romance ha
totalizzato 57,6 milioni di visualizzazioni nelle prime quattro
settimane dall’uscita, scalando la classifica fino alla top 10.
Questo risultato è stato probabilmente raggiunto grazie ai 20,9
milioni di visualizzazioni registrati nella prima settimana, il
miglior debutto per una commedia romantica su Netflix
quest’anno.
Il film si è confermato al primo
posto anche nel secondo fine settimana, con un totale di 24,6
milioni di visualizzazioni. Sebbene l’interesse sia calato
considerevolmente nella terza settimana, con 7,8 milioni di
visualizzazioni, Office Romance è rimasto al terzo posto per tutta
la settimana. Nella quarta settimana ha poi registrato altri 4,3
milioni di visualizzazioni. Grazie a questo successo, Office
Romance è diventato il film più visto su Netflix nel giugno
2026.
The Last House
Netflix ha ottenuto un grande
successo estivo puntando sull’horror fantascientifico con The Last House.
Dopo la première del 7 agosto, il film ha già totalizzato 61
milioni di visualizzazioni in due settimane. In entrambe le
settimane, la pellicola si è posizionata in cima alla classifica
settimanale di streaming di Netflix e potrebbe continuare a scalare
la classifica nelle prossime settimane.
The Last House ha debuttato con
27,5 milioni di visualizzazioni, il quinto miglior risultato di
sempre per un film originale Netflix del 2026. Nella seconda
settimana di programmazione, il film ha raggiunto 33,5 milioni di
visualizzazioni, il sesto miglior risultato dell’anno. Tra i film
con un aumento di visualizzazioni nella seconda settimana, solo uno
ha registrato una crescita superiore al 21,82% di The Last
House.
72 Hours
Kevin Hart ha regalato a Netflix un
altro successo in streaming con “72 Hours”. La commedia ha
debuttato sulla piattaforma a luglio e, dopo sole tre settimane, è
entrata nella top 10 dei film più visti dell’anno. Il film di Hart
ha totalizzato 64,3 milioni di visualizzazioni nel suo primo mese
di uscita.
Ha registrato il settimo miglior
debutto settimanale per un film originale Netflix del 2026, con
22,1 milioni di visualizzazioni. È rimasta al primo posto per due
settimane, dopo aver raggiunto altri 25,1 milioni di
visualizzazioni nella seconda settimana. “72 Hours” è ufficialmente
diventato uno dei film più visti su Netflix nel 2026 dopo aver
totalizzato 11,1 milioni di visualizzazioni nella terza settimana.
È la commedia di maggior successo sulla piattaforma quest’anno.
The Crash
Il documentario di maggior successo
tra le uscite Netflix del 2026 è The Crash. Raccontando la storia
di un devastante incidente automobilistico avvenuto nel 2022, il
documentario ha totalizzato 59 milioni di visualizzazioni in
quattro settimane nella top 10. Il suo miglior risultato è stato
nella seconda settimana, dove ha raggiunto quasi la metà delle
visualizzazioni totali, ben 27,6 milioni.
Il documentario true crime ha avuto
un ulteriore successo su Netflix, con la piattaforma che ha
dichiarato di aver generato un totale di 65 milioni di
visualizzazioni nella prima metà dell’anno. Ciò significa che, dopo
essere uscito dalla top 10 settimanale, ha totalizzato 6 milioni di
visualizzazioni entro i primi 91 giorni dalla sua uscita,
confermando così il suo totale di visualizzazioni.
Messaggi per Isabelle
La commedia romantica con Zoey
Deutch e Nick Robinson ha conquistato facilmente gli abbonati
Netflix.
Messaggi per Isabelle ha generato 84,3 milioni di
visualizzazioni nelle prime sei settimane dalla sua uscita,
diventando il più grande successo di questo genere sulla
piattaforma per quest’anno.
Dopo aver totalizzato ben 17,5
milioni di visualizzazioni nella prima settimana, “Voicemails for
Isabelle” ha raggiunto i 31 milioni di visualizzazioni nella
seconda settimana e i 13,3 milioni nella terza. Si tratta di numeri
nettamente superiori a quelli delle altre commedie romantiche
uscite quest’anno. Il film è rimasto nella top 5 della classifica
settimanale per le prime sette settimane, stabilendo un nuovo
record per una commedia romantica su Netflix, per poi uscire dalla
top 10.
Thrash
Netflix ha realizzato un’uscita
pensata appositamente per il suo pubblico con Thrash, un
film catastrofico infestato dagli squali con protagonista
Phoebe Dynevor, star di Bridgerton. Non sorprende, quindi, che il film
abbia catturato l’attenzione di milioni di abbonati. Dopo quattro
settimane nella top 10, Thrash ha totalizzato 85,7 milioni di
visualizzazioni. Sicuramente ne sono arrivate altre in seguito, ma
Netflix non le ha comunicate.
Il thriller catastrofico ha
ottenuto la maggior parte di queste visualizzazioni nei primi 10
giorni di uscita. Thrash ha totalizzato 37,3 milioni di
visualizzazioni nel weekend di apertura e poi ne ha accumulate
altre 34,5 milioni nella seconda settimana. È rimasto il film
numero 1 a livello globale su Netflix per tutto il periodo. E
nonostante sia rimasto nella top 5 delle classifiche settimanali
fino alla quarta settimana, è uscito completamente dalla top 10 in
seguito.
Il thriller poliziesco con Ben
Affleck e Matt Damon è arrivato su Netflix con tutto il potenziale
di star che la piattaforma di streaming potesse desiderare, e i
risultati sono stati tra i migliori del 2026. The Rip ha
totalizzato 114,7 milioni di visualizzazioni secondo le classifiche
dei primi 10 film, ma il suo totale finale dopo 91 giorni è
probabilmente ancora più alto.
Questo dato include il record di
41,6 milioni di visualizzazioni nel weekend di apertura, il più
alto per qualsiasi uscita quest’anno. Non sorprende quindi che
abbia registrato il secondo miglior risultato nella seconda
settimana, con altri 40,4 milioni di visualizzazioni.
Complessivamente, The Rip è rimasto nella top 10 delle classifiche
globali per sette settimane, il secondo periodo più lungo per un
film.
Il film di Affleck e Damon detiene
anche un altro record: il maggior numero di settimane al primo
posto, ben tre. La maggior parte dei film di Netflix rimane in cima
alla classifica per una o due settimane, ma The Rip ci è riuscito
per una terza settimana, nonostante abbia totalizzato solo 14,6
milioni di visualizzazioni in questo periodo, un numero inferiore
rispetto ad altri titoli scesi in classifica.
Charlize Theron e Taron Egerton hanno unito le forze per
realizzare Apex Legends, e il thriller di sopravvivenza si è
rivelato un enorme successo per Netflix. Dopo diverse settimane
dall’uscita, Apex ha totalizzato 118 milioni di visualizzazioni in
tutto il mondo, il terzo miglior risultato dell’anno.
Come la maggior parte degli altri
film in questa lista, Apex ha suscitato grande interesse al lancio,
generando 38,2 milioni di visualizzazioni nel weekend di apertura.
Ha poi raggiunto i 40,2 milioni di visualizzazioni nella seconda
settimana, diventando uno dei soli tre film a raggiungere questo
traguardo in quel lasso di tempo. L’interesse non è calato
rapidamente, e Apex è rimasto nella top 10 per sei settimane.
Apex potrebbe ancora entrare nella
top 10 di tutti i tempi di Netflix, a seconda di quanto a lungo si
manterrà vivo l’interesse. E sebbene abbia raggiunto il secondo
posto in questa classifica, da allora è leggermente sceso.
War Machine
Il film più visto su Netflix per buona parte del 2026 è stato
War Machine. Il film di fantascienza bellico di Alan Ritchson è
arrivato sulla piattaforma il 12 febbraio e ha subito conquistato
un pubblico globale. War Machine ha totalizzato 139,9 milioni di
visualizzazioni, un risultato che gli ha permesso di entrare nella
top 10 di tutti i tempi della classifica Netflix.
L’incredibile successo è iniziato
con 39,3 milioni di visualizzazioni nel weekend di apertura, il
secondo miglior risultato dell’anno. War Machine ha poi registrato
il maggior numero di visualizzazioni per un film originale Netflix
del 2026 nella seconda settimana (44,4 milioni) e ha avuto i cali
più bassi nelle settimane 7 e 8.
La forza di questi numeri ha
permesso a War Machine di rimanere nella top 10 di Netflix per otto
settimane, generando 128,4 milioni di visualizzazioni. I restanti
11,5 milioni di visualizzazioni sono arrivati nei primi 91 giorni
di uscita, consentendo a Netflix di annunciare i suoi record di
visualizzazioni e confermare i piani per un sequel di War
Machine.
Swapped: Al tuo posto
Dopo il grande successo di
KPop Demon Hunters, Netflix ha trovato un
altro successo d’animazione con Swapped. Con Michael B. Jordan e Juno
Temple, il film fantasy incentrato sugli animali ha totalizzato
107,2 milioni di visualizzazioni dopo cinque settimane. Le
proiezioni indicano che Swapped aumenterà notevolmente il suo
totale nelle prossime settimane, diventando potenzialmente uno dei
maggiori successi di sempre di Netflix.
Il percorso verso questo traguardo
è iniziato con un secondo posto nella prima settimana, dopo aver
totalizzato 15,5 milioni di visualizzazioni. L’interesse è
cresciuto da lì in poi, con Swapped che è diventato il film più
visto per due settimane consecutive. Le sue visualizzazioni nella
terza settimana, pari a 26,4 milioni, rappresentano il dato più
alto per un film del 2026, con un calo del -31,78%, il più basso
registrato in quella settimana.
Il film ha mantenuto un buon
andamento, raggiungendo 16,1 milioni di visualizzazioni nella
quarta settimana. Swapped è poi rimasto nella top 3, accumulando
altri 10,5 milioni di visualizzazioni nella quinta settimana.
Potrebbe continuare a scalare la classifica nelle prossime
settimane.
Rank
2026 Netflix Movie
Total Views
1)
Swapped
144.9 million
2)
War Machine
139.9 million
3)
Apex
118.0 million
4)
The Rip
114.7 million
5)
Thrash
85.7 million
6)
Voicemails for Isabelle
84.3 million
7)
The Crash
65.0 million
8)
72 Hours
54.3 million
9)
The Last House
61.0 million
10)
Office Romance
57.6 million
Swapped conquista la vetta di
questa classifica dopo essere rientrato nella top 10 nella
settimana 13, dove ha totalizzato altri 3,4 milioni di
visualizzazioni, sufficienti a superare definitivamente War
Machine. In modo impressionante, Swapped è rimasto nella top 3 per
le prime sette settimane dalla sua uscita, il periodo più lungo per
un titolo del 2026. Detiene inoltre il record per il maggior numero
di settimane nella top 10 (11 settimane) tra i film originali
Netflix del 2026.
Hollywood è piena
di grandi star del cinema d’azione, e la più affidabile di tutte
torna al cinema questa settimana per continuare a sconfiggere i
cattivi e salvare la situazione. I film d’azione moderni si sono
evoluti dall’inizio del XXI secolo, dopo decenni in cui
Arnold Schwarzenegger, Sylvester Stallone e
Bruce Willis sono stati i protagonisti
indiscussi di questo genere.
Keanu Reeves e Tom
Cruise sono stati fondamentali nel superare i limiti
delle acrobazie e delle sequenze d’azione realistiche dagli anni
’90 ad oggi. Sono senza dubbio due delle più grandi star del
genere, che con i loro rispettivi franchise, John
Wick e Mission: Impossible, hanno conquistato il
pubblico sul grande schermo con la loro dedizione all’adrenalina.
Ma sono ben lungi dall’essere gli unici attori d’azione amati dal
pubblico.
Brad
Pitt, Charlize Theron, Ben
Affleck, Liam
Neeson, Glen
Powell, Gerard Butler, Ana
de Armas e Dwayne Johnson sono solo alcune delle
altre star che si sono dimostrate credibili e di successo in questo
campo. Ma uno degli ostacoli che tutti hanno dovuto affrontare è la
questione dei tempi. La maggior parte delle star dei film d’azione
impiega anni per girare nuovi film del genere, esplorando nel
frattempo altri generi. Questo ha permesso a un altro attore di
diventare il vero volto dei film d’azione in questo decennio.
Anziché prendersi anni di pausa tra
un film d’azione e l’altro, Jason Statham ha fatto di questo il fulcro
della sua carriera. Recita regolarmente in uno o più film all’anno
che mettono a frutto le sue specifiche abilità. Anche la sua
popolarità presso il pubblico ha contribuito a questo successo, e
Statham punta a replicarlo questa settimana con l’uscita del suo
nuovo thriller d’azione, Mutiny.
Mutiny di Jason Statham arriva al
cinema questa settimana: di cosa parla il film
Dopo due anni di sviluppo e
produzione, Mutiny arriverà nelle sale di tutto il mondo venerdì 21
agosto 2026. Lionsgate si occuperà della distribuzione negli Stati
Uniti, mentre Sky Cinema/StudioCanal gestirà la distribuzione
all’estero. Mutiny non sarà disponibile in formati premium, ma gli
studios contano sul talento di Statham, che con il suo solito
carisma lo renderà un successo autunnale, dopo il rinvio della data
di uscita originariamente prevista per il 9 gennaio 2026.
Mutiny vede Statham nei panni di
Cole Reed, un ex marine. La storia ruota attorno al suo tentativo
di vendicarsi di un’organizzazione di trafficanti di esseri umani a
bordo di una nave mercantile. Si imbarca clandestinamente per
aiutare a liberare le persone rapite, smascherare i capi e
dimostrare la sua innocenza, accusato ingiustamente di un
crimine.
Il cast di Mutiny, che ruota
attorno a Statham, include Annabelle Wallis (Peaky Blinders, Malignant), Jason Wong (Wrath
of Man), Roland Møller (Atomic Blonde), Arnas Fedaravicius (The Last
Kingdom) e Adrian Lester (Pene d’amor perdute). La Wallis
interpreta una donna a bordo della nave che aiuta Cole nei suoi
sforzi per salvare le persone. Wong e Møller sono due dei
principali antagonisti.
La presenza di Jean-François Richet
alla regia rafforza il potenziale di Mutiny come avvincente
thriller d’azione. Richet ha precedentemente diretto Plane, il film
d’azione del 2023 con Gerard Butler, che ha ottenuto un punteggio
del 78% su Rotten Tomatoes ed è stato un successo al botteghino.
Insieme a Statham, hanno realizzato questo film d’azione vietato ai
minori di 95 minuti con la speranza che il pubblico lo apprezzi al
cinema.
Jason Statham ha sempre offerto
film d’azione di successo negli anni ’20
Parte del motivo per cui
Jason Statham è una star del cinema d’azione così
affidabile è che il pubblico può contare su di lui per almeno
un’avventura diversa ogni anno. Ed è esattamente quello che ha
fatto per tutti gli anni ’20, girando ben otto film d’azione di
varia portata e qualità.
Ha saltato un film nel 2020 a causa
della pandemia, che ha segnato la prima volta dal 1999 che le sale
cinematografiche erano senza Statham, ed è stato assente anche nel
2022 a causa di cambiamenti di programmazione per Operation
Fortune: Ruse de Guerre di Guy
Ritchie. Ma a parte questo, ha avuto una o più occasioni per
menare le mani e farsi valere sul grande schermo.
Tra questi, spiccano il crudo
thriller d’azione di Ritchie, Wrath of Man, e la sua collaborazione
con David Ayer per il film di grande successo The Beekeeper, che ha
dato inizio a una saga di enorme successo. Entrambi i titoli hanno
ricevuto recensioni positive dalla critica e hanno incassato oltre
100 milioni di dollari in tutto il mondo. Sebbene in questo periodo
abbia partecipato a successi al botteghino ancora maggiori, come
Fast & Furious X (704 milioni di dollari) e Megan Thee Trench (398
milioni di dollari), è in film come The Beekeeper e Mutiny che
Statham dà spesso il meglio di sé.
Mutiny potrebbe essere la versione
di Jason Statham di Die Hard
Parte del fascino di Mutiny risiede
proprio nella sua somiglianza con Die Hard. Il classico d’azione
con Bruce Willis ha dato vita a un intero sottogenere di film in
cui un singolo uomo deve salvare persone e sconfiggere i cattivi in
un luogo specifico. Statham interpreta il suo Die Hard su una
barca, dopo aver visto Keanu Reeves farlo su un autobus in Speed,
Harrison Ford su un aereo con l’Air Force One e
molti altri.
La domanda per Mutiny è se riuscirà
a dare il via a un franchise per Statham, come Die Hard lo fu per
Willis. Quest’ultimo ha poi girato quattro sequel ed è diventato
un’icona del genere interpretando John McClane. Mutiny dovrà essere
un grande successo al botteghino perché ciò accada per Statham e
Cole Reed. Ma considerando il curriculum di Statham e il suo appeal
sugli amanti dei film d’azione, questo risultato non è da
escludere.
Mutiny non è il primo film
d’azione di Jason Statham del 2026
Dopotutto, Statham ha dimostrato di
essere ancora molto richiesto dal pubblico nel 2026, ancor prima
dell’uscita di Mutiny. All’inizio dell’anno ha recitato in un altro
film d’azione, Shelter. In questo thriller, Statham, al fianco di
Ric Roman Waugh, regista di Angel Has Fallen e Greenland,
interpreta Mason, che deve proteggere una giovane ragazza
dall’assalto di uomini pericolosi.
I risultati sono stati piuttosto
buoni. Shelter ha ricevuto recensioni positive dalla critica, con
un punteggio del 64% su Rotten Tomatoes. Il pubblico, tuttavia, lo
ha adorato, ottenendo un punteggio dell’87% su Popcornmeter e
incassando 54 milioni di dollari al botteghino mondiale.
Quest’ultimo risultato non è proprio all’altezza delle aspettative
di Black Bear, considerando il budget di 50 milioni di dollari, ma
è comunque un buon risultato dopo lo scarso interesse registrato in
America.
Mutiny si preannuncia come un
successo ben più grande per Lionsgate e Statham, e un promemoria
per tutti del suo enorme appeal tra i fan del genere.
Fortunatamente, con l’uscita del film nelle sale questa settimana,
tutti possono tirare un sospiro di sollievo sapendo che Jason
Statham è tornato per offrire altre divertenti scazzottate e
sequenze d’azione.
Il nuovo
spy thriller di Netflix con Henry Cavill e Kevin Hart continua a
costruire un cast di primo piano. Tre nuovi attori sono entrati nel
progetto ancora senza titolo diretto da McG: Jason Isaacs,
Justine Lupe e Aja Naomi King. Tra loro spicca
naturalmente Isaacs, indimenticabile interprete di Lucius Malfoy
nella saga cinematografica di Harry Potter, che
affiancherà Cavill e Hart in una storia intenzionata a mescolare
azione, spionaggio e commedia.
Secondo
quanto riportato da Variety, Netflix non ha ancora
rivelato quali personaggi interpreteranno i tre nuovi arrivati. La
premessa del film, invece, è già nota: Cavill e Hart saranno
due spie rivali le cui vite professionali
finiranno per scontrarsi con quelle private nel modo più
improbabile possibile. I due si ritroveranno infatti a frequentare
un corso Lamaze insieme alle rispettive mogli, che finiranno per
diventare amiche. Da quel momento, mantenere separati lavoro,
rivalità e famiglia diventerà sempre più complicato.
L’ingresso di
Isaacs, Lupe e King suggerisce soprattutto che Netflix stia
costruendo attorno alla coppia Cavill-Hart un ensemble più
importante di quanto la premessa iniziale potesse lasciar
immaginare. Il progetto sembra voler sfruttare il contrasto tra
l’immaginario da action hero di Cavill e la comicità di
Hart, utilizzando lo spionaggio non soltanto per costruire
sequenze d’azione, ma per mettere due professionisti abituati a
vivere nell’inganno davanti a qualcosa che non possono controllare
altrettanto facilmente: le proprie relazioni personali.
Il film Netflix può giocare
sull’immagine da action hero di Henry Cavill
Jason Isaacs
rappresenta il nome più immediatamente riconoscibile tra le nuove
aggiunte. L’attore britannico ha interpretato Lucius Malfoy
in sei film di Harry Potter, debuttando nel franchise con
Harry Potter e la Camera dei Segreti. La sua carriera
comprende però anche titoli come Armageddon, Il
patriota, Black Hawk Down e Peter Pan, oltre
a numerose produzioni televisive.
Più
recentemente Isaacs ha ottenuto nuove candidature agli Emmy e ai
Golden Globe grazie alla sua interpretazione in The White Lotus. La sua capacità di
muoversi tra personaggi autoritari, minacciosi e ironici potrebbe
adattarsi particolarmente bene al tono ibrido previsto per il nuovo
film Netflix.
Justine Lupe arriva invece dopo il successo di
Succession, dove interpretava Willa Ferreyra,
e dopo essere entrata nel cast della serie Netflix Nobody Wants
This. Aja Naomi King è conosciuta soprattutto
per How to Get Away with
Murder, oltre che per produzioni come Lessons in
Chemistry.
Dietro la
macchina da presa ci sarà McG, già regista di
Terminator Salvation e The Babysitter. La
sceneggiatura coinvolge Jonathan Tropper, Lizzie e Wendy Molyneux e
Adam e Aaron Nee. Anche il gruppo produttivo è particolarmente
ricco: tra i nomi coinvolti figurano Ryan Reynolds, Shawn Levy e lo stesso Kevin
Hart.
Per Cavill si
tratta inoltre dell’ennesimo progetto action di una fase
particolarmente intensa della sua carriera. L’attore è impegnato
anche nel reboot di Highlander, dove interpreterà Connor
MacLeod, mentre il live-action di Voltron è in
post-produzione.
Il film
Netflix potrebbe però permettergli di giocare in maniera più
esplicita con la propria immagine. Dopo ruoli estremamente fisici e
solenni, da Superman a Geralt di Rivia, una
spy comedy costruita sul contrasto con Kevin Hart può sfruttare
proprio quell’imperturbabilità come elemento comico. Molto
dipenderà dalla chimica tra i due protagonisti e dal ruolo che il
nuovo cast avrà nel complicare ulteriormente le loro doppie
vite.
Il nuovo spy thriller
Netflix con Henry Cavill e Kevin Hart non ha ancora una
data di uscita ufficiale.
C’è un film dimenticato di
Taylor Sheridan, disponibile in
streaming su Prime Video, che meriterebbe molta più
attenzione. Sheridan è noto soprattutto per il suo universo di
serie televisive, andate in onda quasi esclusivamente su Paramount,
con titoli come Yellowstone, 1883,Landman e The
Madison tra i suoi migliori lavori. Tuttavia, prima di
iniziare la sua carriera televisiva, scriveva e recitava in film,
tra cui il suo grande successo con il thriller Sicario nel 2015.
Due anni dopo aver scritto Sicario
e un anno prima del lancio di Yellowstone su Paramount, Sheridan ha
diretto il suo secondo film, Wind River. Jeremy Renner ed Elizabeth Olsen sono i protagonisti,
reduci dai loro ruoli nell’MCU, dove hanno interpretato
Occhio di Falco e Scarlet Witch. La trama segue
il ritrovamento del corpo di una giovane donna nativa americana,
scalza e morta, nella gelida e innevata riserva indiana di Wind
River, nel Wyoming.
Il film, un giallo neo-western, ha
riscosso un discreto successo al botteghino e ha ricevuto
recensioni estremamente positive, ma rimane oscurato dai film
successivi di Sheridan. Sheridan è ancora più noto per il suo
lavoro televisivo, nonostante abbia recitato in film come Sicario e Hell or High Water, ma Wind River meriterebbe molta
più considerazione.
Come Wind River di Taylor Sheridan
fonde Fargo, True Detective e altro
Wind River ha molto in comune con
film più noti, tra cui Fargo, e serie TV come True Detective. L’omicidio si svolge in un
paesaggio perennemente innevato del nord degli Stati Uniti, e il
Wyoming potrebbe essere altrettanto inospitale del Minnesota
descritto in Fargo. Prendete il paesaggio innevato e aggiungete il
brutale giallo che ricorda True Detective per ottenere il
massimo effetto.
Il film ruota attorno al mistero
della morte di una giovane donna nativa americana e alla difficile
interazione tra i due detective: Renner, un esperto tracciatore del
Servizio Pesca e Fauna Selvatica degli Stati Uniti, e Olsen,
un’agente dell’FBI con poca familiarità con il territorio. A ciò si
aggiungono i temi di Sicario, opera dello stesso Sheridan, in cui
un giovane agente speciale dell’FBI collabora con un ex procuratore
messicano, ora assassino, con legami con il governo
statunitense.
Tuttavia, Wind River offre molto di
più di un semplice paragone con altri film e serie TV.
Wind River è un film sottovalutato
di Taylor Sheridan
Sebbene non goda della stessa fama
di Sicario o Hell or High Water, Wind River è un film di ben altra
importanza. Sheridan ha scritto la pellicola per porre l’attenzione
sull’elevato numero di stupri e omicidi irrisolti di donne
indigene, sia all’interno che all’esterno delle riserve. Sheridan
ha persino aggiunto una didascalia alla fine del film che afferma
che le statistiche sulle persone scomparse vengono compilate per
ogni gruppo demografico, ad eccezione delle donne native
americane.
Gli attivisti hanno cercato di
sensibilizzare l’opinione pubblica sul legame tra tratta di esseri
umani a scopo sessuale, molestie sessuali, violenza sessuale e le
donne e ragazze che scompaiono e vengono assassinate. Uno degli
obiettivi di Sheridan con il suo film era raccontare la storia di
una donna che non è dissimile dall’ignoto numero di donne indigene
che vengono uccise ogni anno in Nord America.
Taylor Sheridan dovrebbe dirigere
più film come Wind River
Sono passati cinque anni da quando
Sheridan ha diretto un film, e la sua ultima opera è il thriller
d’azione “Those Who Wish Me Dead”. Il film, tratto dal romanzo di
Michael Koryta, racconta la storia di un ragazzino che assiste
all’omicidio del padre e fugge con una pompiere paracadutista
interpretata da Angelina Jolie nelle terre selvagge del
Montana. Nicholas Hoult e Aidan Gillen interpretano gli
assassini che danno la caccia al ragazzo.
Prima di questo, gli unici altri
film diretti da Sheridan erano “Wind River” e “Vile”, quest’ultimo
il suo debutto alla regia nel 2011. “Vile” è stato anche l’unico
film che ha diretto senza scriverne la sceneggiatura. Persino il
suo prossimo film, “Capture the Flag”, è un progetto di cui si
occupa solo della sceneggiatura e della produzione, e a giudicare
da “Wind River”, sembra che in futuro dovrà dedicarsi maggiormente
alla regia.
Che fine ha fatto il sequel di
“Wind River”?
È stato girato un sequel di “Wind
River”, ma non è ancora stato distribuito. Questo film è stato
girato tre anni fa e, sebbene Renner e Olsen non siano tornati e
Sheridan non ne abbia curato la sceneggiatura né la regia, rimane
tuttora inedito, senza una data di uscita prevista. Il film si
intitola Wind River: The Next Chapter e vede il ritorno di Martin
Sensmeier e Gil Birmingham nei ruoli di Chip e Martin Hanson.
Secondo Birmingham, Wind River 2 è
più un thriller e si differenzia notevolmente dall’originale, ma ha
anche affermato che è difficile classificarlo in un genere
specifico. Jason Clarke, che recita anch’egli nel film, ha
dichiarato che la produzione è bloccata da questioni legali, ma c’è
la speranza che arrivi presto. In ogni caso, Wind River è ora
disponibile su Prime Video e rimane un film che merita di essere
ricordato più a lungo di quanto non lo sia stato finora.
Se il reboot degli
X-Men dell’MCU dovesse includere Angel nel
cast, offrirebbe al pubblico qualcosa che nessun film del franchise
degli X-Men della Fox ha mai tentato di fare. Warren
Worthington III, alias Angel, è un membro originale degli
X-Men, avendo fatto il suo debutto insieme a Ciclope, Uomo
Ghiaccio, Jean Grey e Bestia nel numero 1 di X-Men del 1962. Ed è
rimasto fondamentale per la storia del team, come dimostrano i
decenni di avventure con il gruppo e tutti i cambiamenti e le sfide
che ha affrontato nel corso degli anni.
Finora, Warren Worthington III è
stato interpretato due volte in live-action. È stato interpretato
da Ben Foster in X-Men: Conflitto finale,
mentre Ben Hardy ha dato una diversa interpretazione del
personaggio in X-Men: Apocalisse. Mentre gli X-Men
classici dei film della Fox stanno tornando alla ribalta grazie a
Wolverine, Deadpool e all’imminente Avengers: Doomsday, non ci sono ancora
segnali che Angel avrà un ruolo nel ritorno del team sul grande
schermo.
L’assenza di un ruolo per Angel in
Avengers: Doomsday non ha senso, dato che non ha
contribuito molto alla trilogia originale degli X-Men, che sembra
essere il segmento del franchise della Fox a cui il nuovo film si
ispira maggiormente per quanto riguarda il ruolo degli X-Men.
Sarebbe, tuttavia, una scelta sensata per la generazione più
giovane di X-Men che sarà al centro del reboot dell’MCU del 2028.
Per ora, però, non c’è ancora alcuna conferma sul cast.
Al
D23 2026, la Marvel ha confermato l’inclusione di diversi
personaggi degli X-Men nel progetto: Ciclope, Jean Grey, Rogue,
Tempesta, Emma Frost, Professor Xavier e Mister Sinister. Anche se
si tratta di nuove incarnazioni del personaggio, le loro storie
saranno probabilmente familiari a chi ha seguito i precedenti film
degli X-Men, ma se Angel si aggiungesse al cast, potrebbe imboccare
una strada finora evitata da ogni adattamento cinematografico.
Angel è stato rappresentato male
nei film degli X-Men
È difficile, se non impossibile,
trovare un eroe degli X-Men rappresentato peggio sul grande schermo
di Warren Worthington III. Sia X-Men: Conflitto finale che X-Men: Apocalisse lo hanno
raffigurato con le sue iconiche ali, e nel primo film è stato
presentato come il figlio di un uomo ricco. Entrambi questi
elementi sono fedeli al personaggio originale, ma nessuno dei due
film lo ha approfondito a sufficienza o gli ha dato il costume di
“Angel” fedele al fumetto.
Sebbene abbia partecipato alla
battaglia finale al fianco degli eroi, il suo ruolo è rimasto di
supporto; non faceva parte della squadra e non aveva alcun legame
con l’accademia mutante del Professor Xavier. Apocalypse lo ha
deluso ancora più di X-Men – Conflitto finale, non dandogli nemmeno
la possibilità di mostrare le sue doti eroiche. Al contrario, si è
concentrato molto di più sul suo alter ego di Arcangelo, la forma
che assumeva quando era uno dei Quattro Cavalieri di
Apocalisse.
Il modo in cui i film degli X-Men
hanno gestito Angel è in netto contrasto con l’approccio adottato
per gli altri quattro eroi co-fondatori degli X-Men. Ciclope, Jean
Grey, Bestia e Uomo Ghiaccio hanno tutti avuto più di
un’apparizione cinematografica come membri del team degli X-Men.
Angel non ne ha ancora avuta una, nonostante i suoi anni come
personaggio chiave in diverse testate degli X-Men. Il tempo di
Angel sotto i riflettori è inoltre nettamente inferiore rispetto a
quello di molti dei membri successivi degli X-Men. Personaggi come
Kitty Pryde, Colosso, Tempesta, Nightcrawler e Rogue hanno tutti
fatto parte della squadra in almeno un film.
Angel è stato un elemento cruciale
nei primi giorni degli X-Men
I due maggiori contributi di Angel
alla mitologia degli X-Men sono la sua identità di “Arcangelo” e il
ruolo che ha avuto nel presentare gli X-Men ai lettori per la prima
volta negli anni ’60. Negli ultimi decenni, i fumetti si sono
popolati di decine di eroi X-Men da seguire per i fan, ma nell’Età
d’Argento della Marvel Comics c’erano solo cinque membri
principali, e Angel era uno di loro.
Angel era presente quando il team
affrontò le sue ormai storiche prime battaglie contro diverse
figure chiave della loro galleria di nemici, tra cui Magneto, Blob,
le Sentinelle e Juggernaut. Partecipò anche alle storie che
introdussero diversi personaggi importanti della Marvel, come
Ka-Zar, Quicksilver, Scarlet Witch, Banshee e Havok.
In quegli anni, Angel si integrò
perfettamente nel variegato cast dei fumetti degli X-Men, poiché
ogni personaggio proveniva da un diverso ceto sociale. A differenza
dei suoi compagni di squadra, Angel era cresciuto in una famiglia
benestante, il che influenzò le sue interazioni con gli altri
X-Men. Era anche coinvolto in un triangolo amoroso con Ciclope e
Jean Grey, poiché provava dei sentimenti per lei che non erano
ricambiati. Questa parte della storia del personaggio, tuttavia, è
stata abbandonata da tempo.
Angel potrebbe ancora essere uno
dei nuovi X-Men dell’MCU
Dopo la prima trilogia degli X-Men,
il franchise ha avuto una grande opportunità di rendere giustizia
ad Angel con X-Men: L’inizio, dato che si tratta di una storia
sulla “prima classe” di mutanti presi sotto l’ala protettrice del
Professor X. Ma invece di inserire Warren Worthington III nella
formazione iniziale degli X-Men, il film ha optato per includere un
altro mutante alato, Angel Salvadore. Considerando la giovane età
di molti degli attori del reboot degli X-Men dell’MCU, è probabile
che anche questo film sarà una storia sulle origini, che esplorerà
la formazione del team e le sue prime avventure.
Quindi, come X-Men: L’inizio,
potrebbe anche ignorare Angel. Considerando il casting di Rogue e
Storm, è evidente che il film non intende replicare fedelmente la
formazione originale degli X-Men dei fumetti Marvel, e l’assenza di
Angel in un altro adattamento è certamente plausibile. Detto
questo, il capo dei Marvel Studios, Kevin Feige, ha chiarito al D23 che il cast
annunciato non è definitivo. Altri personaggi potrebbero rivelarsi
membri del nuovo team e, se il cast aggiornato includesse Angel, la
formazione del reboot degli X-Men si troverebbe in un’ottima
posizione per essere unica rispetto a tutte le precedenti
incarnazioni.
C’è qualcosa di quasi sorprendente
nel modo in cui Oceania
arriva sul grande schermo in versione live action. Per una volta,
il passaggio dall’animazione alla realtà offre uno sguardo in più.
Il film diretto da Thomas Kail (qui
la nostra intervista) trova infatti una strada propria per
restituire l’energia, la bellezza e soprattutto l’incanto
dell’originale, mantenendo intatto quel senso di avventura che
aveva reso il viaggio di Vaiana uno dei racconti Disney più
riusciti degli ultimi anni.
Il risultato dipende soprattutto da
una scelta precisa: Oceania comprende che il suo mondo non
può essere ricostruito cercando un realismo assoluto.
L’acqua, i tatuaggi di Maui, le creature fantastiche e persino gli
elementi più spettacolari dell’isola continuano a vivere in una
dimensione sospesa tra cinema dal vero e animazione. È proprio lì
che il film trova il proprio equilibrio, permettendo alla nuova
versione di affiancarsi all’originale senza cercare di cancellarne
la memoria.
Catherine Laga’aia porta
Vaiana fuori dal cartone animato e dentro un mondo che conserva la
sua meraviglia
Oceania (live action) – Cortesia Disney
L’inizio di
Oceania richiede un breve adattamento
dello sguardo. Le immagini dell’isola di Motunui e la presenza di
attori in carne e ossa restituiscono inizialmente la sensazione di
assistere alla versione dal vivo di qualcosa che funzionava in
maniera più naturale attraverso l’animazione. Poi arriva Tala, la
nonna di Vaiana, interpretata da Rena Owen, e
quella rigidità iniziale comincia a dissolversi.
Tala possiede quella scintilla
ribelle e giocosa che rappresenta perfettamente lo spirito del
racconto: è il personaggio capace di aprire una porta verso
l’avventura e di ricordare alla nipote che dietro le regole della
comunità esiste un mondo ancora da scoprire. Subito dopo,
Catherine Laga’aia fa il resto. Al suo debutto
cinematografico, l’attrice entra nel ruolo di Vaiana con una
presenza luminosa, soprattutto nel momento in cui interpreta
“How Far I’ll Go”.
Lacanzone
diventa così una vera soglia narrativa. La voce di
Laga’aia porta con sé la stessa tensione emotiva dell’originale e
accompagna Vaiana verso quella parte di sé che non riesce più a
ignorare. Il suo desiderio di oltrepassare la barriera della
barriera corallina nasce dalla necessità di comprendere chi è
davvero e quale posto occupa nel mondo.
Il viaggio conserva quindi la
propria natura fiabesca, ma acquista una dimensione fisica nuova.
Il mare, l’isola e i personaggi sono presenti davanti alla macchina
da presa, mentre la componente fantastica continua a respirare
attraverso una costruzione visiva che rifiuta di separare
rigidamente reale e immaginario.
Il mare, i Kakamora e
Tamatoa trasformano Oceania in un universo sospeso tra live action
e animazione
È qui che la regia di
Thomas Kail trova la propria soluzione più
efficace. Il film comprende che la fedeltà all’originale passa
soprattutto dalla sua libertà visiva. Le onde cristalline che
sembrano dialogare con Vaiana, i Kakamora, il tatuaggio animato sul
corpo di Maui, il gigantesco Tamatoa e le trasformazioni del
semidio appartengono a un universo che conserva una forte
componente illustrativa.
L’effetto è particolarmente
riuscito perché questi elementi non vengono trattati come semplici
aggiunte digitali a un mondo realistico. Entrano invece nella
stessa grammatica visiva dei personaggi e dell’ambiente, creando
una dimensione fluida nella quale l’azione può passare dal concreto
al fantastico senza perdere continuità.
Il mare diventa così quasi un
personaggio, capace di accompagnare Vaiana, metterla alla prova e
comunicare con lei. Tamatoa conserva tutta la sua esuberanza,
mentre i Kakamora portano sullo schermo la loro energia caotica.
Anche il tatuaggio di Maui mantiene quella funzione narrativa e
comica che lo aveva reso memorabile.
È un equilibrio delicato, perché il
live action tende naturalmente a rendere più pesante ciò che
nell’animazione può essere leggero e immediato. Oceania riesce
invece a conservare una certa elasticità. Il risultato è un mondo
che sembra appartenere contemporaneamente a due linguaggi
cinematografici.
Dwayne Johnson è ancora
una volta Maui, e il suo ritorno è la vera intuizione del
remake
Oceania (live action) – Cortesia Disney
Il personaggio che più di ogni
altro dimostra quanto questa operazione possa funzionare è Maui.
Nel film d’animazione il semidio era già stato costruito attorno
alla personalità di Dwayne
Johnson, trasformandone la fisicità e il carisma in
una versione animata di se stesso. Nel live action accade qualcosa
di quasi paradossale: è l’attore reale a entrare dentro quella
rappresentazione.
Johnson torna così a interpretare
Maui con il corpo massiccio, i lunghi capelli ricci e
quell’atteggiamento da semidio permaloso, egocentrico e
irresistibilmente sicuro di sé. Il personaggio conserva la sua
natura contraddittoria: è una figura mitologica dotata di poteri
straordinari, eppure attraversata da un bisogno quasi infantile di
confermare continuamente la propria importanza.
La sua presenza restituisce anche
nuova energia al rapporto con Vaiana. I due si scontrano, discutono
e mettono costantemente alla prova le rispettive convinzioni. Il
loro conflitto diventa il vero motore drammatico del film, perché
dietro l’ironia e le battute esiste una questione molto più
importante: entrambi devono imparare a riconoscere nell’altro
qualcosa che da soli non riescono a vedere.
Johnson aggiunge inoltre una
leggera ruvidità al personaggio, una sfumatura che rende Maui
ancora più efficace. La sua arroganza diventa parte del
divertimento e, allo stesso tempo, un ostacolo che Vaiana deve
imparare a superare.
Le canzoni di Lin-Manuel
Miranda e Opetaia Foa’i confermano che la musica era già il cuore
di Oceania
Un altro elemento che il tempo ha
trattato particolarmente bene è la colonna musicale. A distanza di
anni, le canzoni di Lin-Manuel Miranda e
Opetaia Foa’i conservano una capacità sorprendente
di entrare nella storia senza appesantirla. La loro forza deriva
proprio dalla semplicità con cui accompagnano le emozioni dei
personaggi.
“Come Farò” rappresenta il
desiderio di Vaiana di spingersi oltre i confini conosciuti, mentre
i brani associati a Maui ne amplificano l’esuberanza. La musica
continua quindi a essere parte integrante della narrazione e non
una parentesi separata dall’avventura.
Anche per questo la storia mantiene
la propria efficacia. Vaiana deve affrontare il divieto imposto dal
padre, il capo Tui, e mettere in discussione la paura che ha
progressivamente chiuso la sua comunità dentro i propri confini. Il
viaggio oltre la barriera diventa così un percorso di formazione:
la protagonista deve capire che diventare una wayfinder
significa prima di tutto imparare ad ascoltare ciò che sente dentro
di sé.
La sua crescita passa attraverso
continue domande. Maui la mette alla prova, il mare la mette alla
prova, e soprattutto Vaiana stessa deve confrontarsi con le proprie
incertezze. È questo a rendere il personaggio più complesso di una
semplice eroina costruita intorno all’idea di emancipazione.
Oceania non sostituisce
l’originale: trova il modo di navigare accanto a lui
Il confronto con il film
d’animazione rimane inevitabile. Un remake come questo nasce dentro
la memoria dello spettatore e porta con sé immagini, canzoni e
personaggi già profondamente sedimentati. Alcuni momenti, come la
presenza di Te Kā o l’esplosione finale della vegetazione
attraverso Te Fiti, conservano volutamente una familiarità quasi
assoluta.
Ed è proprio questa fedeltà a
impedire al film di perdere la propria identità. Oceania non ha
bisogno di dimostrare che il live action sia superiore
all’animazione. Il suo risultato più interessante sta nella
capacità di costruire una nuova esperienza attorno a una storia già
conosciuta.
Il remake resta quindi
un’operazione difficile da giustificare sul piano della necessità
artistica, ma trova una sua ragione d’essere nella qualità
dell’esecuzione. Il mondo di Vaiana mantiene la sua bellezza, la
componente comica continua a funzionare e l’incanto fiabesco
sopravvive al passaggio dagli elementi disegnati agli interpreti
reali.
In questo senso, Oceania
raggiunge un risultato raro per questo genere di produzioni:
può vivere accanto all’originale. Il film
d’animazione conserva la sua unicità, mentre questa nuova versione
riesce a restituirne lo spirito attraverso un linguaggio
diverso.
E quando il mare torna a parlare
con Vaiana, l’avventura ritrova quella sensazione di meraviglia che
aveva reso il viaggio così speciale la prima volta. È forse questa
la vera conquista del film: aver capito che, per attraversare di
nuovo quell’oceano, serviva soprattutto lasciargli ancora spazio
per sorprendere.
Gli appassionati di film fantasy
potrebbero dover accendere Prime Video, dato che il servizio di streaming è
ora la casa di un’attesissima uscita che unisce Harry
Potter e Twilight. Il
fantasy è uno dei generi da sempre più popolari. Dopotutto, milioni
di persone in tutto il mondo ogni anno cercano film e serie TV con
mondi coinvolgenti in cui immergersi.
Alcuni dei franchise
cinematografici di maggior successo di tutti i tempi provengono dal
genere fantasy. Nel corso degli anni, i franchise di Harry Potter e
Twilight sono diventati sinonimo di universi fantasy di successo
per adolescenti e giovani adulti. Ancora oggi, entrambi rimangono
incredibilmente popolari, motivo per cui nuovi progetti di questi
franchise sono attualmente in fase di sviluppo su diverse
piattaforme di streaming.
Dopo il successo al cinema,
Harry Potter
arriva in TV con la serie reboot di HBO, in uscita il 25
dicembre, il regalo di Natale perfetto per gli appassionati di
serie TV fantasy. Per quanto riguarda Twilight, no, un altro film
con Robert Pattinson, Kristen Stewart e Taylor Lautner non
è in programma. Tuttavia, è in fase di sviluppo una serie animata
di Netflix tratta da Midnight Sun, il remake di Twilight
di Stephenie Meyer.
Detto questo, prima dell’arrivo
delle nuove serie TV di Harry Potter e Twilight sulle rispettive
piattaforme di streaming, gli appassionati di film fantasy
dovrebbero dare un’occhiata a The Mortal Instruments: City of Bones
su Prime Video.
The Mortal Instruments: City of
Bones mescola Twilight, Harry Potter e altri franchise YA.
Shadowhunters – Città di Ossa
attinge alle formule di altri franchise fantasy di successo per
giovani adulti per creare un mondo vasto e ricco di elementi
magici, intense storie d’amore e colpi di scena soprannaturali.
L’ispirazione più evidente del film proviene probabilmente dal
franchise di Harry Potter, dato che il romanzo da cui è tratto,
Città di Ossa, e l’intera saga sono opera di Cassandra Clare.
L’autrice è diventata famosa online negli anni 2000 per aver
scritto una fan fiction di Harry Potter, nota anche come Trilogia
di Draco, incentrata su Draco Malfoy, trasformandolo da cattivo in
antieroe.
Altri elementi di Harry Potter
presenti nel film includono il fatto che i Mondani, ovvero le
persone comuni, non possono vedere il mondo magico che li circonda.
Le bacchette magiche di Harry Potter sono state sostituite dalle
stele, e così via. Per quanto riguarda le ispirazioni di Twilight,
si possono vedere molti vampiri e lupi mannari aggirarsi per il
film, poiché sono fazioni che costituiscono una parte fondamentale
del Mondo Sotterraneo. Inoltre, il triangolo amoroso di The Mortal
Instruments: City of Bones ricorda molto quello di Twilight.
Abbiamo una ragazza metà umana e metà angelo divisa tra il suo
migliore amico umano e uno Shadowhunter.
Perché The Mortal Instruments non
ha funzionato come franchise cinematografico?
Nonostante la popolarità di altri
film per giovani adulti negli anni 2010, come i franchise di Hunger
Games e Maze Runner, The Mortal
Instruments si è concluso con il primo film. In termini pratici,
non c’era alcuna ragione finanziaria per realizzare un sequel. The
Mortal Instruments: City of Bones aveva un budget di 60 milioni di
dollari, quindi avrebbe dovuto incassare tra i 120 e i 150 milioni
di dollari per raggiungere il pareggio.
Il film fantasy ha finito per
incassare 95,4 milioni di dollari in tutto il mondo, non
raggiungendo nemmeno la stima minima. Nonostante un cast perfetto,
che include Lily Collins di Emily in Paris e Jamie Campbell Bower di
Stranger Things nei ruoli principali, con
altre star come Jared Harris e Lena
Headey, Shadowhunters – Città di Ossa ha cercato di introdurre
troppi elementi narrativi per la durata di un film, apportando
inoltre importanti modifiche al libro.
Shadowhunters (per lo più) ha
funzionato meglio in TV
Mentre l’avventura cinematografica
del franchise fantasy si è limitata a un solo film, Shadowhunters è
stato riproposto nel 2016 come serie TV, riscuotendo un grande
successo. La serie di Freeform ha rinnovato tutti i ruoli, con
Katherine McNamara al posto di Collins e Dominic Sherwood al posto
di Bower.
Shadowhunters è andata in onda per
tre stagioni e ha funzionato meglio del film perché ha avuto il
tempo necessario per esplorare a fondo la ricca mitologia e le
affascinanti ambientazioni del franchise fantasy. Shadowhunters
vanta un ottimo punteggio dell’80% di gradimento del pubblico su
Rotten Tomatoes. Pertanto, The Mortal Instruments: City Of Bones è
un ottimo progetto per gli appassionati di fantasy da guardare ora
su Netflix e da utilizzare come punto di partenza per poi fare una
maratona delle tre stagioni di Shadowhunters su Hulu negli Stati
Uniti.
Maldoror è stato
presentato in anteprima fuori concorso nel 2024 all’81ª Mostra
internazionale d’arte cinematografica di Venezia. Questo film del
regista Fabrice Du Welz è liberamente ispirato alla vicenda del
Mostro di Marcinelle. Il protagonista di questo true crime è Paul
Chartier, interpretato dal francese Anthony Bajon, un
poliziotto, che dopo la scomparsa di due bambine, viene assegnato a
un’unità segreta chiamata Maldoror con il compito
di sorvegliare un noto pedofilo.
La trama di Maldoror
Il Belgio si sta ancora
riprendendo, a distanza di decenni, dallo shock del terribile caso
di pedofilia di Marc Dutroux, condannato nel 2004 e avvenuto nel
1995. Maldoror, nome in codice dell’indagine e il nome che da il
titolo al film, è basato su questo agghiacciante caso che può
equivalere al nostro
Mostro di Firenze o al Killer dello Zodiaco, che negli anni
sessanta e settanta sconvolse la città di San Francisco. La
nuova recluta Paul, impulsivo giovane uomo la cui passione per la
professione cela anche il bisogno di prendere le distanze da un
passato travagliato, riceve una soffiata da una fonte locale
inaffidabile che lo mette in guardia su Marc Dutroux, l’attore
Sergi López, già condannato per stupro di minori nel 1989.
Nella città di Marcinelle, che fino
a quel tempo era conosciuta per il disastro della miniera di
carbone dove nel 1956 morirono 262 persone tra cui anche numerosi
lavoratori italiani, si vocifera che Dutroux stia costruendo una
cantina segreta, ma la burocrazia tra i vari dipartimenti impedisce
alla Gendarmeria di ottenere il mandato di
perquisizione necessario. Mentre le indagini procedono a rilento,
Paul sposa la sua fidanzata Jeannne ‘Gina’ Ferrara, interpretata da
Alba Gaïa Bellugi, con cui in seguito avrà un figlio. Tuttavia,
quando polizia disfunzionale non riesce a smascherare la rete
pedofila di cui Dutroux è solo la punta dell’iceberg, né a
risolvere la scomparsa delle due bambine, Paul si sentirà in dovere
di proseguire le indagini da solo. Nella sua lotta contro il
sistema che non ha funzionato, nella sua ricerca di giustizia,
influenzerà e allontanerà tutte le persone che lo circondano, anche
la sua famiglia si ritroverà risucchiato
in un’escalation solitaria e autodistruttiva.
Maldoror un thriller a
tinte oscure
La storia raccontata in Maldoror è
quella di un giovane idealista e della sua ricerca ossessiva che
combatte costantemente contro un sistema disfunzionale e corrotto.
Paul Chartier fin dall’inizio gli viene detto di seguire gli ordini
e accettare lo status quo ma quando vede che le rivalità tra le
organizzazioni separate, la Gendarmeria e la Polizia
Comunale, hanno portato al nulla si ritrova a sfidare qualsiasi
restrizione e combattere il Mostro da solo. L’impegno di Chartier
per il caso è il risultato anche del suo passato con padre che era
un noto criminale e la madre alcolizzata, che spiegano benissimo la
scelta del giovane di unirsi alla polizia proprio per rompere il
ciclo della sua storia familiare. Il suo matrimonio con Gina lo
trascinerà nell’abbraccio di una famiglia accogliente con radici
italiane in netto contrasto con la sua.
Nel thriller di Fabrice Du Welz si
mantiene la narrazione che ci rende consapevoli che l’istinto di
Chartier è ben fondato e che la storia non è solo quella di un
ripugnante pedofilo, ma che dietro c’è anche un traffico di minori
e pornografia che implica membri di alto rango intoccabili. Il
pubblico quindi si identifica nel protagonista e nella sua
frustrazione di non riuscire a salvare le vittime, interpretato
magnificamente da Anthony Bajon che colpisce con la sua
ottima performance. La fotografia è formata da una palette di
colori cupi e grigi con paesaggi industriali inzuppati di pioggia
che creano un senso di decadenza che esplora la natura del
male.
Per concludere
Maldoror, oltre la trama poliziesca, è
una denuncia alle disfunzioni istituzionali, agli errori giudiziari
che non si limita a raccontare l’indagine. Questo film è in grado
di far provare la frustrazione, l’ossessione e il sentimento di
impotenza che divora coloro, che come Paul, cercano di fare il loro
lavoro e condannare chi se lo merita.
Insidious –
Fuori dall’altrove introdurrà una nuova
interpretazione dell’Altrove, la dimensione soprannaturale
diventata il cuore della saga horror creata da James Wan e Leigh
Whannell. Il regista e sceneggiatore Jacob Chase
ha rivelato di aver imposto una regola precisa per tutte le
sequenze ambientate nell’Altrove: non esisterà alcuna fonte di luce
che non venga portata direttamente dai personaggi. Una scelta
apparentemente semplice che punta a recuperare l’estetica
essenziale e inquietante del primo Insidious, introducendo
contemporaneamente nuove possibilità narrative.
In
un’intervista esclusiva con ScreenRant, Chase ha spiegato di aver
ricevuto da Wan, Whannell e Jason
Blum la libertà di realizzare un film originale all’interno
dell’universo di Insidious. Il regista di Come
Play ha quindi deciso di tornare all’approccio visivo del film
del 2011, quando l’Altrove appariva come uno spazio quasi
completamente nero, esplorato attraverso torce e fonti luminose
limitate. In Insidious – Fuori dall’altrove, ogni luce
dovrà avere una giustificazione narrativa: torce, lampade frontali
o dispositivi portati dai protagonisti saranno l’unico modo per
vedere cosa si nasconde nell’oscurità.
La decisione
è importante perché arriva insieme a una trasformazione molto più
profonda della mitologia di Insidious. Con la storia della
famiglia Lambert considerata conclusa dopo The Red Door,
il nuovo film deve dimostrare che l’Altrove può continuare
a sostenere il franchise indipendentemente dai suoi protagonisti
originali. Gemma, la nuova protagonista, possiede infatti
una capacità che modifica uno dei meccanismi fondamentali della
saga: può attraversare quella dimensione e riportarne nel mondo
reale demoni e anime. Insidious – Fuori
dall’altrove sembra quindi voler fare due cose
contemporaneamente: conservare l’identità visiva dell’originale e
allargare radicalmente ciò che può accadere tra i due mondi.
L’Altrove diventa il vero elemento
capace di far sopravvivere Insidious senza i Lambert
Fin dal primo
Insidious, l’Altrove non è mai stato semplicemente un
luogo popolato da fantasmi. È una dimensione parallela nella quale
le anime possono muoversi attraverso la proiezione astrale e dove
entità ostili cercano un passaggio verso il mondo dei vivi. Josh e
Dalton Lambert, così come Elise Rainier, hanno permesso alla saga
di esplorarne progressivamente le regole.
La
conclusione della storia dei Lambert in Insidious – Fuori
dall’altrove obbliga però il franchise a cambiare
prospettiva. Chase ha spiegato di aver considerato chiuso
quell’arco narrativo, utilizzando proprio questa condizione per
costruire una nuova storia senza abbandonare gli elementi che da
fan riteneva essenziali.
La gestione
della luce diventa così qualcosa di più di una scelta estetica. Se
un personaggio può vedere soltanto ciò che riesce fisicamente a
illuminare, ogni esplorazione dell’Altrove può trasformarsi
in una costruzione della paura basata su ciò che rimane fuori dal
campo visivo. È lo stesso principio che rendeva
particolarmente efficace il primo film, realizzato con mezzi
relativamente contenuti ma capace di trasformare ambienti quasi
vuoti in luoghi profondamente minacciosi.
Gemma avrà
inoltre diversi strumenti per orientarsi nell’oscurità. I materiali
promozionali hanno già mostrato la protagonista utilizzare una
normale torcia, una lampada frontale e persino una piccola luce da
dito collegata alla sua professione odontoiatrica. Elise, che
tornerà nel nuovo capitolo, rimane invece associata alla sua
caratteristica lanterna.
Ma la vera
novità potrebbe essere proprio la capacità di Gemma di
trasportare fisicamente le entità dell’Altrove nel nostro
mondo. Finora la saga aveva stabilito limiti piuttosto
precisi al modo in cui gli spiriti potevano attraversare quella
barriera, generalmente attraverso possessioni o corpi lasciati
vulnerabili dalla proiezione astrale.
Cambiare
questa regola apre scenari completamente nuovi. Se Insidious:
Out of the Further funzionerà, il franchise potrebbe aver
trovato una strada per continuare senza limitarsi a replicare le
vicende dei Lambert: fare dell’Altrove stesso il centro di nuove
storie, lasciando ai futuri registi la possibilità di esplorarne
zone, entità e regole ancora sconosciute.
Insidious: Out of the
Further arriverà nelle sale il 21 agosto
2026.
Arriva nelle sale italiane il 19
agosto il live action Disney di Oceania,
diretto da Thomas Kail, regista vincitore di Emmy e Tony Award per
Hamilton. A interpretare Vaiana è
Catherine Lagaʻaia, mentre Dwayne
Johnson torna nel ruolo del semidio Maui, già doppiato
nell’animazione del 2016. Nel cast figurano anche John Tui,
Frankie Adams e Rena Owen,
rispettivamente nei ruoli di Capo Tui, Sina e Nonna Tala.
Portare Oceania dal mondo
dell’animazione a quello del live action ha significato per Kail
affrontare una sfida particolare: rispettare profondamente un film
amato dal pubblico senza limitarsi a replicarlo. Al centro del
lavoro c’è stata soprattutto l’attenzione alla cultura polinesiana,
sostenuta dalla collaborazione con linguisti, tatuatori,
costumisti, coreografi, esperti di navigazione e astronomi. Le
riprese alle Hawaii e la costruzione del grande villaggio di
Motunui hanno permesso inoltre di creare un ambiente capace di
restituire agli attori una dimensione concreta e autentica.
In questa intervista Thomas
Kail racconta il lavoro dietro il film, il rapporto con
Dwayne Johnson, la necessità di
rendere credibile ogni dettaglio del mondo di Vaiana e il ruolo
fondamentale della musica, firmata da Lin-Manuel Miranda,
Opetaia Foaʻi e Mark Mancina.
Quanto è stato importante girare
alle Hawaii per rispettare e rappresentare correttamente la cultura
polinesiana?
Questa è stata la nostra linea
guida: capire cosa potevamo fare per dare verità e giustizia alla
cultura polinesiana che stavamo mostrando sullo schermo. Siamo
stati molto fortunati perché abbiamo potuto contare su esperti di
diversi settori, dai linguisti agli artisti dei tatuaggi, che hanno
controllato e supervisionato tutto quello che vediamo nel film.
Hanno letto anche la sceneggiatura e ci hanno aiutato in ogni
aspetto, affinché la rappresentazione della cultura polinesiana
fosse il più possibile autentica.
Sono stati coinvolti i costumisti,
i coreografi e gli sceneggiatori, oltre a Dwayne stesso, che ha
radici polinesiane. Questo lavoro è avvenuto sia sul set delle
Hawaii sia ad Atlanta. In particolare, alle Hawaii c’era uno
spirito speciale che si poteva percepire continuamente. Quando
abbiamo girato le scene dell’oceano o quelle ambientate nella
giungla, non c’è nulla che possa sostituire lo spirito presente
realmente in quei luoghi.
Abbiamo poi costruito il villaggio,
che occupava una superficie grande almeno quanto sei o sette campi
da football, e ogni dettaglio aveva una funzione. Nella capanna
centrale, per esempio, c’erano dei drappi appesi alle travi e
ognuno raccontava una storia del villaggio. Tutto questo era
importante anche per gli attori, perché permetteva loro di
interagire con un set reale e, attraverso di esso, con una
tradizione prevalentemente orale.
Qual è stata la sfida più
grande nel trasformare Oceania in un film live
action?
Siamo qui perché amiamo il film del
2016. La prima cosa che volevamo fare era quindi fidarci di
quei personaggi e di quella storia, senza però avere paura di
prenderci delle libertà. Questo significava realizzare scene nuove,
introdurre nuove canzoni e anche capire che alcune cose che
funzionavano perfettamente nell’animazione potevano non essere
necessarie in un live action.
Anche i dialoghi richiedevano un
approccio diverso. Dovevamo tenere conto del respiro e del tempo
che esiste tra due persone quando parlano, qualcosa che
nell’animazione non ha lo stesso peso. Volevamo soprattutto
restituire Vaiana come una leader che esplora, cerca risposte e,
quando non conosce qualcosa, non ha paura di chiedere. Era
importante mantenere il suo amore per l’oceano e per la natura, che
rappresentava uno degli elementi fondamentali del film
d’animazione.
Allo stesso tempo, tutto ciò che
veniva ricostruito attraverso gli effetti visivi doveva risultare
credibile: il legno, il sudore, la polvere del villaggio. Abbiamo
lavorato a stretto contatto con i responsabili degli effetti visivi
proprio per ottenere questo livello di accuratezza. E, dato che il
film parla anche di navigazione, era fondamentale che persino il
cielo stellato fosse realistico. Sul set abbiamo quindi avuto anche
astronomi ed esperti di navigazione. È stato bellissimo imparare
tutte queste cose nuove e spero che il risultato conservi il cuore,
l’umorismo e lo spirito d’avventura dell’originale.
Dwayne Johnson aveva già
interpretato Maui nel film del 2016. Quanto ha avuto bisogno della
tua regia per tornare nel personaggio?
Dwayne non ha bisogno proprio di
niente da me! Ma c’era una differenza fondamentale: nel film del
2016 aveva interpretato Maui esclusivamente attraverso la voce,
mentre questa volta era chiamato a realizzare una performance
fisica, completamente diversa.
Nel nostro primo incontro mi ha
detto di essere una persona diversa rispetto a quando aveva
doppiato il personaggio e voleva scoprire in che modo questo
avrebbe influito sulla sua interpretazione. Voleva che tutto fosse
nuovo, che ci fosse una nuova energia. È stata una decisione molto
importante, perché ha contribuito a stabilire il tono dell’intero
lavoro e, in definitiva, anche quello del film.
Oceania (live action) – Cortesia Disney
Hai una grande esperienza con i
musical, ma questo è il tuo primo live action. In che modo pensi
che la musica aiuti a raccontare una storia?
Amo moltissimo i musical ed è una
domanda sulla quale mi interrogo spesso. In questo caso le canzoni
sono state composte da Lin-Manuel Miranda e
Opetaia Foaʻi, mentre Mark Mancina ha realizzato
la colonna sonora. Con Opetaia abbiamo avuto una vera e propria
voce del Pacifico, che ritorna in molte delle canzoni, mentre ci
sono anche brani che Lin ha scritto da solo.
Quello che amo delle canzoni di Lin
è la loro capacità di approfondire i personaggi e
contemporaneamente portare avanti la storia, creando così una
connessione con il pubblico. Credo che la musica sia una sorta di
mezzo di trasporto. Quando ascolti una canzone, puoi essere
riportato esattamente nel luogo in cui l’hai ascoltata per la prima
volta, ricordare con chi eri, cosa stavi facendo in quel momento.
Sono poche le cose capaci di produrre un effetto simile. Il cibo,
forse: penso alla scena di Ratatouille in cui un sapore
riporta Ego alla propria infanzia. La musica può fare esattamente
questo. Forse è anche per questo che tanta della musica che amiamo
di più è quella che abbiamo ascoltato quando eravamo
adolescenti.
La musica è il cuore del nostro
film. È lo strumento attraverso il quale conosciamo i personaggi e
attraverso il quale la storia procede. È questo che amo dei
musical: quando un’emozione è troppo grande per essere espressa
attraverso i dialoghi tradizionali, alziamo la nostra voce e la
trasformiamo in una canzone. Significa che stai accogliendo
quell’emozione e quei sentimenti.
È anche il motivo per cui vado al
cinema. Voglio essere intrattenuto e deliziato, voglio ridere,
voglio essere un po’ spaventato. Credo che attraverso la musica e
le canzoni si possa ottenere tutto questo.
Quanto era importante conservare
lo spirito dell’originale senza trasformare il live action in una
semplice replica?
Credo che la cosa più importante
fosse trovare un equilibrio. Non volevamo semplicemente ricreare il
film d’animazione, perché il live action ci offriva la possibilità
di esplorare questi personaggi e questo mondo attraverso una
prospettiva diversa. Ma, allo stesso tempo, non volevamo perdere
ciò che aveva reso Oceania così speciale.
Per questo abbiamo cercato di
mantenere il cuore della storia, il rapporto di Vaiana con
l’oceano, il suo desiderio di esplorare e il suo senso
dell’avventura, permettendo però al nuovo film di avere una propria
identità. Anche il lavoro sulla cultura polinesiana nasceva da
questa esigenza: non trattarla come uno sfondo, ma come qualcosa di
vivo e concreto, capace di influenzare ogni elemento della
produzione.
Il risultato finale, quindi, nasce
dall’incontro tra fedeltà e trasformazione?
Esattamente. Credo che questo sia
stato il nostro obiettivo fin dall’inizio. Oceania è
un film che conosciamo e amiamo, ma realizzarlo in live action
significava capire cosa fosse essenziale e cosa, invece, potesse
essere reinventato. Volevamo creare qualcosa che avesse ancora lo
stesso cuore, lo stesso umorismo e lo stesso spirito d’avventura,
ma che fosse anche un’esperienza nuova.
La speranza è che il pubblico possa
riconoscere ciò che ama dell’originale e, allo stesso tempo,
scoprire qualcosa di nuovo in questo viaggio.
Il futuro di
Jensen Ackles in Tracker è finalmente più chiaro dopo il
misterioso allontanamento di Russell Shaw nel finale della terza
stagione. Justin Hartley ha confermato che l’attore tornerà nella
quarta stagione della serie CBS e che il suo
rientro sarà direttamente collegato a una nuova situazione che
costringerà i fratelli Shaw a lavorare insieme. Una conferma
particolarmente significativa considerando i segreti che Russell
continua a nascondere a Colter.
Hartley ha
parlato del ritorno del collega durante Televerse
2026, rivelando che Ackles sarebbe tornato sul set già la
settimana successiva. Il protagonista di Tracker ha
elogiato il lavoro dell’attore e ha anticipato anche qualcosa sulle
circostanze del ritorno di Russell: sarà proprio lui ad avere
bisogno dell’aiuto di Colter per affrontare un problema che
coinvolgerà anche uno dei suoi amici. La quarta stagione debutterà
negli Stati Uniti su CBS il 4 ottobre 2026.
La conferma
risolve quindi il dubbio sulla presenza di Ackles, ma non il
problema più importante lasciato dalla terza stagione. Russell si è
allontanato dopo aver chiesto a Reenie di mantenere un segreto e,
soprattutto, dopo aver nascosto alcune verità sul padre dei
fratelli Shaw con l’intenzione di proteggere Colter. Farlo tornare
perché questa volta è lui ad aver bisogno del fratello ribalta
efficacemente la loro dinamica: Colter potrebbe accettare di
aiutarlo prima ancora di conoscere completamente ciò che Russell
gli ha tenuto nascosto.
Il ritorno di Russell può riaprire
il conflitto più personale di Tracker
Russell Shaw
è diventato progressivamente qualcosa di più di una semplice guest
star. Jensen Ackles è apparso almeno una volta in ogni stagione di
Tracker dal debutto della serie nel 2024, mentre nella
terza stagione la sua presenza è aumentata fino a raggiungere
quattro episodi, il numero più alto registrato
finora.
Il rapporto
con Colter rappresenta soprattutto uno dei pochi elementi capaci di
spostare Tracker dalla struttura procedurale del caso
settimanale verso una storia profondamente personale. I due
fratelli condividono un passato familiare ancora pieno di zone
d’ombra e Russell ha dimostrato di essere disposto a prendere
decisioni al posto di Colter quando ritiene che conoscere la verità
possa danneggiarlo.
Hartley ha
spiegato che proprio questo elemento continuerà ad avere
conseguenze. Russell aveva scelto di tenere Colter fuori da
determinate questioni per proteggerlo, ma nella quarta stagione
sarà costretto a tornare e chiedergli un favore sfruttando proprio
le capacità che hanno reso suo fratello uno dei migliori
tracker.
La
collaborazione potrebbe quindi produrre una tensione interessante:
Colter dovrà aiutare Russell mentre tra i due rimane ancora
qualcosa di irrisolto. E se il nuovo caso dovesse
intrecciarsi con i segreti della famiglia Shaw, il ritorno potrebbe
diventare molto più importante di una semplice apparizione
speciale.
La presenza
sempre più frequente di Ackles continua inoltre ad alimentare le
discussioni sulla possibilità di uno spin-off dedicato a
Russell Shaw, ipotesi circolata più volte negli ultimi
anni ma mai concretizzata ufficialmente. Gli impegni dell’attore
rimangono numerosi, soprattutto considerando il suo coinvolgimento
in Vought Rising, prequel di The
Boys previsto per il 2027. Il suo ritorno in Tracker
4 dimostra però che Russell continuerà almeno per ora ad avere
un ruolo nella storia di Colter.
Tracker 4
debutterà negli Stati Uniti su CBS il 4 ottobre
2026.
Maldoror un thriller a
tinte oscure
Qual è stata la sfida più
grande nel trasformare Oceania in un film live
action?
